Madrid – Desde la compañía española Recover, empresa especializada y reconocida dentro de la industria como una de las empresas líderes y de referencia en la producción global de fibras de algodón reciclado, han informado en el día de hoy de haber llegado a un acuerdo de asociación con la compañía textil turca Ünteks Group. Una nueva alianza que suman a su histórico, y desde la que ambas trabajarán y colaborarán para impulsar el uso del algodón reciclado dentro del ecosistema de la industria textil y de la moda.

Según han entrado a detallar desde la empresa española, en virtud de esta alianza el grupo turco Ünteks Group pasará a emplear como materia prima de sus procesos industriales el algodón reciclado de Recover, para a partir de él empezar a dar forma a una distinta serie tanto de prendas como de tejidos de punto. Una oferta que se concentrará en torno a una colección propia dentro de su surtido; propuesta que se irá ampliando a medida que se decida ir expandiendo esta colección de fibras y de prendas, contribuyendo así a ese objetivo que se persigue bajo el paraguas de esta alianza, y que no resulta en otro que el de trabajar en favor del escalado a nivel industrial del algodón reciclado de Recover.

Manteniendo el foco de atención sobre ese propósito, ambas compañías pondrán a trabajar sus respectivas capacidades y experiencias, la una como empresa especializada en la fabricación de algodón reciclado; la otra como un grupo integrado verticalmente desde el que cuentan con la capacidad para abarcar todo el proceso que va desde la confección de los tejidos, al teñido, la impresión y la fabricación de la prenda final. Unas tareas para las que desde su planta de producción en Turquía, y contando con el aval que le merecen los más de 30 años de experiencia que atesora a sus espaldas, Ünteks Group dispone de una capacidad de producción que alcanza actualmente hasta las 1 500 toneladas de tejido, y el millón de prendas al mes. Un volumen que, sumándose al valor diferencial que el fabricante textil turco puede aportar por su cercanía a las empresas europeas del sector moda, hacían de ella el perfecto socio para firmar esta nueva alianza con Recover, y de su mano contribuir a sus pretensiones de acelerar en la penetración a escala industrial de sus fibras de algodón reciclado.

Además de esa cercanía, y de esa escala industrial, “una de las principales fortalezas de Ünteks es su capacidad para transformar tejidos de punto circular en prendas terminadas con un alto nivel de consistencia”, no ha dudado en querer remarcar Matthew Neville, director comercial de Recover. Una suma de fortalezas y características diferenciales que “los convierte en un socio ideal para nuestra colección” de fibras recicladas, para las que Recover trabaja desde el objetivo de “convertir el algodón reciclado en productos para el día a día en los que las marcas puedan confiar a gran escala”. Y en esa intención, sintetizan desde la compañía española, “al combinar la innovación con la fabricación a escala industrial, Recover y Ünteks Group están amplificando el papel del algodón reciclado en la confección circular de prendas de punto, introduciendo materiales sostenibles en categorías de productos de uso cotidiano”.

Con un mínimo de un 20 por ciento de algodón reciclado

Lejos de estar exenta de riesgos, la implementación de fibras de algodón reciclado dentro de las cadenas tradicionales de producción textil resulta en un proceso complejo que, si no se cuida como es debido, se traduce en piezas de baja calidad que no son capaces de responder a las necesidades de uso que demandan los consumidores, y por tanto las mismas firmas y operadores del sector textil y de la moda. De ahí la importancia de las fases previas de estudio y análisis que llevan a cabo compañías especializadas en investigación e innovación textil, como Recover, desde donde, y para el caso que nos ocupa, garantizan que todos los tejidos y las prendas que fabricará Ünteks Group bajo el paraguas de esta asociación, incluirán un mínimo de un 20 por ciento de algodón reciclado de Recover. Un porcentaje que, enfatizan desde la compañía española, permite ofrecer el perfecto equilibrio entre rendimiento, consistencia y menor impacto ambiental, para unas prendas y tejidos que además ofrecerán una mayor trazabilidad.

“En los tejidos de punto circular, pequeñas variaciones pueden afectar al comportamiento de la tela durante las fases de producción”, apunta a este respecto Hakan Kılıç, CEO del turco Ünteks Group. Y teniendo esto bien presente y en consideración, añade, “gran parte de nuestro trabajo con Recover ha consistido en ajustar y perfeccionar cada paso” de todo el proceso, para así poder garantizar “que el material funcione de manera uniforme, desde el tejido hasta la prenda terminada”.

En un panorama de marcas a menudo dominado por tonos sobrios y neutros, King Louie ha apostado conscientemente por el color, el carácter y un sello propio reconocible. Con la colección SS27, la firma subraya de nuevo esa posición: audaz, accesible y siempre fácil de llevar. Los estampados siguen siendo una parte fundamental e importante de la colección, desde diseños gráficos de inspiración retro hasta divertidos motivos florales y geométricos.

La colección gira en torno a la vita è bella: el disfrute de los pequeños momentos del verano. El ambiente relajado de la costa italiana se traduce en un armario tan fácil de llevar como de combinar, perfecto tanto para un paseo junto al mar como para un día en la ciudad.

La clave reside en el equilibrio. Suaves tonos pastel como el rosa, el amarillo, el menta y el lila constituyen la base, mientras que los estampados vibrantes y los diseños alegres aportan energía y un carácter distintivo. Los azules mediterráneos y los rojos baya intensos añaden contraste. El resultado son looks superpuestos que funcionan de manera intuitiva: naturales, versátiles y llenos de personalidad.

King Louie ha conversado con FashionUnited sobre la filosofía que inspira la colección SS27: "Nuestra colección debe sentirse intuitiva. Coges algo del armario, lo combinas y, simplemente, funciona".

Textura, color y versatilidad

Los materiales y los acabados refuerzan la sensación de comodidad y libertad que impregna toda la colección. Tejidos vaporosos, suaves jerseys y ricas texturas de punto se unen para crear un armario agradable de llevar y fácil de combinar.

El denim sigue siendo un pilar fundamental, con las calidades de siempre junto a nuevas mezclas más suaves y acabados en colores frescos. Las prendas de punto añaden textura, superposiciones y un toque lúdico con hilos ligeros, estructuras sutiles y las características rayas. Las chaquetas y las prendas de abrigo ligeras aportan un carácter extra con siluetas llamativas que siguen siendo ponibles en el día a día.

Siluetas y estilismo

Las siluetas también desempeñan un papel clave en la versatilidad de la colección. Los conjuntos coordinados (co-ord sets) son un elemento destacado, desde combinaciones de blusa y pantalón corto hasta conjuntos de culotte y dos piezas de bordado. Los vestidos y monos completan la oferta, con formas fluidas y femeninas, detalles de espalda descubierta y calidades ligeras y vaporosas para el clima cálido.

El resultado es una colección en la que el color, los materiales y las formas se fusionan en un conjunto versátil que transita sin esfuerzo desde el inicio de la primavera hasta el apogeo del verano.

Un complemento audaz en un mercado neutro

Precisamente por su uso del color y su sello reconocible, King Louie se distingue en un panorama minorista a menudo sobrio: “La marca aporta energía e impacto visual, sin sacrificar la funcionalidad y la facilidad para combinar las prendas”, afirma King Louie.

En el entorno retail, King Louie garantiza una presencia visual, una mezcla de productos coherente y un equilibrio entre piezas llamativas (statement pieces) y prendas para el día a día. La firma combina fácilmente tanto con marcas minimalistas como informales y, al mismo tiempo, la colección tiene fuerza por sí sola.

Diseñada para toda la temporada

La colección SS27 fluye con naturalidad desde los primeros días de la primavera hasta el punto álgido del verano. La paleta de colores, que va desde blancos frescos y pasteles suaves hasta cálidos tonos arena y azules intensos, refuerza esa sensación de continuidad.

Con la colección SS27, King Louie sigue construyendo sobre su conocido ADN vintage, a la vez que continúa innovando en color, materiales y estilismo: una oda contemporánea a la belleza de lo cotidiano.

La concept store y galería milanesa 10 Corso Como acogerá Viktor&Rolf. Spectrum, la primera exposición individual en Italia dedicada al dúo de diseñadores holandeses Viktor Horsting y Rolf Snoeren. La muestra podrá visitarse del 25 de septiembre al 22 de noviembre de 2026 en la galería situada en la calle que da nombre a la tienda, en el centro de Milán, y la entrada será gratuita.

La exposición presentará veinte looks de Alta Costura que abarcan más de tres décadas de diseño, presentados en parejas en lugar de en orden cronológico, una estructura que refleja el ethos de diseño y el método de investigación del dúo, ambos arraigados en la dualidad. Viktor&Rolf han explorado con frecuencia el contraste: el desorden social radical frente a la belleza segura (lemas “meme” en vestidos de tul para la colección de Alta Costura de primavera 2019), o la elegancia clásica desequilibrada (la colección de 2023, titulada Late Stage Capitalism Waltz, presentaba vestidos de baile de tul girados de lado y boca abajo). La puesta en escena en Milán se inspira en esta interacción de conceptos opuestos y performativos.

Comisariada por Alessio de Navasques, profesor de Archivos de Moda en la Universidad Sapienza de Roma, la muestra ha sido creada específicamente para el espacio de la galería por la maison Viktor&Rolf. La iniciativa partió de Tiziana Fausti, quien adquirió 10 Corso Como en septiembre de 2020, como un proyecto especial para conmemorar el 35 aniversario de la tienda y su visión de la institución de diseño como un “laboratorio” dedicado al lenguaje contemporáneo.

Viktor Horsting y Rolf Snoeren fundaron su casa de Alta Costura en París en 1993, poco después de graduarse en la academia de diseño de Arnhem, ahora ArtEZ. Conocidos por fusionar la Alta Costura con el arte contemporáneo y la performance, su trabajo forma parte de las colecciones permanentes del Metropolitan Museum of Art, el Victoria and Albert Museum y el Kyoto Costume Institute.

La exposición llega tras la muestra de 2024 de 10 Corso Como, Yohji Yamamoto. Letter to the Future, que atrajo a más de 20.000 visitantes durante los dos meses que estuvo abierta.

Madrid – La multinacional deportiva de origen murciano Pádel Nuestro continúa ampliando su huella comercial, e inauguraba a finales de este pasado mes de mayo su nueva “flagship store” en Barcelona. Una tienda que, lejos de quedar ahí, se erige en el perfecto ejemplo de cómo la compañía está tratando de dirigir su particular ofensiva sobre el canal físico, con el foco puesto en la “experiencialidad” como base de la experiencia de compra que buscan ofrecer a su creciente comunidad de clientes, desde establecimientos como el que acaba de abrir sus puertas en Mánchester. El primero de la compañía en Reino Unido.

Fundada en el año 2009 en la localidad murciana de Alcantarilla por el triunvirato de emprendedores formado por Isabel Cancho, José Ignacio Simón y Pascual López, Pádel Nuestro iniciaba entonces su andadura como compañía especializada en el universo del pádel. Un segmento del mundo del deporte al que se mantiene enfocada, pero desde una actividad comercial sobre la que no obstante la compañía comenzaba a trascender más allá de su primera tienda, y tras comenzar a consolidarse en el ecosistema digital como plataforma de referencia para los amantes del pádel, con una primera ofensiva sobre el medio físico. Unos primeros puntos de venta en el canal “off line” para los que daban un paso decisivo con la inauguración, en enero de 2014, de su primera tienda en Madrid, en la localidad de San Sebastián de los Reyes. Un establecimiento con el que la compañía pasaba a superar ya las 6 tiendas en España, como resultado de la ejecución de la primera fase de un plan de crecimiento y expansión para el que marcaban otro nuevo hito con el anuncio, en febrero de 2016, de la apertura en Madeira de su primera tienda internacional fuera de España. Una inauguración a la que no le tardaron en seguir nuevas aperturas en España, Portugal, Andorra, Bélgica, Italia, los Países Bajos, Suecia, Chile, Paraguay y Dubái, con las que Pádel Nuestro alcanzaba la cifra de las 70 tiendas para finales de 2021.

Con justamente el objetivo de acelerar esa expansión, y el de apuntalar la compañía como líder en el mercado mundial del pádel, en agosto de aquel mismo 2021 Pádel Nuestro era adquirida por el holding de inversión Backspin Capital Investments, de Íñigo Colomina, fundador y director ejecutivo de GTAK Capital. Firma española de banca de inversión especializada en operaciones de M&A, captación de capital e inversión en compañías de alto crecimiento, desde la que actualmente mantienen inversiones en empresas como Playtomic, Trainingym o La Fábrica de Camisas. Una operación, la de la compra de Pádel Nuestro, que conducía a la entrada de Colomina como nuevo consejero delegado de la compañía, y a la de Emilio Colomina, socio igualmente de Backspin Capital Investments y GTAK Capital, como director de operaciones; y a la de Alfredo Nicolás, socio de Backspin, como director de la división Propadelgroup bajo la que se integraban las marcas propias de productos de Pádel Nuestro, como Siux o Vision. Un portafolio que, ya bajo la propiedad de Backspin, el recién configurado como Grupo Pádel Nuestro ampliaba, con la adquisición para diciembre de 2021 del grupo madrileño Definetely Time2Padel, propietario de las plataformas de comercio online Time2Padel y Padelmanía, así como de la marca Mystica.

Tras renovar su apuesta por el crecimiento “off line” y dar la bienvenida a una nueva imagen corporativa, en julio de 2022 la firma de capital riesgo de origen belga Ergon Capital Partners —rebautizado como Apheon en junio de 2023— anunciaba la adquisición de una participación mayoritaria del Grupo Pádel Nuestro. Operación realizada a partir de una ampliación de capital y la adquisición de participaciones, y respaldada por las nuevas inversiones en la compañía de Colomina, del resto de los miembros del equipo directivo de la empresa, y de la gestora española de inversión Inveready, que conducía además a un reajuste en la dirección de Pádel Nuestro. Empresa que a partir de entonces pasaba a quedar bajo la dirección de Rafael Martínez-Avial, con eso sí Íñigo Colomina manteniéndose como presidente ejecutivo.

Como última actualización sobre la propiedad de la compañía, aunque sin implicar variación sobre las participaciones de cada uno de sus socios inversores, entre los que tras la entrada de Apheon se confirmó que no se encontraban ninguno de los tres fundadores originales de la empresa, para abril de 2024 se informó de una reestructuración del negocio con la disolución de la sociedad Pádel Nuestro y la constitución de Grupo Pádel XXI como nueva sociedad principal del grupo, participado en su 100 por ciento por la sociedad Topco Padel, presidida por Íñigo Colomina y con Pablo Álvarez como vicepresidente, en representación de Apheon.

Con el foco en la experiencialidad

Contando con Sascha Beyer en el cargo de director ejecutivo desde marzo de 2024, tras este viaje desde los orígenes de la compañía, llegamos ya hasta un momento actual en el que, este pasado mes de mayo de 2026, la compañía abría las puertas de su nueva “flagship store” en Barcelona. Un establecimiento de 300 metros cuadrados, distribuidos en dos plantas, ubicado en el número 257 de la calle del Rosselló de la Ciudad Condal, y para cuya apertura la cadena deportiva llegó a contar con la presencia de figuras como Agustin Tapia, número uno de la clasificación mundial del pádel; o Felipe Ródenas, presidente de la Federación Catalana de Pádel; así como con la asistencia de más de 300 amantes del deporte.

Enmarcándose su apertura dentro del plan de expansión de Pádel Nuestro, una hoja de ruta a través de cuya ejecución la compañía española aspira a seguir ampliando su presencia tanto en España como en una distinta serie de estratégicos mercados internacionales, lejos de resultar en una apertura más, la de Barcelona ha llegado para terminar de descubrir la estrategia por la “experiencialidad” sobre la que la empresa mantiene por objetivo apuntalar su ofensiva global sobre el canal minorista físico. Una apuesta que, enfatizan, permitirá a Pádel Nuestro ya no únicamente reforzar su red comercial física, sino además ganar capilaridad y estrechar sus conexiones con los amantes del pádel, a través de una experiencia de compra adaptada a las nuevas demandas de los amantes del deporte.

En ese propósito, y como arquetipo de la experiencia de compra que la firma va a replicar, y que está replicando, desde sus distintos puntos de venta, la tienda ha sido concebida como un espacio en el que se combina la exposición de los productos de la oferta de Pádel Nuestro, con servicios “experienciales” para una enriquecida e inmersiva experiencia de compra. Servicios entre los que se encuentran los de un asesoramiento especializado por parte del personal de tienda, a toda una serie de diferentes experiencias y activaciones dirigidas de manera concreta para la comunidad de jugadores de pádel. Unas activaciones estas para las que la tienda cuenta además con un diseño que permite adaptarla para acoger desde presentaciones de productos, a encuentros con jugadores profesionales o toda otra clase de distintas acciones que, está previsto, a lo largo de todo el año vayan poniéndose en marcha por parte de las principales marcas del sector.

“Barcelona es una ciudad con mucha afición al deporte de raqueta, y para Pádel Nuestro era fundamental estar cerca de esa comunidad”, apunta María Victoria Castillo, directora general de Pádel Nuestro, a lo largo de unas declaraciones facilitadas desde la misma compañía deportiva. En ese compromiso, añade, “con esta ‘flagship’ damos un paso más en nuestra apuesta por el crecimiento del pádel”, y es que "no solo abrimos una tienda, sino un espacio donde los jugadores puedan encontrar el mejor asesoramiento, descubrir las últimas novedades y vivir una experiencia que va más allá de la compra”.

Entrada en Reino Unido, desde Mánchester

Tras la inauguración en Barcelona la cadena Pádel Nuestro pasaba a alcanzar la cifra de las 29 tiendas operativas en España, como parte de una red comercial que alcanza ya —entre tiendas propias y franquiciadas— las 68 tiendas en todo el mundo, tras la inauguración a principios de este mes de julio de la nueva tienda de la compañía en Mánchester. Una apertura que por su lado llega para marcar un nuevo hito igualmente para la compañía, como la primera tienda de Pádel Nuestro que pasa a operar en Reino Unido.

Con presencia actualmente, y tras sumar este nuevo mercado, en 18 países de las diferentes regiones del mundo, y en concreto en Emiratos Árabes Unidos, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, Egipto, España, Francia, Reino Unido, Italia, Marruecos, México, Panamá, Perú, Portugal, Serbia, Venezuela y Sudáfrica, la tienda se encuentra ubicada Cheetham Hill, en un parque comercial al norte del centro urbano de Mánchester, en las inmediaciones del centro comercial Manchester Fort. Una ubicación en la que, bajo el paraguas de la marca Pádel Nuestro, y ofreciendo esa misma experiencia de compra “experiencial” que está tratando de ofrecer la compañía desde sus distintos puntos de venta, ha pasado a abrirse la que ya se presenta como la tienda especializada en pádel más grande de toda la ciudad.

“El pádel en Manchester, y en el conjunto del Reino Unido, todavía está en una fase muy inicial si se compara con países como España, pero el crecimiento es evidente” y “cada vez se abren más pistas, más gente prueba el deporte, y los clubes empiezan a notar una demanda real”, apuntan desde la compañía española. En este contexto, “aunque el Reino Unido todavía tiene camino por recorrer en instalaciones, formación, competiciones y visibilidad general”, y “en comparación con otras partes de Europa, esa misma diferencia” con respecto al resto de países europeos “es la que abre una oportunidad enorme”, para Pádel Nuestro, y para Mánchester, que “como ciudad deportiva por naturaleza”, destacan, “tiene todo para convertirse en una de las regiones más fuertes del pádel británico”.

De otra parte, y para lo que respecta de manera particular a la compañía, la apertura, al igual que la de Barcelona, hay que enmascarar en “el plan de expansión de Pádel Nuestro, que continúa ampliando su presencia tanto en España como en mercados internacionales”. Una ofensiva para la que “la compañía busca reforzar una red comercial que combine capilaridad física, especialización técnica, y una experiencia de compra adaptada a las nuevas demandas de los consumidores deportivos”.

Con motivo de su junta general de accionistas (JGA), celebrada hoy en Londres a las 9.30 horas (hora británica), la firma británica de calzado Dr. Martens plc ha publicado una actualización comercial en la que confirma que su rendimiento operativo desde el inicio del ejercicio fiscal en curso ha estado en línea con las expectativas de la dirección.

En consecuencia, el grupo ha mantenido completamente sin cambios sus previsiones y perspectivas de mercado para el ejercicio fiscal 2027 (FY27).

La dirección ha confirmado que la compañía sigue en camino de cumplir los objetivos estratégicos establecidos para el FY27, entre los que figuran impulsar una combinación de ingresos a precio completo en el Reino Unido y en las regiones de Alemania, Austria y Suiza, así como el lanzamiento de nuevos conceptos de tienda en ciudades clave de todo el mundo.

Además de estos objetivos geográficos y comerciales, la marca se prepara para introducir con éxito una innovadora nueva línea de sandalias. La compañía también tiene previsto aprovechar nuevas ventajas organizativas derivadas de su modelo operativo corporativo y de su infraestructura tecnológica.

En cuanto al rendimiento por regiones, el mercado más importante para la marca, Estados Unidos, continúa registrando crecimiento. La compañía ha calificado de especialmente alentadora la actividad mayorista en ese país. En Asia, sus principales mercados —Japón y Corea del Sur— evolucionan favorablemente. Por su parte, los mercados europeos están rindiendo en línea con las expectativas corporativas, en un contexto de consumo que la propia compañía ha descrito como exigente.

Dr. Martens opera en más de 60 países y cuenta con aproximadamente 3.600 empleados en todo el mundo. La compañía mantiene vivo su legado de fabricación nacional a través de su línea de calzado Made in England, elaborada en su fábrica original en Northamptonshire. La demanda global de los consumidores se atiende a través de múltiples centros de producción ubicados en Asia.

La marca distribuye sus colecciones a través de canales directos al consumidor (direct-to-consumer, D2C), que incluyen tanto tiendas propias como plataformas de comercio electrónico, así como a través de redes mayoristas. Su oferta de producto abarca desde siluetas icónicas como la bota '1460' y el mocasín 'Adrian' hasta líneas de calzado contemporáneas, una colección dedicada a los más pequeños y pequeña marroquinería.

Madrid – Continúan este miércoles, 15 de julio, las celebraciones por la segunda edición anual de Km0 Moda. La feria sectorial organizada por la Asociación de Empresas de Confección y Moda de la Comunidad de Madrid (Asecom) que, en esta ocasión durante las jornadas de este martes 14 y miércoles 15 de julio, está reuniendo en la capital a representantes de todos los sectores que conforman la industria de la moda española.

Contando justamente como principal factor diferenciador con esa naturaleza en 360 grados, tomando el relevo de la edición celebrada durante los días del 26 y 27 de enero, este martes abría sus puertas en el histórico Palacio de Santoña de Madrid la segunda edición anual de este 2026 de Km0 Moda. Feria profesional organizada por Asecom en la que se da cabida a representantes de los múltiples sectores que integran la cadena de valor de la industria de la moda española, desde empresas y firmas de moda, a talleres, fabricantes, proveedores, diseñadores, patronistas, especialistas en punto y toda otra clase de profesionales. Una cita la de este mes de julio con la que el salón profesional, puesto en marcha por la organización empresarial en noviembre de 2021, sale a tratar de seguir consolidándose como un punto de encuentro de referencia para los diferentes agentes de la industria de la moda nacional, en un momento que llega marcado especialmente, advierten desde la misma Asecom, por dos principales factores. El primero, por el indiscutible “regreso al valor” que se está generalizando dentro de la industria, con hasta las principales cadenas de moda masiva huyendo de las dinámicas más propias del modelo de “fast fashion”; y el segundo, por los enormes desafíos a los que actualmente vuelve a enfrentarse la industria, desafíos derivados tanto de los cambios regulatorios, como de las nuevas tecnologías que, y en especial la inteligencia artificial (IA), están llegando para disrumpir dentro del sector.

“La industria de la moda atraviesa un proceso de transformación marcado por grandes desafíos”; y “en este contexto, la feria Km0 Moda busca reforzar el diálogo entre los diferentes agentes de la cadena de valor y poner en común soluciones, experiencias y nuevas oportunidades para el sector”, señalan desde Asecom, poniendo el foco de atención con sus declaraciones sobre el reto de que, en un contexto como el actual, la industria española sea capaz de hablar a una sola voz, como resultado de ese diálogo en favor de soluciones y estrategias comunes, con las que enfrentar unos retos compartidos, que trata justamente de fomentarse desde la feria. Y es que “estamos viviendo un momento clave para la industria de la moda”, añade Carmen Torres, secretaria general de Asecom. Un momento en el que, frente a sus complejidades, “Km0 Moda se consolida como un espacio de encuentro donde los profesionales pueden compartir conocimiento, generar oportunidades de negocio y abordar conjuntamente algunos de los principales retos y necesidades del sector”.

Desde las potencialidades de la IA, al desafío de capitalizar el talento creativo

Reservada para profesionales del sector, y de acceso gratuito —previa inscripción—, junto a la parte del salón comercial y expositivo, para el que en esta edición no se ha señalado a cuánto asciende el número de empresas y profesionales expositores, la feria va a contar con dos principales actividades paralelas. Activaciones que, al igual que desde los diferentes encuentros y reuniones que se van a venir fomentando bajo su paraguas, se encuentran dirigidas especialmente a abordar algunos de esos principales retos y dificultades a los que están debiendo de aprender a hacer frente los distintos agentes que participan de esta cadena de valor de la industria de la moda española.

A este respecto, y durante esta ya pasada jornada de martes 14 de julio, se celebró la mesa redonda “Análisis Predictivo para la Toma de Decisiones con IA”. Una charla que se centró en abordar cómo la inteligencia artificial está ayudando a las empresas de moda y a las compañías minoristas a anticipar tendencias y los cambios de comportamiento de los consumidores, y de la que terminaron de participar Mar Melero, cofundadora de la asesoría estratégica FWD Advisors y fundadora y CEO del estudio creativo especializado en soluciones de inteligencia artificial Virtual Atelier; Domingo Esteves, cofundador de la misma FWD Advisors; y Marcos Pizarro, director de la firma de moda baño Venus.

Completando este reducido programa de conferencias, para las 11:00h de la mañana de este miércoles 15 de julio está programada la charla de Maripi Robles, quien presentará su libro “Soy diseñador, quiero vender”. Una obra dirigida especialmente a diseñadores, firmas de moda y “empresarios creativos”, desde la que Robles, con más de dos décadas de experiencia dentro del ámbito de la comunicación, de la estrategia de marcas y de la moda, y fundadora y directora creativa de la agencia “No Solo Una Idea”, trata de abordar la complicadísima cuestión de cómo capitalizar el talento creativo, para que sirva de base para proyectos empresariales sólidos y competitivos.

“La sesión servirá para reflexionar sobre los desafíos a los que se enfrentan tanto los profesionales que quieren poner en marcha una firma de moda, como para aquellos que desean impulsar y desarrollar sus proyectos”, adelantan desde Km0 Moda. Y en ese propósito, apuntan, “no puede haber mejor escenario que la feria”, que se presenta como “punto de encuentro que reúne los 360º de la industria”, dando cabida a “tanto profesionales, diseñadores, marcas y distribuidores, como fabricantes y empresas de toda la cadena de valor, desde tejidos y fornituras hasta confección, tecnología, logística, sostenibilidad y formación”.

Richemont mantiene su trayectoria de crecimiento: el grupo suizo de joyería y relojería ha aumentado significativamente sus ingresos en el primer trimestre del ejercicio 2026/27, superando las expectativas de los analistas. Los productos de las casas de joyería Cartier y Van Cleef & Arpels siguen gozando de gran popularidad. Los ingresos del grupo aumentaron un +17 por ciento hasta los 6.330 millones de euros entre abril y junio en comparación con el mismo periodo del año anterior, según ha anunciado la empresa este miércoles. A tipos de cambio constantes, el crecimiento de Richemont habría sido del +20 por ciento.

Con estos resultados, Richemont ha acelerado aún más su ya elevado ritmo de crecimiento. En el último trimestre del año anterior, las ventas habían crecido un +16 por ciento a tipos de cambio constantes.

Esta buena evolución sigue estando impulsada por la división de joyería. En este segmento, los ingresos del trimestre analizado aumentaron un +21 por ciento hasta los 4.370 millones de euros, y un +24 por ciento a tipos de cambio constantes. Las ventas de los fabricantes de relojes, que incluyen marcas como IWC o Piaget, se quedaron atrás con un aumento de los ingresos del +6 por ciento, hasta los 873 millones de euros (+8 por ciento a tipos de cambio constantes).

Supera las expectativas

Con estas cifras de ventas, Richemont ha superado claramente las expectativas de los analistas. Estos habían previsto unos ingresos para el grupo de 5.910 millones de euros y un crecimiento en moneda local del +11,5 por ciento.

Como es habitual, el grupo no ha proporcionado detalles sobre la evolución de los resultados en el primer trimestre. Asimismo, el equipo directivo, liderado por el presidente del consejo de administración, Johan Rupert, se ha mostrado cauto en cuanto a las previsiones.

Fuerte crecimiento en Estados Unidos

A nivel regional, la recuperación en Asia ha contribuido de forma significativa al éxito de Richemont. En Asia-Pacífico, el grupo ha aumentado sus ingresos un +21 por ciento a tipos de cambio constantes. El negocio en China, Macao y Hong Kong ha registrado un crecimiento de dos dígitos en conjunto. En esta región, la industria del lujo había sufrido una debilidad en el consumo el año anterior.

Mientras tanto, la demanda en Estados Unidos se mantiene fuerte. En el mercado americano, los ingresos de Richemont se dispararon un +27 por ciento, mientras que en Oriente Medio y África se registró un crecimiento del +3 por ciento a pesar de la crisis en la región.

Madrid – El presidente estadounidense Donald J. Trump se mantiene en su tan insólita como particular, y controvertida, política de exigir lo más, para terminar de imponer lo menos, y anuncia ahora que renuncia a imponer un peaje del 20 por ciento sobre la carga a toda mercancía que atraviese el estrecho de Ormuz. Una tasa a la que se ha decidido a renunciar… por acuerdos comerciales y de inversión con los países del golfo Pérsico.

Si de este modo, y hace poco más de 48 horas, el presidente estadounidense se valía de su cuenta oficial en su red social Truth para anunciar, no sin sorpresa naturalmente, que Estados Unidos pasaba a imponer una tasa de un 20 por ciento a toda carga que atravesase el estrecho de Ormuz, con el propósito de con ella hacer frente a los gastos por garantizar la seguridad en el paso marítimo, a primera hora de la tarde de este martes 14 de julio —hora de la costa este— confirmaba que revocaba esa decisión. Un cambio, un vaivén o hasta una “marcha atrás”, según se ha titulado por diferentes medios de las distintas partes del mundo, pero una resolución que sin embargo no deja de seguir en la línea mostrada siempre por Trump para la hora de abordar las relaciones internacionales de los Estados Unidos bajo su presidencia, siempre desde una perspectiva económica, y siempre desde la estrategia de exigir y polemizar con reclamaciones sorprendentes, para terminar de rebajarlas para lograr un punto intermedio, siempre en beneficio de los Estados Unidos.

Siguiendo con esa dinámica, y para este caso concreto, nuevamente sirviéndose de su cuenta oficial en Truth el mandatario estadounidense ha informado de que aparca sus intenciones de imponer esa tasa, pero eso sí, tras haber mantenido “conversaciones muy productivas” con los líderes de los países de Oriente Medio. Se antoja que unas negociaciones más que consultas y vacías interlocuciones, que han llevado como resultado al presidente estadounidense a tomar la decisión de retirar ese peaje, cuyos beneficios económicos para Estados Unidos serán reemplazados por los que se generen a través de los diferentes acuerdos comerciales y de inversión en el país, que llevarán a cabo los diferentes estados del golfo Pérsico. Unos tratados que, ha enfatizado Trump, permitirán crear “millones de empleos estadounidenses bien remunerados”.

“A partir de conversaciones muy productivas con los líderes de Oriente Medio, he decidido sustituir la tasa de reembolso del 20 por ciento de Estados Unidos por acuerdos comerciales y de inversión que los distintos Estados del Golfo llevarán a cabo en Estados Unidos”, anunciaba Trump desde su cuenta en Truth a primera hora de la tarde, hora de la costa este, de este martes 14 de julio. “Estas inversiones serán enormes pero, al mismo tiempo, extraordinariamente beneficiosas para ellos, y para su futuro”. “Como todo el mundo sabe, contamos con la mayor inversión en dólares en Estados Unidos de la historia, pero estas nuevas inversiones harán que esa cifra sea aún mayor, y veremos cómo fábricas, plantas y equipamientos llegan en Estados Unidos a niveles históricos, lo que creará millones de nuevos puestos de trabajo estadounidenses bien remunerados”. Con esta resolución “Estados Unidos vuelve a ganar, y lo hacemos como nunca antes”, apostillaba el presidente estadounidense.

Bloqueo del estrecho para el paso de buques iraníes

Trump se ha valido de la misma publicación en Truth para, siguiendo con lo adelantado en la víspera, remarcar que el paso en el estrecho de Ormuz se encuentra abierto y resulta seguro para todo el tráfico marítimo, gracias al ejército de los Estados Unidos. Para todo el tráfico marítimo, excepto para el de los barcos iraníes o para el de los barcos que tengan como origen y destino el país persa, o que porten en su interior mercancías procedentes de Irán. Buques todos ellos que mantienen prohibido su paso por el estrecho de Ormuz.

“El petróleo fluye como nunca antes, gracias al impresionante poderío militar de los Estados Unidos”, celebraba el mandatario, antes de ofrecer “un saludo especial al Secretario de Guerra, Pete Hegseth; al Presidente del Estado Mayor Conjunto, Dan Caine; y al Comandante del Comando Central de los Estados Unidos, Almirante Brad Cooper”, porque “gracias a ellos, y a todos los miembros del ejército más poderoso del mundo, el Estrecho de Ormuz está abierto a todo el tráfico marítimo”. A todo, “excepto el de Irán”, como “consecuencia de un liderazgo mentiroso, violento y malicioso, que los está conduciendo hacia la destrucción total”. “En consecuencia, impondremos un bloqueo total, pero solo a los barcos que lleguen o salgan de puertos iraníes, o que transporten cualquier cosa relacionada con carga iraní”. “Los días en que Irán asesinaba a cientos de miles de personas, incluyendo 52 000 manifestantes, han terminado, y, lo más importante, Irán nunca tendrá un arma nuclear”.

El grupo estadounidense de moda PVH Corporation (PVH) ha anunciado el nombramiento de Alexis Rollier como nuevo director financiero global. Rollier se incorporará a la compañía a principios de septiembre de 2026 y reportará directamente al consejero delegado, Stefan Larsson.

En su nuevo cargo, Rollier liderará la organización financiera global del grupo y supervisará todos los aspectos de la gestión financiera de la empresa a escala mundial. El directivo también pasará a formar parte del equipo de liderazgo ejecutivo de PVH.

Experiencia en el comercio minorista omni-channel

Rollier acumula más de tres décadas de experiencia en diversas marcas de consumo globales. Se incorpora a la compañía procedente de Sephora, parte del conglomerado de lujo francés LVMH, donde ha ejercido como director de operaciones global y director financiero global desde 2018. A lo largo de sus 14 años en la cadena de belleza, Rollier desempeñó un papel determinante en la expansión internacional del negocio.

Con anterioridad, el directivo ocupó puestos de alta dirección en Sephora, entre ellos el de director financiero para Europa y Oriente Medio, y el de director financiero y vicepresidente sénior de operaciones para las Américas. En etapas previas de su carrera, Rollier ejerció como director financiero global en Guerlain y ocupó cargos de responsabilidad en las áreas de finanzas de Kingfisher y LVMH. Inició su trayectoria profesional en Arthur Andersen y es MBA por la ESSEC Business School.

Ejecución estratégica para Calvin Klein y Tommy Hilfiger

"Alexis es un líder financiero global excepcional, que aporta una experiencia altamente relevante en el comercio minorista multimarca y omni-channel, una sólida trayectoria financiera y operativa, y un historial demostrado en la gestión del crecimiento disciplinado con expansión de márgenes", ha declarado Larsson en un comunicado. "A medida que avanzamos en nuestro camino para desarrollar todo el potencial de Calvin Klein y Tommy Hilfiger, la experiencia de Alexis conectando estrategias orientadas al consumidor con una gestión financiera eficaz contribuirá a generar valor a largo plazo para los accionistas."

Rollier sucede a Melissa Stone, vicepresidenta ejecutiva de planificación y análisis financiero global (FP&A), quien ha ejercido como directora financiera interina desde el 1 de enero de 2026. Stone colaborará estrechamente con Rollier para garantizar una transición fluida y continuará al frente de la función global de FP&A, reportando al nuevo directivo.

Al respecto de su nombramiento, Rollier ha señalado: "Calvin Klein y Tommy Hilfiger son dos de las marcas más icónicas del mundo, con una enorme relevancia para el consumidor, y me entusiasma la oportunidad de unirme al equipo de PVH en este momento tan importante de la trayectoria de la compañía."

¿Qué tienen en común Chanel, Dior, Louis Vuitton, Camper, Vans y Tamaris? Todas ellas han presentado en los últimos meses modelos de calzado que recuerdan al calzado barefoot o que incluso se comercializan explícitamente como tal. Con ello, se suman a una tendencia que durante mucho tiempo se mantuvo al margen de la moda. Tras ser ridiculizado como calzado ortopédico, este tipo de calzado se está convirtiendo cada vez más en un tema de moda. Detrás de esto hay algo más que la previsible contratendencia a las voluminosas sneakers de los últimos años. Muchos fabricantes asocian sus modelos a la promesa de un movimiento natural, una mayor libertad de movimiento y una forma de caminar más saludable.

“La mayoría de los zapatos modernos debilitan los pies de las personas”, afirma Galahad Clark, fundador de la marca británica de calzado minimalista Vivobarefoot. Clark, descendiente de la familia fundadora de la tradicional marca Clarks, persigue sin embargo un enfoque deliberadamente opuesto con Vivobarefoot. “Vivobarefoot se fundó para reconectar a las personas con su potencial natural a través de sus pies, una rebelión contra el ‘Big Shoe’. Fabricamos zapatos que ayudan a sentir más, a moverse de forma natural y a vivir de manera regenerativa”.

Dirk Pfeffer también llegó a este sector por convicción. El cofundador de la marca alemana Blusun descubrió el calzado barefoot por primera vez en 2010, durante una carrera. “Me fascinó por completo el efecto que el calzado minimalista tiene en el cuerpo y la musculatura”. Dejó su trabajo de entonces, desarrolló la distribución de Leguano hasta 2018 y fundó Blusun en 2024.

De nicho a mercado en crecimiento

El mercado del calzado barefoot lleva años creciendo de forma constante. Mientras que hasta aproximadamente 2010 solo había unos pocos proveedores en todo el mundo, Dirk Pfeffer ha contabilizado recientemente más de 150 marcas. Entre ellas se encuentran cada vez más fabricantes de bajo coste del Lejano Oriente, que distribuyen sus productos principalmente a través de las redes sociales.

Que el segmento está abandonando su nicho también quedó patente en la primera Barefoot European Shoe Fair de Offenbach. En la primera feria mundial especializada en calzado barefoot, celebrada el año pasado, se presentaron 78 marcas. El director de la feria, Arnd Hinrich Kappe, habló de un “arranque brillante” y un “comienzo sensacional”. La próxima edición tendrá lugar del 24 al 26 de julio y contará con más de cien marcas internacionales, entre ellas Waldläufer, Tamaris Barefoot y Dockers by Gerli.

Desde el punto de vista económico, el segmento también está evolucionando mucho mejor que el mercado global. El volumen de mercado mundial en 2024 se situó en unos 515 millones de euros y se espera que aumente a unos 745 millones de euros para 2031. En Alemania, la cuota de mercado es actualmente de solo un 1,5 por ciento, pero está creciendo a un ritmo considerablemente más rápido que el resto del mercado del calzado.

“El mercado del calzado minimalista crece cada año entre un 10 y un 15 por ciento”, afirma Pfeffer. En su segundo año de actividad, Blusun ya alcanzó una facturación de dos millones de euros, superando en un 40 por ciento las previsiones. En el año en curso, la empresa vuelve a crecer más de un 40 por ciento.

La marca estadounidense de outdoor Merrell también está observando esta evolución. “El calzado minimalista ha experimentado un desarrollo muy positivo en los últimos años. El crecimiento de las ventas ha sido de dos dígitos, lo que demuestra que el segmento se ha consolidado de forma continua”, afirman Sabine Wetter y Christian Lietzau, del equipo de ventas.

De las zapatillas de running a la pasarela

La historia del calzado minimalista moderno comienza en 2004. En aquel año, el fabricante italiano de suelas Vibram lanzó al mercado las FiveFingers, un zapato con los dedos envueltos individualmente que inicialmente llamó la atención sobre todo en el mundo del running. El concepto recibió un impulso gracias al movimiento natural running, que abogaba por la menor amortiguación posible. Fueron principalmente los consumidores preocupados por la salud y la naturaleza quienes se interesaron por el calzado minimalista.

Entre 2010 y 2015, el segmento ganó un impulso considerable. Estudios sobre la salud del pie y la biomecánica pusieron un mayor énfasis en el calzado minimalista. Al mismo tiempo, marcas como Vivobarefoot o Leguano ampliaron su presencia en el mercado. Se desarrolló una demanda creciente, especialmente en Alemania, Austria, Suiza y Escandinavia.

Balenciaga fue la artífice de su salto a la moda. En 2020, la marca de lujo desarrolló, en colaboración con Vibram, un zapato de dedos para la pasarela y continuó con el concepto en las colecciones posteriores.

A esto se suma una segunda influencia en el diseño: el tabi. El calzado con la puntera dividida se hizo famoso en la moda principalmente gracias a Martin Margiela, cuya bota Tabi de 1988 está considerada hoy uno de los diseños de calzado más influyentes de la historia de la moda. A diferencia del calzado minimalista clásico, los tabis no persiguen un objetivo de salud, pero la mayor libertad de movimiento de los dedos recoge una idea similar. Vivobarefoot ha adoptado recientemente este diseño con el modelo “Tabi Gen 02”.

Pero, ¿qué es exactamente un zapato minimalista?

Sin embargo, con el auge también surge un problema: ¿qué es exactamente un zapato minimalista?

Según los fabricantes especializados, se caracteriza por una suela especialmente fina y flexible sin desnivel (zero drop), una puntera ancha y la máxima flexibilidad. Su función principal es proteger el pie, no guiarlo mediante amortiguación o elementos de soporte.

Sin embargo, las marcas de moda suelen interpretar este concepto de forma mucho más libre. A menudo, solo adoptan características aisladas, como una construcción flexible o una puntera ancha. Así, la maison francesa Dior describe el modelo Roadie, diseñado por Jonathan Anderson, como un zapato con una “construcción extremadamente flexible” y una suela de dos partes diseñada para seguir los movimientos naturales del pie.

La demanda de un estándar

Stefanie Steinert, fundadora de la tienda online Freizehn, quiere contrarrestar esta tendencia. Con el documento de principios “El estándar del calzado minimalista”, exige criterios vinculantes para el sector. El objetivo es traducir los conocimientos científicos sobre la salud del pie en requisitos comprensibles para fabricantes y minoristas.

La preocupación es que, si el término “calzado minimalista” se utiliza de forma arbitraria, se corre el riesgo de crear falsas expectativas entre los consumidores.

“Debemos tener cuidado de no abrumar a los consumidores. De lo contrario, comprarán un producto y poco después descubrirán, decepcionados, que no cumple sus expectativas. Por eso, una labor de información exhaustiva es cada vez más importante”, afirma Pfeffer. A esto se suma un problema de imagen. Muchos todavía asocian el calzado minimalista con las FiveFingers de Vibram o con zapatos ortopédicos toscos. En realidad, el diseño ha cambiado considerablemente en los últimos años. Los modelos actuales de muchos fabricantes tienen un aspecto minimalista, moderno y apto para el día a día.

Nuevos retos para el comercio minorista

Con el crecimiento, también cambia la distribución. Hoy en día, el calzado minimalista se vende tanto en zapaterías tradicionales como en tiendas especializadas en outdoor, deportes o salud, así como en establecimientos especializados en este tipo de calzado.

“El calzado minimalista de Merrell se vende con éxito a través de diversos canales de distribución, tanto físicos como online”, afirman Wetter y Lietzau. La marca tiene una presencia especialmente fuerte en las zapaterías, pero al mismo tiempo, las tiendas de outdoor y deportes también están ganando importancia.

Sin embargo, este auge plantea nuevos retos para el comercio tradicional de calzado. El calzado minimalista requiere más explicaciones que el calzado de ocio convencional. Se necesitan conocimientos especializados no solo para justificar su precio más elevado, sino también para poder contextualizar las expectativas de salud de los clientes. Hasta ahora, las tiendas de deportes y los distribuidores especializados suelen gozar de una mayor confianza en este aspecto.

¿Quién define qué es saludable?

Vivobarefoot, sin embargo, no quiere ceder al mercado deportivo la autoridad para definir la salud. Con la campaña exterior “Free Your Feet”, la empresa cuestionó provocadoramente en primavera la obsesión de la industria deportiva por la amortiguación y los sistemas técnicos de confort. Camiones con el mensaje “Those Soles want you to feel nothing – We want you to feel everything” aparcaron, entre otros lugares, frente a la flagship store de On en Londres.

“La industria moderna del calzado ha pasado décadas amortiguando y controlando nuestros pies”, dice Clark. “Pero la evolución ya ha creado la interfaz definitiva entre el cuerpo y la mente. No se necesita más tecnología entre uno mismo y la tierra, se necesita menos”.

Con esto queda perfilado el conflicto que probablemente definirá el mercado en el futuro: ya no se trata de si el calzado minimalista ha llegado a la moda, sino de quién define qué es un zapato minimalista.

Adidas ha cerrado la primera mitad de un 2026 de Mundial como la marca con mayor visibilidad del sector deportivo, generando 1.900 millones de dólares en Media Impact Value (MIV) entre el 1 de enero y el 30 de junio, según datos de Launchmetrics. La cifra representa un aumento del +12 por ciento con respecto al segundo semestre de 2025 y sitúa a la marca alemana por delante de Nike, que ha registrado 1.700 millones de dólares en el mismo periodo. Sin embargo, un análisis más detallado de los datos revela hasta qué punto este liderazgo depende de un solo nombre: Lionel Messi.

Cuatro de las cinco publicaciones de mayor valor de Adidas en el primer semestre han sido realizadas por el propio Messi, destacando una de ellas valorada en 2,7 millones de dólares en MIV (el algoritmo MIV de Launchmetrics asigna una cifra monetaria a la exposición de la marca en redes sociales, publicaciones online y prensa escrita). El argentino también ha sido la celebridad que más valor ha generado para la marca durante este periodo, con 14,4 millones de dólares, y su influencia se extiende más allá de sus propios canales. Su esposa, Antonela Roccuzzo, se ha posicionado entre las principales voces de influencers para Adidas con 5,3 millones de dólares en MIV, dentro de una categoría de influencers que ha crecido un +30 por ciento para la marca, convirtiéndose en la de mayor crecimiento del semestre.

La Copa Mundial de la FIFA de este año marca dos décadas desde el debut de Messi en el torneo en Alemania en 2006, el mismo año en que cambió Nike por Adidas. Posteriormente, en 2017, formalizó su relación con esta última marca a través de un contrato vitalicio.

La dependencia es mutua. Las cinco publicaciones de mayor impacto de Adidas durante el semestre estuvieron relacionadas con el fútbol y, con un Messi que a sus 39 años juega la que se espera que sea su última Copa del Mundo, la marca se enfrenta a una cuestión de sucesión abierta una vez que finalice el torneo.

Nike, por el contrario, ha diversificado sus apuestas. Cuatro de sus cinco publicaciones principales también estuvieron relacionadas con el fútbol —la de mayor valor, de 2 millones de dólares, vinculada a su película para el Mundial “Rip the Script”—, pero su categoría de mayor crecimiento ha sido la de las celebridades, con un aumento del +37 por ciento, y su figura más destacada del periodo no ha sido un futbolista. El tenista Jannik Sinner ha generado 15,5 millones de dólares en MIV para la marca, por delante de Vinicius Jr., del Real Madrid, con 10 millones de dólares, y con Aryna Sabalenka también en el top cinco con 7,5 millones de dólares.

Un lejano tercer puesto

Puma, tercera en el ranking con 421 millones de dólares, presenta una historia similar de dependencia de una estrella, pero a menor escala. Tres de sus cinco publicaciones más importantes relacionadas con el fútbol provinieron de Neymar Jr., mientras que su categoría de mayor crecimiento fueron los medios propios, con un aumento del +40 por ciento, liderados por Puma Football (24,4 millones de dólares) y Puma India (17,7 millones de dólares), una señal de dónde ve la marca a su próxima audiencia. A diferencia de sus grandes rivales, Puma no ha mostrado un pico en junio, lo que sugiere que los preparativos para la Copa del Mundo le han pasado bastante desapercibidos.

El top 10 de marcas continúa con New Balance, que se sitúa justo detrás de Puma con 377 millones de dólares en MIV. Alo completa el top cinco con 249 millones de dólares, ligeramente por delante de Lululemon, con 228 millones, y Gymshark, con 205 millones de dólares. The North Face y Asics empatan con 171 millones de dólares, ocupando el octavo y noveno puesto respectivamente, mientras que Reebok cierra el top diez con 127 millones de dólares.

Tras la histórica sentencia del Tribunal Supremo, la Administración estadounidense bajo la presidencia de Donald Trump ha devuelto miles de millones en aranceles. En total, se han reembolsado unos 81.300 millones de dólares estadounidenses (casi 72.900 millones de euros) desde octubre de 2025 hasta finales de junio, según datos del Departamento del Tesoro. En el mismo periodo del año anterior, la suma fue de apenas 5.300 millones de dólares.

Según la Oficina de Presupuesto del Congreso de Estados Unidos (CBO), solo en los meses de mayo y junio se reembolsaron unos 70.000 millones de dólares, después de que el Tribunal Supremo de EE. UU. declarara ilegales a mediados de febrero los aranceles basados en una ley de emergencia. El Tribunal Supremo dictaminó que el presidente Trump se había excedido en sus competencias al imponer aranceles a gran escala contra docenas de socios comerciales.

Al mismo tiempo, la Administración estadounidense ha aumentado significativamente sus ingresos por aranceles en el actual año fiscal. En los primeros nueve meses (de octubre a junio), recaudó unos 163.000 millones de dólares estadounidenses netos, 55.000 millones de dólares más en aranceles que en el mismo periodo del año anterior. Esto corresponde a un aumento de aproximadamente un +51 por ciento.

Madrid – A las puertas —todavía puertas— de la próxima aprobación del Real Decreto que regulará la implantación de la Responsabilidad Ampliada del Productor (RAP) de los sectores del textil y del calzado en España, Re-Viste, el Sistema Colectivo de Responsabilidad Ampliada del Productor (SCRAP) impulsado a comienzos de 2023 por un reducido grupo de siete compañías minoristas, ha anunciado la adhesión a la organización de la firma de moda cordobesa Silbon. Una incorporación que viene a sumarse a los recientes acuerdos de colaboración que se han logrado establecer con otras compañías y asociaciones, reforzando su posición como el SCRAP representativo de la industria de la moda en España.

Como última actualización de esos pasos adelante en su confirmación como el sistema colectivo de responsabilidad ampliada del productor representativo del sector moda en España, desde Re-Viste han informado esta mañana de martes, 14 de julio de 2026, de la formalización por parte de la firma de moda cordobesa Silbon de su acuerdo de adhesión al SCRAP. Una decisión con la que Silbon se prepara de cara a las nuevas obligaciones a las que, como empresa de moda con presencia y actividad en España, deberá de responder, una vez que comience a aplicarse la normativa relacionada con la Responsabilidad Ampliada del Productor (RAP) para los sectores del textil y del calzado. Normativa que permitirá avanzar hacia un modelo más sostenible y circular, en el que las compañías del sector asumirán un papel activo en la gestión y la revalorización de los productos de moda y de calzado, una vez que estos lleguen al final de su vida útil. Unos compromisos a los que responderán a través de, justamente, el SCRAP al que se encuentren adheridas. A SCRAPS como el de Re-Viste, que continúa de este modo consolidándose como la entidad representativa del sector moda, para la hora de que las empresas puedan responder a esas nuevas obligaciones a las que estarán sujetas por Ley, participando, financiando, colaborando y dando soporte a un sistema, defienden, “diseñado para dar respuesta a estos nuevos retos desde la colaboración, la eficiencia operativa y la trazabilidad del sistema”.

“Seguimos avanzando en el desarrollo de una solución colectiva capaz de dar respuesta a las necesidades del conjunto del sector textil y del calzado”, y en ese objetivo, “la incorporación de Silbon supone un nuevo paso para seguir consolidando un sistema abierto e integrador”, al tiempo que “refleja cómo empresas de diferentes territorios se están sumando a este proyecto común”, no ha dudado en querer salir a destacar Juan Ramón Meléndez, director general de Re-Viste, a lo largo de unas declaraciones compartidas desde la misma dirección de la organización. “Que una firma de referencia nacida en Córdoba se incorpore a Re-Viste”, añade, “contribuye a reforzar la representatividad territorial del sistema”, y lo hace además al tiempo en el que “demuestra que la transición hacia un modelo más circular es un reto compartido por todo el sector”.

“La adhesión a Re-Viste supone un paso natural dentro de nuestra estrategia de sostenibilidad de Silbon y refuerza nuestro compromiso con un modelo de negocio cada vez más responsable y circular”, añade por su parte Pablo López, cofundador, director ejecutivo y máximo accionista de Silbon. En la compañía cordobesa “llevamos años impulsando iniciativas para prolongar la vida útil de nuestras prendas, como nuestro programa ‘Second Life’, así como soluciones para la valorización y gestión responsable de los productos no comercializables”, y “con esta adhesión”, apostilla, “reforzamos nuestro compromiso con la circularidad y nos unimos a un proyecto colectivo clave para el futuro del sector textil y del calzado”.

Nuevas adhesiones y acuerdos de colaboración

El anuncio de la adhesión de Silbon a Re-Viste viene a seguir a los que de manera periódica, y desde la incorporación de Carrefour a comienzos del pesado mes de mayo, han informado desde el SCRAP, sobre la incorporación a sus filas de la compañía textil andaluza Rioma, o de las catalanas Lola Casademunt y Buff. Nombres destacados de una serie de últimos acuerdos de entre los que, y al margen ya de nuevas entradas de miembros, se destacan los formalizados de la misma manera durante estas últimas semanas por Re-Viste, junto a primero la Federación Española de Municipios y Provincias, y segundo La Distribución - Anged, la patronal de El Corte Inglés.

En relación a estos, a comienzos del mes de junio desde Re-Viste y desde la Federación Española de Municipios y Provincias (FEMP) informaban sobre el hecho de haber suscrito un acuerdo marco de colaboración, dirigido a impulsar la gestión de los residuos textiles y del calzado en el conjunto de todos los municipios del país. Un acuerdo para el que se contempla el desarrollo de diferentes iniciativas conjuntas de concienciación y para fomentar el reciclaje de los residuos textiles y de calzado entre la población española; iniciativas que se encargará de impulsar, promover y supervisar, una Comisión Mixta de Coordinación y Seguimiento, de nueva creación, integrada por representantes de la FEMP y de Re-Viste.

Mientras tanto, y en lo que atañe al acuerdo firmado, a finales de junio, con la Distribución - Anged, este por su parte va dirigido a facilitar información y a fomentar el acompañamiento a las empresas sujetas al nuevo marco regulatorio derivado de la RAP. Propósito para el cual, y en el marco de esta asociación, se impulsarán proyectos específicos destinados a abordar retos compartidos por las empresas del sector, en materia de sostenibilidad y de economía circular.

“La colaboración con la FEMP nos permite reforzar el intercambio de experiencias con las entidades locales y avanzar en soluciones compartidas para mejorar la gestión de los residuos textiles y del calzado”, presentándose así el acuerdo como “un paso importante para compartir conocimiento técnico, ampliar la formación y divulgar las mejores prácticas en un ámbito clave para la economía circular”, apunta Juan Ramón Meléndez, director general de Re-Viste. “La transición hacia un modelo circular en el sector textil y del calzado solo será posible si trabajamos de forma coordinada”, añade el mismo Meléndez, y ahí es donde además entre a jugar su papel “la alianza con Anged”. Un acuerdo que “representa un paso importante para alinear esfuerzos y compartir conocimiento”, y desde el que Re-Viste reafirman sus intenciones de querer “ser una herramienta útil para el conjunto del sector, facilitando la colaboración y acompañando a las empresas en los retos normativos y de sostenibilidad que definirán el futuro de la industria”.

Con más de 20 empresas adheridas

Tras su constitución en enero de 2023 de la mano de Decathlon, H&M, Ikea, Inditex, Kiabi, Mango y Tendam, y su relanzamiento en octubre de 2024 ya bajo la marca Re-Viste, el SCRAP ha pasado a integrar y representar bajo su paraguas los intereses de hasta ya más de 20 empresas de los sectores de la industria española de la moda y del calzado. Un grupo que actualmente se encuentra integrado por Buff, Carrefour, Decathlon, El Corte Ingles, el Grupo Toledo, por H&M, Ikea, Inditex, ITS, Kiabi, Lola Casademunt, Mango, Mayoral, Norvil, Primark, Resuinsa, Rioma, Silbon, JD Sports y sus cadenas JD y Sprinter, el Grupo Tendam y Vayoil.

Madrid – Desigual continúa dando alas a su particular, y cada vez más elevada, política de colaboraciones, y anuncia en esta ocasión su alianza con la berlinesa Ottolinger. Firma más que habitual del calendario, oficial, de la Semana de la Moda de París, junto a la que, siguiendo con las directrices de sus estrategias y anteriores alianzas colaborativas, ha desarrollado una colección cápsula, a partir del archivo histórico de la compañía española, fundada en Barcelona en 1984.

Completando este anuncio, según se han encargado de remarcar desde la misma Desigual, la colaboración que han terminado de establecer con Ottolinger nace sobre la particularidad de que la pareja de sus creativas fundadoras, Christa Bösch y Cosima Gadient, lanzaron en 2015 la firma desde Berlín, a partir de una visión creativa y metodológica tan singular y propia, como la de mantener enfocada la creación de sus distintas colecciones a partir de elaborados y estudiados procesos de deconstrucción, tanto aspiracional como formal, de la sastrería y de la moda tradicional. Un proceso para el cual, añaden desde la compañía española, ya en sus principios Bösch y Gadient se dedicaron a adquirir prendas vintage de Desigual en plataformas de segunda mano, para a partir de ellas desmontarlas, reinterpretarlas y reconfigurarlas, para dar paso a piezas de nueva creación, marcadas por su propio imaginario creativo. Una herencia de la que bebe justa y muy especialmente esta colaboración, y que permite además presentarla, enfatizan, como una alianza “orgánica” entre el gusto por el “upcycling” de las fundadoras de Ottolinger, y el universo y los códigos y la herencia y el archivo de Desigual. Unas pulsiones todas estas que cristalizarán en una colección cápsula colaborativa, desarrollada a partir de ese mismo archivo de la marca barcelonesa.

“Con Ottolinger, Desigual continúa desarrollando una estrategia que convierte su patrimonio creativo en una plataforma para la innovación y la colaboración internacional”, enfocándose para ello y en todo momento en tratar de establecer “alianzas con marcas que están definiendo la moda contemporánea”, señalan desde la compañía española a través de un comunicado. Unas declaraciones que completan subrayando cómo, y ahora de la mano de la firma berlinesa, Desigual “sigue proyectando su creatividad internacionalmente, reforzando su relevancia cultural y consolidando un posicionamiento cada vez más global”, a partir de una cápsula colaborativa que “refleja una visión compartida entre ambas marcas”. Una perspectiva arraigada sobre el principio de “entender ‘el archivo’ como un recurso vivo capaz de generar nuevos códigos estéticos, extender el ciclo de vida de los materiales y abrir nuevas posibilidades para el diseño contemporáneo”.

Lanzamiento, el 3 de septiembre

Sin adelantar todavía imagen alguna sobre las prendas que formarán parte de esta cápsula, desde Desigual lo que sin embargo ya adelantan es que la colección pasará a estar disponible a partir del próximo 3 de septiembre. Fecha en la que podrán adquirirse las piezas de esta cápsula colaborativa, sobre la que igualmente también señalan que llegará integrada —siguiendo con lo ya señalado— por prendas procedentes del archivo de Desigual, reinterpretadas por las manos y por la visión creativa de las diseñadoras fundadoras de Ottolinger. Un proceso de reformulación, que apuntan que como resultado ha dado unas “piezas exclusivas confeccionadas artesanalmente en Barcelona”.

Para abordar todo ese proceso, apuntan desde la compañía española que Bösch y Gadient han estrado trabajando mano a mano con el taller de diseño de Desigual en Barcelona, escogiendo prendas de archivo y de inventario, valorándolas por sus estampados, colores y la calidad de sus materiales. Unas piezas que posteriormente fueron desmontadas y reconstruidas, de manera artesanal, para terminar de configurar las siluetas deconstruidas por las que se van a caracterizar las prendas de esta colección cápsula colaborativa. Unos diseños que, en respuesta, reflejarán esas dos pulsiones creativas a las que apuntábamos, ejercidas de un lado y del otro por Desigual y por la firma berlinesa y su pareja de reconocidas diseñadoras.

“Las nuevas piezas”, declaran al respecto desde la multinacional de la moda española, “reflejan el inconfundible lenguaje creativo de Ottolinger”. Pero lejos de quedar ahí, advierten, en sus “materiales, estampados y colores mantienen la esencia de Desigual”. ¿El resultado? Una “colección que dialoga entre el legado de la marca y una nueva mirada sobre la moda contemporánea”, y con la que Desigual “continúa acercando su universo creativo a nuevas audiencias, manteniendo vivo su espíritu innovador y su capacidad para reinterpretar el diseño desde perspectivas diversas”, a través de “este tipo de colaboraciones”.

Una estrategia, para avanzar sobre tres objetivos

Esta colaboración entre Desigual y Ottolinger habría que situarla en el marco de la ofensiva por la revalorización y la elevación de la marca, y de sus colecciones, en la que desde Desigual se mantiene asentados desde el ya histórico desfile celebrado en Barcelona, el 6 de junio de 2024. Una presentación la de entonces, para la colección Primavera/Verano de 2025, que llegó para suponer un antes y un después dentro del histórico de la compañía barcelonesa, primero como culminación de su plan de relanzamiento, y segundo como punto de partida de esa cuidada estrategia dirigida a la elevación de la marca y de sus propuestas de moda. Un objetivo sobre el que comenzaron a firmar nuevos hitos, primero, con el anuncio del lanzamiento de “Studio”, su nueva línea de moda “premium”; y después, con sus primeras alianzas colaborativas con firmas emergentes de naturaleza internacional.

En este sentido, para julio de 2025 desde Desigual informaban de su alianza para el diseño de una colección cápsula con la firma neerlandesa Botter. Una colaboración que podríamos situar como la primera de esta serie de alianzas internacionales con diseñadores emergentes, pero con ya una cierta proyección, y a la que le seguirían la anunciada junto a la parisina Egonlab, en noviembre del mismo año; con la diseñadora ucraniana, afincada en Londres, Masha Popova, en enero de este 2026; y ahora y finalmente la apuntada con la berlinesa Ottolinger.

A pesar de situarse de este modo bajo el paraguas de esa estrategia para la “premiunización” de Desigual, esta política de colaboraciones forma por sí sola una estrategia propia dentro del grupo de modas barcelonés de Thomas Meyer. Y es que lejos de quedar ahí, y como reconocen desde la misma multinacional de la moda española, hasta tres son los objetivos sobre los que la compañía está tratando de avanzar, a cada nueva colaboración que establece con una de estas nuevas marcas y jovenes diseñadores internacionales. Unas metas que pasan, primero y continuando con lo señalado, por reforzar el posicionamiento internacional de Desigual; segundo, por conectar con las nuevas generaciones de consumidores, a partir de la reinterpretación de sus archivos por las nuevas voces más destacadas del universo de la moda; y tercero, por igualmente reforzar el posicionamiento y aumentar la visibilidad de Desigual en determinados mercados clave para la compañía, como así se presentan los Países Bajos, Francia y Alemania.

Dando respaldo a estas interpretaciones, “con esta alianza, la compañía sigue apostando por colaborar con marcas que aportan nuevas miradas creativas en regiones importantes para Desigual, como en este caso es Alemania, uno de los mercados principales para Desigual, tanto a nivel online como en tienda física”, ponen en valor desde la compañía española. Y eso sin olvidar el que “además, con esta estrategia la marca sigue conectando con algunas de las nuevas generaciones de diseñadores más relevantes del sector y reforzando su posicionamiento internacional”, en un “momento clave para su futuro”, y en el que la compañía se mantiene enfocada en la “renovación de su imagen, de sus colecciones, de sus espacios… con el objetivo de atraer a una nueva generación de consumidorxs”.

En imágenes Adidas Originals y Bad Bunny han celebrado la antesala de la final de la Copa Mundial de la FIFA 2026 con una nueva zapatilla que se inspira en una de las siluetas de fútbol más emblemáticas de la marca. Las Adidas Originals Bad Bunny F50 Ghost Sprint reinterpretan la línea F50, que se remonta a la bota “Spider” de 2004, convirtiéndola en una zapatilla de perfil bajo de estilo lifestyle, diseñada para la calle en lugar de para el campo.

El diseño toma su nombre y concepto de la araña lobo de Puerto Rico, un animal conocido en la isla por su velocidad, que evoca las propias raíces de Bad Bunny. La zapatilla utiliza una estructura flexible en forma de jaula “Araña” junto con una malla deconstruida diseñada para resistir el calor tropical, con combinaciones de colores en Clear Blue, Clear Sky y Light Purple que hacen un guiño a la edición original “Ocean” de 2004. El lanzamiento se apoya en la idea de que el alcance cultural del fútbol se extiende ahora mucho más allá de los estadios y se integra en el estilo del día a día, un tema que la marca y Bad Bunny han desarrollado juntos a lo largo de varias colaboraciones.

La relación de Bad Bunny con Adidas Originals comenzó oficialmente en 2021, con el lanzamiento de las Forum buckle low “The First Café”, antes de lo cual ya había mostrado un primer diseño de las Adidas Forum en su videoclip de noviembre de 2020 para “Yo Visto Así”. Desde entonces, la colaboración se ha ampliado para incluir más de 18 lanzamientos de zapatillas en siluetas como las Campus, Gazelle, Response CL y Ballerina, además de una colaboración en una bota de fútbol de autor con Lionel Messi y, en 2025, un crossover con la Fórmula 1 a través de las Adiracer GT con Mercedes-AMG Petronas.

En julio de 2026, Adidas celebró los cinco años de la colaboración con una gran acción cultural en Puerto Rico, que incluyó una exposición de archivo en el Museo de Arte de Puerto Rico con 150 productos, de los cuales más de 115 eran inéditos. Las F50 Ghost Sprint amplían esa trayectoria de media década, aplicando por primera vez el mismo lenguaje de diseño con raíces puertorriqueñas sobre el que la colaboración ha construido su identidad a una silueta inspirada en el fútbol.

Las Adidas Originals Bad Bunny F50 Ghost Sprint en color azul llegarán el sábado con un precio de 160 dólares. El lanzamiento se produce justo antes de la final del Mundial, que está programada para el domingo en el MetLife Stadium de East Rutherford, Nueva Jersey.

Con márgenes de beneficio superiores a los de muchas categorías de moda y una capacidad única para atraer al consumidor, los bolsos se han consolidado como una pieza estratégica dentro de los surtidos de temporada y un motor clave para las ventas. La temporada Resort 27 ha confirmado esta relevancia con una amplia propuesta de diseños de lujo, marcada por una evolución hacia siluetas más relajadas, estructuras flexibles y materiales de mayor riqueza sensorial.

Aunque la industria continúa avanzando hacia una menor dependencia de las pieles de origen animal, la demanda de los consumidores por bolsos confeccionados en piel auténtica permanece firme, especialmente en el segmento premium.

En paralelo, los bolsos de rafia —cada vez más coloridos, elaborados y ornamentados— vuelven a ocupar un lugar destacado en las colecciones, mientras que los estampados de cebra y ciervo ganan protagonismo frente al tradicional dominio del leopardo.

Estos son diez estilos clave que marcarán la temporada y que conviene seguir de cerca.

Ulla Johnson Resort 27

Un bolso tipo saco con cordón ajustable de piel de becerro dividida, con un estampado de ciervo moteado en marrón y blanco, ribetes marrones y tiras de cadena en tono dorado.

Fendi Resort 27 por Maria Grazia Chiuri

Un bolso tote de piel con estampado de cebra y tachuelas, con correas y hebillas, y un bolso más pequeño de color pergamino unido en la parte delantera.

Diesel Resort 27 por Glenn Martens

Un bolso hobo ‘Grab-D’ en forma de croissant de color marrón chocolate, con cremallera superior, un pronunciado fruncido a lo largo de la misma y un asa ajustable estilo cinturón.

Balenciaga Resort 27 por Pierpaolo Piccioli

Un bolso satchel estructurado de piel en azul turquesa con solapa y gruesas asas tubulares para el hombro.

Ganni Resort 27 por Ditte Reffstrup

Un bolso ‘Bou’ de piel brillante con grabado de cocodrilo en rojo cereza, que presenta un asa de piel trenzada.

Lanvin Resort 27 por Peter Copping

Un bolso tote estructurado con un diseño en forma de V que combina piel en verde oliva y marrón, con asas verdes; realzado con un cierre metálico en tono dorado.

Nili Lotan Resort 27

Un bolso de mano tipo clutch de piel de cordero negra con largos flecos en ambos extremos.

Chanel Resort 27 por Matthieu Blazy

Un bolso north-south de rafia de gran tamaño con atrevidas rayas horizontales multicolor y un gran aplique del logotipo de la doble C entrelazada en negro, con asas de piel negra para el hombro.

Etro Resort 27

Un bolso ‘kalispera’ de rafia tejida a mano con cordón ajustable, decorado con flores de ganchillo en 3D y una correa de piel lisa en marrón oscuro.

Ralph Lauren Resort 27

Un bolso tote east-west de ante en color topo, con un cinturón de inspiración ecuestre y asas superiores de piel con herrajes plateados.

OLYMP Bezner KG, con sede en Bietigheim-Bissingen (distrito de Luisburgo, Baden-Wurtemberg, Alemania), es desde hace 75 años un referente en camisería de alta calidad. Al mismo tiempo, la marca de moda ha seguido evolucionando y presentando looks modernos para un outfit completo, que combinan de forma natural los estilos business y casual. Como paso lógico, OLYMP ha renovado para Otoño 2026 la imagen visual de sus camisas, jerséis, polos, camisetas y demás artículos. El nuevo concepto de etiquetado crea una imagen de marca unificada en todo el surtido y aporta más orientación, reconocimiento y valor en el punto de venta.

Heiko Ihben, director de Marca, Producto y Recursos Humanos de OLYMP, afirma: “OLYMP representa hoy algo más que una camisa, sin perder de vista su producto principal. La creciente fusión de los estilos business y casual en una moda de oficina moderna debe reflejarse de manera coherente en el producto, en el punto de venta y en toda la experiencia de marca. Nuestro nuevo concepto de etiquetado sigue, por tanto, el principio ‘One Look. One Brand.’. Crea estructuras claras, ofrece orientación y refuerza el reconocimiento en todos los puntos de contacto relevantes de la marca”.

El nuevo diseño de las etiquetas apuesta por una estética clara y centrada en la marca. En todos los productos, la etiqueta principal cosida en la zona del cuello será ahora de un elegante azul oscuro, destacando los colores de la marca junto con el logotipo de OLYMP en contraste. Una etiqueta adicional debajo informará sobre el corte y las características clave del producto, como las propiedades de cuidado (por ejemplo, si no necesita plancha) o materiales especiales como el jersey. Las submarcas que hasta ahora tenían un gran protagonismo, como “Luxor”, “Level Five” y “No. Six”, pasarán a un segundo plano en favor de una imagen de marca unificada, aunque seguirán apareciendo discretamente en las etiquetas adicionales.

Heiko Ihben añade: “El momento en que un cliente coge un producto es decisivo para la percepción de la marca. Por eso, para nosotros, el etiquetado y el packaging no son meros soportes de información, sino parte de una experiencia de marca coherente. El marketing de marca, el concepto de diseño, el visual merchandising y la presentación del producto deben trabajar en conjunto para que OLYMP sea reconocible, comprensible y fácil de identificar al instante”.

Con este nuevo concepto de etiquetado, OLYMP también responde a las nuevas exigencias del mercado. Los consumidores buscan cada vez más orientación en las marcas, sobre todo cuando las gamas de productos se amplían y los elementos clásicos del estilo business se fusionan con los del casual. El nuevo etiquetado facilita la orientación en la tienda, el asesoramiento al cliente y la rápida selección de productos. Además, también se ha mejorado el packaging como parte de una experiencia de compra emocional. Se ha eliminado la faja de cartón anterior, de modo que la alta calidad del tejido puede apreciarse al tacto desde el primer momento. Las nuevas etiquetas colgantes informan de manera específica sobre el material, las instrucciones de cuidado y los argumentos clave del producto. Al mismo tiempo, comunican el compromiso de OLYMP con la responsabilidad. Un sistema de códigos de color claro en los soportes del cuello y en los folletos también ayuda a la orientación visual entre los diferentes cortes.

La marca estadounidense de ropa de trabajo Carhartt ha lanzado una colección de pantalones cortos de trabajo desarrollada para condiciones exigentes en los días más calurosos, según un comunicado de prensa. Los pantalones cortos están disponibles tanto para mujer como para hombre y están dirigidos a profesionales como instaladores, carpinteros, jardineros y mecánicos que trabajan al aire libre.

Según Carhartt, estos pantalones cortos de trabajo ofrecen la misma robustez que los conocidos pantalones largos de la marca, pero con una ventilación adicional. Los materiales resistentes a la abrasión, las costuras reforzadas y los bolsillos de almacenamiento hacen que los pantalones sean resistentes al uso diario intensivo. Muchos modelos incorporan la tecnología elástica Rugged Flex, que acompaña el movimiento al agacharse, arrodillarse, trepar o levantar peso.

Dependiendo del trabajo, Carhartt ofrece diferentes versiones. El Rugged Flex Canvas Work Short es un modelo versátil confeccionado en lona elástica resistente, con costuras reforzadas y bolsillos de almacenamiento. El Rugged Flex Relaxed Fit Ripstop Cargo Work Short combina tejido ripstop con elasticidad y cuenta con bolsillos cargo para herramientas. El Rugged Professional Series Relaxed Fit Short tiene un acabado resistente a la suciedad y a los olores, materiales que no destiñen, bolsillos reforzados y costuras principales de triple puntada.

Los pantalones cortos de trabajo están disponibles en diferentes versiones, materiales y cortes, para mujer y hombre.

Madrid – Ni a primera hora de la mañana, ni del mediodía, ni de la tarde. Momento ya en el que, con los mercados cerrados, desde Adolfo Domínguez informaban de que la compañía dejaba sin efecto el anuncio de la publicación de resultados programada para esta pasada ya jornada de lunes, 13 de julio de 2026. Una decisión que se tomaba como resultado de la adecuación de su calendario de información financiera, un ajuste en virtud del cual, y a partir de ahora, la multinacional de la moda española no informará más de sus resultados trimestrales.

Poniéndonos en contexto, era a fecha del pasado 8 de julio, y hace por tanto menos de una semana, cuando desde la dirección de Adolfo Domínguez informaban, vía comunicado a la Comisión Nacional del Mercado de Valores (CNMV), que la compañía mantenía como previsión la de difundir este lunes, día 13 de julio, la información relativa a sus resultados correspondientes al primer trimestre de su nuevo ejercicio fiscal de 2026. Periodo de tres meses comprendido entre el 1 de marzo al 31 de mayo, y durante el cual, durante su pasado ejercicio de 2025, la compañía alcanzó a registrar al cierre del primer trimestre del año unas ventas netas total por valor de 24,07 millones de euros, con una caída de un -0,06 por ciento respecto al año anterior. Bajada que sin embargo se tradujo en unas pérdidas netas que lograban reducirse ligeramente, y en un -6,61 por ciento, hasta situarse en los -1,75 millones de euros.

Con ese gris desempeño como antecedente, pero en cualquier caso tras los buenos datos financieros con los que la compañía logró finalmente cerrar su ejercicio de 2025, con unas ventas por 139,02 millones de euros (+1,84 por ciento) y un beneficio neto de 1,64 millones de euros (+80,58 por ciento), guardaba un especial interés poder conocer cómo había logrado el grupo de moda gallego arrancar este nuevo año fiscal de 2026. Ejercicio en el que la compañía se mantiene celebrando el 50º aniversario de su fundación, pero sobre cuyos registros de ventas y beneficios la multinacional de la moda española ha decidido que finalmente no informará, hasta la presentación de sus resultados al cierre del primer semestre del año. Una decisión que, lejos de quedar aquí, afectará a partir de ahora a todos sus calendarios anuales de publicación de su información financiera.

Cancelación de la información financiera trimestral

Desde un anuncio que, cuanto menos, no deja de sorprender y de resultar llamativo, sobre todo si tenemos en cuenta que el de la publicación de los resultados trimestrales llegaba con fecha de este pasado 8 de julio, siguiendo con lo ya adelantado al comienzo de estas líneas, este lunes 13 de julio, y al cierre de los mercados, desde Adolfo Domínguez informaba que la compañía cancelaba la publicación prevista para la jornada de su información del primer trimestre de 2026. Un anuncio que quedaba sin efecto, después de la decisión tomada por su Consejo de Administración, y en virtud de la cual, y a partir de ahora, la compañía deja de informar de su información trimestral, para limitarse a lo que han definido como las “exigencias legales actualmente vigentes”.

Profundizando en los detalles de ese anuncio, y de este cambio en su política de información financiera a los accionistas e inversores, señalan desde la dirección de Adolfo Domínguez, nuevamente desde un comunicado remitido a la CNMV, que el Consejo de Administración de la compañía pasó a celebrar una reunión de carácter ordinario el pasado viernes, 10 de julio de 2026. Un encuentro el de entonces durante el que el órgano de gobierno de la multinacional de la moda española adoptó el acuerdo de ajustar su calendario de información financiera periódica a las “exigencias legales actualmente vigentes”. Un cambio en función del cual, y desde este momento, la compañía pasa a cesar en la “publicación voluntaria” de su información financiera trimestral, para limitarse de aquí en adelante a la publicación periódica de sus resultados e informes de información financiera semestrales, y anuales, los “únicos legalmente exigibles”, subrayan desde Adolfo Domínguez.

En un intento por frenar cualquier mensaje de alerta sobre lo preocupantes o decepcionantes que pudieran haber resultando sus cuentas del primer trimestre de este 2026, provocando el que la compañía haya decidido a última hora proceder a este ajuste sobre su política de información financiera, desde Adolfo Dominguez defienden que “esta decisión responde a una reflexión estratégica del Consejo de Administración sobre el modelo de comunicación financiera de la Sociedad, en línea con el marco regulatorio y la práctica de mercado observada”. Un alegato que completan destacando cómo además “el Consejo considera que este nuevo modelo favorece una visión más estructural de la evolución del negocio, y contribuye a una asignación más eficiente de los recursos internos dedicados a la elaboración y verificación de la información financiera periódica”.

Tras adoptar este cambio, con el que “en consecuencia” se “deja sin efecto el anuncio de publicación de resultados del primer trimestre del ejercicio 2026/27 inicialmente comunicado”, Adolfo Domínguez “reafirma su compromiso con la transparencia y la comunicación fluida con sus accionistas, inversores y el mercado en general fundamentado en criterios de calidad, exhaustividad y sostenibilidad a largo plazo”. Un compromiso en virtud del cual “la Sociedad continuará informando puntualmente de sus resultados y de cualquier otra información que deba ser comunicada”, añaden en una sentencia que podría resultar más que cuestionable a la vista de este cambio a contrapié sobre su política de información financiera, pero que en cualquier caso blindan desde Adolfo Domínguez con el remate de “conforme a la normativa aplicable”.

Nuevo acuerdo de financiación

Como última actualización sobre la compañía, en un comunicado emitido a primera hora de la mañana de este mismo martes, 14 de julio, Adolfo Domínguez ha informado que el grupo ha logrado suscribir un nuevo acuerdo marco de financiación con su pool bancario. Acuerdo en virtud del cual, se precisa, la compañía pasa a incrementar en 5 millones de euros, hasta un importe total de 28 millones de euros, sus actuales líneas de financiación a corto plazo; así como a formalizar una nueva operación de financiación, a largo plazo, por un importe total de 6 millones de euros.

Valorando este acuerdo marco de financiación, suscrito con las entidades bancarias Abanca, CaixaBank, Banco Santander, BBVA y Bankinter, y que junto a la cancelación, en el último momento, de la presentación de los resultados del primer trimestre no deja de cuanto menos de alimentar las dudas sobre la actual situación por la que atravesaría la compañía, “esta operación permite a Adolfo Domínguez reforzar y equilibrar su estructura financiera, dotando a la Sociedad de mayor flexibilidad para atender sus necesidades operativas y de inversión”, apuntan desde el Consejo de Administración de Adolfo Domínguez. Todo ello al tiempo en el que además, apostillan, la compañía “mantiene el compromiso de vincular su financiación a criterios de sostenibilidad”.

Madrid – En una última actualización sobre el conflicto que se mantiene abierto en Oriente Medio entre Irán y los Estados Unidos, y sobre el estado en el que se encuentra el estratégico paso del estrecho de Ormuz, el presidente estadounidense, Donald J. Trump, ha reafirmado que el corredor marítimo continúa abierto, y continuará abierto, para el paso de mercancías. Una garantía de seguridad que se está dando gracias a los Estados Unidos, y por la que a partir de ahora se impondrá un peaje del 20 por ciento sobre toda la carga que circule por él.

El anuncio lo ha realizado el mismo presidente Trump, como viene siendo ya lo habitual, a través de su cuenta oficial en su red social Truth. Plataforma de la que se ha servido en esta ocasión para, justo después de celebrarse a sí mismo y de darse las gracias por lograr que, según ha afirmado, los precios del gas y del petróleo hayan comenzado a descender, y tras proclamar su sentido pésame por el fallecimiento del senador Lindsey Graham, y el que en su honor las banderas de todo el país ondearán a media asta hasta las 18:00h de la tarde del próximo sábado —hora de la costa este—, anunciar que de manera contraria a lo afirmado por la República de Irán el estrecho de Ormuz continúa abierto. Un anuncio con el que parecía llegar para terminar de aclarar la volátil situación en la que se mantiene el estratégico paso marítimo desde que estallase el conflicto entre Irán, Israel y los Estados Unidos el pasado 28 de febrero de este 2026, visos de estabilidad que no obstante el mismo Trump se encargaba de hacer desaparecer al informar que, primero, los Estados Unidos han vuelto a restablecer un “bloqueo iraní” en el estrecho, en virtud del cual se impedirá la entrada y salida de todos los buques iraníes o que transporten petróleo y mercancías procedentes del país persa; y segundo, el que con efecto inmediato Estados Unidos pasa a imponer un peaje del 20 por ciento sobre toda la carga que pase por el estrecho de Ormuz. Una tasa que, defiende Trump, servirá para compensar al país norteamericano por los costes en los que incurre para garantizar el paso seguro por el estrecho.

“El estrecho de Ormuz está abierto, y seguirá estando abierto, con o sin Irán”, arrancaba su mensaje en Truth el presidente de los Estados Unidos. No obstante, prosigue el mandatario, “restablecemos el ‘bloqueo iraní’, llamado así porque solo impide la entrada y salida de buques o clientes iraníes”. Al margen de ese transporte, entraba a detallar Trump, “todos los demás países gozarán de un paso justo y libre por el estrecho”. “Estados Unidos será, a partir de este momento, conocido como ‘El guardián del estrecho de Ormuz’, pero como tal, y por una cuestión de justicia, será reembolsado, a razón del 20 por ciento sobre toda la carga transportada, por todos y cada uno de los costes necesarios para llevar a cabo la tarea de proporcionar seguridad y protección a esta muy volátil región del mundo”, ha defendido el presidente estadounidense. Un por tanto peaje sobre toda la carga que pase por el estrecho, cuya “constitución comenzará de inmediato”, apostillaba el mandatario.

Discurso a la Nación, para el jueves 16 de julio

Tras este último anuncio sobre la situación que afecta al estrecho de Ormuz, y de nuevos mensajes relacionados con el fallecimiento del senador Lindsey Graham, desde la misma cuenta de Trump en Truth se anunciaba que el presidente de los Estados Unidos ofrecerá un discurso a la nación este próximo jueves, día 16 de julio. Una alocución que pronunciará en horario de máxima audiencia, a las 21:00h de la noche, hora de la costa este de los Estados Unidos, pero sobre la que sin embargo no se han ofrecido por el momento detalles sobre el sentido o los temas que tratará Trump en esa intervención.

Rabanne ha confirmado el nombramiento de Olivier Rousteing como su nuevo director creativo, marcando una de las transiciones de liderazgo más seguidas en el sector del lujo esta temporada.

El diseñador francés de 40 años sucede a Julien Dossena, quien anunció su marcha el 24 de junio de 2026 tras una trayectoria de 13 años en la casa propiedad de Puig.

La firma propiedad de Puig señaló que el nombramiento representa "un nuevo paso significativo en la evolución de Rabanne". Rousteing presentará su primera colección para la maison durante la Semana de la Moda de París de marzo de 2027, correspondiente a la temporada otoño/invierno 2027.

El nombramiento de Rousteing pone fin a días de especulaciones en la industria, durante los cuales múltiples informes vincularon al ex diseñador de Balmain con Rabanne.

A principios de esta semana, medios como la newsletter del sector Miss Tweed informaron de que Rousteing ya se encontraba en conversaciones avanzadas con la casa, centradas en potenciar la visibilidad de la marca, las apariciones en la alfombra roja y reforzar el posicionamiento de lujo de Rabanne.

La periodista de moda Lauren Sherman también hizo referencia a la transición de liderazgo en su newsletter del sector del 24 de junio [Puck.news], enmarcando el cambio dentro de una transformación más amplia en Rabanne, mientras Puig continúa equilibrando su negocio centrado en las fragancias con sus ambiciones de expandir su credibilidad en la moda.

"Unirme a Rabanne es un enorme honor. Es una casa que siempre ha desafiado las convenciones, transformando ideas audaces en creaciones que han marcado la historia de la moda", afirmó Rousteing en el comunicado oficial. El diseñador también quiso reconocer el trabajo de su predecesor: "La visión de Julien Dossena redefinió la casa para una nueva generación respetando profundamente su espíritu pionero. Admiro enormemente el legado creativo que deja".

Confirmado: Olivier Rousteing liderará Rabanne

Rousteing se une a Rabanne tras más de una década en Balmain, donde transformó fundamentalmente el perfil global de la casa fusionando la moda de lujo con la cultura pop, la influencia de las celebridades y la visibilidad en las redes sociales. Durante sus 14 años como director creativo, se convirtió en uno de los primeros diseñadores en adoptar plenamente las plataformas digitales como una extensión central de la narrativa de la marca, construyendo lo que se conoció como la “Balmain Army”, una red global de celebridades, modelos e influencers que expandió significativamente el alcance cultural de la casa.

Bajo su liderazgo, Balmain se convirtió en una de las marcas de lujo parisinas más visibles de la era de las redes sociales, con un fuerte crecimiento comercial que, según se informa, pasó de decenas de millones en ingresos al inicio de su mandato a una cifra estimada de 300 millones de euros en los últimos años. Sus colaboraciones, incluida una histórica asociación con H&M, posicionaron aún más a la casa en la intersección del lujo y la cultura de masas, generando constantemente una demanda global y agotando existencias rápidamente.

Más allá del éxito comercial, el legado de Rousteing en Balmain también está ligado a cambios más amplios en la industria de la moda. Fue uno de los primeros directores creativos negros de una importante casa de lujo francesa, y su trabajo ha enfatizado constantemente la diversidad, la inclusión y la representación cultural en la pasarela. Su narrativa personal —incluida la búsqueda de sus raíces biológicas y sus reflexiones públicas sobre la identidad— se entrelazó estrechamente con su visión creativa.

Puig apuesta por la moda para impulsar su próxima fase de crecimiento

En Rabanne, se espera que Rousteing aproveche esa experiencia para elevar aún más el perfil de moda de la marca, manteniendo al mismo tiempo su sólida base comercial impulsada por las fragancias. Los observadores de la industria señalan que Puig se ha centrado cada vez más en fortalecer las divisiones de moda de su cartera, posicionando el liderazgo en diseño como un motor clave del valor de marca y el crecimiento a largo plazo.

El nombramiento también se enmarca en el contexto de los recientes resultados de Puig, con el grupo reportando 4,790 millones de euros en ingresos en 2024 y superando los 5,000 millones de euros en 2025, lo que subraya la continua importancia de las marcas centradas en las fragancias al tiempo que señala sus ambiciones de expandir su presencia en la moda, que aunque representa una parte menor del negocio, desempeña un papel esencial en la construcción de la imagen de marca y en el posicionamiento del universo creativo que alimenta el negocio de belleza y perfumería.

Ana Trias, presidenta de Prestige and Fashion Brands de Puig, destacó en el comunicado de la empresa que "la visión creativa de Olivier Rousteing es audaz, magnética y profundamente conectada con la energía actual", calificándolo como "la elección natural" para abrir un nuevo capítulo en la historia de Rabanne.

El cambio creativo sigue a una reorganización directiva ya en marcha: Jean-Jacques Guével llegó como director general del negocio de moda en septiembre de 2025, y Renaud de Lesquen se convirtió en presidente de Rabanne One Brand, dirigiendo tanto la moda como la belleza, en abril de 2026.

Este artículo ha sido escrito por Esmeé Blazer con una herramienta de IA y editado por Alicia R. Sarmiento

Madrid – Tras completar con nuevamente un sobresaliente éxito su última edición de 2026, desde Fundación Loewe anuncian la apertura de la fase de presentación de candidaturas, para una especialmente especial y conmemorativa 10ª edición de su premio internacional de artesanía. Un Loewe Foundation Craft Prize para el que se abre así el periodo para la recepción de solicitudes, a un galardón del que se hará entrega la próxima primavera de 2027, desde un lugar y país todavía por anunciar, pero en cualquier caso de Europa.

Según concretan a este respecto desde la misma casa de moda española, y desde la Fundación desde la que se impulsan los diferentes proyectos e iniciativas culturales de los que la casa se presenta así como mecenas y patrocinadora, se ha abierto ya la convocatoria para la 10ª edición del Loewe Foundation Craft Prize. Un premio internacional de artesanía, de 2027, para el que cualquier interesado que cumpla con los requisitos para participar de su concurso, podrá presentar su requerida candidatura hasta el próximo 15 de octubre de 2026.

En este sentido, y como principales bases para participar, señalan desde Fundación Loewe que el galardón se mantiene abierto a las candidaturas de cualquier trabajador y artesano mayor de 18 años. Unos aspirantes al premio que deberán presentar a concurso una obra, u obras, originales, realizadas parcial o íntegramente a mano. Unas piezas que, una vez admitidas las candidaturas, se encargarán de analizar los miembros de un panel de expertos, quienes de manera colegiada seleccionarán un grupo de 30 obras finalistas. Piezas que, una vez seleccionadas, pasarán a exponerse durante la primavera de 2027 desde el lugar que finalmente se escoja como sede para la edición de este año; lugar desde el que ya se adelanta no obstante desde Loewe que en cualquier caso estará en Europa. Una decisión con la que parecen tratar de blindarse ante los problemas de traslados y viajes que se generaron durante la edición pasada de 2026, cuya convocatoria se vio afectada por las complejidades derivadas de la actual crisis que persiste en Oriente Medio, y dificultó el poder llegar hasta Singapur, lugar escogido para la exposición y le entrega de los premios de 2026.

Con una dotación económica de 50.000 euros

De entre esas 30 piezas preseleccionadas, y que protagonizarán la exposición del próximo año, será ya el jurado de los premios el encargo de escoger el nombre de las hasta dos menciones especiales de las que podrán hacerse entrega, dotas con 5 000 euros cada una, y el del ganador del conmemorativo 10º premio Loewe Foundation Craft Prize de 2027. Una mención que, siguiendo los tiempos de los que siempre se han valido desde Loewe, se entregará en la víspera a que la exposición de las piezas finalistas abra sus puertas al público, y por la que su digno ganador recibirá una dotación de 50 000 euros. Señalándose a este respecto el que, en relación con ese jurado, al mismo se incorporan este año el artista Ibrahim Mahama; Jongjin Park, ganador del Loewe Foundation Craft Prize de 2026; y los nuevos directores creativos de Loewe, Jack McCollough y Lazaro Hernandez. Diseñadores que, a pesar de haber ya participado como miembros del jurado en la pasada edición de 2026, pasan ahora finalmente a inscribirse entre sus miembros permanentes.

“Es un auténtico placer y un motivo de orgullo abrir la convocatoria de la décima edición del Loewe Foundation Craft Prize”, no ha dudado en querer salir a anunciar Sheila Loewe, presidenta de la Fundación Loewe, a lo largo de unas declaraciones compartidas desde la dirección de la firma de moda. “Durante la última década, el Craft Prize se ha consolidado como una plataforma para una comunidad de artistas y artesanos en constante crecimiento alrededor del mundo, dando visibilidad a obras que inspiran nuevas formas de entender la artesanía y su lugar en la cultura contemporánea”. Desde ese compromiso, añade, “año tras año, el premio ha demostrado las infinitas posibilidades de la artesanía y su capacidad para evolucionar y sorprendernos”, y por ello “espero con gran ilusión descubrir las extraordinarias ideas, perspectivas y obras que traerá esta edición”.

Y más de 5.000 candidaturas anuales (por ahora)

Creado en 2016 con el objetivo de dar visibilidad y soporte a la innovación, la excelencia y la creatividad en el ámbito de la artesanía, el Loewe Foundation Craft Prize fue sin duda una de las acciones más relevantes y con mayor trascendencia de cuantas puso en marcha la firma española, durante su brillante etapa bajo la dirección creativa de Jonathan Anderson. Diseñador que, impulsando de manera decidida este premio, terminó por salir a poner en valor la herencia artesanal que atesora Loewe, desde su fundación en Madrid en 1846 como taller colectivo de artesanos.

Como muestra de la creciente relevancia que ha logrado adquirir el premio a lo largo de sus, por ahora, nueve ediciones —el premio se creó en 2016 pero su primera mención se entregó en 2017—, para su pasada edición de 2026 llegaron a recibirse más de 5 100 candidaturas, procedentes de 133 países de las distintas partes del mundo. Propuestas de entre las que terminaron por escogerse, como menciones especiales, las obras presentadas a concurso por al orfebre italiano Graziano Visintin (Italia, 1954), ganador por su obra “Collier (2025)”, y por el diseñador industrial español Álvaro Catalán de Ocón (España, 1975) y el colectivo ghanés Baba Tree Master Weavers, por su obra colaborativa “Frafra Tapestry (2024)”; con ya el ceramista coreano Jongjin Park alzándose con el premio Loewe Foundation Craft Prize 2026.

La firma alemana de artículos deportivos Puma SE ha cubierto otro puesto clave. Este lunes, la empresa ha anunciado el nombramiento de Marcia Dos Santos como Vice President BU Core. Este nombramiento se produce tras una reforma estructural en la que Puma había introducido equipos separados para las “Business Units” (BU) Sportstyle y Core. La división Sportstyle está dirigida desde principios de junio por Laurent Fricker.

Según un comunicado, Dos Santos asumirá su nuevo cargo el 15 de julio y, al igual que Fricker, reportará directamente a la Chief Brand Officer, Maria Valdes. Según su nueva empresa, cuenta con “más de 20 años de experiencia en la industria deportiva”. Anteriormente, trabajó en el gigante estadounidense del sector, Nike, como Vice President Merchandising Women’s EMEA.

Maria Valdes ha explicado los motivos del nombramiento. “A lo largo de su carrera, Marcia ha logrado sólidos resultados comerciales en diversas regiones y categorías de producto, demostrando sus excepcionales habilidades en las áreas de go-to-market y merchandising”, ha explicado en un comunicado. “Con su profunda experiencia en la industria, su impresionante historial en ventas y su capacidad para construir equipos de éxito, es la persona idónea para seguir impulsando Core, un pilar central de nuestro negocio”.

Madrid – Pronovias sigue asentando los cimientos desde los que poder hacer frente a su nueva etapa, ya bajo la propiedad del grupo de inversión británico Cap Capital, y anuncia el nombramiento de Alejandro Santos como su nuevo director de marketing. Un nombramiento que viene a sumarse al oficializado hace ahora prácticamente un mes, cuando, como primera incorporación a esta “nueva Pronovias” de Cap Capital, se informó del nombramiento de Luis Müller Heiberg como nuevo director financiero de la compañía.

Adjudicada a Cap Capital a comienzos del mes de junio, tras la autorización judicial a la operación para la venta de Pronovias a la firma de inversión británica que esta recibía a finales del mes de mayo, a pesar de aprovechar ya entonces la ocasión para adelantar cuáles iban a ser las bases y los nuevos parámetros que iban a regir la compañía de cara a la apertura de este nuevo comienzo, se puntualizaba entonces que el nuevo Plan Estratégico de Pronovias no se terminará de presentar en detalle hasta el próximo 8 de septiembre. Un periodo hasta entonces que desde Cap Capital están aprovechando para terminar de armar al nuevo equipo que se encargará de dirigir la emblemática firma española de moda nupcial; equipo para el que si a mediados de junio informaban del fichaje del economista Luis Müller Heiberg como nuevo director financiero de la compañía, a mediados de este mes de julio lo hacen de la contratación del consultor español Alejandro Santos, como nuevo director de marketing.

Tal y como se han encargado de concretar desde Pronovias, desde su nueva posición Santos se encargará de liderar la nueva estrategia global de marketing y de comunicación de Pronovias. Tareas que llevará a cabo bajo la directriz general de buscar reforzar la “notoriedad y deseabilidad” de la firma de moda nupcial, y de sus colecciones; de construir una relación “más directa y personal” con las novias; y con la de “evolucionar” la experiencia “bridal” que la firma ofrece a su potencial comunidad de clientas, a través de la personalización, la inspiración y la inteligencia artificial. Una IA que estará llamada a jugar un papel determinante y principal en este nuevo capítulo de Pronovias, tal y como ya adelantaban desde Cap Capital a comienzos de junio, y como se ha encargado de enfatizar ahora su nuevo director de marketing.

“Pronovias tiene algo que muy pocas marcas del mundo pueden decir”, como lo es el que se mantiene enfocada a “mimar y acompañar a una mujer en uno de los momentos más importantes de su vida”; y de cara a esa tarea, “mis dos grandes retos atañen a la marca y la experiencia”, apunta Alejandro Santos, nuevo director de marketing de Pronovias, a lo largo de unas declaraciones compartidas por la misma firma de moda nupcial con motivo de su nombramiento. Para hacer frente a cada uno de ellos, prosigue, de cara al primero, para dar buen cumplimiento de él el foco se pondrá en “fortalecer y construir una marca que sepa escuchar, acompañar e inspirar a la futura novia desde la cercanía y la autenticidad”. Una meta a cuyo servició estará esa “experiencialidad”, que se buscará elevar mediante “una experiencia personalizada y memorable a la altura de un momento tan único e icónico como es una boda”. Una suma de tareas ante las cuales, apostilla, “la inteligencia artificial jugará un papel clave”, como elemento diferenciador que la firma será capaz de capitalizar, para “personalizar y sorprender a la novia”, al tiempo que "entenderemos y decodificaremos lo que necesita para hacer realidad su sueño, siempre desde la emoción, la marca y la experiencia”.

Del grupo LVMH a Bimani, pasando por Pandora

Profesional con más de 15 años de experiencia dentro del sector del marketing y de la construcción de marcas, Alejandro Santos había pasado ya por las filas de compañías como L’Oréal o la italiana Angelini Industries cuando en 2017 se incorporaba a las filas del grupo LVMH. Holding multinacional francés especializado en la industria del lujo para el que ocupó distintos cargos de responsabilidad entre junio de 2017 y junio de 2023, eso sí dentro siempre de Moët Hennessy, su división de vinos, licores y bebidas espirituosas. Un total de algo más de seis años, a los que puso fin con su salto a Pandora, compañía en la que se mantuvo hasta enero de 2025 como director de su departamento de marketing, para España y Portugal.

Tras pasar por la popular firma danesa de joyería, Santos se decidió a poner en marcha su propia consultora de marketing estratégico, bajo el nombre de “AS Studio”. Una oficina desde la que ha venido realizando trabajos de asesoramiento para distintas compañías de los ámbitos de la moda, la belleza, el comercio minorista y el hotelero, entre ellas Bimani, la firma de moda de la empresaria e influencer Laura Corsini, de la que Santos se llegó a desempeñar como director de marketing y comunicación entre marzo y septiembre de 2025.

“La incorporación de Alejandro llega en un momento estratégico para Pronovias”, en el que “la compañía avanza hacia un modelo en el que cada punto de contacto, físico y digital, debe responder mejor a las expectativas, deseos y emociones de cada novia”. En esa intención, "el objetivo es claro”, y pasa por garantizar “que la experiencia Pronovias no empiece ni termine en el vestido, sino que acompañe a la mujer durante todo el proceso de decisión, preparación y celebración” de la boda. Y en ese contexto, apostillan, “su llegada supone la incorporación de un perfil con una sólida experiencia internacional y una profunda comprensión de cómo construir marcas con relevancia cultural, conexión emocional y valor a largo plazo”.

“El estrecho de Ormuz es un corredor marítimo vital para el comercio mundial”, afirmó el Comando Central de Estados Unidos (CENTCOM) en un comunicado, en el que subrayó que “Irán no lo controla” y que las fuerzas estadounidenses permanecen desplegadas y preparadas para “garantizar que la libertad de navegación continúe disponible para el transporte marítimo comercial”.

Se trata de la última actualización oficial del Gobierno estadounidense sobre uno de los principales corredores logísticos del mundo, una infraestructura clave para el comercio internacional, una relevancia de la que la industria de la moda tampoco queda al margen. Desde el inicio de la ofensiva militar en la región, el tránsito marítimo por el estrecho se ha reducido a una mínima parte de su capacidad habitual y el nivel de amenaza continúa siendo considerado severo, una situación que está obligando a navieras, operadores logísticos y empresas a replantear rutas y cadenas de suministro.

Las cifras reflejan el alcance de esta disrupción. Según las estimaciones más recientes de Windward Maritime Intelligence, el pasado 11 de julio atravesaron el estrecho únicamente 21 buques comerciales, frente a los cerca de 140 tránsitos diarios que se registraban antes del estallido del conflicto. Otras fuentes sitúan las cifras en niveles distintos, aunque todas coinciden en una caída muy acusada del tráfico, una diferencia que responde en gran medida a la dificultad para monitorizar la actividad real en la zona. Un número creciente de buques está cruzando como dark vessels, con el sistema de identificación automática AIS desconectado para reducir el riesgo de convertirse en un objetivo. A ello se suma la interferencia constante sobre los sistemas de navegación por satélite GNSS, que dificulta aún más el seguimiento del tráfico marítimo.

Irán sostiene una versión completamente distinta

Según informó la Autoridad del Estrecho del Golfo Pérsico, organismo controlado por Teherán, aseguró que los recientes movimientos que califica de ilegales por parte de las fuerzas estadounidenses impiden actualmente la navegación por el estrecho. La autoridad iraní señaló que las solicitudes de tránsito se revisarán cuando la situación se normalice y se tramitarán por orden de prioridad, después de que la Guardia Revolucionaria anunciara el cierre del paso hasta nuevo aviso y atacara dos buques comerciales por incumplir, según su versión, las normas de navegación impuestas por Irán.

Por este motivo, el United Kingdom Maritime Trade Operations, considerado una de las principales referencias mundiales en información sobre seguridad para la navegación comercial, junto con el Mando Central de las Fuerzas Navales de Estados Unidos (NAVCENT), continúa considerando el estrecho aguas internacionales. Ambos organismos mantienen el nivel de amenaza de seguridad en la categoría severa, el segundo escalón más alto de la clasificación.

Pese a ello, el Comando Central de Estados Unidos insistió el domingo en que el estrecho permanece abierto para todos los buques que deseen transitar legalmente y reiteró que Irán no controla esta vía marítima, a pesar de los recientes ataques contra embarcaciones comerciales, un mensaje que el presidente Donald Trump reiteró posteriormente en una entrevista concedida a NBC.

El origen de la disputa se encuentra en la interpretación del Memorando de Entendimiento de Islamabad, firmado el mes pasado como parte del alto el fuego. El acuerdo establece que Irán debe permitir durante al menos sesenta días el paso sin peajes de los buques comerciales mientras avanzan las negociaciones de paz y abrir conversaciones con Omán para definir el futuro modelo de administración del estrecho de Ormuz.

La actual escalada se desencadenó el 11 de julio, cuando la Guardia Revolucionaria iraní atacó e incendió un portacontenedores con bandera de Chipre que atravesaba el estrecho. Tras ese episodio, Teherán volvió a declarar cerrada la vía marítima y Estados Unidos respondió con una ofensiva aérea contra alrededor de 140 objetivos militares iraníes.

La tensión continúa aumentando. Durante la mañana de este lunes, la Guardia Revolucionaria lanzó una operación de represalia contra bases militares estadounidenses situadas en Jordania, Baréin y Kuwait. Jordania aseguró haber interceptado cuatro misiles, mientras que Kuwait informó de que estaba neutralizando varios objetivos aéreos hostiles. Por su parte, Baréin activó las sirenas de emergencia e instó a la población a permanecer resguardada.

Madrid – Entre los últimos indicadores económicos facilitados por el Instituto Nacional de Estadística (INE), el organismo público ha informado del Índice de Precios Industriales (IPRI) relativo al pasado mes de mayo de este 2026. Periodo durante el que los precios de fábrica de los productos industriales del conjunto de todo el país registraron su mayor crecimiento de todo el año, para lo que respecta a las industrias de la moda con unos desempeños no obstante en línea con los de los meses anteriores, y que llevan al conjunto del sector a completar el periodo de los cinco primeros meses del año con un incremento de precios de entre un +1,2 a un +1,4 por ciento.

Según los datos de este modo hechos públicos por el INE, durante el mes de mayo el IPRI general experimentó un crecimiento intermensual de un +1 por ciento, para completar el periodo registrando un crecimiento interanual de un +10,5 por ciento, respecto al mismo mes de mayo de hace un año. Un incremento interanual que se sitúa como el más elevado de todo lo que llevamos de ejercicio, tras las variaciones interanuales del IPRI registradas en enero (-2,9 por ciento), febrero (-7 por ciento), marzo (+3,4 por ciento) y abril (+8,3 por ciento).

Como resultado de este último registro, para lo que respecta a todo el periodo acumulado de estos cinco primeros meses de 2026, los precios de venta de fábrica en España acumulan una subida de precios de un +6,6 por ciento. Incremento que, por el momento al menos, serviría para compensar, y además registrar un ligero crecimiento, la caída de precios que se experimentó en 2025, año que el país cerró con una caída de precios de fábrica acumulada para todo el año de un -3,3 por ciento.

“La tasa anual del Índice de Precios Industriales (IPRI) general fue del +10,5 por ciento en el mes de mayo, +2,0 puntos por encima de la registrada en abril y la más alta desde diciembre de 2022”, enfatizan desde el INE. “Por destino económico de los bienes, entre los sectores industriales que tuvieron influencia positiva en la evolución de la tasa anual del IPRI general” destacaron el de la “Energía”, que “presentó una tasa del +28,2 por ciento, la mayor desde noviembre de 2022”, y el de los “Bienes intermedios”, cuya variación anual aumentó “hasta el +6,1 por ciento, consecuencia del incremento de los precios de la ‘Fabricación de productos químicos básicos, compuestos nitrogenados, fertilizantes, plásticos y caucho sintético en formas primarias’”.

La industria de la moda española, alejada del índice general

Centrando ya la atención sobre la industria de la moda española, los tres subsectores que la conforman, textil, confección y cuero y calzado, registraron nuevas, y comedidas, subidas de precios de sus precios de fábrica en mayo. Unos incrementos que se movieron, en términos interanuales, entre un +1,2 y un +1,3 por ciento, y que dejan a los sectores registrando para el conjunto de todo el periodo de los cinco primeros meses del año unas subidas alejadas del índice general del +6,6 por ciento, y por detrás ligeramente del IPC general acumulado del +1,6 por ciento hasta mayo, tanto para textil (+1,4 por ciento), como para confección (+1,4 por ciento), y para cuero y calzado (+1,2 por ciento).

De forma más pormenorizada, empezando por la industria textil, los precios de fábrica de la industria aumentaron en mayo un +0,4 por ciento respecto a abril, situándose en un incremento interanual de un +1,3 por ciento. Subida que, sumándose a los desempeños interanuales en enero (+0,6 por ciento), febrero (+0,4 por ciento), marzo (+0,7 por ciento) y abril (+1 por ciento), dejan al sector registrando su mayor aumento de precios de fábrica del año, con un IPRI que acumula una subida de un +1,4 por ciento para el periodo de enero a mayo.

En cuanto a la industria de la confección, sus precios de fábrica por su parte han caído un -0,4 por ciento en mayo respecto a abril, aunque situándose un +1,2 por ciento por encima de los precios del año anterior. Incremento que junto a la evolución interna registrada de su IPRI en enero (+0,7 por ciento), febrero (+1,1 por ciento), marzo (+1,5 por ciento) y abril (+1,3 por ciento), dejan al sector acumulando una subida de precios de fábrica de un +1,4 por ciento.

Por último ya, en lo que afecta a la industria del cuero y del calzado, esta incremento precios en el orden de un +0,1 por ciento en mayo respecto a abril, para situarlo en un +1,3 por ciento en términos interanuales. Un aumento de precios de fábrica que, junto a los registrados en enero (+1,4 por ciento), febrero (+1,6 por ciento), marzo (+1,2 por ciento) y abril (+1,4 por ciento), deja al sector acumulando una subida para todo el periodo de enero a mayo de un +1,2 por ciento de sus precios industriales.

Algunas colecciones persiguen el momento; Selected quiere capturarlo. Para Primavera/Verano 2027, la marca propiedad de Bestseller construye su temporada en torno a “Stories through the Lens”, un estudio de los momentos cotidianos vistos a través de una perspectiva claramente escandinava. La temporada equilibra suavidad y fuerza: sastrería relajada, prendas casual de gama alta y diseño atemporal, todo ello con una actitud contemporánea y natural.

Su capítulo definitorio es una colaboración con la icónica marca de cine y fotografía Kodak, un nombre que ha dado forma a la manera en que se cuentan las historias durante generaciones, desde producciones de Hollywood hasta cineastas independientes, capturando momentos que se han convertido en parte de nuestra memoria cultural colectiva. En lugar de apoyarse en la nostalgia, la cápsula Selected x Kodak se inspira en el mundo que hay detrás de la cámara, celebrando a los equipos de rodaje, directores y directores de fotografía cuya creatividad convierte las ideas en historias inolvidables.

“Toda gran historia empieza detrás de la cámara. Son las personas, la emoción y la artesanía detrás de cada fotograma lo que ha inspirado esta colección”, afirma Lucas Hiersemann, director de producto de moda masculina en Selected. “El legado creativo de Kodak los convirtió en el socio natural para dar vida a nuestra dirección creativa para la Primavera 2027 a través del objetivo de Selected”.

Arraigada en el ADN de diseño escandinavo de Selected, la colaboración combina siluetas de inspiración utilitary con referencias de archivo de Kodak, gráficos expresivos y acentos de color característicos, tanto para mujer como para hombre. Se presenta más como una historia de producto cultural que como un mero ejercicio de logotipos: una interpretación moderna del legado cinematográfico que une la simplicidad nórdica con una de las identidades visuales más perdurables de la cultura.

Dónde se venderá la temporada

En el conjunto de la colección Primavera 2027, la base comercial es clara: sastrería relajada, prendas de abrigo ligeras, punto de primera calidad y jersey de gama alta. Los trajes de lino, las sobrecamisas de corte sastre, los polos modernos y los pantalones de corte relajado siguen siendo categorías de inversión clave. Estas piezas de la colección principal se complementan con las llamativas camisetas gráficas, sobrecamisas y accesorios de la cápsula Selected x Kodak, que añade una capa más audaz y expresiva a la oferta. La colección llegará en múltiples lanzamientos desde febrero hasta mayo de 2027, manteniendo un flujo continuo de novedades durante toda la temporada de ventas de Primavera/Verano.

Tejidos naturales, colores discretos

Más allá de los gráficos, los materiales son los protagonistas. El lino, los algodones de tacto fresco, el punto texturizado y las mezclas de tejidos suaves aportan ligereza y profundidad a las prendas de verano, ofreciendo comodidad sin perder refinamiento. La paleta combina neutros atemporales, tonos tierra cálidos y azules sofisticados con verdes descoloridos por el sol, amarillos suaves y expresivos acentos de temporada. Dentro de la cápsula de Kodak, los colores más intensos y los gráficos inspirados en archivos añaden una dimensión más audaz, mientras que el resto de la colección mantiene su discreta identidad prémium.

Creada para una confianza discreta

Si la cápsula de Kodak aporta la chispa de la temporada, la colección principal aporta su lógica. Selected diseña para la persona que se viste con intención, no para llamar la atención, definiendo el verdadero estilo como una confianza discreta en lugar de como una respuesta a tendencias fugaces. El resultado es un armario de clásicos modernos con una relevancia duradera: menos piezas, pero de mayor calidad, que se adaptan con naturalidad al trabajo, los viajes y la vida cotidiana.

Esa filosofía se extiende más allá de la Primavera 2027. Selected planea reforzar su posición en la moda contemporánea de gama alta mediante la evolución de sus colecciones principales y la incorporación de colaboraciones significativas que complementen su filosofía de diseño escandinavo. “La colaboración con Kodak refleja nuestra ambición de crear historias de producto culturalmente relevantes que combinen diseño atemporal, calidad prémium y artesanía moderna, ofreciendo un valor duradero tanto para los consumidores como para nuestros socios minoristas”, concluye Hiersemann.

Madrid – Continúa la polémica en torno a la ya podemos tildar que más que controvertida campaña de propaganda impulsada por el Gobierno bajo el paraguas de “Dmocracia”. Nombre de la iniciativa, y de la ficticia firma de moda que presenta como su protagonista, y para la que la formación política VOX, presidida por Santiago Abascal, ha presentado una solicitud para su registro ante la Oficina Española de Patentes y Marcas.

Completando de este modo las informaciones sobre esta acción, impulsada por el Gobierno a través de la iniciativa gubernamental “España en Libertad. 50 años” de la Secretaría de Estado de Memoria Democrática, a la que dábamos paso desde FashionUnited a finales de la semana pasada, como una de las noticias que durante estas últimas jornadas han vuelto a poner a la moda en el centro del debate político de nuestro país, trascendían las primeras informaciones que apuntaban a que VOX había pasado a solicitar ante la Oficina Española de Patentes y Marcas (OEPM) la solicitud para el registro de la marca “Dmocracia”. Denominación empleada por el Gobierno para la creación de la marca de moda que acompaña a la acción del mismo nombre puesta en marcha por “España en Libertad”; firma sobre la que recordamos, e incidimos, en que cuenta con un carácter ficticio, de ahí el que no se hubiera registrado como tal, y sobre la que desde la misma iniciativa del Ejecutivo han precisado que únicamente se han producido una serie limitada de sus prendas, con el único objetivo de servir de apoyo a la campaña de promoción, y en ningún caso destinadas a su venta y comercialización.

Siguiendo de igual manera con lo ya apuntado por FashionUnited en su análisis inicial de esta controvertida acción, tras su puesta en marcha a mediados de junio no ha sido sin embargo hasta entrados en estas primeras semanas del mes de julio cuando ha terminado de estallar la polémica por el lanzamiento de “Dmocracia”. Polémica alimentada por la desinformación y poca claridad con la que la acción se había venido promocionando desde su lanzamiento a través de una reducida lista de medios de comunicación, entre ellos la revista ICON El País, Código Nuevo, Nuebo o Watif TV, y de la mano de una curada selección de perfiles en las redes sociales, como los de Marina Barcelona y Jaleel Costa o los de Marina Rivera y Sara Fructoso, las dos influencers que justamente han puesto cara a esta campaña. Acción desde la que sin embargo en el momento de su activación no se terminó de aclarar que el lanzamiento se limitaba a ser el de una campaña de propaganda y de comunicación, y no al de una colección cápsula —tal y como se publicitaba— que parecía esbozar la incipiente creación de una marca de moda. De ahí el que no fueran pocas las voces, tanto de dentro como de fuera de la industria de la moda, que alzaron la ceja y que públicamente se posicionaron en contra de esta supuesta “incursión” del Gobierno en el mercado, incursión para la que además se señalaba que el Ejecutivo estaba destinando 14,6 millones de euros.

A este respecto, además de perfiles como el de Juan Fernández-Estrada, cofundador y codirector ejecutivo de Blue Banana, era el mismo Santiago Abascal, presidente del partido político VOX, quien públicamente cargaba contra el Gobierno por esta incierta campaña, durante su participación en la II edición de los Cursos de Verano del centro universitario CEU María Cristina. Un programa del que participaba el pasado 8 de julio, impartiendo una ponencia en el marco del curso “Demografía e inmigración: el destino en juego”, desde la que censuraba cómo el Gobierno siempre tiene “algo con lo que es capaz de sorprendernos”, y “lo hemos visto anteayer mismo, con la edición de una marca pública de ropa, en la que el Gobierno, en la que el Estado, se ha gastado 14 millones de euros de los españoles que no llegan a final de mes”. “Parece una minucia”, proseguía en su alocución el presidente de VOX, “pero es muy significativo de hasta qué punto este Gobierno no tiene límites, y no los tendrá, hasta las elecciones, ni en el proceso electoral”.

De la censura, a su registro como marca propia

Justo el mismo día en el que Abascal pronunciaba esas palabras, el partido político que cofundó y que lidera como presidente presentó la solicitud para el registro de la marca “Dmocracia” ante la OEPM, tal y como consta en la ficha de registro de la que de manera pública informa el organismo público encargado de gestionar y proteger los derechos de propiedad industrial en España. Una solicitud que actualmente se encuentra en fase de tramitación, y para la que además se precisa que VOX la ha presentado para el registro de la marca en la clasificación Niza número 25; clase que corresponde al registro para las marcas de prendas de vestir, calzado y artículos de sombrerería.

Más allá de esa información inicial facilitada desde la OEPM, desde la que igualmente se precisa que el registro se ha hecho para la protección de la marca como marca figurativa, es decir para la protección tanto de su nombre como del logotipo y de la imagen empleada por el Gobierno para la promoción de la campaña y de esta ficticia firma de moda, desde el partido político no se han pronunciado sobre qué intenciones realmente mantienen para “Dmocracia”. Marca de cuyo registro podrían valerse desde para la producción de artículos propios y de partido; para tratar de bloquear las acciones promocionales y de campaña de la iniciativa “España en Libertad”; o para simplemente buscar poner en cuestión la acción del Ejecutivo. Cuestiones todas estas para las que no obstante ni tan siquiera está asegurado que el partido pueda finalmente llegar a registrar la marca como propia, incluso aún cuando el Gobierno no haya impulsado, como es el caso, su registro como marca propia en primer lugar.

A este respecto, atendiendo a las diferentes disposiciones que contempla la Ley de Marcas, y en particular a las que se incluyen en su Artículo 19, sobre “Oposiciones y observaciones de terceros”, en este punto concreto de la norma se precisa que los órganos de las Administraciones Públicas y las asociaciones y organizaciones de ámbito nacional o autonómico podrán presentar alegaciones para la denegación de oficio del registro de una marca ante la OEPM, atendiendo a lo que contempla la Ley en su Artículo 5 sobre “Prohibiciones absolutas”. Epígrafe en el que, de manera concreta, y entre otros supuestos, se incluye, en su apartado “g”, la prohibición del registro para aquellas marcas que “puedan inducir al público a error, por ejemplo sobre la naturaleza, la calidad o la procedencia geográfica del producto o servicio”. Supuesto que podrían alargar desde el Ejecutivo para impedir que VOX, como partido, instrumentalizase una marca que el público, de entrada, podría identificar con una acción institucional.

Con 193.900 euros para “influencers” y su difusión en redes sociales

Poniendo el foco sobre la cuestionada partida de fondos públicos que se han destinado a esta acción de “España en Libertad”, lejos de esos 14,6 millones de euros a los que se señaló en un primer momento por distintos medios de comunicación y personajes como Abascal, desde la Comisión de la iniciativa gubernamental se ha precisado que la campaña contará con una partida de fondos de 379 115 euros. Cuantía de la cual 112 783 euros se han destinado a la producción de las prendas, diseñadas por el artista e ilustrador madrileño Bnomio; 59 680 euros para las sesiones fotográficas; 10 000 euros para las labores de diseño y de asesoría; y 2 752 euros para envíos, almacenaje y tarjetas. Completándose las partidas con los 193 900 euros que, como asignación más elevada, se ha destinado para la difusión de la campaña en las redes sociales. Una dotación de fondos esta en la que se incluirían las cuantías que se han abonado a los diferentes influencers que han, y están, participando de la promoción de la campaña, entre ellos una Marina Rivera, Rivers en redes sociales, que ya ha anunciado que donará todo cuanto ha recibido por su participación en la campaña. Donación de la que ha aseverado que informará una vez que termine por decidir a qué causa o ONG decide donar sus honorarios.

En este sentido, y a lo largo de un mensaje de cerca de siete minutos que la propia influencer se decidía a difundir desde sus redes sociales a finales de la pasada semana, después de ver cómo “hasta representantes políticos se creen en la libertad de insultarme y llamarme ‘subnormal’ públicamente”, en relación a la respuesta dada a la campaña por el europarlamentario español Alvise Pérez, y de asistir a toda “la demagogia, los insultos y las amenazas” que ha generado la campaña, “tengo que explicaros las cosas porque parece que la gente no entiende absolutamente nada”, arrancaba Rivera su alocución. Unas palabras tras las cuales, en primer lugar, abiertamente criticaba que se cuestionasen los fondos destinados a la campaña y el que se recurra a “la demagogia de ‘esto puede haber sido para los niños con cáncer’”, cuando “el gasto en publicidad institucional este año es de 270 millones de euros”, o cuando RTVE se ha gastado “55 millones de euros” para “ver el mundial”. Y dicho eso, “todo lo que he percibido yo por esta campaña”, que rondaría los 20 000 euros, “lo voy a donar”, anunciaba la influencer, antes de remarcar cómo “no tengo ningún tipo de relación con el Gobierno, yo no tengo ningún contrato con el Gobierno”, y “yo he hecho una campaña sobre la libertad” y para “celebrar la democracia”.

Loro Piana, la marca de lujo y estilo de vida propiedad de LVMH, ha sumado una nueva victoria en sus continuos esfuerzos por defender su emblemática línea de calzado White Sole.

En una sentencia preliminar dictada el 12 de mayo, pero que se ha hecho pública recientemente, el Tribunal de Turín ha ordenado al e-tailer francés Parijan SAS que cese la producción y venta de calzado considerado una copia o imitación de los diseños 'Summer Walk' y 'Open Walk' de Loro Piana, que datan de 2003 y 2005. La sentencia nombra cuatro modelos de Parijan, entre ellos los 'Monaco Old Money' y los 'Old Money Premium Suede Loafers', y además prohíbe al minorista online hacer cualquier uso comercial de los nombres Loro Piana y White Sole.

En su fallo, el juez Ludovico Sburlati concluyó que los zapatos de Parijan no solo se inspiraban en la línea White Sole de Loro Piana, sino que copiaban toda la fórmula de su diseño: la suela de goma pálida en contraste con la pala de ante, la forma suave y desestructurada, la falsa vira, las costuras a tono y la característica suela estriada. En conjunto, señaló el tribunal, estos elementos definen la identidad de la colección. En lugar de analizar cada aspecto del diseño de los zapatos por separado, el tribunal consideró cómo todas las características funcionan como un todo, señalando que el aspecto completo de un producto puede servir para identificar a su fabricante de la misma manera que lo hace un logotipo.

Aunque Parijan había argumentado que sus zapatos diferían en construcción y calidad, el tribunal no se dejó convencer, y añadió que los compradores que navegan por internet rara vez buscan o perciben este tipo de distinciones, sino que toman sus decisiones de compra basándose en el aspecto y el precio del producto. Sobre esa base, el juez determinó que los compradores verían los diseños de Parijan como imitaciones más baratas de los originales, lo que a su vez permitiría al e-tailer monetizar una línea y una reputación construidas por la marca de lujo.

La sentencia también planteó problemas con las tácticas de promoción y marketing de Parijan, señalando cómo se asoció con influencers vinculados a Loro Piana, como Gstaad Guy, lo que refuerza la impresión de que su calzado se posicionaba como una alternativa de menor precio. El Tribunal de Turín ordenó a Parijan pagar 1,000 euros por cada día que incumpla la orden, más 500 euros por cada artículo vendido en violación de la medida cautelar. El e-tailer también debe reembolsar a Loro Piana los costes del proceso judicial.

La sentencia se suma a la racha de éxitos de Loro Piana desde que comenzó a emprender acciones legales para proteger su línea White Sole en 2022, con victorias anteriores en Turín y Bari contra Mnswr Group. También indica que los tribunales europeos están cada vez más dispuestos a proteger la apariencia general de un producto, lo que sienta un precedente significativo para las marcas de lujo a medida que el mercado de las imitaciones sigue creciendo.

Aunque la Alta Costura es célebre por ser el escenario de las creaciones más teatrales y espectaculares de la moda, las asistentes que se dieron cita en las calles durante la pasada edición han exhibido un estilo propio igualmente deslumbrante. Haciendo caso omiso de la intensa ola de calor, conocida localmente como La Canicule, han acaparado todas las miradas con estilismos que iban desde looks completos de diseñador hasta conjuntos de carácter marcadamente personal.

Encajes y lazadas

Un conjunto de Schiaparelli compuesto por un top sin mangas de punto de viscosa acanalado en rojo, con un volante escultural de satén con memoria, y un pantalón de talle alto y pernera ancha en color crema, estilizado con un cinturón de lazo negro. Los accesorios incluían un clutch de piel trenzada negra con detalles de dedos dorados y joyas doradas de gran tamaño.

Una baby tee corta de color blanco de Renaissance Renaissance con ribetes negros en contraste en el cuello y las mangas, con el lema ‘MEN NOT ALLOWED’ tanto en inglés como en árabe, y una combinación blanca de talle bajo con el bajo de encaje. Los accesorios incluían un bolso Lady Dior, zapatos destalonados de estilo espectador en blanco y negro y gafas de sol ovaladas negras.

Un top semitransparente de encaje marfil estilo cheongsam y unos vaqueros baggy de lavado claro y corte globo de gran tamaño, con botas de ante a media pantorrilla de estilo desenfadado. Otros accesorios incluían un tocado tribal de monedas, gafas de sol blancas envolventes y un abanico de mano plegable chino.

Excentricidad

Una camisa camp multicolor de Chanel con botones y pantalones capri Cove de Damson Madder con estampado de lunares de diferentes tamaños. Los accesorios incluían unas gafas de sol Morph de Prada en color Metallized Fern, un bolso hobo estructurado de Chanel en blanco y unos zapatos destalonados de piel de becerro de Chanel.

Una chaqueta corta con estampado de pata de gallo en rojo y blanco, pantalones de raso rojo de tiro bajo realzados por un detalle de flor con volantes de gran tamaño, un sombrero pillbox a juego en rojo y blanco con detalles de lazos, gafas de sol retro ovaladas en rojo y un clutch de piel suave en color crema con borde de volantes, todo de la diseñadora londinense Cătălina Negara. Unas bailarinas planas Mary Jane de charol rojo con pinchos de Abra.

Una camisa con estampado naranja de Drôle de Monsieur con pantalones cortos rojos. Los accesorios incluían un sombrero de fieltro Bronx Beaver de Jaxon Howell, una bandana dorada en la cintura y zapatillas altas de Converse.

Estampados gráficos

Un top de Junior Gaultier combinado con mallas de ciclista a juego de la misma marca, con rayas diagonales en blanco y negro que contrastan con bloques de rojo vivo. Los accesorios incluían un bolso Lady Dior de edición limitada del proyecto Dior Lady Art #8, personalizado por el dúo artístico británico Gilbert & George, y unos salones Duchesse de ante negro de Balenciaga.

Una chaqueta y falda de punto con estampado animal en amarillo, negro y rojo, con distintivos bajos ondulados y festoneados. Los accesorios incluían botas altas hasta la rodilla de neopreno rojo con rayas blancas y varios minaudières, todo de Chanel.

Un conjunto de estilo pijama a rayas verticales blancas y negras, compuesto por un top holgado con escote barco y ribetes en rosa pálido, combinado con un pantalón fluido de pernera ancha. Los accesorios incluían unas gafas de sol de pantalla envolventes y de gran tamaño en negro, el bolso de hombro Corti con tachuelas de Comme des Garçons y sandalias de Hermès.

Una camisa oversize de piel de cordero negra con botones, con mangas cortas prefruncidas de estructura única y pantalones acampanados. Los accesorios incluían guantes de piel de cordero hasta el codo en color fucsia, un bolso ‘Rodeo’ de piel de becerro con asa superior en negro y gafas de sol de estilo pantalla, todo de Balenciaga.

Boho chic

Un abrigo duster de punto hasta el suelo y abierto por delante, con un estampado de tapicería, sobre una camiseta negra y vaqueros de pernera recta. Los accesorios incluían un bolso Classic City de Balenciaga en piel de color rojo oscuro envejecido y gafas de sol de aviador.

Una túnica plisada amarilla con cuello redondo de Pleats Please by Issey Miyake sobre una falda de seda lila. Los accesorios incluían un bolso de Rabanne y bailarinas de charol rojo.

Superposiciones deconstruidas

Un top corsé de encaje de inspiración lencera en color crema y una minifalda folclórica de Chopova Lowena con un cinturón de cuero grueso, gafas de sol redondas y botas de punta cuadrada de cuero labrado.

Una camiseta blanca, pantalones baggy y un jersey de ganchillo. Los accesorios incluían un bolso de coleccionista Neon Rainbow de Chanel y una gorra Jamie Felt Ear Cap de Maison Michel.

Una blusa de manga larga en un tono azul salvia apagado con un llamativo cuello de solapas anchas y los ‘The Sleeve Tie Gabardine Wrap Trousers’ en un tono verde oliva/militar, que imitan la estructura de una gabardina deconstruida envuelta alrededor de la cintura y las caderas, ambos de Viktor & Rolf.

Madrid – Recta final en el proceso de adquisición de 18 tiendas de Intersport en España, por parte de Decathlon. Una operación que se enmarca dentro del proceso de liquidación en el que terminaba por adentrarse la filial española de la compañía francesa a mediados de 2025; y que se mantenía en estudio y análisis por parte de la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia (CNMC).

De este modo, y como una de las noticias económicas destacadas de la semana, tras acordar durante la primera fase del análisis de la operación que existían unos potenciales riesgos para la competencia que impedían acordar su autorización sin un estudio más exhaustivo, y en “segunda fase”, desde la CNMC informaban este 8 de julio sobre su decisión de autorizar la compra de 18 activos de Intersport en España por parte de Decathlon. Una autorización que se acordaba de manera condicionada, y sobre la que además se precisaba que no resulta definitiva, quedando a expensas de lo que dictamina la Lay de Defensa de la Competencia para aquellos casos en los que, como el que nos ocupa, el Consejo de la Comisión Nacional de la Competencia resuelve en segunda fase subordinar una autorización al cumplimiento de determinados compromisos.

Siguiendo con esas directrices, la resolución condicionada acordada por la CNMC será comunicada al ministro de Economía, Comercio y Empresa, Carlos Cuerpo, para que un plazo máximo de 15 días acuerde si se precede a su elevación al Consejo de Ministros. Una disyuntiva que deja de este modo en manos de Cuerpo la decisión de, o bien no elevar la propuesta al Consejo de Ministros, escenario bajo el que la autorización condicionada pasará a aprobarse en los términos que ha fijado la CNMC; o bien elevarla, situación que dejará a los miembros del gabinete ante la determinación de debatir si proceden a confirmar la resolución dictada por Competencia, o autorizarla sin o con nuevas condiciones, sujetas al interés general. Únicas dos facultades que la Ley le reconoce al Consejo de Ministros, tal y como se recoge en el Artículo 60 de la citada Ley, en el que no se contempla que el gabinete puede bloquear una autorización condicionada aprobada ya por la CNMC.

Una autorización condicionada, y todavía no definitiva

En cuanto a esas condiciones, desde Competencia recuerdan en primer lugar que como principal riesgo para la competencia en el mercado de la operación, la CNMC advertía de que con la compra de esos 18 activos de Intersport en España por parte de Decathlon, la compañía pasaría a controlar 15 activos comerciales en Tenerife. Unos establecimientos la mayoría de los cuales se encuentran ubicados en zonas estratégicas de la isla, y con los que la cadena francesa ocuparía una posición dominante que podría dificultar la libre competencia en el mercado y el acceso al mismo de otros operados, sobre todo teniendo en cuenta la falta de espacio comercial en Tenerife.

Ante esos riesgos, de los que la CNMC ya informó a Decathlon en la primera fase de estudio de la operación, la cadena francesa especializada en moda y equipamiento deportivo propuso adquirir los compromisos de, principalmente, limitarse a explotar una única tienda de las adquiridas, promoviendo la entrada de competidores en las 13 tiendas restantes, durante periodos de tres a cuatro y cinco meses. Compromiso al que además sumaba el de eliminar las cláusulas de exclusividad que la compañía mantiene vigentes, así como la firma de futuras, en los centros comerciales de la isla de Tenerife.

Dando por buenos esos compromisos, pero aún así todavía considerándolos como insuficientes, a los mismos desde la CNMC han acordado sumar, primero, el que la compañía pase a iniciar, de manera además “inmediata”, la toma de contacto con arrendadores y competidores para facilitar la entrada de esos terceros operadores en las tiendas. Unos establecimientos para los que además han establecido que Decathlon deberá prorrogar en 2 meses extra el proceso para promover la entrada de un tercer operador en una de esas 13 tiendas.

“En ausencia de compromisos o condiciones”, como los fijados, “la operación implicaría que Decathlon controlaría 15 activos en Tenerife, la mayoría en zonas atractivas, como centros comerciales”, algo que “podría dificultar el acceso de otros operadores al mercado, especialmente por la falta de espacio disponible en la isla”, apuntan desde la CNMC. “Como consecuencia, podría producirse una reducción de la oferta y de la variedad de productos deportivos, especialmente de marcas de terceros”, así como “una disminución de la calidad y de la especialización del servicio, una pérdida de la cobertura geográfica o una reducción de los incentivos a la innovación en los establecimientos”, añaden. De ahí el que se hayan acordado esas condiciones, como base de una autorización que “no es definitiva”, y que queda a expensas de que el ministro de Economía, Comercio y Empresa “decida si procede su elevación al Consejo de Ministros, que podrá valorar la operación según criterios de interés general distintos a la defensa de la competencia”.

Pekín - La plataforma de venta de prêt-à-porter online Shein ha obtenido el visto bueno del regulador del mercado chino para su solicitud de salida a bolsa en Hong Kong, según un comunicado oficial publicado el viernes.

El proyecto de la empresa para vender hasta 341,6 millones de acciones y cotizar en Hong Kong ha sido aprobado, según ha indicado la autoridad reguladora de los mercados de China (CSRC).

Shein, ahora en la Bolsa de Hong Kong

La salida a bolsa del minorista online no ha sido sencilla. La empresa había intentado primero entrar en la Bolsa de Londres antes de toparse con diversos obstáculos, entre ellos, impugnaciones judiciales. Tras este fracaso, el gigante del ultra-fast fashion finalmente presentó una solicitud de salida a bolsa en Hong Kong en julio de 2025. Por lo tanto, ha sido necesario un año para que su solicitud prosperara.

El sitio de comercio electrónico ofrece en más de 150 países una amplia gama de productos a precios extremadamente bajos. Es una de las plataformas afectadas por la ley francesa contra el ultra-fast fashion, cuya propuesta fue adoptada definitivamente por el Parlamento a finales de junio.

Mientras que el sector textil representa casi el 10 por ciento de las emisiones mundiales de gases de efecto invernadero, Shein, junto con Temu y AliExpress, está acusada de inundar el mercado con productos de gama baja, generando montañas de residuos y una contaminación considerable.

Con la mayoría de sus fábricas ubicadas en China, Shein se distingue de sus competidores de la “fast fashion” por la rapidez en la creación de sus productos y una cadena de suministro y producción muy eficiente.

La empresa ha trasladado su sede fuera de China para eludir la creciente vigilancia de las autoridades extranjeras sobre las empresas chinas, según los analistas.

Este comunicado de AFP ha sido complementado por un periodista de FashionUnited.

Madrid – En un momento en el que está adquiriendo una especial relevancia todo cuanto ocurre dentro del universo Inditex, y en especial todo lo que tiene que ver y está relacionado con Zara, su principal cadena de moda, la compañía española acaba de anunciar la salida de la empresa de la veterana Beatriz Padín. Figura clave dentro del grupo durante los últimos 40 años, de los cuales 25 se ha mantenido como la directora de su principal línea de negocio: la división de mujer de Zara.

Según se han encargado a este respecto de informar desde la misma dirección de Inditex, vía comunicado remitido a la Comisión Nacional del Mercado de Valores (CNMV), Beatriz Padín ha decidido poner punto y final a su etapa profesional dentro del grupo Inditex, cesando en consecuencia de todas sus responsabilidades tanto en Zara, como en Inditex. En lo que respecta a la cadena, firma en la que durante los últimos 25 años se ha mantenido como directora de la división de Zara Mujer, la que más factura de la principal cadena de moda del grupo; y en lo que atañe en una mayor perspectiva a la multinacional de la moda española, empresa de la que venía ocupando una posición dentro de su Comité de Dirección, creado en el marco del proceso de reestructuración organizativa que el Consejo de Administración acordaba poner en marcha el 29 de noviembre de 2021, como un órgano destinado a dar respaldo y apoyo en sus funciones al consejero delegado de Inditex, cargo que desde aquel mismo mes de noviembre de 2021 viene ostentando Óscar García Maceiras.

En respuesta a esta salida, se añade que la dirección de Zara Mujer pasará a partir de ahora a quedar en manos de Alfredo Ferro Varela, quien hasta ahora, y desde el año 2013, se venía manteniendo como director de “Zara Basic”, una de las tres principales verticales en las que se estructura la división de Zara Mujer. Una posición ante la que desde Inditex confían en que sabrá responder, poniendo a ese propósito los más de 30 años de trayectoria que atesora dentro del grupo, para el que ha ocupado diferentes cargos de responsabilidad tanto dentro de Zara como de otras cadenas de la compañía.

Con motivo de este relevo en la dirección de Zara Mujer, “la Dirección de Inditex quiere destacar la gran aportación de Beatriz Padín a la compañía a lo largo de más de cuatro décadas”, ensalzan desde la dirección del grupo con respecto al saber hacer de su ya exdirectiva. Unos años durante los que, apostillan, “ha asumido tareas de gran relevancia, entre ellas la dirección de Zara Mujer durante los últimos 25 años, y ha contribuido de forma muy significativa al desempeño y evolución de Zara”; una cadena para la que se le atribuyen el haber sido la promotora de algunas de sus iniciativas más impactantes de estos últimos años, como la creación de los espacios “El Apartamento” de Zara, o el lanzamiento de su plataforma de reventa y revalorización, “Zara Pre-Owned”.

Reducción de 10 a 9 puestos en el Comité de Dirección

Casada con Francisco Galán, director de un área igualmente estratégica dentro de la compañía como sin duda lo es la de tecnología de tienda, siguiendo con lo apuntado Padín forma parte desde su creación del Comité de Dirección de Inditex. Un órgano que, con su salida, la multinacional de la moda española ha pasado a reestructurar, suprimiendo un puesto y dejándolo integrado por un total de únicamente nueve cargos, y por tanto sin incorporar a Alfredo Ferro Varela a este órgano, proyectado desde Inditex cómo un foro para la “toma de decisiones colegiadas en la dirección ejecutiva, basada en una visión transversal de todo el negocio” del grupo.

En consecuencia, y tras la eliminación de ese cargo, la composición del Comité de Direccion de Inditex, tras la salida de Beatriz Padrín, pasa a quedar integrado por Miguel Díaz Miranda, director financiero y de operaciones de Zara; Ignacio Fernández Fernández, director general corporativo; por Antonio Flórez de la Fuente, director de Bershka; Javier García Torralbo, director del área de digital; Begoña López-Cano Ibarreche, directora general del área de personas; Jorge Pérez Marcote, director de Massimo Dutti y cuñado de Amancio Ortega y tío de Marta Ortega Pérez; Óscar Pérez Marcote, director de Zara e igualmente cuñado y tío del fundador y de la actual presidenta de Inditex; por Andrés Sánchez Iglesias, director financiero de Inditex; y por Jordi Triquell Valls, director de Stradivarius.

París - Después de pasar su carrera evitando escrupulosamente ser fotografiado, la estrella belga de la moda Martin Margiela ha subastado el jueves una parte de sus archivos personales, que han recaudado más de un millón de euros.

Los seguidores de este pionero de 69 años, que se retiró en 2009, han podido hacerse con piezas que van desde bocetos hasta una de sus batas blancas de trabajo en una venta en París que el propio Margiela ha supervisado personalmente.

La venta de las 195 piezas de la colección ha alcanzado 1,39 millones de euros, con una fuerte presencia de compradores de Japón, Corea del Sur y China, según ha informado la casa Maurice Auction, que organizó la subasta en colaboración con Kerry Taylor Auctions.

Un par de botines Tabi, cubiertos de grafitis y fechados en 1991, ha sido el artículo más caro, con un precio de 364,000 euros. La colección también incluía un prototipo de una de las máscaras faciales que obligaba a llevar a las modelos para no desviar la atención de la ropa, muñecas Barbie utilizadas como maniquíes y piezas de Hermès diseñadas cuando fue director creativo de la casa francesa entre 1997 y 2003.

“Sentí que era el momento de desprenderme de una parte de mis recuerdos relacionados con la moda”, había explicado el diseñador antes de la venta. Martin Margiela “no tiene herederos y, en cierto modo, al organizar esta venta, está resolviendo él mismo la cuestión de su sucesión, poniendo a competir a todos los posibles compradores que pudieran estar interesados”, ha explicado a la AFP la subastadora Salome Pirson.

El diseñador ha sido fotografiado en muy raras ocasiones, nunca ha concedido entrevistas a los medios y siempre ha eludido la costumbre, adoptada por la mayoría de sus colegas, de salir a saludar al público al final de un desfile.

En un inusual esfuerzo por conectar con sus admiradores, colaboró en una retrospectiva de su trabajo presentada en el museo Palais Galliera de París en 2018.

Madrid – Si el objetivo era la viralización, objetivo conseguido. Ahora si se pretendían, y pretenden, metas de un mayor y más aspiracional alcance, las dudas sobre cuáles eran y hasta dónde se han logrado conquistar resultarían más que fundamentadas. Hablamos no sino de “Dmocracia”, la “no marca” —y esto que quede ya claro por adelantado— lanzada por el Gobierno, para tanto celebrar como promocionar la agenda de su iniciativa “España en Libertad. 50 años”, impulsada para conmemorar los 50 años desde el inicio de la Transición hacia la democracia en España.

Como parte de este modo de ese programa, cuyas primeras iniciativas comenzaron a ponerse en marcha a partir de 2025, hacia finales de este pasado mes de junio de 2026 empezaron a difundirse desde diferentes medios especializados, generalistas y en las redes sociales, empezando por las cuentas oficiales de esta iniciativa “España en Libertad”, una serie distinta de documentación gráfica, entre fotografías y vídeos, en la que distintos perfiles, y especialmente influencers, aparecían luciendo las prendas de una a todas luces singular colección cápsula. Una propuesta de moda de marcadas líneas “street style”, diseñada por el reconocido artista e ilustrador madrileño José Luis Pérez Ramos, más conocido por el sobrenombre de Bnomio, que comenzaba entonces a ver la luz bajo el epígrafe de “Dmocracia”.

Presentada en el marco de una campaña que portaba, y porta, por título “Cuanto te vistes, te posicionas”, las prendas de esta cápsula “Dmocracia” eran inmortalizadas para promocionar su “lanzamiento” en ni más ni menos que el Congreso de los Diputados. Uno de los dos espacios, junto al Senado, en los que se encuentra representada la voluntad del pueblo español, y desde esa condición más representativos de la democracia española, y que terminó para ello y así convertido en el telón de fondo de una sesión fotográfica protagonizada por las prendas creadas por Bnomio, y que para su inmortalización lucieron diferentes modelos, así como las influencers Marina Rivera, más conocida en las redes sociales como Rivers, y Sara Fructoso.

Un lanzamiento marcado por la desinformación

Tras la difusión de esas primeras imágenes y vídeos sobre las prendas de la colección, lejos de quedar ahí, las piezas diseñadas por el ilustrador madrileño para la iniciativa “España en Libertad” —un pantalón, una camiseta y una sudadera— han seguido desde entonces y a lo largo de estas tres últimas semanas publicitándose desde toda una disparidad de medios de comunicación y cuentas y perfiles en redes sociales. Una divulgación mucha de la cual ha venido patrocinada por la misma iniciativa del Gobierno, y desde la que poco a poco, y como un perfecto ejemplo del juego del “teléfono escacharrado”, se ha terminado por ir desvirtuando en lo que consistía realmente la iniciativa, hasta el punto de trasladar a la opinión pública de que el Ejecutivo, a través de “España en Libertad”, había salido a competir en el mercado de la moda lanzando una línea de ropa propia. Un así incipiente proyecto de marca de moda, para el que además se estaba destinando una partida de 14,6 millones de euros. Unos supuestos fondos que, sumándose a la instrumentalización del Congreso de los Diputados, y a la contratación de los perfiles de distintos influencers para su promoción, han provocado y alimentado un aluvión de críticas, tanto desde fuera como desde dentro de la industria de la moda. Críticas entre las que encontramos a la realizada por Juan Fernández-Estrada, cofundador y codirector ejecutivo de Blue Banana, y quien, como consecuencia de esa desinformación, cuestionaba que el Gobierno estuviera destinando fondos públicos para construir su propia firma de moda.

“Llevo diez años montando una marca de ropa y no entiendo que el Gobierno destine dinero público a crear y promocionar una marca de ‘’streetwear’”, apuntaba Fernández-Estrada en una publicación desde su cuenta de LinkedIn que acumula cerca de 3 000 reacciones. “Durante estos años en Blue Banana hemos construido una empresa desde cero, con 3.000 euros, pagando impuestos, reinvirtiendo cada euro y generando hoy más de 300 puestos de trabajo directos”, y “como la nuestra, hay cientos de marcas en España que luchan cada día por salir adelante en un sector tan complejo y competitivo”, ponía en valor el cofundador de Blue Banana. “Cualquiera que haya emprendido sabe lo difícil que es acceder a financiación, conseguir ayudas o sobrevivir a la carga fiscal y administrativa”, y “por eso”, apostillaba, “me parece tan injusto que el dinero público de todos se utilice para posicionar una marca en un mercado en el que ya existen cientos de empresas privadas intentando hacerse un hueco”.

De marca de moda… a campaña de comunicación

Corrigiendo buena parte de las informaciones difundidas hasta la fecha, o cuanto menos poniendo en su justo contexto esta iniciativa, saliendo al paso de las crecientes críticas desde “España en Libertad” han querido dejar claro finalmente —y no como se había estado haciendo hasta ahora— que el lanzamiento de Dmocracia no es el de una firma de moda ni el de una colección de prendas de moda, sino el de una campaña de comunicación y concienciación. Campaña que se ha decidido poner en marcha para, en línea con los objetivos de la iniciativa del Gobierno, poner en valor los logros y las libertades alcanzadas durante estas cinco últimas décadas de democracia, y así mismo acercar el valor y la idea de la democracia a la población joven, recurriendo para tal fin a los códigos que le son más propios.

En consecuencia, desde la iniciativa pública defienden el haber recurrido al lenguaje de la moda para esta campaña y última acción promocional de su programa, en la medida en la que, primero, la moda ocupa un papel principal dentro de los códigos de reafirmación de su identidad de los que se sirven las nuevas generaciones, al igual que la música, los videojuegos, las series o el cine; y segundo, a que lejos de ser un ámbito meramente utilitario —que también—, así como identitario, el vestir y la manera de vestirnos trasciende más allá de ahí, para erigirse en una herramienta de comunicación política. Aspecto para el que no faltan pocos ejemplos desde que el hombre comenzó a vestirse, y hasta llegar al día de hoy, por citar desde estas páginas alguno de los más recientes el que terminó por provocar aquel acalorado enfrentamiento entre el presidente de los Estados Unidos y de Ucrania en marzo de 2025.

De este modo, precisan igualmente desde “España en Libertad”, las prendas diseñadas para esta iniciativa por Bnomio no se ven a comercializar ni a poner a la venta, y las que se han producido se destinarán de manera exclusiva —incluyendo su reparto mediante sortéos en las redes sociales— a su uso para la promoción de la campaña. Una acción a la que, según han adelantado desde la misma iniciativa pública al medio generalista El País, el Gobierno contemplaría destinar no más de unos 386 000 euros, de la partida de esos 14,6 millones de euros, que serían la totalidad de los fondos que se han presupuestado para los más de 600 proyectos que van a organizar desde “España en Libertad”.

“Dmocracia” se descubre así como “una campaña de comunicación que utiliza el lenguaje de la moda” para “acercar el concepto de democracia a la población joven según sus códigos”; un propósito para el que se ha decidido crear “una ‘colección cápsula’ bajo el asesoramiento de Bnomio”, señalan desde la iniciativa “España en Libertad”. “Por lo tanto”, puntualizan de manera clara, “Dmocracia no es una nueva marca de ropa, como se ha dicho en algunos medios, sino una campaña de comunicación que ha tenido un amplio eco en redes”, y que “aunque utiliza el mismo lenguaje que una marca de ropa, no lo es”. En consecuencia, se añade, las prendas que se presentan como parte de esta acción de propaganda, “no están a la venta”, y mientras que si bien es cierto que “se ha producido un número limitado de unidades”, las mismas “se utilizarán a lo largo del año en los actos y eventos del programa ‘España en Libertad’”.

En la viralización… ¿por la viralización?

Según remarcan además desde la misma iniciativa gubernamental, desde su lanzamiento hace cosa de tres semanas la campaña ha superado los más de 4,2 millones de visualizaciones, solo en las redes sociales de “España en Libertad”, alcanzando a más de 600 000 personas, más del 75 por ciento de ellas menores de 35 años. Unas métricas que destacan además que se han alcanzado sin recurrir al pago publicitario en las plataformas de Meta o en TikTok, siendo así el resultado de una cuidada estrategia de comunicación que ha permitido difundir las imágenes de la campaña de una manera orgánica, a través de los perfiles de influencers, medios digitales y creadores de contenidos, con un coste por debajo del 50 por ciento de la media de las campañas institucionales puestas en marcha en los últimos años.

A partir de ese análisis y de esos indicadores, no cabría cuanto menos que aplaudir los buenos resultados y la optimización de costes con la que se está logrando ejecutar la campaña. Y así sería de manera indubitable, si no fuera porque, una vez puesta en su justo contexto, y vistos los objetivos a los que aspira, resulta a todas luces cuestionable el que cualquier valor democrático de nuestra joven democracia vaya a calar en cualquiera por el hecho de simplemente ver a la o a el influencer que sea, portando un pantalón, una sudadera o una camiseta con la palabra escrita de “Democracia”. Y es más, incluso lo que se transmite es una sensación de grave crisis institucional, cuando para poner en valor nuestro sistema democrático a lo que se recurre es a marcar su nombre en las prendas de una campaña de propaganda impulsada por el propio Gobierno, del mismo modo que se usa la palabra “Paz”, también como motivo ilustrativo, para dar visibilidad a esa demanda aspiracional por parte de la población.

No obstante, y antes de condenar del todo esta acción, de la que se cuestionan más su desinformación y sus muestras e imágenes superficiales, que sus aspiraciones iniciales de llegar incluso a destacar la condición de la moda como herramienta de comunicación política, hay algo que sí cabe reconocerle a la iniciativa, aunque no se podría asegurar si es un éxito buscado o colateral. Y eso es el que, efectivamente, gracias a la divulgación de la campaña se ha puesto en valor uno de los grandes derechos que reconoce a los españoles la Constitución, como lo es el del derecho a la libertad de expresión. Derecho que han ejercicio todas aquellas personas que han salido a cuestionar, a criticar, a aplaudir, a debatir o a analizar esta iniciativa “Dmocracia”, cuyo principal objetivo pasaba por “acercar la memoria democrática a las nuevas generaciones”, pero además, y esto sí hay que reconocer que se ha provocado sin duda, por “fomentar una ciudadanía crítica y consciente”.

El Fashion and Textile Museum de Londres ha anunciado que su próxima exposición rendirá homenaje a Ossie Clark y Celia Birtwell, quienes se convirtieron en una de las parejas creativas y sentimentales más influyentes del “Swinging London” en la década de 1960 y principios de la de 1970.

La exposición “Ossie Clark and Celia Birtwell” estará abierta del 2 de octubre de 2026 al 27 de abril de 2027 y mostrará un mundo fascinante de vestidos lánguidos cortados al bies, etéreos volantes de gasa, una sastrería asombrosa, pantalones acampanados de cadera estrecha y chaquetas entalladas de piel de pitón.

Clark y Birtwell dominaron la escena de la moda londinense de 1965 a 1974, convirtiéndose en una referencia muy influyente en los círculos de la moda y entre las celebridades por fusionar la maestría de Clark en la sastrería y el patronaje, especialmente en el corte al bies y las siluetas fluidas, con los caprichosos diseños textiles y los alegres estampados de Birtwell, que abarcaban desde delicados motivos florales hasta intrincados cachemires y estampados botánicos estilizados.

La exposición contará con más de 120 prendas procedentes de una colección privada, que se exhibirán junto a piezas cedidas por la propia Birtwell. La muestra explora la época dorada de la pareja trabajando juntos como diseñadora textil y diseñador, y también analiza sus carreras en solitario después de 1974, “permitiendo al público, por primera vez, desentrañar sus talentos por separado”.

En el corazón de la colaboración profesional de Clark y Birtwell se encontraban los conjuntos que diseñaron para la boutique Quorum, en el oeste de Londres. Entre las piezas clave se incluyen algunos de sus primeros trabajos, como el vestido ‘Paper’ de venta por correo, con un diseño de flores naranjas y verdes de influencia art déco de Celia, y el vestido ‘Bakst’ de 1967, con sus círculos en morado y rojo, inspirado en el vestuario de Leon Bakst para los Ballets Rusos y en la obra de la pintora abstracta Sonia Delaunay.

Otras creaciones destacan la formación de Clark en el Royal College of Art y su habilidad con la sastrería y el trabajo con la gasa, como el vestido Ziggy Stardust en azul pastel, inspirado en los años treinta, que consiste en una espiral de gasa cortada al hilo que se enrolla alrededor del cuerpo, mientras que el estampado ilustrativo de Birtwell presenta pájaros negros y toques de flores doradas.

Entre las prendas de sastrería que se expondrán se encuentra la chaqueta Lamborghini de 1968, una chaqueta larga de satén que se llevaba con pantalones con un estampado de estilo chinoiserie de Birtwell en negro, rojo y crema que mezcla motivos geométricos y florales. Este conjunto fue lucido por modelos, celebridades e it-girls, desde Twiggy hasta el Rolling Stone Bill Wyman. También se mostrarán otros trajes de pantalón para mujer, como un traje sastre de crepé negro y rojo bordado con fresas que lució Jean Shrimpton, junto a camisas de gasa con volantes y chorreras como las que llevaba Brian Jones.

El Fashion and Textile Museum de Londres pone el foco en Ossie Clark y Celia Birtwell

La exposición continuará explorando cómo los diseños de Clark y Birtwell tendieron un puente entre la minifalda lineal de estilo dolly-bird de principios de la década de 1960 y los diseños posteriores, más sofisticados y fluidos, de finales de los sesenta y principios de los setenta, que encapsulan la libertad bohemia de la época, llena de movimiento y sensualidad.

Un elemento clave de la exposición serán los importantes conjuntos que lució la propia pareja, como el vestido de novia de Birtwell, el vestido Ophelia, que combinaba dos de sus estampados, ‘Floating Daisy’ y ‘Lollipop’. La prenda demuestra lo radicales que eran los diseños de Clark, ya que este vestido ligero, etéreo y voluminoso está confeccionado casi en su totalidad en gasa, con una silueta que recuerda a un caftán, mientras que el romántico estampado de Birtwell contrarresta el aspecto más sensual de un vestido que, a su vez, es muy revelador.

La exposición continuará en la planta superior con una exploración del trabajo de Clark y Birtwell tras su separación y el fin de su asociación con Quorum. Entre las piezas más destacadas se encuentran los trabajos de Clark en punto, incluyendo sus vestidos y monos, junto a las obras posteriores de Birtwell, como las prendas de su exitosa colaboración con Topshop en 2006.

Dennis Nothdruft, director de exposiciones del Fashion and Textile Museum de Londres, ha declarado en un comunicado: “La contribución de Ossie Clark y Celia Birtwell ayudó a definir el look londinense de finales de los años sesenta y principios de los setenta”.

“Las aportaciones de Clark a la moda, su hábil patronaje y su comprensión innata de la forma humana, quizá no hayan tenido el reconocimiento de otros diseñadores de la época, cuyos negocios tuvieron más longevidad. Esperamos que esta exposición, que presenta una gran colección de su trabajo, ayude a reequilibrar la balanza”.

El Fashion and Textile Museum es el único museo del Reino Unido dedicado a la exhibición de la moda y el diseño textil contemporáneos. Fundado en 2003 por la leyenda de la moda británica Dame Zandra Rhodes, el museo, con sede en Bermondsey Village, está gestionado por el Newham College de Londres, uno de los mayores centros de formación superior de Europa.

Anteriores exposiciones han destacado el trabajo de Orla Kiely, Anna Sui, Barbara Hulanicki de Biba y Kaffe Fassett, además de exhibir vestuario de cine y televisión, celebrar los textiles con una profunda conexión histórica con la humanidad y la moda inspirada en el Londres de los años ochenta.

La empresa suiza de artículos deportivos On Holding AG ha anunciado una reestructuración de su organización de ventas global, creando dos nuevos puestos directivos. Con efecto a partir de septiembre de 2026, la actual dirección comercial se dividirá en dos funciones, según ha comunicado la compañía este miércoles.

Rebecca Cai asumirá el 1 de septiembre el recién creado cargo de Chief Global Markets Officer. La actual directora general para la región de Asia-Pacífico (APAC) será responsable del negocio de mercado en las regiones de APAC, Europa, Oriente Medio y África (EMEA) y América, así como de los equipos de ventas globales. Continuará desempeñando su función actual hasta que se nombre a su sucesor.

Con Cai, el grupo apuesta por el talento interno. La directiva lleva seis años trabajando para On. Durante su etapa como directora general para APAC, el negocio de la empresa en la región se multiplicó por seis, según el comunicado.

Nueva Chief Customer Officer

Además, el 7 de septiembre, Alice Delahunt se incorporará a la empresa como Chief Customer Officer. Desde Nueva York, será responsable de las actividades directas al consumidor (direct-to-consumer) en las áreas digital y de retail, así como del área de fidelización de clientes.

Anteriormente, Delahunt ha ocupado puestos directivos en empresas de moda de lujo como Ralph Lauren y Burberry. Además, ha sido miembro del consejo de supervisión del minorista online berlinés Zalando y fundó la plataforma de moda digital Syky.

“Estamos muy contentos de anunciar estos dos emocionantes nombramientos directivos, que demuestran claramente nuestro compromiso de seguir poniendo al consumidor en el centro de todo lo que hacemos”, ha declarado Scott Maguire, presidente y COO de On. “A medida que hacemos crecer nuestro negocio y ofrecemos una experiencia ‘wow’ a nuestros seguidores en todo el mundo, esta nueva estructura de liderazgo permitirá un mayor enfoque y alineación”.

Como parte de la reorganización, la Chief Commercial Officer Britt Olsen dejará la empresa a finales de septiembre de 2026. Ha trabajado para On durante un total de 11 años y, más recientemente, ha dirigido la organización de ventas global.

“Fue una decisión valiente y liberadora unirme hace todos esos años, y una decisión igualmente valiente y liberadora renunciar el otoño pasado; los mismos sentimientos, solo que en contextos diferentes”, ha comentado la CCO saliente en la red profesional Linkedin. “Nos hemos estado preparando para esta transición durante muchos meses, y estoy increíblemente orgullosa del equipo que hemos construido —tanto los miembros nuevos como los antiguos— y confío en que continuarán con la misión con éxito”.

La firma francesa Lacoste y la marca de moda suiza Lamarel han presentado una colección cápsula conjunta de 20 piezas inspirada en la cultura del tenis de los años 90, según un comunicado de prensa. La colección está diseñada para mujer, hombre y niño.

El polo es la pieza central, reinterpretado en versiones de manga corta y larga. Se complementa con prendas de punto, polos de canalé, jerséis de punto, sudaderas y una camiseta para el día a día. A esto se suman piezas funcionales como faldas de tenis, pantalones cortos y gorras. Según ambas marcas, la colección se centra en la durabilidad, las líneas limpias y los materiales de alta calidad.

Cada producto fusiona elementos de ambas casas: el icónico legado de Lacoste se une a la apuesta suiza de Lamarel por el minimalismo y la calidad. Logotipos bordados, gráficos estampados y etiquetas de marca dual especialmente desarrolladas unen ambas identidades. La paleta de colores se mantiene clásica con el verde Lacoste, el azul marino y el blanco.

La línea infantil merece un capítulo aparte. El motivo, según Lamarel, es una historia personal en torno a Carlos, el hijo de la fundadora de Lamarel, Sandra Rodrigues Pinto, y el primer niño de la familia Lamarel. “Tener a nuestro primer hijo ha cambiado nuestra forma de pensar sobre lo que creamos. Queremos que Carlos lleve estos polos algún día, igual que los llevamos nosotros hoy”, afirma Rodrigues Pinto. La línea, denominada “Mini-Me”, incluye polos y chaquetas ligeras para niños con los mismos acabados que la línea de adultos.

La campaña ha sido fotografiada y filmada por Angéline Terestchenko y Luca Perrin en el Beau-Rivage Palace de Lausana, a orillas del lago Lemán. Según el comunicado, el lugar simboliza el encuentro entre las raíces francesas de Lacoste y el origen suizo de Lamarel.

La colección estará disponible en exclusiva en la tienda online de Lamarel a partir del 3 de agosto. A partir del 19 de septiembre, también estará disponible en las tiendas de Lamarel, en la tienda online de Lacoste y en una selección de boutiques de Lacoste.

Tom Tailor ha mejorado su rentabilidad en el ejercicio 2025 y ha prorrogado su financiación. La empresa de moda de Hamburgo ha alcanzado una facturación de 582 millones de euros en este periodo, una cifra ligeramente inferior a la del año anterior, según un comunicado publicado este jueves. En 2024, la empresa registró unos ingresos de 588 millones de euros.

El resultado bruto de explotación (Ebitda) ajustado ha mejorado un +38 por ciento en 2025 en comparación con el año anterior, hasta alcanzar los 52,2 millones de euros. El margen de beneficio bruto ha mejorado, pasando del 56 al 58,2 por ciento. Estos resultados positivos se deben, principalmente, a una mejor gestión de la compra de mercancías y a un riguroso control de costes, según el comunicado. La venta directa, al igual que en 2024, se ha mantenido en niveles del año anterior. Las tiendas propias han registrado un crecimiento del 3 por ciento en superficie comparable. Esto ha sido posible gracias, sobre todo, a los buenos resultados en Austria y el Sudeste de Europa.

“2025 ha sido de nuevo un año lleno de retos para nuestro sector. Por eso es aún más importante que nos hayamos centrado sistemáticamente en las áreas en las que podemos influir nosotros mismos”, ha declarado Gernot Lenz, CEO de Tom Tailor. “La evolución de la rentabilidad demuestra que hemos seguido avanzando en el desarrollo de nuestro modelo de negocio”.

Financiación prorrogada hasta 2028

Además, Tom Tailor ha comunicado que, a finales de 2025, con el apoyo renovado de su accionista Fosun International Ltd., ha podido cerrar la refinanciación y prorrogar su vencimiento hasta finales de 2028. El mes pasado, también se amortizó según lo previsto el préstamo Corona, avalado por el Estado, por un importe de 100 millones de euros.

Para 2026, la empresa sigue previendo unas condiciones de mercado difíciles. Continuará con el rumbo emprendido y se centrará “sin cambios en la rentabilidad sostenible, la excelencia operativa y el fortalecimiento continuo de la marca”.

Madrid – El cruce de reproches y de informaciones contradictorias vuelve a marcar esta ¿última? fase del proceso de negociación y aprobación del I Convenio Colectivo Estatal de Grandes Cadenas Comerciales del Sector de Comercio Textil y del Calzado. Marco laboral acordado, y firmado, entre finales de mayo y comienzos de este pasado mes de junio de 2026 entre la Asociación Retail Textil España (Arte) —la organización empresarial que se encarga de representar los intereses de las grandes cadenas de moda con presencia y actividad en el país— y los sindicatos CCOO y Fetico, cuya tramitación, para su aprobación y entrada en vigor, han asegurado tanto desde el sindicato de la UGT como desde el de la CIG que ha quedado “suspendida” por el Ministerio de Trabajo y Economía Social, a la vista de las “múltiples irregularidades” del texto.

Si esas eran, a grandes líneas, las informaciones y la última actualización que los dos sindicatos compartían, y sobre las que hacían un especial hincapié, entre la última hora de la tarde del miércoles y la mañana de este pasado jueves, día 9 de julio, no han tardado en salir a responder ante ellas tanto desde la misma organización empresarial, como desde Fetico. Organizaciones a las que, por ahora, no se han sumado desde Comisiones Obreras, el principal sindicato con representación en la mesa de negociación del Convenio, y el que se encargó desde esa posición de liderar las negociaciones que condujeron hasta la firma del texto el pasado 2 de junio, desde donde tildan de “ordinario” y carente de excepcionalidad el procedimiento abierto por el Ministerio de Trabajo en relación con la fase de tramitación del Convenio.

Enfrentando las posturas de una y otra parte, lo que queda en cualquier caso claro y en lo que coinciden a señalar tanto desde el bloque que defiende el tratado laboral tal y como está redactado, integrado por Arte, CCOO y Fetico, como desde el que siguen abogando por su retirada y no entrada en vigor, formado por la UGT y la CIG, es que la tramitación del Convenio, en este momento, se encuentra paralizada por parte del Ministerio de Trabajo y Economía Social del Gobierno de España. No obstante, y aquí se presenta ya la sustancial diferencia en las tesis que se plantean de uno y otro lado, tanto desde Arte como desde Fetico, desde sus respectivas y últimas declaraciones oficiales, sostienen que dicha paralización se enmarca dentro del proceso normal, habitual y ordinario de tramitación de todos los convenios colectivos, y el que además las irregularidades detectadas por el Ministerio de Trabajo se limitan a las igualmente habituales cuestiones menores y anecdóticas, más relacionadas con aspectos de redacción que con el fondo mismo de las medidas acordadas y recogidas en el articulado del texto del Convenio.

Se tratan estos de unos postulados que contradicen a las posiciones defendidas por UGT y por la CIG. Sindicatos desde donde han celebrado de manera especial esta suspensión, pero especialmente sobre la máxima de que se sostenía sobre aspectos de fondo y estructurales del convenio, y para cuya corrección desde Arte iban a tener que volver a convocar la mesa de negociación del convenio, y a tener que volver a abrir negociaciones y sentarse a negociar, en mayor grado y profundidad, toda una disparidad de asuntos. Entre ellos, han destacado ambas organizaciones sindicales, los relativos a cuestiones tan claves y principales como la prioridad de aplicación del Convenio estatal con los Convenios provinciales actualmente en vigor; o sobre la discriminación laboral que se creará entre los trabajadores actuales y nuevos, que en determinadas regiones, como Galicia, disfrutarían de unas condiciones laborales inferiores a las que contemplan los convenios provinciales actualmente en vigor, y de las que no obstante seguirían beneficiándose los trabajadores que actualmente ya se emplean en el sector.

Un tramite “ordinario”, y un ejercicio de “desinformación” por parte de la UGT

Respondiendo de este modo a ese argumentario, nos encontramos así con las declaraciones oficiales, y que pasamos ahora a reproducir, emitidas en estas últimas horas tanto por Arte como por Fetico. Unos pronunciamientos desde los que, siguiendo con lo ya señalado, coinciden a la hora de calificar como “ordinario” el proceso de ajuste del texto iniciado por parte del Ministerio de Trabajo, cuestión por la que desde Fetico no han dudado en salir a acusar, pública y abiertamente, a la UGT de pretender liderar un burdo ejercicio de “desinformación”.

De este modo, “desde Arte confirmamos que la tramitación del Convenio Colectivo del sector textil continúa con normalidad y en ningún caso se ha paralizado el procedimiento”, señalan desde la organización empresarial. Una patronal de las grandes cadenas de moda, a la que se encuentran adheridas desde Inditex a Mango, pasando por Tendam, H&M, Primark o Uniqlo, desde la que precisan que “en el marco del proceso administrativo habitual, la autoridad laboral ha formulado observaciones/requerimientos de subsanación sobre el texto presentado”. Unas “observaciones”, tal y como las califican, que si bien pueden suponer una paralización temporal del procedimiento, “no suponen el recado del convenio ni implican que el expediente quede bloqueado”, pues “se trata de un trámite ordinario previo a su inscripción”, enfatizan desde la asociación empresarial. Un trámite que, apostillan, Arte “atenderá y subsanará”, respondiendo a “dichas observaciones conforme al procedimiento legalmente establecido, para que el expediente siga avanzando en las fases previstas y el convenio prosiga su tramitación con plena normalidad”.

En línea con esas posiciones, desde Fetico señalan por su parte que “la dirección general de trabajo solicita subsanaciones en el 99 por ciento de los convenios y acuerdos, y en ese momento de trámite” es en el que “nos encontramos” en el Convenio de Arte. Se tratan así las objeciones planteadas por el Ministerio de “algo completamente normal y habitual”, añaden desde el sindicato, al tiempo que censuran el que se esté buscando “convertir un requerimiento administrativo habitual en un supuesto bloqueo del convenio”, algo que “solo genera confusión e incertidumbre” en los trabajadores y en el sector. Un desconcierto que acusan de estar fomentando a la UGT, al alimentar un “nivel de desinformación” de “tal tamaño” que lleva al sindicato a presentar “como cuestiones fundamentales” que afectan al articulado del texto, aquellas que sin embargo, aseguran, son “puramente lingüísticas” o repetitivas, como la que afecta al párrafo sobre la aplicación del convenio en el País Vasco, y cuya corrección reclamada por el Ministerio “no significa nada y solo” tiene que ver con “una redundancia de lo que ya dice la ley”. “Está comprobado y las personas trabajadoras lo saben que este convenio no solo es legal, sino un referente de mejora de las condiciones laborales de un sector de 140 000 personas”, apostillan desde el sindicato, para el que el proceso de aprobación del convenio “está siendo un infierno de desinformación, intervención política y un ataque a la libertad de las mayorías”.

Frente a las “cuestiones estructurales”, que defienden desde la UGT y desde la CIG

Llegados a este punto, pasamos del mismo modo a recopilar, nuevamente y además de manera ampliada, las declaraciones que por su parte y a lo largo de la mañana del día de ayer emitieron tanto desde la UGT como desde la CIG. Afirmaciones desde las que, continuando con lo ya expuesto, enmarcan las actuaciones llevadas a cabo por el Ministerio de Trabajo en el contexto de un procedimiento que termina por paralizar el la tramitación del registro del Convenio de Arte, y no hasta que se solvente cuestiones menores, sino cuestiones estructurales y de fondo del texto, para las que desde el sindicato deberá de volver a reunirse con los sindicatos. Planteamientos contrarios a los presentados por Arte y por Fetico, para los que en cualquier caso el tiempo no tardará en señalar cuál de las dos partes es la que más se está aproximando a la realidad de los hechos.

Recuperando de este modo las declaraciones emitidas al respecto por UGT, el sindicato “valora muy positivamente la resolución dictada por el Ministerio de Trabajo y Economía Social por la que se suspende la tramitación del Convenio Colectivo Estatal de Grandes Empresas del Retail (Arte) y se requiere a la comisión negociadora la subsanación de numerosos aspectos del texto presentado para su registro”. Todo como consecuencia de una resolución que “supone un respaldo a las advertencias que UGT ha venido realizando desde el mismo momento en que CCOO, Fetico y la patronal Arte decidieron firmar un convenio que, lejos de mejorar las condiciones laborales del sector, incorpora numerosos preceptos que ahora el propio Ministerio considera incompatibles con la legislación vigente y que deben ser corregidos antes de que el procedimiento pueda continuar”. Un mar de “deficiencias”, enfatizaban, entre las que “figuran cuestiones de enorme trascendencia para las personas trabajadoras del sector”.

Compartiendo ese mismo análisis, desde la CIG por su parte señalan que la resolución emitida por el Ministerio, y para la que dicen se han tenido en cuenta tanto las alegaciones de la UGT como las presentadas por el mismo sindicato nacionalista gallego, “paraliza la tramitación del texto e insta a corregir las irregularidades detectadas, entre las que se incluyen las que tienen que ver con dos puntos clave”, como son “la prioridad aplicativa y la concurrencia de convenios”. A partir de aquí, “si la patronal Arte decide, a pesar de todo, continuar adelante con este convenio empobrecedor, la mesa de negociación estatal va a tener que volver a reunirse para corregir estas irregularidades y abrir de nuevo la negociación”, sostienen. Y a la vista de ese paso atrás, “desde la CIG eximios que desista de su intención y abandone la ofensiva contra las condiciones y los derechos laborales de los trabajadores gallegos”, colectivo para el que desde el sindicato se mantienen firmes en su exigencia de reclamar un Convenio Marco Gallego de Comercio que permita dar prioridad a la aplicación de los convenios provinciales, y así blindarlos frente a la potencial entrada en vigor de un convenio estatal como el que están impulsando desde Arte.

Antes de vestir a los jugadores del Málaga CF, de ver sus prendas expuestas en más de una treintena de córners de El Corte Inglés y en sus cinco tiendas propias, Nabil Salah Mohamed vendía camisetas de fútbol falsificadas.

Las compraba por internet y las revendía entre conocidos y en puestos ambulantes, hasta que un encuentro con Aduanas le hizo replantearse el camino y entender que no quería seguir vendiendo productos de otros, sino construir una marca propia.

De aquella decisión nació Harper & Neyer, la firma malagueña de moda masculina que hoy preside y de la que Salah es único propietario. Esta es la historia de un fundador que aprendió a crecer con paciencia y que descubrió que, en los negocios, saber esperar también forma parte del éxito.

Un chico de Fuengirola con vocación de comerciante

Salah, nacido en Fuengirola y con 40 años, procede de una familia dedicada al comercio; su padre regentaba un establecimiento en Torremolinos, donde observó pronto que buena parte de la clientela era extranjera. Estudió Administración y Dirección de Empresas en la Universidad Alfonso X el Sabio y cursó un máster en la Carlos III. Su primer empleo fue en una empresa tecnológica, donde ya se empezaba a plantear cómo emprender.

Cuando se decantó por la moda, la ambición estaba clara desde el principio: celebra quién eres. “Defendemos que cada persona —y cada marca— tiene que atreverse a ser quien es. Y lo decimos porque lo hemos vivido en primera persona”.

“Cuando empezamos, no teníamos confianza en nosotros mismos. El inicio fue dubitativo: nos fijábamos en otras marcas y casi hacíamos un copia-pega de la colección. Llegó un momento de crisis de identidad en el que decidimos ser nosotros mismos, y fue justo ahí cuando despegamos. De ahí nace el celebra quién eres”, cuenta.

“Es algo que le pasa a casi todas las marcas que empiezan: cogen referencias de otros sin atreverse a tener una identidad propia y clara. Ese es nuestro mensaje al sector. Tomar ese tipo de decisiones es muy valiente, y no todo el mundo se atreve a darlas; pero es exactamente ahí donde una marca empieza a existir de verdad”.

Nace Harper & Neyer

“Harper & Neyer nació de una idea y de mucho trabajo, no de un gran respaldo financiero. Empezamos prácticamente desde cero, con muy poco capital y sin colchón, y eso nos marcó desde el primer día”, cuenta el ejecutivo. “Arrancar con tan poco te obliga a ser rentable casi desde el principio: cada euro cuenta, no puedes permitirte malgastar y tienes que validar el negocio con el cliente real antes de invertir. Esa disciplina de recursos sigue formando parte del ADN de la compañía. Para nosotros es también una prueba de que se puede construir una marca desde cero con convicción y cabeza”.

La firma comenzó su andadura oficialmente en 2013 en Fuengirola, con Salah y los hermanos Javier y Alberto Cerezo como socios y una inversión inicial de apenas 3.000 a 6.000 euros. Ninguno tenía experiencia previa en marcas de moda. El primer local, sin licencia de apertura, obligó a mudarse casi de inmediato; el negocio se sostuvo con producciones mínimas y un escaparate que servía sobre todo para medir la reacción del público.

El nombre —dos apellidos ingleses— fue una decisión guiada por su instinto. Salah quería algo que sonara internacional y despertara curiosidad entre los locales, pero que también fuese familiar para los muchos internacionales que escogen visitar la Costa del Sol.

El pulso con la deuda

El punto de inflexión no fue un éxito, sino una crisis. Hacia finales de la década, los hermanos Cerezo abandonaron la empresa y le cedieron su participación en un contexto de pérdidas continuadas; Salah asumió en solitario el mando y una deuda creciente con banca y proveedores.

La pandemia, que paralizó a buena parte del sector, la vivió como una oportunidad más que como una amenaza, fiel a un discurso que reivindica moverse bien en la incertidumbre y en el que las dificultades templan a una empresa en lugar de hundirla.

De aquella etapa dice haber extraído una lección sobre el liderazgo: “Que liderar en crisis no consiste en tener todas las respuestas, sino en sostener al equipo y tomar decisiones con la cabeza fría cuando todo aprieta. Aprendimos que la caja manda y que hay que cuidarla, que la incertidumbre se gestiona con transparencia y foco, y que separar el ruido del problema real es una de las habilidades más valiosas de un líder. Sobre todo, aprendimos que las personas son lo que sostiene a la empresa. Aquellos momentos, por duros que fueran, son precisamente los que forjaron nuestra cultura y nuestra forma de trabajar. Salimos de ellos con una compañía más fuerte y con una idea muy clara de quiénes somos”.

Los números

Sobre el papel, Harper & Neyer facturó 7,5 millones de euros en 2022), superó los 10 millones en 2023 y cerró 2024 con quince millones de euros y un beneficio de 1,5 millones, operando solo en España. De 2025 aún no se han compartido datos, aunque esperan facturar 20 millones de euros. La plantilla ronda ya el centenar de empleados y la red combina tiendas propias en Málaga, Sevilla, Zaragoza y Murcia, una treintena de córners en El Corte Inglés, canal multimarca y venta online. La meta declarada: alcanzar cien millones de euros en 2030.

"Ahora mismo tenemos cinco tiendas propias. Estamos en un momento en el que queremos crecer en retail con criterio, en ubicaciones prime", explica. Sobre El Corte Inglés, añade, "tenemos ya 30 córners en planta joven y 6 de la línea kids. Es un canal que nos funciona muy bien y seguimos creciendo en él". La meta declarada: alcanzar cien millones de euros en 2030, un objetivo que Salah confirma mantener. Además, la plantilla ronda ya el centenar de empleados y la red combina tiendas propias.

En paralelo, quiere que la web "dé el salto a otros países" y se convierta en un canal internacional potente, sostenido por un presupuesto de marketing digital que califica de "retador". Pero el fin último no es empujar producto, sino que el cliente llegue con la decisión de compra prácticamente tomada. En una frase que resume su ambición para la marca: "El objetivo no es tener que vender, sino que nos compren".

Los diseñadores indios tienen una presencia cada vez mayor en la Semana de la Alta Costura de París, una representación que "llegaba con retraso" para un país que durante mucho tiempo ha desempeñado un papel secundario, según ha declarado a AFP el último en llegar, Manish Malhotra.

Malhotra, de 59 años, se ha convertido esta semana en el cuarto diseñador indio, después de Rahul Mishra, Gaurav Gupta y Vaishali S, en unirse al calendario oficial de París, considerado el escenario más exclusivo de la industria de la moda mundial.

Las casas europeas más conocidas, desde Chanel hasta Christian Dior, han confiado durante mucho tiempo en los bordadores y fabricantes textiles de la India para sus espectaculares creaciones únicas.

Pero ahora los diseñadores indios están recurriendo a los artesanos locales para desafiar a los prescriptores de estilo parisinos en un sector que tradicionalmente servía a la realeza, pero que ahora se dirige a celebridades y otras personalidades de todo el mundo.

"Creo que llegaba con retraso", declaró Malhotra a AFP, un día después de presentar en París una colección muy personal de vestidos muy estructurados, toda ella un homenaje a su madre, recientemente fallecida.

"La India es muy rica culturalmente en cuanto a texturas y tejidos, arquitectura, joyas y bordados. Tiene una gran herencia de reyes y reinas.

"Creo que ya era hora", añadió.

La Federación de la Alta Costura y de la Moda de Francia (FHCM) ha estado diversificando activamente las marcas presentes en París, invitando a diseñadores de fuera de Europa y Occidente.

Malhotra admitió sentirse nervioso antes de su primer desfile el miércoles, que se titulaba "Maa" y reflejaba el profundo vínculo del diseñador con su madre, a la que perdió hace solo tres meses.

"No hay nada más grande que la Alta Costura de París. Esta es la plataforma definitiva", dijo.

Mientras preparaba la colección, "no dejaba de volver a la historia de mi madre, y en un momento dado me dije que París no me conoce, y que si van a conocerme, tienen que saber lo que siento ahora mismo", explicó.

"Y, sinceramente, todavía estoy muy afectado por haberla perdido".

El look de apertura fue un espectacular abrigo largo con esculturas de un niño y su madre en diferentes etapas de la vida, mientras que otro vestido presentaba elaborados recortes de una madre y un niño en la parte delantera que se abrazaban con el movimiento de la modelo.

Nacido en el seno de una familia de clase media de Bombay, Malhotra empezó creando vestuario para Bollywood antes de pasarse a la costura y la moda nupcial.

Su decisión de desfilar en París subraya sus crecientes ambiciones internacionales, tras haber lanzado líneas de joyería y belleza por separado, así como su primera boutique en el extranjero, en Dubái, en 2023.

También se convirtió en un fenómeno viral tras la Met Gala de este año al llegar vestido con una chaqueta y una capa con homenajes escultóricos y bordados a Bombay.

También ha vestido a superestrellas estadounidenses como Rihanna o Jennifer Lopez.

"Después de 35 años de trabajo, ¿cuál es el próximo reto para mí?", dijo.

"¿Quizá un atelier en París, quizá una tienda en Nueva York?"

Fendi ha presentado este jueves su primer desfile de Alta Costura bajo la dirección de la diseñadora Maria Grazia Chiuri, mostrando una lujosa colección de looks en negro y crema y un homenaje al histórico modisto Karl Lagerfeld.

Celebrado en Roma, donde Fendi se fundó en 1925, y al que han asistido celebridades como Monica Bellucci, Jessica Alba y la influencer italiana Chiara Ferragni, el desfile ha comenzado con las rayas negras y crema, instantáneamente reconocibles, de la marca de lujo en vestidos y túnicas transparentes y diáfanas.

Espirales y diagonales reinventadas han aparecido a lo largo de la elegantísima colección de Chiuri, marcada por el satén y la delicada seda transparente, con la aparición de elementos Art Déco de los años treinta, como gráficos plateados.

Flecos negros se balanceaban en los corpiños, mientras que el terciopelo en los cuellos de encaje añadía una nota adicional de lujo. Tiras de ribetes de cuero adornaban los hombros y las capas estaban intrincadamente bordadas, algunas con piel entretejida.

Bajo los altos techos blancos y las columnas de mármol de la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, los invitados bebían prosecco y degustaban aperitivos, mientras algunos se abanicaban con los abanicos de rafia con el logo de Fendi que acababan de recibir como regalo para combatir la humedad de julio.

Con la asistencia del ministro de cultura de Italia, el esperadísimo desfile ha demostrado que no solo Milán está marcando tendencia en la moda.

“Roma se está consolidando cada vez más en la escena internacional de la moda como una de las principales capitales de la moda”, declaró a AFP el alcalde Roberto Gualtieri, quien calificó a Chiuri, nacida en Roma, de “artista extraordinaria” y “romana de primera”.

Moda digna de museo

El evento también ha incluido un homenaje a Lagerfeld, la leyenda alemana que durante más de 50 años fue director creativo de la casa antes de su fallecimiento en 2019, y los invitados han podido recorrer una reposición de su famosa exposición de 1985 en el museo con Fendi.

“After steps through work. Fendi/Karl Lagerfeld 1985”, que se abre al público el viernes y podrá visitarse hasta el 25 de octubre, destaca los innumerables procesos creativos que conforman una prenda de piel de Fendi, desde los bocetos originales y los paneles de muestras hasta los patrones y las toiles.

En 1985, la exposición celebrada en este mismo museo de arte causó un escándalo.

“Causó un gran revuelo. Grandes críticos de arte la elogiaron, pero, al mismo tiempo, hubo quienes no pudieron aceptar que la moda entrara en el mundo del arte, llegando incluso a provocar un debate parlamentario”, declaró el año pasado a la revista Vogue Silvia Venturini Fendi, presidenta honoraria de la marca.

La práctica de que los museos colaboren con las casas de moda, recurran a sus archivos y presenten sus diseños está hoy muy extendida, y la moda como forma de arte legítima se celebra ahora en todo el mundo.

La exposición presenta una pared con bocetos de Lagerfeld de principios de los años ochenta —unos 200 bocetos de una colección de 2.000— realizados con lápiz de color y rotulador, donde se exhibe la predilección del diseñador por el volumen, con hombros anchos y exagerados y bajos acampanados.

Mostrando la “inagotable imaginación” de Lagerfeld, en palabras de los comisarios, la exposición ofrece a veces un boceto original junto con la prenda final.

En un caso, una sugerencia de trazos dibujados a lápiz se veía en su versión final: un chaquetón cruzado en blanco y negro adornado con docenas de pliegues en las mangas y el cuello.

En los paneles de muestras se ve a Lagerfeld probando diversas técnicas, colores y posibilidades de costura en piel y cuero, con el material manipulado para crear espirales, patrones u ondulaciones táctiles.

Fendi, propiedad desde 2001 del conglomerado francés LVMH, fichó a Chiuri el pasado octubre, trayendo de vuelta a la romana a la casa donde comenzó su carrera en accesorios bajo la dirección de Lagerfeld.

Tras su paso por Valentino y hacer historia como la primera mujer en dirigir creativamente Dior, Chiuri declaró a principios de este año que, al volver a Fendi, quería “devolver” algo a quienes la habían inspirado en sus inicios: las hermanas Fendi, fundadoras del negocio, así como a su mentor, Lagerfeld.

La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo alberga la mayor colección del país de arte italiano e internacional de los siglos XIX y XX, incluyendo obras maestras de Giorgio de Chirico, Amedeo Modigliani y otros.

París - Desde un minivestido luminoso hasta piezas completamente reversibles, pasando por la presencia de estrellas como Bad Bunny o Pedro Pascal, estos son los cinco momentos más destacados de la Semana de la Alta Costura de París, que concluye este jueves.

Un vestido de luz

Con sus tonos verdes y finas ramificaciones luminosas incrustadas, la diseñadora neerlandesa Iris Van Herpen ha presentado un minivestido resplandeciente.

Este sorprendente look, bautizado como Fractal Universe, no contenía ledes ni ningún otro dispositivo luminoso, sino que fue “cargado” en un acelerador de partículas que, en los días previos al desfile, transformó el vestido en un depósito de energía con miles de millones de electrones atrapados, según ha explicado la artista.

Antes del desfile, la prenda comenzó a descargarse y las ramificaciones luminosas se fueron extendiendo gradualmente por su superficie. “Desde hace años, me atrae la idea de crear una prenda tejida únicamente a partir de energía. Hemos dado forma a la Alta Costura a partir de sólidos, líquidos, materia viva e incluso gases. Es la primera vez que trabajamos con el cuarto estado de la materia, el plasma”, ha comentado en sus redes sociales.

Inspiración vegetal

Las dos casas más observadas de la semana, Chanel y Dior, han presentado colecciones ampliamente inspiradas en la naturaleza, con siluetas repletas de detalles vegetales.

En Chanel, Matthieu Blazy ha hecho referencia a cuentos famosos como “Jack y las habichuelas mágicas” en sus looks, entre los que destacaban un vestido adornado con plantas trepadoras bordadas y un conjunto cubierto de mariposas negras. La propuesta de Jonathan Anderson, director artístico de Dior, también incluía motivos naturales, como flores bordadas sobre un look plisado en verde.

“Todas estas alusiones vegetales están muy ligadas a la pasión que Christian Dior ya sentía en su época por los jardines”, ha explicado a la AFP Pierre Groppo, redactor jefe de moda y lifestyle de Vanity Fair Francia.

Viceversa

“¿Por qué una prenda debe permanecer estática? ¿Cómo hacerla más viva? ¿Y si cada creación contuviera su propia metamorfosis?”: Alexis Mabille continúa cuestionando los códigos de la moda. El martes, el diseñador francés presentó su colección “Dual”, que juega con las vueltas y las inversiones.

Pesados abrigos o vestidos tubo de terciopelo negro se transformaban en un instante en vestidos dorados o plateados. A veces, bastaba con tirar de un simple hilo para pasar del derecho al revés, de la sombra a la luz, en una colección donde todos los modelos eran reversibles.

Tradición india

Rahul Mishra se ha inspirado en las cuevas de Ajanta, unas cavernas artificiales budistas situadas en el estado de Maharashtra, para una colección en la que destacaban siluetas esculturales ricamente ornamentadas en tonos grises.

Manish Malhotra ha rendido homenaje a la maternidad con vestidos que incluían figuras en relieve de madres e hijos. Estos diseñadores aportan una visión de otros lugares, explica Pierre Groppo. “Cada uno tiene un universo muy impregnado de su cultura india”.

Bad Bunny, Pedro Pascal...

Normalmente, numerosas estrellas femeninas asisten a los desfiles de Alta Costura, desde la rapera Cardi B hasta la actriz Cate Blanchett. Pero, en esta ocasión, se ha podido ver a grandes nombres masculinos entre el público. El cantante Bad Bunny, por ejemplo, estuvo en primera fila en el desfile de Schiaparelli, vestido con un traje amarillo pastel y una corbata dorada en forma de trenza.

En el desfile de Chanel, se vio al actor Pedro Pascal con un conjunto blanco y un jersey marinero. Y, en Dior, Josh O'Connor apareció con un traje sastre fluido de la casa, presentado en París unos días antes.

“La Alta Costura se interesa, mira hacia los hombres”, subraya Pierre Groppo, destacando la presencia hasta ahora poco habitual de estas personalidades. Quizá exista “una voluntad de hablar también a un público que va más allá de las clientas tradicionales”.

Madrid – Nueva piedra en el camino el que ha encontrado el llamado, todavía, a convertirse en el I Convenio Colectivo estatal para las grandes cadenas de moda y calzado, promovido por la Asociación Retail Textil España, después de que el Ministerio de Trabajo haya decidido suspender su tramitación y requerir a las partes a la subsanación de “numerosos artículos” del texto. Una cuestión para la que señalan desde la UGT que deberá de volver a reunirse la mesa de negociación del Convenio.

De este modo, a escasamente poco más de un mes desde que el texto fuera ratificado, a fecha del pasado 2 de junio, por los representantes de Arte y de los sindicatos Comisiones Obreras y Fetico, y pocas horas después de que el mismo consejero delegado de Inditex, Óscar García Maceiras, se refiriese a esa firma durante la Junta General de Accionistas de la compañía como “una muy buena noticia para el sector”, desde UGT han informado en la mañana de este jueves de que el Ministerio de Trabajo ha acordado suspender la tramitación del I Convenio Estatal de Grandes Marcas del Comercio Textil y del Calzado. Una determinación que, señalan y celebran desde el sindicato, se ha acordado a la vista de los “numerosos artículos” que no se ajustarían a la legislación laboral vigente, y a las alegaciones presentadas en contra de su registro y a favor de promover su impugnación judicial que han presentado tanto desde la UGT como desde otros sindicatos como la CIG. Una batería de iniciativas que entroncan con la determinación de tanto una como otra organización sindical de impedir que el Convenio de Arte logre llegar a entrar en vigor.

“Esta resolución supone un respaldo a las advertencias que UGT ha venido realizando desde el mismo momento en que CCOO, Fetico y la patronal Arte decidieron firmar un convenio que, lejos de mejorar las condiciones laborales del sector, incorpora numerosos preceptos que ahora el propio Ministerio considera incompatibles con la legislación vigente y que deben ser corregidos antes de que el procedimiento pueda continuar”, señalan al respecto desde la UGT a través de un comunicado. Unas declaraciones que completan valorando “muy positivamente la resolución dictada por el Ministerio de Trabajo y Economía Social”, por la "que se suspende la tramitación del Convenio Colectivo Estatal de Grandes Empresas del Retail y se requiere a la comisión negociadora la subsanación de numerosos aspectos del texto presentado para su registro”.

Con “numerosos artículos”, estructurales, del texto puestos en cuestión

Lejos de tratarse de cuestiones menores y/o anecdóticas, tanto desde la UGT como desde la CIG, tal y como adelantaban desde el sindicato nacionalista gallego en el día de ayer en primicia —y todavía sin los suficientes detalles al respecto— a FashionUnited, coinciden a la hora de señalar que las faltas detectadas por el Ministerio responden a cuestiones que afectan a “numerosos artículos”, además de una naturaleza estructural. De ahí el que para terminar de tratar de reimpulsar su entrada en vigor, vaya a ser necesario que la organización empresarial vuelva a tener que sentarse a negociar, o cuanto menos a terminar de concretar, con el resto de agentes vinculados a este negociación, no pocas ni tampoco secundarias cuestiones que afectan al convenio.

En este sentido, desde la UGT añaden y precisan que entre las deficiencias detectadas por la Dirección General de Trabajo que han conducido a esta suspensión del proceso de tramitación del convenio por parte del Ministerio, se encuentran aquella que tienen que ver con puntos relacionados con la contratación temporal, con los contratos de sustitución, con las excedencias, con la reducción de jornada, con la acción sindical, con la jubilación forzosa, o con la regulación de la “prioridad aplicativa” de este nuevo convenio, respecto a los convenios colectivos existentes y actualmente en vigor. Un punto especialmente controvertido, y cuya puesta en entredicho vuelve a sembrar las dudas sobre las medidas, y la legalidad de las medidas, que el convenio de Arte contempla para garantizar el poder adquisitivo de los trabajadores en aquellas regiones donde las actuales condiciones laborales son, por convenio, superiores a las que contempla este nuevo marco laboral.

“Durante toda la negociación advertimos de que el convenio de Arte suponía un grave retroceso para miles de personas trabajadoras y que, además, presentaba importantes dudas de legalidad”, pero “lejos de atender estas advertencias, las organizaciones firmantes optaron por desacreditar nuestras denuncias y trasladar a las plantillas un mensaje de falsa tranquilidad”, censuran desde la UGT. Un mensaje que hoy se desvanece, después de que el propio Ministerio de Trabajo sea “quien obliga a revisar el texto firmado por CCOO, Fetico y la patronal Arte antes de que pueda continuar su tramitación”.

Avanzando hacia la retirada del Convenio de Arte, y hacia la consolidación de los derechos adquiridos

Desde el mismo sindicato enmarcan su propuesta de alegaciones contra la tramitación del convenio, y la resolución acordada por el Ministerio, como pasos que sirven y contribuyen a avanzar hacia la retirada y no entrada en vigor del Convenio de Arte. El objetivo último por el que ahora trabajan desde la UGT, al igual que desde la CIG para lo que respecta en su caso a Galicia, y meta que defienden desde la máxima que, con la retirada del texto tal y como se ha terminado de acordar, se garantizará que los trabajadores puedan seguir disfrutando de los derechos que se han logrado venir conquistando a lo largo de los años.

“Nuestro compromiso sigue siendo el mismo que mantuvimos durante toda la negociación”, y que pasa por “defender los derechos de las personas trabajadoras, proteger la negociación colectiva y garantizar que ningún convenio pueda consolidar retrocesos sociales ni laborales”, argumentan al respecto desde la UGT. Sindicato desde el que “reiteramos que seguiremos utilizando todas las vías legales y judiciales necesarias para impedir que entre en vigor un convenio que, además de perjudicar a miles de personas trabajadoras del comercio, debilita la negociación colectiva territorial y consolida un modelo que incrementa la flexibilidad empresarial en detrimento de los derechos laborales”.

Madrid – Entre las noticias destacadas de la moda nacional de estas últimas jornadas, desde el Ministerio de Cultura del Gobierno de España han anunciado finalmente el nombre del ganador del Premio Nacional de Diseño de Moda 2026. Galardón creado en el año 2009 como heredero del Premio Aguja de Oro, que este año se ha decidido conceder a la firma española We Are Spastor, de los creativos Sergio Pastor e Ismael Alcaina.

Tras la decisión de esta designación, tomada a partir de las diferentes candidaturas presentadas a la convocatoria de este año de los galardones, propuestas que podían y han sido presentadas por distintas entidades, centros, instituciones y profesionales vinculados al diseño de moda, han estado los miembros de un jurado integrado por igualmente destacados profesionales del sector, así como por representantes del mismo Ministerio de Cultura. Un grupo este formado este año por un total de nueve miembros, entre los que se encontraban en calidad de presidenta Carmen Páez Soria, subsecretaria de Cultura; y de vicepresidente Juan Melgar Jaquotot, director del Centro de Coordinación de Industrias Culturales; y ya como vocales, Blanca Zurita Suárez-Guanes, en representación de Juana Martín, Premio Nacional de Diseño de Moda 2025; el ilustrador de moda Arturo Elena Galindo; Inés Lorenzo Sarría, directora de contenidos de Vogue España; Carlos Primo Cano, jefe de redacción de moda, belleza y diseño de la revista Icon, El País; Leticia García Guerrero, redactora jefa del semanario, también de El País, S Moda; Igor Uria Zubizarreta, director del área de colecciones de la Fundación Cristóbal Balenciaga Museoa; y Helena López de Hierro D'Aubarede, directora del Museo del Traje.

Designada, se señala que por unanimidad, como la firma ganadora de esta convocatoria de 2026 del Premio Nacional de Diseño de Moda, su elección ha llegado motivada, apuntan desde el Ministerio de Cultura, por “la valentía y honestidad de una trayectoria que ha pervivido en un sector cambiante, manteniendo su vigencia y defendiendo un proyecto actual, caracterizado por su capacidad de adaptación creativa”. De este modo, y con la elección de We Are Spastor como firma elegida, "el galardón reconoce a una marca cuyo surgimiento supuso una disrupción en la moda española, contribuyendo a generar una visión cosmopolita, una imagen del estilo vinculada a las subculturas y al arte contemporáneo”, han señalado los miembros del jurado.

Ahondando en esa justificación, y en relación con la producción creativa de la que ha día de hoy sigue haciendo gala la firma, “su propuesta redefine los códigos del género mediante una combinación de la sastrería clásica con una constante exploración de nuevas siluetas, volúmenes, materiales y texturas, dando lugar a un lenguaje estético propio e innovador que se abre al diálogo con otras disciplinas”. De tal manera que con este reconocimiento, el jurado premia a la firma por “su capacidad para reinterpretar la estética desde un enfoque contemporáneo y audaz, alejado de los convencionalismos y las exigencias del mercado, con colecciones atemporales que plantean una visión transgresora de la propia moda”.

Una “autosider” de la moda abocada a la desaparición, reconocida con el Premio Nacional de Diseño de Moda

Fundada en el año 1997 por el diseñador gerundense Sergio Pastor bajo el nombre de “Spastor”, tan solamente un año después de su creación se incorporaba al proyecto el también diseñador catalán, en su caso barcelonés, Ismael Alcaina; las “dos almas” que siguen dando forma e impulsando el desarrollo de We Are Spastor. Un nombre que la firma no adoptaría hasta su relanzamiento en 2019, tras ni más ni menos que hasta 11 años de inactividad.

Abonando lo que para entonces ya se intuía como una trayectoria más que prometedora, ya en 2001 la firma fue reconocida con el Premio a la Mejor Colección de la Pasarela Cibeles, hoy pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Una de las principales plataformas de las que se sirvió la firma en sus comienzos para comenzar a dar a conocer sus creaciones; unas colecciones que la pareja de diseñadores alcanzaron a hacer desfilar sobre la Pasarela Gaudí, hoy 080 Barcelona Fashion, y desde ciudades como Tokio o París. Capital francesa desde la que llegaron a firmar uno de sus mayores hitos como creativos, a nivel tanto personal como al frente de Spastor, con su participación durante la Semana de la Moda de París, organizada por la Fédération Française du Prêt-à-Porter des Couturiers et des Créateurs de Mode. Institución a día de hoy integrada ya dentro de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode (FHCM), que se presenta ya como la única encargada de organizar cada nueva edición de las distintas Semanas de la Moda de París.

Especializada en moda masculina de marcadas, y por entonces ademas pioneras, líneas sin género, lo que debía de haber supuesto el espaldarazo definitivo para la explosión internacional de Spastor, terminó sin embargo por abonar su camino hacia la desaparición. Un extremo que la firma tocó en 2008, año en el que la pareja de diseñadores se decidió por abandonar la pasarela Cibeles y por llevar la firma a “punto muerto”, para a partir de entonces centrarse en tareas como consultores creativos, para el desarrollo de proyectos y de dirección de arte, aunque en todo momento con la moda como vector director. Una situación y una nueva etapa que venía abonada por la gran crisis económica que estallaba entonces, y frente a la que los diseñadores apostaron por defender todo lo construido y la buena imagen de la marca, a la vista de los problemas para su crecimiento que se habían derivado de no haber logrado encontrar ningún socio ni respaldo económico que les diera garantías para poder responder a todas esas expectativas que se habían generado en torno a la marca, tras su debut en la Semana de la Moda de París. Un contexto frente al que no dudaron, en si acaso no censurar, sí cuanto menos poner en cuestión las dinámicas que entonces —y hoy también para qué negarlo— imperaban dentro de la industria de la moda nacional; un ecosistema sobre el que se han posicionado públicamente en contra de los diseñadores y las marcas “de pasarela”, que no cuentan con una realidad económica detrás, y que únicamente viven de las subvenciones para desfilar un día aquí y otro día allá. Una realidad “peligrosamente cómoda”, de la que se negaban a participar, apostando en todo momento y en contra por una firma que fuera capaz de generar ingresos, de producir moda, y de contar con una creciente base de clientes.

En ese objetivo justamente, y tras un parón de 11 años desde que abandonasen la Pasarela Cibeles en 2008, en el año 2019 Sergio Pastor e Ismael Alcaina relanzaban Spastor, bajo el título de We Are Spastor. Nombre bajo el que a día de hoy siguen dando alas a su talento y creatividad, mediante la comercialización de una moda de autor sin género, atemporal y rabiosamente provocativa, que comercializan en una selección de “concept stores”, así como a través de su propia plataforma de comercio online. Un modelo de comercialización que completan con el servicio de atención que brindan a sus clientes, con cita previa, en su estudio de la calle Valencia de Madrid.

“Somos todos aquellos que hacen que seamos quienes somos. Somos discurso. Declaraciones. Intenciones. Reacciones. Somos libertad”, señalan desde la reconocida firma de moda a modo de manifiesto. Etiqueta que se presenta como una “plataforma de creación”, desde la que “aspiramos a desarrollar una metodología que reúna y dé voz al lenguaje contemporáneo”, mediante tanto propuestas propias como de “la colaboración con personas que nos inspiran”. “Nuestro lenguaje está impregnado de sensualidad y experimentación”, y “utilizamos la experiencia como materia prima, como estímulo y como contexto”. Desde la perspectiva de entender los objetos como productos que “crean un espacio intermedio, una puerta de acceso a un mundo aún por descubrir”, “nuestros artículos son atemporales, reinterpretados, de edición limitada y no responden a la lógica de un calendario”, sino que “existen fuera del sistema, en nuestro sistema, a nuestra manera”. Una reafirmación de su naturaleza como firma de moda “outsider”, y de la que se sirve la firma para dar forma a piezas que “crean momentos”. Y en esa intención, añaden, "ofrecemos un flujo constante de productos singulares como un acto de libertad en el que pasado, presente y futuro confluyen”. Una apuesta por la atemporalidad, que se sustenta sobre “nuestra pasión por los entornos, los objetos hechos a mano, la calidad, el tacto y las nuevas narrativas de vida”. Poética que permite a We Are Spastor reivindicarse como firma en la que “somos 1975”, año de nacimiento de los dos diseñadores; y “somos 1995”, año en el que ambos iniciaron sus respectivas trayectorias creativas; pero mensaje desde el que se ahonda en esa osada atemporalidad que forma parte consustancial del ADN de la firma.

18º Premio Nacional de Diseño de Moda

Creado a iniciativa del Ministerio de Cultura a fecha del 26 de marzo de 2009, el Premio Nacional de Diseño de Moda es el heredero del Premio Aguja de Oro del Diseño de Moda, creado por el mismo Ministerio tras asumir y hacerse con el prestigioso galardón de la Aguja de Oro, impulsado en 1981 por la empresaria madrileña María Rosa Salvador Ramonacho, y entregado de manera privada por esta hasta el año 2006. Momento en el que, y en lo que se contemplaba como un movimiento dirigido a asegurar la continuidad del premio, así como a elevar su reconocimiento, este terminó por ser asumido por el Gobierno de España, desde donde anunciaban a Nicolas Ghesquière como ganador de la Aguja de Oro de 2007. Un premio que el diseñador francés nunca llegó a recoger, después de que, aprovechando la sustitución de Carmen Calvo por César Antonio Molina al frente del Ministerio de Cultura, el nuevo ministro apostase por reconfigurar el premio, sustituyendo la Aguja de Oro por un nuevo Premio Nacional de Diseño de Moda. Galardón que, más allá del título, entraba además a estar dirigido de manera expresa a reconocer una obra o, en casos debidamente motivado, una completa trayectoria profesional. Supuesto bajo el que en este año ha sido reconocida We Are Spastor.

Como ganadora del premio, la firma, y sus directores creativos, recibirán una dotación económica de 30 000 euros, así como el reconocimiento de integrarse a una creciente lista de premiados, que alcanza la cifra de los 18º galardonados tras la designación de We Are Spastor. Marca que toma así el relevo como ganadora de Juana Martín, reconocida con el Premio Nacional de Diseño de Moda de 2025, completando un palmarés del que forman igualmente parte Manuel Pertegaz, Paco Rabanne, Elio Berhanyer, Manolo Blahnik, Amaya Azuaga, Josep Font, Sybilla, David Delfín, Ágatha Ruiz de la Prada, Miguel Adrover, Adolfo Domínguez, Ana Locking, Antonio Alvarado, Ángel Schlesser, Teresa Helbig y Palomo Spain.

“El nacimiento de We Are Spastor, la marca de Sergio Pastor e Ismael Alcaina, supuso una gran disrupción en la moda española”, no ha dudado en querer salir a señalar Ernest Urtasun, ministro de Cultura del Gobierno de España. Y desde esa herencia, y con este reconocimiento del Premio Nacional del Diseño de Moda 2026, “se premia su valentía y honestidad a lo largo de su trayectoria, y su capacidad para reinterpretar la estética”.

Pekín - Un incendio declarado el jueves en una fábrica de calzado en China ha provocado "graves pérdidas humanas", según el presidente Xi Jinping, y ha movilizado a cerca de 200 bomberos y equipos de rescate, de acuerdo con las autoridades y los medios de comunicación oficiales.

El fuego se declaró hacia el mediodía (04:00 GMT) en la fábrica Huiteng, en Jinjiang, en la provincia de Fujian (sureste del país), según ha informado el Ministerio de Gestión de Emergencias en un comunicado.

Los equipos locales de extinción de incendios y de rescate han desplegado a 183 personas y 35 vehículos, según el ministerio. El organismo había mencionado la existencia de personas atrapadas en el edificio y de "víctimas", pero sin especificar el número de muertos o heridos.

El siniestro ha causado "graves pérdidas humanas", ha indicado Xi Jinping de forma más clara el jueves por la noche, citado por la agencia Xinhua, sin ofrecer un balance de cifras.

Las imágenes en directo difundidas por la televisión pública CCTV mostraban a los bomberos rociando con agua un edificio blanco y azul de varias plantas, ennegrecido por las llamas y de cuyas ventanas se escapaba un denso humo gris.

"Hay que hacer todo lo posible en las operaciones de búsqueda y rescate, en el acompañamiento a las familias, para determinar rápidamente las causas del incidente y para depurar responsabilidades con rigor", ha subrayado también Xi Jinping.

El Ministerio de Gestión de Emergencias ha asegurado que el incendio estaba en proceso de extinción, al tiempo que ha exigido esfuerzos "máximos" para sofocarlo por completo, buscar a las personas que permanecen atrapadas y atender a los heridos.

Algunas personas permanecían atrapadas en la fábrica y seguían ilocalizables, ha informado la agencia Xinhua.

China lanzó una campaña contra los riesgos de incendio en los rascacielos en noviembre, después de que un enorme incendio arrasara varias torres de viviendas en Hong Kong, causando 168 muertos. Tan solo un mes después, un incendio en un edificio residencial de la provincia de Guangdong, en el sur de China, se cobró la vida de 12 personas.

La diseñadora granadina Pilar Dalbat inauguró ayer, 8 de julio de 2026, en el Museo del Automóvil y de la Moda de Málaga (MAM) la exposición Fashion & Heritage in Motion, una propuesta que sitúa su universo creativo frente a algunas de las piezas más representativas de la historia de la Alta Costura internacional.

La muestra se ha propuesto como un intercambio visual entre las piezas de Dalbat y una selección de prendas históricas pertenecientes a la colección permanente del museo, con nombres esenciales de la moda del siglo XX como Cristóbal Balenciaga, Christian Dior, Coco Chanel, Mariano Fortuny, Paco Rabanne o Manuel Pertegaz.

El recorrido explora las conexiones estéticas, los códigos compartidos y las líneas de continuidad entre la tradición artesanal de la costura europea y la mirada de una diseñadora española contemporánea, un diálogo que encuentra bajo la dirección del museo –en manos de Mar González Mora y Elvira Carrera García- el marco histórico y patrimonial idóneo para articular este encuentro entre pasado y presente.

El hilo conductor de la exposición es Zambra SS26, la colección presentada por la diseñadora en la última edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. En esta propuesta, Dalbat profundiza en una de las constantes de su trayectoria, la reivindicación de la artesanía, los oficios tradicionales y el patrimonio cultural andaluz y mediterráneo como fuentes de inspiración y vertebradores de su identidad creativa.

La muestra incorpora también un espacio audiovisual en el que la voz en off del periodista Rubén Fernández Costa acompaña al visitante a través del proceso creativo de la firma, acercándolo a la investigación, la construcción de las piezas y la relación entre territorio, memoria y moda.

La muestra, respaldada por la Fundación Caja Rural Granada, permanecerá abierta al público hasta el próximo 30 de agosto.

VisionLab refuerza su estructura directiva con la incorporación de Laura Sol Orozco como nueva directora de People & Talent, un movimiento con el que la compañía busca consolidar la gestión del talento para seguir creciendo y reforzando su equipo.

Desde esta nueva posición, Orozco asumirá la responsabilidad de definir e impulsar la estrategia de recursos humanos de la cadena de ópticas española, con foco en áreas clave como el desarrollo profesional de los equipos, la cultura corporativa y la alineación de las personas con los objetivos estratégicos de la compañía.

La empresa enmarca el nombramiento en su actual fase de crecimiento y consolidación, y señala que el perfil de Orozco debe contribuir a que sus equipos avancen alineados con las metas comerciales del grupo en los próximos años.

Orozco se incorpora procedente de Blue Banana Brand, firma española de moda y estilo de vida, donde durante más de cinco años lideró el área de People y acompañó el crecimiento organizativo de la compañía durante su fase de expansión. Su trayectoria incluye también experiencia en Colway Industrial y en el despacho Cuatrecasas, con un recorrido vinculado a la transformación de estructuras, la creación de equipos y la optimización de procesos internos.

VisionLab cuenta actualmente con 109 tiendas propias en España y Portugal y una plantilla formada por más de 600 profesionales. La compañía destaca además por disponer de fábrica propia de cristales oftálmicos en Madrid, una infraestructura que le permite controlar directamente parte del proceso de producción y diferenciarse dentro del mercado óptico español.

París - El grupo de lujo Hermès ha anunciado su incursión en la Alta Costura y presentará su primera colección en enero, según ha informado el grupo a la AFP, confirmando así una información de Women's Wear Daily.

La diseñadora francesa Nadège Vanhée, al frente de las colecciones femeninas de la firma desde 2014, será la encargada de crear esta primera colección, ha precisado la firma francesa.

La firma, célebre por sus icónicos bolsos como el Birkin o el Kelly, se integra así en el programa oficial de la Semana de la Alta Costura Primavera/Verano 2027, que tendrá lugar del lunes 25 al jueves 28 de enero.

“Lo que nos interesa de la Alta Costura es el savoir-faire. Ya tenemos un nivel muy, muy alto y una calidad de piel increíble, y nos dijimos '¿por qué no?'”, había explicado en febrero de 2025 Axel Dumas, director general del grupo de lujo.

La Alta Costura, el escenario más prestigioso del mundo de la moda, responde a unos criterios muy precisos: los modelos deben ser originales, realizados a medida y a mano, y diseñados exclusivamente por el director artístico permanente de la firma, en talleres con sede en Francia.

Cada casa se compromete a presentar dos desfiles anuales en París, en enero y en julio, con un mínimo de 25 salidas que combinen siluetas de día y de noche. Estas piezas están destinadas a las grandes galas y alfombras rojas.

Solo 13 casas gozan de la denominación jurídicamente protegida “Alta Costura”, entre ellas los grandes nombres del lujo como Dior, Chanel y Givenchy, pero también Jean Paul Gaultier, Maison Margiela, Alexis Mabille o Schiaparelli. Para su debut, Hermès participará como miembro invitado, al igual que Balenciaga, antes de solicitar, eventualmente, la denominación oficial.

Las redes sociales se han llenado de vídeos de usuarias de todo el mundo con unos pantalones de Zara como protagonistas, aunque no precisamente por el motivo que cualquier marca desearía.

Sobre el papel, lo tienen todo para convertirse en un básico del verano. Tienen una caída fluida, cinturilla elástica, y están disponibles en hasta seis colores por 22,95 euros. Podrían salvar cualquier estilismo estival, pero al parecer no salvan de una visita a urgencias.

Bajo el hashtag #deadlyzarapants —que se traduciría en algo así como “los pantalones mortales de Zara”—, muchas usuarias han compartido en TikTok sus experiencias con la prenda, en muchos casos desde la propia sala de espera del hospital. "Me he puesto los pantalones hoy, deseadme suerte" o "he sobrevivido al día de hoy" son algunos de los mensajes que acompañan a algunos vídeos. Otros se limitan directamente a subir las caídas grabadas por cámaras de seguridad, con el ya popular hashtag como único contexto.

El problema, según relatan, es que los pantalones son tan anchos, largos y ligeros que basta un despiste para tropezar con el propio bajo. La pregunta inevitable es qué responsabilidad tendría la empresa en un caso así, en el que algunas usuarias han llegado a compartir rodillas o codos partidos y piden a la empresa que se responsabilice.

Desde la perspectiva jurídica, la cuestión se centra en determinar si concurre o no un supuesto de "producto defectuoso". Un producto se considera defectuoso cuando no ofrece la seguridad que cabe esperar legítimamente de él, atendiendo a su uso previsible. Un pantalón ancho y largo con el que uno puede pisarse no suele encajar en esa categoría, porque el riesgo es abierto y evidente. Cualquiera que se pone unos pantalones muy largos intuye que puede tropezar si no los ajusta. En derecho de consumo eso se conoce a veces como "riesgo obvio" o inherente al producto, y por lo general no genera responsabilidad del fabricante.

Existen, no obstante, escenarios en los que la marca sí podría asumir algún grado de responsabilidad. Sería el caso de un defecto de fabricación real, como una costura que cede o un largo distinto al indicado en la etiqueta, de un tallaje mal declarado o de un mensaje de marketing que prometiera algo engañoso sobre cómo sienta o se lleva la prenda.

En la práctica, sin embargo, buena parte de la responsabilidad recae de forma razonable en quien lo lleva. Elegir la talla y el largo adecuados —o pasar por el arreglo— es una responsabilidad habitual del consumidor.

Madrid – Mirando ya más allá del mensaje institucional con el que una especialmente presidencial Marta Ortega se encargó de inaugurar la Junta General de Accionistas de Inditex de 2026, y del hecho de que durante la cita pasasen —tal y como por otro lado era más que previsible— a aprobarse en su totalidad cada uno de los diferentes puntos de su Orden del Día, entramos ahora a profundizar en detalle en las no pocas ni menores cuestiones que se terminaron de plantear ante los inversores del grupo español durante el encuentro. Una convocatoria, de carácter ordinario, durante la cual, y no sin un cierto asombro, terminaron incluso por tomar la palabra las mismas dependientas de Inditex en Galicia.

Avanzando en ese objetivo último de la Junta General de Accionistas de Inditex de 2026, que no pasaba por otro lugar que el de someter a votación y al análisis de sus inversores cada una de las cuestiones contempladas a lo largo de los 9 puntos en los que se había estructurado su Orden del Día, tras el elocuente discurso de bienvenida a los accionistas ofrecido por Marta Ortega, presidenta no ejecutiva del Consejo de Administración, pasó a tomar la palabra ante los inversores del grupo español Javier Monteoliva Díaz, en su calidad de secretario general no consejero del Consejo de Inditex. Una intervención que dedicó a abordar las cuestiones procedimentales que requieren la Ley y los estatutos de la compañía ante citas como la celebrada este martes, 7 de julio, en la sede central de Inditex en la localidad coruñesa de Arteixo, para desde ahí cederle la palabra a Óscar García Maceiras, consejero delegado del grupo desde noviembre de 2021.

Encargándose de este modo de dirigir su quinta Junta General de Accionistas de Inditex, las mismas que se ha encargado de abrir y de supervisar, desde su calidad como presidenta del Consejo, la hija de Amancio Ortega, Maceiras dedicó su comparecencia ante los inversores del grupo a primero destacar la sobresaliente evolución que ha logrado registrar Inditex, a lo largo de estos primeros 25 años como compañía cotizada que se conmemoran justamente en este 2026. Una efeméride que sigue a la de los 50 años de la fundación de Zara que se festejaron el pasado año de 2025, y que se da afianzada por la “gestión marcada por la exigencia y por el ansia de permanente mejora” que siempre ha imperado dentro de los muros de la compañía, desatracaba Maceiras durante su intervención. Una comparecencia que completaba realizando un balance general sobre los positivos resultados del ejercicio de 2025, unos balances cuyos principales indicadores no dudaba en remarcar frente a unos accionistas que justamente debían durante la cita, celebrada según lo previsto en primera convocatoria, de pronunciarse en favor o en contra de la aprobación de los consiguientes resultados de cuentas e informes, del ejercicio de 2025. Unos positivos balances que, subrayaba Maceiras, si se han podido dar en mitad de un entorno tan complejo como el actual, ha sido gracias al buen desempeño comercial de las marcas del grupo, y así como a la eficiente gestión operativa liderada por sus equipos.

“Nuestro propósito sigue siendo el mismo” que el que contaba la compañía de cara a su salida a Bolsa hace 25 años, el de “llegar cada día a millones y millones de personas en todo el mundo”, y además hacerlo “con una propuesta de moda cada vez más atractiva y una experiencia también cada vez mejor para nuestros clientes”, apuntaba Maceiras frente a los accionistas de Inditex. “Este propósito nos ha servido de guía en 2025 para, a pesar de un entorno geopolítico y macroeconómico complejo, continuar en la senda de crecimiento positivo”; un camino que ha sido posible gracias al “buen desempeño comercial” y a una “gestión operativa eficiente”. Pero y “¿por qué son importantes estas cifras?”, preguntaba el consejero delegado de Inditex frente a sus accionistas, “porque ponen de manifiesto la fortaleza financiera y la solidez de nuestro modelo de negocio, principales garantías de que vamos a seguir invirtiendo todo lo necesario para el futuro crecimientos sostenible del grupo”.

Los 10 pilares para el próximo crecimiento de Inditex

Tras esas palabras de confianza dadas a los inversores, y refrendadas por los diferentes planes de inversión que la compañía ha venido ejecutando a lo largo de estos últimos años, de manera excepcional con un plan extraordinario de fortalecimiento de las capacidades logísticas de 900 millones de euros anuales para 2024 y 2025, que se completó el pasado año junto a unas inversores ordinarias anuales por 1 800 millones de euros, Maceiras daba garantías de esa sostenida apuesta por la permanente inversión en el “futuro” de la compañía, destacando las inversiones ordinarias por unos 2 300 millones de euros que se han comprometido para este 2026. Fondos que se destinarán a reforzar y a avanzar este año sobre cada uno de los hasta 10 pilares para el crecimiento a los que Maceiras fía el futuro más inmediato de Inditex. Pilares en los que se enmarcan las diferentes iniciativas que la compañía va a seguir poniendo en marcha, de cara a continuar avanzando en su crecimiento, experiencialidad, adopción de nuevas tecnologías, en diseño y calidad de producto, en “emoción”, innovación, eficiencia, talento, en su compromiso con España, y en su posición como compañía comprometida con las diferentes comunidades del planeta.

Mirando de este modo de cara a este 2026, pero y también más allá, “mantenemos nuestro propósito” de “ofrecer moda atractiva, basada en el diseño, en la calidad y producida de manera responsable”, así como “la mejor experiencia posible a nuestros clientes”, señalaba Maceiras frente a los accionistas de Inditex. En ese propósito “somos ambiciosos”, y “seguiremos creciendo, seguiremos innovando, seremos cada vez más eficientes, y tendremos un impacto positivo cada vez mayor”. Todo, mientras la compañía, y sus diferentes marcas en cartera, se mantienen fieles a “una estrategia de precios estables y accesibles al mayor número posible de personas”.

1.- Crecimiento y expansión

Profundizando, brevemente, sobre cada uno de ellos, en materia de crecimiento y expansión Maceiras reiteró que las ocho cadenas del grupo —Zara, Zara Home, Pull&Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho y Lefties— continuarán apostando por estrategias de diferenciación que les permitan continuar ampliando su presencia en los diferentes mercados en los que ya operan, así como expandirse a nuevas regiones y países. Un punto sobre el que se limitó a señalar lo ya adelantado durante la recta final de 2025 y esta primera mitad de 2026, destacando desde la apertura de las primeras tiendas de Bershka en Estados Unidos y en Brasil, a la llegada programada para este año de Lefties a Francia, Reino Unido y se confirma de manera ya oficial que también a Alemania; la de Pull&Bear y Massimo Dutti y a Dinamarca; o a la de Zara Home a Noruega.

Con estas y otras estrategias a ejecutar, “nuestros ocho formatos comerciales continúan incrementando su diferenciación, captando nuevos clientes y estrechando el vínculo que mantenemos con nuestros clientes actuales”, señalaba Maceiras durante su intervención. Y mientras para el caso de Zara, “el motor del grupo”, desde Inditex “seguimos incrementando la superficie comercial” de la cadena y “vamos a continuar mejorando nuestras tiendas con imagen, con tecnología y en nuevas ubicaciones, ejecutando proyectos en los principales ciudades de todo el mundo”, del otro lado, y “gracias a nuestra presencia internacional y a la experiencia que hemos ido adquiriendo a lo largo del tiempo, el resto de nuestros formatos comerciales van a continuar ejecutando ambiciosos planes” de crecimiento. Y es que “seguimos viendo oportunidades de expansión; oportunidades que aprovecharemos siguiendo nuestro principio rector de crecimiento rentable y selectivo, proyecto a proyecto”.

2.- Experiencialidad

En relación con la creciente tendencia y cambio de paradigmas hacia la “experiencialidad”, la compañía seguirá impulsando iniciativas dirigidas a dar respuesta a “unos clientes cada vez más exigentes y experienciales”, mediante “nuevos servicios y nuevas funcionalidades”, así como mediante la “ejecución de proyectos que generen comunidad”. Iniciativas que, y presentadas a modo de ejemplo, seguirán en la línea del probador virtual “Try-On” de Zara, y que el mismo Maceiras ya adelantó en marzo que se va exportar en el resto de cadenas del grupo, y de los clubs de fidelización Bershka MMBRS, que cuenta actualmente con más de 40 millones de usuarios en 18 mercados, y Oysho Community, que permite acceder a eventos experienciales deportivos exclusivos, y para el que se lanzaba una versión “pro” para profesionales a finales del pasado mes de mayo.

3.- Últimas tecnologías

Como tercer pilar Maceiras presentó la apuesta constante de Inditex por las últimas tecnologías. Innovaciones para las que en su caso desde la compañía española van a procurar mantener un enfoque dirigido a poder seguir agilizando el proceso de compra y a seguir eliminando puntos de fricción, hasta el punto de, como último ejemplo, haber comenzado a introducir ya desde principios del mes de junio un nuevo sistema de etiquetado que facilita a los clientes con discapacidad visual poder acceder a toda la información de los productos, con plena autonomía y desde sus respectivos teléfonos móviles. Una iniciativa que, apuntaba Maceiras, se va a desplegar en todas las marcas del grupo, y en todos los mercados en los que operan.

4.- Diseño y Calidad

De manera contraria a lo que se proclama desde las redes sociales por supuestos analistas en moda y en el negocio de Inditex, Inditex es ante todo y sobre todo una compañía de moda, enfocada al negocio de vender ropa. A ese propósito la multinacional dirige todos sus esfuerzos, sus inversiones y enfoca todas sus estrategias, y entre ellas naturalmente está la decidida apuesta por el diseño y por la calidad de la oferta de lo que se vende. Una oferta comercial para la que el consejero delegado del grupo ha destacado cómo desde la compañía “seguiremos escuchando a nuestros clientes”, para poner a su servicio y al servicio de la moda que reclaman el talento de “nuestros más de 700 diseñadores” y del personal de “nuestros equipos de patronaje”; así como trabajando en favor de una moda de calidad, y de menor impacto ambiental. Compromisos para los que se está trabajando en colaboración con proveedores, centros de investigación y laboratorios especializados, “para el análisis y la mejora de nuestros productos”.

5.- Emoción

El término “emoción”, el querer “emocionar”, está pasando a ser uno de las máximas sobre las que se están apuntalando las diferentes estrategias de las principales casas y grupos de moda, y del mismo modo también las del grupo Inditex. Y tanto es así que si hasta tres veces Marta Ortega recurrió a él durante su mensaje de bienvenida a los accionistas, Maceiras terminó de confirmar esa apuesta por lo “emocional”, situándola entre los principales pilares para la construcción del futuro de Inditex. Compañía que aspira así a seguir “emocionando” y “sorprendiendo” a los consumidores de moda, principalmente con nuevas estrategias de colaboración con figuras de relevancia del mundo del arte, la moda y la cultura, al tiempo en el que además, se preocupaba de subrayar el consejero delegado de la compañía española, Inditex se mantiene fiel a su principio irrenunciable de ofrecer moda de calidad, a precios accesibles.

“De cara a seguir emocionando, de cara a seguir sorprendiendo a nuestros clientes, vamos a continuar desarrollando proyectos en colaboración con figuras del mundo del arte y de la cultura”. Una alianzas que, señalaba Maceiras, “nos están permitiendo llegar a una audiencia y adquirir una relevancia” como compañía “que carece de precedentes en la historia de nuestro grupo”. “Solo en lo que llevamos de 2026, hemos realizado colaboraciones con figuras como Willy Chavarria, Aaron Levine o Bad Bunny; y también en este 2026, en el mes de marzo, hicimos público nuestro acuerdo de colaboración con John Galliano, cuyo primer fruto será una colección que comercializaremos a partir del mes de septiembre, con una propuesta de moda atemporal”. Pero “lógicamente, todos nuestros esfuerzos en relación con el diseño, con la calidad, la durabilidad” y “las futuras colaboraciones que continuaremos poniendo a disposición de nuestros clientes, seguirán siendo compatibles con una estrategia de precios estables y accesibles al mayor número posible de personas”.

6.- Innovación

Como complemento, aunque en un apartado con una identidad propia, a las estrategias encaminadas a la implementación de las nuevas tecnologías, nos encontramos con la apuesta sostenida por la innovación sobre la que desde Inditex van a buscar seguir dando forma a su futuro, tanto en física como en digital. Un apartado en el que desde la dirección del grupo enmarcan tanto desde la adopción de nuevas y últimas soluciones impulsadas por inteligencia artificial, a todo lo relativo con sus plataformas online, o a las innovaciones que se van a perseguir seguir desarrollando y ejecutar en el estratégico ámbito de la logística, principalmente a través de proyectos de robotización y automatización que permitan una mejora de la productividad y de la competitividad. Proyectos e iniciativas que se sustentan, y seguirán sustentándose, en la implementación de la tecnología RFID, que está revolucionando la arquitectura logística de Inditex, y en la adopción del nuevo sistema de “alarmado invisible”, que ya se ha implantado en más del 90 por ciento de sus productos, y que “nos está permitiendo dotar a nuestras tiendas de un nuevo ecosistema tecnológico que sin duda está transformando radicalmente nuestros procesos y nuestras operaciones”, mediante, a modo de ejemplos, las cajas de autocobro, o los procesos automatizado “que conectan nuestras zonas de probador con nuestros almacenes”.

Dentro de los muros de Inditex “la innovación no es el resultado de proyectos aislados, sino que es la consecuencia lógica de un proceso sistemático y permanente de búsqueda, análisis e implementación de nuevas soluciones”, señalaba al respecto Óscar García Maceiras. Y desde esa perspectiva, “seguiremos innovando, como siempre hemos hecho en Inditex”, tratando de sacar “provecho de cualquier tecnología a nuestra disposición, pero sin perder de vista la importancia, como señaló nuestra presidenta en su intervención inicial, del componente humano”.

7.- Eficiencia

El avance en eficiencia, en un mejor aprovechamiento de los recursos y de las materias primas, también se ha presentado como uno de estos 10 pilares sobre los que Inditex va a buscar seguir construyendo su futuro. Un día del mañana que desde la compañía están dibujando mano a mano junto a sus proveedores, junto a los que están ejecutando planes de transformación para reducir el impacto en el uso del agua y la energía en sus instalaciones, contribuyendo así a dar paso a una compañía sostenida sobre un modelo menos contaminantes y más eficiente, desde la fabricación de sus prendas, a sus procesos de logística mediante la incorporación a sus servicios de flotas renovadas para las que “estamos fomentando la utilización de combustibles sostenibles”.

“Vamos a ser cada vez más eficientes”, proclamaba Maceiras frente a los accionistas de Inditex. "En un sector como el nuestro que utiliza un elevado número de proveedores, y con procesos divididos en diferentes mercados, para alcanzar las cotas de eficiencia que ambicionamos resulta imprescindible trabajar en colaboración con nuestra cadena de suministro”, tal y como se está ya haciendo “junto a nuestros proveedores”, de cuya mano “estamos ejecutando un plan de transformación que actualmente cuenta con planes de acción específicos para casi 1 000 instalaciones”. Iniciativas que permitirán a Inditex contar con “un impacto positivo cada vez mayor” en el entorno, y en las personas.

8.- Talento

Siguiendo con esa reivindicación del valor de las personas como el verdadero motor para el próximo crecimiento de Inditex defendido durante su intervención por Marta Ortega, Maceiras reivindicó del mismo modo el talento de las personas que forman parte de Inditex como un puntal estratégico para su futuro. Un futuro al que ha llamado a seguir contribuyendo a los más de 160 000 trabajadores de 174 países que emplea la compañía, a escala global; profesionales ante los que el grupo español va a responder a través de planes de capacitación y de formación en nuevas herramientas, tecnologías, en liderazgo o gestión de equipos; priorizando la promoción interna; o mejorando sus condiciones laborales y económicas. Un compromiso este para el que destacó tanto el acuerdo para la renovación al alza de los salarios de su personal de tienda en España, como la decisión tomada por la compañía, junto a los representantes de sus trabajadores, de comenzar a exportar el “incentivo extraordinario por desempeño comercial” —conocido más popularmente como “el plus de dependientas”— con el que gratifica a sus dependientes y dependientas en España, al resto de mercados en los que opera Inditex.

9.- Compromiso con España

España, país origen y sede de la compañía, seguirá estando llamada a jugar una posición de preferencia dentro de sus estructuras, dinámicas y, también, estrategias de inversión. Un “compromiso” hacia el país, el primer mercado de Inditex por volumen de facturación, y en el que emplea a unos 50 000 trabajadores, cerca de un tercio de toda su plantilla global, que se materializará en nuevas inversiones en tiendas, en logística o destinadas a sus sedes corporativas, entre estas principalmente a la construcción de ese nuevo Campus Inditex de Barcelona, para las nuevas oficinas centrales de Massimo Dutti, Bershka, Oysho y Lefties.

“Vamos a seguir contribuyendo al crecimiento económico de nuestro país”, ha reivindicado Maceiras frente a los accionistas de Inditex. “En España nacimos. España sigue siendo nuestro primer mercado”, y “en España vamos a seguir invirtiendo; en nuestras tiendas, en nuestras plataformas logísticas, en nuestras sedes corporativas, como el futuro Campos Inditex de Sant Adrià de Besos”, pero y “también desplegando nuevos proyectos en muy distintos ámbitos, incluido el tecnológico, que van a contribuir al fortalecimiento del tejido empresarial y a generar nuevas oportunidades de crecimiento económico”.

10.- Apoyo a la “comunidad”

Como último punto de sus estrategias, Maceiras a reivindicado el creciente compromiso que la compañía continuará adoptando frente a las diferentes comunidades de las distintas regiones del mundo. Compromisos que se han materializado en estas últimas semanas en una donación de 3 millones de euros a beneficio de los afectados por los terremotos de Venezuela, o con la renovación de la alianza con Acnur, en virtud del cual Inditex destinará 13 millones de euros entre 2026 y 2028 a mejoras las condiciones de vida de los refugiados rohingya en Banlgadés. Iniciativa a la que se suma la donación de otros 7,5 millones de prendas de ropa y de calzado, durante igualmente los próximos tres años, entre los refugiados en países como Uganda y el Chad, donación que acarreará un coste adicional en logística de unos 2 millones de euros, que sufragará Inditex.

Mara Ortega, una valor “diferencial” para la fortaleza de Inditex

Concluida esta parte de su intervención, Maceiras continuó con su alocución dedicando la última parte de su discurso frente a los accionistas a justamente seguir reclamando su apoyo, de cara al próximo futuro de Inditex. Una nueva etapa que seguirá dándose marcada por sus orígenes y objetivos fundamentales, y para la que ensalzaba la influencia positiva y al “fortaleza diferencial” que aportan tanto Amancio Ortega, en su calidad de fundador, máximo accionista y figura clave de su Consejo de Administración, como el resto de los miembros de la familia fundadora, especialmente Marta Ortega, desde su posición como presidenta del Consejo. Un rol en el que Maceiras ha venido así a reconocerle un valor más que positivo, y también activo, en los recientes resultados y desempeños del grupo.

“Mantener nuestro propósito de ofrecer una moda basada en el diseño, en la calidad, producida de manera responsable, y la mejor experiencia posible para nuestros clientes”, el querer “seguir creciendo, seguir innovando, ser cada vez más eficientes” y “tener un impacto positivo cada vez mayor”, se presentan como “cometidos que solo van a ser posibles gracias a la confianza de nuestros accionistas”, exponía Maceiras frente a los inversores de Inditex. “Muchos de ustedes nos llevan acompañando los últimos 25 años, casi la mitad de la vida de nuestra compañía; una compañía que cuenta con un factor adicional, una fortaleza diferencial, que es la presencia de la familia fundadora en el accionariado y en la presidencia del Consejo de Administración, respaldando nuestra gestión y aportando cada día visión, compromiso, continuidad y estabilidad”.

Sobre esa realidad, y “fortaleza diferencial”, que a día de hoy se personifica en la figura de Marta Ortega, “les invito a todos ustedes a que continúen acompañándonos en el camino que nos queda por recorrer. Un camino que sin duda estará lleno de retos y de oportunidades. Retos que seremos capaces de superar, y oportunidades que seguiremos aprovechando como siempre hemos hecho en Inditex, con humildad, con prudencia, pero también con ambición”.

Las dependientas de Inditex toman la palabra

En un hecho que resulta igualmente digno de mención, durante la última parte de la Junta, dentro del apartado ya de intervenciones, consiguió tomar la palabra Lucía Domínguez Rodríguez, delegada de la Confederación Intersindical Galega (CIG) y presidenta del comité de empresa de Stradivarius en La Coruña. Una intervención que realizó en nombre de todas y todos los trabajadores de tienda de las distintas cadenas de Inditex en Galicia, de los que una representación se mantenía apostada a las puertas de la sede de Inditex en Arteixo en la que se estaba celebrando la junta, en protesta contra el convenio estatal de las grandes cadenas impulsado por la Asociación Retail Textil España. Un nuevo marco laboral del que censuran que llegue promovido de manera especial por Inditex, y el que conllevará a un más que marcado empobrecimientos de las condiciones laborales de los trabajadores en regiones como precisamente Galicia.

Tras lograr “burlar” las medidas de control de participación en la Junta General de Accionistas, mediante la compra de una acción de Inditex, Domínguez arrancaba su intervención “en representación de la mayoría de las trabajadoras de las tiendas de Inditex en Galicia”, dejando claras sus intenciones de “solicitar información muy relevante para nuestro colectivo sobre retribuciones y condiciones laborales”. “Hoy se van a aprobar aquí cuentas, informes y retribuciones, con cifras cuyas magnitudes nos son difícil de comprender a las dependientas que conformamos todos los días, con esfuerzo e ilusión, la cara visible de la compañía”. “Somos los que vendemos el producto” que “permiten los beneficios de la compañía”, y si bien “estamos muy contentas y orgullosas de que un año más aquí se pueda hablar de grandes resultados y de grandes remuneraciones”, añadía, “durante años, las dependientas hemos luchado por mejorar las condiciones de trabajo”.

En esa batalla, “no fue hasta 2023 cuando conseguimos una mejora sustancial que nos ha aproximado a los salarios y mejoras de los que el resto del personal de la compañía sí disponía desde hacía tiempo”. Sin embargo, y “con posterioridad, Inditex creó una patronal de grandes empresas del comercio textil”, Arte, “con el objetivo de crear un convenio colectivo estatal que está apunto de ser publicado”, y que conducirá, si no se remedia, a unas “pérdidas” en salarios y condiciones laborales de hasta “2 000 euros anuales para la categoría más numerosa del sector en la provincia de La Coruña, que son las dependientas”. Ante este empobrecimiento, que de entrada afectaría especialmente a los nuevos trabajadores, “nos dirigimos de manera formal a Inditex con anterioridad en diferentes ocasiones, reclamando una solución por escrito que garantice que estos retrocesos injustificables y totalmente innecesarios no se produzcan”. Sin embargo “la respuesta ha sido el silencio, o promesas inconcretas, que no suponen ninguna garantía formal” ante ese retroceso, para el que tampoco se presenta como un alivio la mejora acordada de los salarios a la que aludía Maceiras, y que en el “mejor de los casos” no sería de un +4 por ciento sino de +1,65 por ciento anual para las provincias como La Coruña o Pontevedra; un incremento que “no se corresponde con la marcha actual de la compañía”. Y frente a todo lo expuesto, Domínguez cerraba su intervención reclamando a Inditex una respuesta a las preguntas de si va a acceder la compañía a ofrecer “una garantía legal y jurídica, por escrito, de que no se van a producir esos retrocesos salariales y de otras condiciones, ni para el personal actual, ni para el que se incorpore en el futuro”; así como a sentarse a negociar “una mejora que posibilite de manera efectiva la subida anunciada del +4 por ciento para 2026” para todos sus trabajadores.

En respuesta a esa intervención, y a sus demandas, García Maceiras daba su réplica “agradeciéndole en primer lugar su asistencia a esta Junta General, y su contribución al desarrollo del grupo”. Dicho esto, “quisiera comenzar señalando que, lo señaló la presidenta en su intervención inicial ,y también yo durante mi intervención, el éxito de Inditex, el éxito de esta empresa, solo es posible gracias al compromiso, al esfuerzo y al talento de las miles de personas que trabajan con nosotros cada día, en nuestras tiendas, en nuestra logística, en nuestras oficinas” o “en nuestras fábricas”. “Y precisamente por ello, nuestra prioridad ha sido desde el principio ofrecer unas condiciones de empleo que resulten competitivas, estables y de calidad, fruto del diálogo permanente con la representación legal de nuestros profesionales”. “En este contexto consideramos que la reciente firma del primer convenio colectivo estatal de las grandes cadenas del comercio textil en España constituye una muy buena noticia para el sector, porque contribuye a elevar el nivel de protección y las condiciones laborales de las grandes compañías de distribución en España”. Sin embargo, y al margen de “ese convenio, la plantilla de tiendas de Inditex goza de unas condiciones muy superiores a las de cualquier convenio colectivo”, más aún tras haber “renovado el acuerdo estatal de tiendas”. Limitándose a partir de aquí, y en respuesta ya más directa a esas demandas de las dependientas, a señalar que “nuestros acuerdos siguen plenamente vigentes”, y a que “continuaremos trabajando en su evolución, desde el diálogo, desde la colaboración, con el objetivo de seguir reconociendo ese compromiso, ese esfuerzo”, y “el talento de nuestros profesionales, que sin duda va a seguir siendo motor esencial del futuro crecimiento de nuestro grupo”.

Fast Retailing, propietaria de Uniqlo, ha elevado su previsión de beneficios para todo el año fiscal 2026 tras el impulso en sus resultados durante el tercer trimestre.

En los tres meses hasta el 31 de mayo, el gigante minorista japonés ha registrado un aumento de su beneficio operativo de un +45,7 por ciento, hasta los 213.790 millones de yenes (1.300 millones de libras), frente a los 146.740 millones de yenes del año anterior.

Como resultado de estos resultados, mejores de lo previsto, el grupo ha elevado su previsión de beneficio operativo de 700.000 millones de yenes a 730.000 millones de yenes, lo que le sitúa en la senda de su quinto año consecutivo de beneficios récord.

La marca Uniqlo ha registrado un aumento de los ingresos y los beneficios en todas las regiones, con un rendimiento especialmente bueno del negocio internacional, cuyos ingresos han aumentado un +33,8 por ciento interanual, excluyendo el impacto del cambio de divisas.

Los resultados se han visto impulsados por la rápida apertura de tiendas de Uniqlo en Europa y Estados Unidos, lo que, según Fast Retailing, ha “reforzado aún más el poder de la marca a nivel mundial y ha generado sólidos resultados”.

Para el año fiscal 2026, el grupo prevé que los beneficios sigan aumentando en la segunda mitad del año en todas las regiones internacionales.

Los ingresos de Gu también han aumentado un +7,5 por ciento, mientras que su beneficio operativo ha crecido un +34,8 por ciento. La reducción de los costes de venta y del número de productos se citaron como los principales impulsores.

Por el contrario, la categoría de marcas globales del grupo, que incluye Theory, PLST, Comptoir des Cotonniers y Princesse tam.tam, ha registrado un descenso de las ventas del -4 por ciento en moneda local.

En particular, la marca Theory ha experimentado un descenso en sus resultados. Fast Retailing ha señalado la ralentización de las ventas de verano debido al clima frío. Esto se ha visto compensado por un aumento de los beneficios, impulsado por menores tasas de descuento en el negocio de Estados Unidos.

Authentic Brands Group ha acelerado su expansión europea de Lee a través de una nueva asociación a largo plazo con Experience Group. El acuerdo tiene como objetivo fortalecer la presencia de Lee en los canales de venta mayorista, minorista y de comercio electrónico, al tiempo que amplía aún más el alcance internacional de la marca.

A través de este acuerdo, que entrará en vigor una vez que Authentic finalice la adquisición de Lee, Experience Group actuará como socio operativo de la marca especialista en denim, supervisando las líneas de ropa deportiva, activewear y workwear para hombre y mujer. La compañía utilizará su experiencia regional, su infraestructura operativa y sus capacidades de producto para respaldar la próxima fase de crecimiento de Lee.

El presidente de Authentic para EMEAI, Henry Stupp, ha declarado que esta asociación marca un “paso importante en la estrategia de expansión internacional de Lee”, y ha añadido que Experience Group ofrece “capacidades operativas demostradas y un profundo conocimiento sobre cómo construir marcas a través de diferentes canales”. “Juntos, vemos una oportunidad significativa para hacer crecer la presencia de Lee en toda Europa, mientras continuamos ofreciendo los productos y las experiencias que los consumidores conocen y aprecian”, ha añadido Stupp.

Authentic anunció sus planes de adquirir Lee de Kontoor Brands a principios de este año, revelando un acuerdo valorado en hasta mil millones de dólares. La adquisición, cuyo cierre está previsto para la segunda mitad de 2026, ha ampliado la larga racha de Authentic de hacerse con marcas notables, situando a Lee junto a nombres como Guess, Dockers y Boardriders.

El grupo no tardó en aplicar su característico modelo de licencias y distribución a terceros a Lee, asegurando una asociación con One Jeanswear Group para las operaciones de la marca en Estados Unidos y Canadá.

La firma de lujo Marine Serre ha entrado en concurso de acreedores el pasado 7 de julio. La marca busca ahora un inversor para continuar con su actividad, según la información publicada por WWD.

Famosa por su logotipo en forma de media luna, Marine Serre ha sabido conquistar a una amplia clientela abanderando la moda sostenible a través de un enfoque circular en el que se basa su estética. Pero, al igual que otras marcas de lujo como Coperni, que entró en concurso de acreedores el pasado junio, Marine Serre no se ha librado de la atonía del consumo que afecta a parte de su red de distribución wholesale, así como del aumento de los costes.

"Presión sobre la tesorería"

"Durante el ejercicio 2025, en un contexto geopolítico y económico mundial deteriorado, la empresa se ha visto afectada por el impago de varios clientes, lo que ha ejercido presión sobre su tesorería", indica el comunicado citado por WWD.

Sin embargo, la marca precisa que la "identidad creativa" de la firma y su "atractivo en el mercado internacional" siguen siendo sólidos. Para seguir operando y creciendo, Marine Serre busca ahora un socio financiero.

Entre sus últimas noticias, la compañía ha lanzado una colección en colaboración con el museo del Louvre, así como otra con la marca deportiva Under Armour.

Tras pasar su carrera evitando escrupulosamente ser fotografiado, el célebre diseñador de moda belga Martin Margiela ha decidido abrirse y poner a la venta parte de sus archivos personales.

Los seguidores de este pionero de 69 años, que se retiró en 2009, podrán hacerse con objetos que van desde bocetos hasta una de sus batas blancas de trabajo en una subasta en París este jueves que el propio Margiela ha supervisado personalmente.

Sin embargo, es probable que cualquiera que espere saber más sobre una de las figuras más enigmáticas de la moda se sienta decepcionado, ya que la venta apenas levanta el velo sobre el hombre que se esconde tras la marca de ropa monocromática y depurada.

“Esta venta es un acto creativo, y también una manifestación de su concepto, de su filosofía”, ha declarado a la AFP la subastadora Salome Pirson, de Maurice Auction, durante una visita a la exposición de los artículos.

“Está dando al público la oportunidad de descubrir su mundo interior, de tocar sus objetos, de poseer su bata personal, pero, al mismo tiempo, él es el gran ausente”, ha añadido.

Más de 3.000 personas han hecho cola para ver la colección, que incluye un prototipo de una de las máscaras faciales que obligaba a llevar a las modelos para no desviar la atención de la ropa, o los corchos de las botellas de champán con las que celebró junto a algunos de sus primeros clientes.

Otros artículos incluyen muñecas Barbie utilizadas como maniquíes y una insignia de terciopelo morado para concienciar sobre el sida, con un mensaje que decía: “Hay que hacer más que llevar esta insignia, pero es un buen comienzo”.

Las motivaciones de Margiela para vender sus objetos personales van desde vaciar su almacén hasta supervisar personalmente la distribución de estas piezas de la historia de la moda entre coleccionistas e instituciones.

“Tiene 69 años, no tiene herederos, y, en cierto modo, al organizar esta venta, está gestionando su propio legado haciendo que todos los posibles compradores interesados compitan entre sí”, ha dicho Pirson.

Dado su gran número de seguidores en Japón, se espera que muchos compradores japoneses pujen en la venta, que se celebrará de forma presencial y online. También competirán museos y otras instituciones.

A Margiela apenas se le fotografiaba, nunca concedió entrevistas a los medios y evitó la convención de la industria, adoptada por la mayoría de sus colegas, de salir a saludar al público al final de un desfile.

En un inusual esfuerzo por conectar con sus seguidores, colaboró en una retrospectiva de su trabajo que se celebró en el museo Palais Galliera de París en 2018.

La subasta también incluirá artículos de Hermès diseñados por Margiela mientras trabajó como director creativo en la firma francesa de 1997 a 2003.

Todos los artículos fueron regalos para su difunta madre.

Vinted se ha unido a una coalición de empresas europeas de los sectores de los medios de comunicación, las telecomunicaciones, el retail y la tecnología publicitaria para lanzar una nueva iniciativa: el European Media Marketplace.

La iniciativa, lanzada el siete de julio, tiene como objetivo cambiar la forma en que los anunciantes, las agencias y los editores activan las campañas y se conectan en la web abierta de Europa. Entre los primeros miembros fundadores de la iniciativa se encuentran T Advertising Solutions, Equativ, Experian, Lastminute.com, Leboncoin y Kleinanzeigen, Orange Advertising, Vinted, Virgin Media O2 y Vodafone.

El European Media Marketplace buscará superar la fragmentación en la compra de medios, los datos de audiencia y la activación de campañas entre diferentes países, canales y plataformas.

En lugar de funcionar como una alianza de editores o de datos, el marketplace está diseñado para conectar a los propietarios de medios, datos first-party de confianza y una activación impulsada por IA a través de un único marco, permitiendo a los responsables de campañas y a los anunciantes activar campañas en televisión conectada, vídeo, display, publicidad nativa y retail media.

Como alternativa a los ecosistemas publicitarios cerrados, el European Media Marketplace se basa en la colaboración, la privacidad y la interoperabilidad, poniendo los intereses de los editores en el centro. Los socios de medios mantienen el control total de su inventario, sus datos y su estrategia comercial, mientras que los anunciantes obtienen una activación de campañas más sencilla, informes más claros y mejores resultados.

El nuevo marketplace reduce el número de intermediarios entre anunciantes y audiencias, reteniendo así más valor dentro del propio ecosistema de medios y datos de Europa, que incluye a editores, plataformas de CTV, cadenas de televisión, empresas de telecomunicaciones, retailers y propietarios de datos, al tiempo que da a las marcas acceso a audiencias de confianza en entornos premium en la web abierta.

“Cada día, millones de personas en 25 mercados de Europa utilizan Vinted para comprar y vender moda y artículos de consumo de segunda mano. Esto nos proporciona un conocimiento único de nuestros miembros y de sus necesidades en toda Europa”, ha declarado Satya Vinnakota, director de negocio de anuncios de Vinted, en un comunicado sobre su adhesión a la coalición.

“Unirnos al European Media Marketplace como socio fundador nos permite convertir ese conocimiento en un valor medible y transparente para las marcas, mientras mantenemos los datos de nuestros miembros bajo nuestra propia gobernanza”.

El nuevo marketplace se lanzará inicialmente en el Reino Unido, Francia, Alemania, España e Italia, y está previsto que se extienda a otros mercados. Se espera que los anunciantes globales que se han registrado comiencen a prepararse para lanzar campañas omnicanal en toda Europa a través de la plataforma a partir de septiembre de 2026.

París - La Semana de la Alta Costura de París encara este jueves 9 de julio su última jornada de desfiles, cerrando una edición dedicada a la temporada Otoño/Invierno 2026-2027 que ha desfilado por la capital francesa desde el pasado lunes.

Los neerlandeses Viktor&Rolf presentaron una colección basada en los contrastes, con una original puesta en escena.

En un escenario giratorio que representaba una habitación, dos modelos, una joven y otra de más edad, se ponían varias prendas. Los vestidos de la primera eran luminosos y dorados, mientras que los de la segunda eran más apagados y discretos.

"Teníamos la idea de un espejo desde hace mucho tiempo. La misma coreografía, la misma forma de la ropa y, al mismo tiempo, diferencias", explicó Rolf Snoeren a la AFP después del desfile.

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El desfile se enmarca en una semana intensa que arrancó el lunes con la propuesta escultórica de Schiaparelli entre silicona, perlas y tentáculos y el elogio a los pliegues de Jonathan Anderson en su segunda colección para Dior, y que el martes reunió la colección de cuento de Matthieu Blazy para Chanel junto a los reversibles de Mabille, la pedrería de Germanier y la elegancia oscura de Armani.

Por el camino dejó momentos tan comentados como el primer vestido de "plasma" del mundo firmado por Iris van Herpen, la incursión de Levi's en el calendario de la mano de Christelle Kocher, el ascenso de Robert Wun como joven promesa de la Alta Costura internacional y, ya el miércoles, el esperado debut de Pierpaolo Piccioli en la Alta Costura de Balenciaga.

Este artículo ha sido editado por Alicia R. Sarmiento

Hay diseños que no solo cuentan una historia por lo que son, sino, sobre todo, por todo lo que los precede. Para mí, la chaqueta Lin es quizá el ejemplo más tangible de ello. Lo que comenzó como un diseño de edición limitada, confeccionado en lino de cultivo ecológico para The Linen Project, ha evolucionado hasta convertirse en una prenda con múltiples capas de significado.

La primera edición, presentada en 2023 como una oda al lino local, la artesanía y el diseño atemporal, encontró rápidamente su público entre mujeres que no solo compraban una chaqueta, sino que querían vestir una historia. La chaqueta se agotó. Pero me permito relanzar un diseño bien meditado. Así, Lin regresó en la primavera de 2026. De nuevo en edición limitada, de nuevo arraigada en la misma firma reconocible, pero esta vez enriquecida con algo que sobre el papel parecía casi imposible: un bordado a mano con hilo de lino, procedente de la primera cosecha de nuestra Fashion Farm en Welsum.

Con ello, Lin no solo tiene una reintroducción, sino una capa de significado más profunda.

Porque si bien el diseño original ya era una oda al lino de suelo neerlandés, esta nueva versión une dos orígenes en una sola chaqueta: el lino de cultivo ecológico de The Linen Project y el primer hilo de lino hilado a mano de nuestra propia tierra, cuidadosamente incorporado en un sutil bordado en los hombros.

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Ese añadido hace que el diseño sea valioso. No solo por el material, sino por el tiempo. En 2024, sembramos lino por primera vez en la Fashion Farm. Desde entonces, la tierra nos ha enseñado lecciones de paciencia. Después de dos años, ya hemos obtenido más de 10.000 metros de hilo hilado a mano de nuestro propio lino de Welsum. Un hito tan esperanzador como revelador, porque aunque ya hay hilo, todavía no tenemos metros de tela. Probablemente, 10.000 metros de hilo son apenas suficientes para 1,5 metros de tela, es decir, para una sola prenda.

Si todo ese trabajo se repercutiera en el precio, Lin se convertiría en una pieza de Alta Costura prácticamente inasequible. Precisamente por eso, esta reintroducción también es una declaración de intenciones: hace visible el inmenso valor que normalmente permanece oculto en la creación de un tejido.

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Para el bordado con nuestro hilo de lino hilado a mano, colaboramos con Martine de Het Borduurburo, una diseñadora de bordados con más de 25 años de experiencia en técnicas especializadas. Para Martine, según sus propias palabras, esta colaboración fue como un encuentro entre el pasado y el futuro. Criada en una granja y con un padre que sentía un gran amor por el lino, reconoció inmediatamente algo esencial en mi forma de trabajar, un regreso al origen. Su especialidad reside en preservar y transmitir técnicas de bordado, artesanía y conocimiento textil como un eslabón necesario hacia el futuro.

Precisamente por eso, este proyecto fue especial para ella. No solo porque trataba de moda, sino porque empezaba en la tierra. En la propia fibra.

Técnicamente, trabajar con nuestro hilo de lino exigía una precisión excepcional. Los hilos irregulares, hilados a mano, hacían que el procesamiento tradicional fuera casi imposible. Finalmente, Martine encontró una solución en una técnica del bordado en oro, en la que el valioso hilo no se pasa a través de la tela, sino que se coloca cuidadosamente por encima y se fija con un hilo más fino.

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Es una técnica que tradicionalmente se utilizaba para materiales demasiado valiosos como para desperdiciarlos. Y esa es exactamente la sensación que resurgió aquí. Porque quien es consciente de la cantidad de trabajo, atención y tierra que hay detrás de un solo hilo, trata el material de una forma fundamentalmente distinta.

Esa conciencia toca la esencia de lo que la Fashion Farm quiere mostrar. Aquí no se trata solo de producir ropa, sino de restaurar relaciones: entre el creador y el material, entre el diseño y el origen, entre la moda y la agricultura.

La chaqueta Lin demuestra que la moda regenerativa no gira únicamente en torno al resultado final, sino también en torno a las fases intermedias. En torno a la pregunta: ¿cómo podemos crear valor, incluso cuando un proceso aún está en marcha?

En una industria acostumbrada a priorizar la velocidad, la escala y la eficiencia, esto se siente casi radical. Aquí no se fuerza la perfección, sino que se trabaja con lo que ya existe. Con el primer hilo. La primera cosecha. La primera oportunidad.

Así, Lin se convierte en más que una prenda de vestir. Se convierte en un diseño donde confluyen la agricultura, la innovación textil y la artesanía especializada. O quizás, una chaqueta que demuestra que el futuro de la moda no solo se teje, sino que a veces —puntada a puntada— surge en el espacio intermedio.

Joline

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Ayer, como parte de la Semana de la Alta Costura de París, Duran Lantink presentó su primera colección de couture para Jean Paul Gaultier. Un debut esperado que confirma la nueva etapa de la casa bajo su dirección creativa, iniciada en otoño de 2025.

Lantink partió de los diseños de vestuario que Gaultier creó en 1985 para la coreógrafa Régine Chopinot, que se han materializado en esta colección en forma de siluetas gráficas y volúmenes escultóricos, con piezas recortadas y estructuras tubulares que parecían crecer del cuerpo, combinadas con códigos reconocibles de la casa como la sastrería entallada y el mítico corsé.

La propuesta refuerza el sello upcycling que define a Lantink y su lectura irreverente del archivo. Un ejercicio de continuidad y ruptura a partes iguales, que marca el rumbo de una de las casas más singulares del calendario parisino.

Puedes ver el vídeo a continuación:

La empresa estadounidense de moda Levi Strauss & Co. ha superado las expectativas del mercado también en el segundo trimestre de su ejercicio fiscal 2025/26. A la vista de estos resultados inesperadamente sólidos, el especialista en denim ha elevado de nuevo sus previsiones anuales el miércoles por la noche.

En los tres meses finalizados el 31 de mayo, la facturación ascendió a 1.560 millones de dólares estadounidenses (1.360 millones de euros). Esto supuso un aumento del ocho por ciento en comparación con el mismo trimestre del año anterior. En términos orgánicos —es decir, sin tener en cuenta los efectos del tipo de cambio y las variaciones en la cartera del grupo—, los ingresos crecieron un seis por ciento.

El canal de retail registra un crecimiento superior a la media

El motor de crecimiento ha sido su propio canal de retail, cuyo fortalecimiento es una de las prioridades estratégicas de la dirección. Sus ventas aumentaron un +11 por ciento (un +8 por ciento en términos orgánicos). En el negocio mayorista, la empresa logró un aumento del cinco por ciento (un +3 por ciento en términos orgánicos).

Los ingresos de la marca principal, Levi's, mostraron un dinamismo especial en Asia, donde crecieron un +10 por ciento (un +12 por ciento en términos orgánicos) hasta alcanzar los 284 millones de dólares. En América, la facturación se incrementó un nueve por ciento (un +7 por ciento en términos orgánicos), hasta los 815 millones de dólares. En Europa, aumentó un cuatro por ciento, hasta los 420 millones de euros, aunque en términos orgánicos experimentó un retroceso del -1 por ciento. Los ingresos de la marca de sportswear Beyond Yoga ascendieron a 43 millones de dólares, superando en un +16 por ciento el nivel del mismo trimestre del año anterior.

A pesar del aumento de los aranceles y de los efectos negativos del tipo de cambio, la empresa logró incrementar su margen bruto en 10 puntos básicos, hasta el 62,7 por ciento. Según un comunicado, esto se debió principalmente a la reducción de los costes de producción y a un ajuste en la política de precios. Así, el resultado de explotación ajustado (EBIT) creció un +18 por ciento, hasta los 141 millones de dólares. El beneficio neto declarado aumentó un +30 por ciento, hasta 87,3 millones de dólares (76,3 millones de euros). El beneficio trimestral de las operaciones continuas —es decir, sin contar las aportaciones de la marca Dockers, vendida el año pasado— se incrementó un +19 por ciento, hasta los 94,8 millones de dólares.

La CEO Michelle Gass anticipa un crecimiento continuo

A la vista de estas cifras inesperadamente sólidas, la empresa ha vuelto a elevar sus previsiones anuales. Ahora se espera que los ingresos de las operaciones continuas crezcan entre un +7,0 y un +7,5 por ciento, frente a la previsión anterior de un aumento de entre el +5,5 y el +6,5 por ciento. El objetivo de beneficio por acción ajustado, que antes se situaba entre 1,42 y 1,48 dólares, se ha elevado a un rango de entre 1,46 y 1,52 dólares.

La CEO Michelle Gass se ha mostrado satisfecha con los últimos resultados. “La marca Levi's está conectando con los consumidores de todo el mundo de una forma más potente que nunca, y nuestros resultados del segundo trimestre son una prueba más de que nuestras estrategias están funcionando y de que nuestro equipo las está ejecutando con éxito”, ha declarado en un comunicado. La evolución deliberada “hacia una empresa de lifestyle y denim orientada al DTC” está generando un crecimiento más rápido y una mayor rentabilidad.

Gass también ha anticipado nuevas mejoras. “Aunque estamos satisfechos con los progresos, todavía nos encontramos en las primeras fases de nuestra trayectoria de crecimiento a largo plazo, donde tenemos más oportunidades que nunca”, ha subrayado.

Claus-Peter Mayer asume el cargo de director general para Europa Central y, con ello, la dirección del mercado alemán.

Mayer asumirá su nuevo cargo con efecto a partir del uno de septiembre, según ha comunicado este miércoles la firma de artículos deportivos de Herzogenaurach. Mayer es un nombramiento interno y lleva más de treinta años trabajando para Adidas, donde ha ocupado diversos puestos directivos. Hasta ahora, dirigía desde París todo el mercado del sur de Europa.

En su nuevo cargo, Mayer sucede a Marina Moguš, quien era responsable de la región de Europa Central desde 2021. Moguš deja ahora la empresa tras 19 años para dedicarse a un “nuevo reto profesional fuera de la industria de artículos deportivos”.

La dirección de la región del sur de Europa se ha confiado a Olivier Gianina. Gianina trabaja en la empresa desde 2003 y hasta ahora era responsable del negocio en Brasil.

La formación de talento sigue siendo estratégica para las marcas del grupo Kering. Hoy, la empresa ha anunciado la firma de los primeros memorandos de entendimiento con ocho instituciones formativas del país en el Campus Valore Italia - Mind Milano Innovation District, con el objetivo de crear una red extendida capaz de proyectar hacia el futuro los oficios de excelencia. En concreto, la red cuenta con la participación de ocho entidades locales: Acof, Afol, Capac, Galdus, Hmoda, Its Cosmo, Istituto Modartech y Schola.

Así, se ha constituido el Comité de Pensamiento, el órgano consultivo que guiará el desarrollo estratégico de la Kering Accademia per le Eccellenze. Esta red está dirigida por Sabina Belli, responsable de la Kering Accademia per le Eccellenze y consejera delegada de Pomellato, y compuesta, entre otros, por Alba Cappellieri (directora de diseño de joyas y accesorios del Politécnico de Milán), Angelo Crespi (director general de la Pinacoteca de Brera, la Biblioteca Nacional Braidense, el Palazzo Citterio y el Cenacolo Vinciano) y Stefania Lazzaroni (directora general de Altagamma).

"Con la Kering Accademia per le Eccellenze no solo queremos transmitir una técnica heredada del pasado, sino transformar los oficios tradicionales en profesiones dinámicas, contemporáneas y con una fuerte orientación al futuro. Para responder a este cambio, debemos combinar la valiosa ‘inteligencia de las manos’ con el espíritu crítico, la creatividad y la innovación tecnológica", ha destacado Belli en un comunicado.

La iniciativa se estructura como un ecosistema formativo extendido a escala nacional, creado para agrupar y potenciar los centros de formación ya existentes dentro de las históricas maisons del grupo, como Bottega Veneta, Brioni, Gucci y la propia Pomellato. El plan de estudios de la academia redefine el enfoque formativo combinando los cuatro pilares tradicionales del sector —confección, sastrería masculina, marroquinería y joyería— con el desarrollo de competencias de vanguardia relacionadas con la tecnología, la inteligencia artificial y los nuevos materiales, con el objetivo de transformar los oficios clásicos en profesiones dinámicas y con una clara proyección de futuro.

La firma de los primeros memorandos de entendimiento marca el inicio de una colaboración basada en el intercambio de competencias y programas educativos.

Madrid – Desde uno de los desfiles más esperados de esta Semana de la Alta Costura de París, a media mañana de este mismo miércoles, 8 de julio de 2026, la casa Balenciaga ha presentado su colección anual de Alta Costura. La primera propuesta bajo esta etiqueta que ve la luz firmada por el diseñador romano Pierpaolo Piccioli, desde su confirmación como nuevo director creativo de la histórica casa de modas a finales de mayo de 2025.

De este modo, y a escasamente dos días exactos de que se cumpla un año completo desde la entrada, efectiva, del diseñador como nuevo director del departamento de diseño de la casa de modas del grupo Kering, el 10 de julio del pasado año, Piccioli ha hecho desfilar sus primeras creaciones de Alta Costura para Balenciaga, bajo el abrasador sol de una especialmente tórrida ciudad de París. Una capital francesa desde la que el bien aclamado diseñador ha decidido cambiar para esta presentación los tradicionales salones de la histórica sede de Balenciaga del número 10 de la avenida George V de París, por el elegante patio de honor del campus de la Cité Internationale Universitaire de París, en el extremo sur de la capital del Sena. Una ciudad universitaria cuyos ya de por sí históricos edificios presentan reminiscencias e inspiraciones de la arquitectura patrimonial francesa, en especial con la del monumental “château” de Fontainebleau del que terminase por apropiarse Napoleón como emperador de los francesas, y que ha terminado así por acoger el, hasta donde se tiene constancia, primer y único desfile de una colección de Alta Costura de Balenciaga, que tiene lugar al aire libre.

Puesto en el justo contexto histórico de la misma firma de modas, fundada por el gran maestro español Cristóbal Balenciaga, desde que el modista decidiera retirarse y echar el cierre a su casa de modas en 1967, la presentada hoy en París ha pasado a situarse como la sexta colección de Alta Costura de la firma, desde que se reactivase la línea con la presentación de su 50ª colección de Alta Costura, el 7 de julio de 2021. Un ejercicio de reposicionamiento hacia su “espacio natural” que se encargó entonces de liderar el georgiano Demna Gvasalia, quien antes de cederle el testigo a Pierpaolo y de asumir el no menor reto de liderar el relanzamiento de Gucci, alcanzó a diseñar hasta cinco colecciones de Alta Costura para Balenciaga. Una tarea en la que este miércoles ha debutado el diseñador romano, quien por su parte ya se había venido encargando de abordarla desde su posición anterior como director creativo de Valentino. Firma para la que alcanzó a presentar una última colección de Alta Costura para la temporada Primavera/Verano de 2024, durante la Semana de la Alta Costura de enero de 2024, y tras la presentación en julio de 2023 de una colección de Alta Costura para la temporada Otoño/Invierno de 2023/2024, desde la que ya entonces subrayábamos las no pocas inspiraciones, palpables y visibles, que mostraban sus diseños para con la obra de Balenciaga. Y tanto es así, que el desfile de este miércoles, desde su ambientación a sus diseños, parece presentarse como una continuación del de entonces de Valentino, y que, a la vista de los echaos nos remitimos, pareció haberle allanado el terreno al diseñador romano, hasta su entrada en la dirección creativa de Balenciaga.

Entre (nuevos) vestidos saco, globo y en “cola de pavo real”

Desde esos antecedentes, llegamos ya hasta el desfile celebrado en el día de hoy, desde el que Pierpaolo Piccoli ha presentado la 55ª colección de Alta Costura de Balenciaga. Una propuesta desde la que ha salido a poner de manifiesto el buen conocimiento del que dispone sobre el extraordinario buen saber hacer del que hacía gala el maestro de Guetaria con cada puntada, a cada pliegue de cada tela, presentando una vibrante sucesión de modelos tan inspirados en la obra del español, como en los actuales tiempos modernos y ajustados y en respuesta a sus propias sensibilidades y procesos creativos.

Como resultado, y empezando por la paleta de color, la colección se presenta sostenida sobre una vibrante, estimulante y coloridísima sinfonía cromática, en la que tonos neutros en callados marrones arena, virginales blancos, grises piedra y negros azabache, se enfrentan por obra y gracia del diseñador romano con electrizantes naranjas coral, con refrescantes verdes aguamarina y calmados acules cielo, con suntuosos púrpuras, cautivadores amarillos pastel, alegres verdes bosque, con otoñales berenjenas, burdeos y borgoña, y con una tan amplia como viva familia de rosas, desde en sus acentos pastel, al más propio rosa “shocking” de Schiaparelli. Una presencia la de los rosas que no pueden cuanto menos retrotraernos hasta esa tendencia “Barbiecore” que tanto contribuyó a impulsar Pierpaolo durante su etapa en Valentino, pero que aquí se supedita a las claras referencias al imaginario y a las maneras de obrar de Balenciaga que ha buscado seguir el diseñador romano para esta colección. Una propuesta que se descubre de este modo bebiendo de las mismas obras de Zurbarán, del Greco y de Goya que tanto influyeron e inspiraron en vida a Balenciaga, compuesta por una sucesión de diseños marcados por las mismas paletas de coloración que caracterizan las pinturas de estos y otros grandes maestros españoles; y empleadas del mismo modo en bloques de color, y con una práctica y total ausencia de estampados. Máxima que se transgrede para dar paso, o bien a acabados texturizados, o a unos estampados florales pero que se incorporan más como un patrón decorativo plano, que como motivos realmente con un peso y una entidad propia dentro de la colección.

En cuanto a los patrones, predominan las líneas envolventes, fluidas y a modo de caparazón y de influencias animales, siguiendo con la mejor herencia del buen saber hacer de Cristóbal Balenciaga, y de sus diseños saco, en “cola de pavo real”, globo o trapecio. Construcciones con las que el maestro de Guetaria dotó al lenguaje de la moda de un imperecedero abecedario que sigue revisitándose de manera constante a día de hoy, en el caso de Pierpaolo desde su particular tarea de deber de construir el momento actual de la casa de modas que porta su nombre. Una firma para la que el diseñador romano al tiempo que da muestras de beber y de nutrirse de toda esa herencia y de todo ese archivo e historia que atesora a sus espaldas la casa Balenciaga, las da también de su talento para la hora de subvertir ese legado, y de renovarlo y actualizarlo y traerlo hasta la actual realidad de la moda. ¿El resultado? Unas arquetipos que claramente cuentan con sus raíces asentadas en la época dorada de la Alta Costura, pero con sus ramas tomando la atractiva forma de blusas fluidas de cuello chimenea, capas construidas a modo de chalecos, vestidos de corte abrigo, o blusas con transparencias en corte de “cola de pavo real”. Un doble lenguaje, el de la Alta Costura de ayer, fusionado con el de la moda urbana de hoy, con el que Pierpaolo deja bien claras sus intenciones de, primero, querer contribuir a posicionar a Balenciaga como una casa de referencia para los actuales amantes de la moda; y segundo, de tratar de construir una Alta Costura que resulte tan embriagadora para los sentidos como llevable, del mismo modo que en su época lo resultaron las creaciones de Balenciaga.

A lo largo de un desfile que no quisieron perderse personajes como Demi Moore, Isabelle Huppert o Naomi Watts, la casa de ascendencia española presentó así una colección que se erige en “un homenaje a los principios de Balenciaga como casa de Alta Costura, arraigada en sus axiomas, sus singularidades, sus verdades”, señalaban desde la firma en el texto que ha acompañado al desfile de esta propuesta. Una colección que se ha descubierto construida a partir de la misma condición elemental que Cristóbal Balenciaga le otorgaba a la tela, al tejido, como principio y fin de sus diseños; metodología que ha asumido como propia el mismo Piccioli, para la hora de dar forma a los diferentes diseños de esta colección, confeccionados a partir de tules, muselinas, detalles de plumas o de ese mismo tejido de bazar de seda que inventó el diseñador español, y que le permitió dar volumen a sus asombrosas creaciones. Una “obsesión” de la que hacía gala el modista español por “la tridimensionalidad, por la costura como verdadera escultura” puesta al servicio del cuerpo de la mujer; y que es a la que se ha pretendido especialmente rendir honores desde esta primera colección de Alta Costura de Pierpaolo Piccioli para Balenciaga.

La firma de moda estadounidense Tommy Hilfiger, parte de PVH Corp. (NYSE: PVH), ha nombrado a Zhou Guanyu como su nuevo embajador global de la marca. Este anuncio se suma a la colaboración existente de Tommy Hilfiger con el equipo Cadillac de Fórmula 1, para el que la marca es proveedor oficial de vestuario.

Zhou es el primer piloto de Fórmula 1 de China y actualmente piloto de reserva del equipo Cadillac. Está considerado como una de las voces contemporáneas más influyentes del automovilismo, y la marca afirma que su estilo personal aporta un atractivo global y una nueva perspectiva a la familia Tommy Hilfiger. Dado que el papel de Tommy Hilfiger como proveedor oficial de vestuario ya sitúa sus diseños a pie de pista con el equipo Cadillac, este nombramiento como embajador amplía esa relación, llevándola de un patrocinio a una colaboración más personal y centrada en el estilo con uno de los pilotos del equipo.

"Zhou Guanyu representa a una nueva generación de talentos cuya influencia va mucho más allá de los circuitos de carreras", ha declarado Tommy Hilfiger, fundador de la marca. "Lo que más me entusiasma es su forma de entender el estilo: con confianza, individualidad y autenticidad. Estoy deseando ver cómo aporta esa perspectiva moderna a nuestra visión de 'Prep Made Current'".

"La moda forma parte de mi ADN. He crecido entendiendo que la ropa no es solo algo práctico, sino todo un lenguaje", ha afirmado Zhou. "El estilo es una oportunidad para contar tu historia sin palabras. Durante décadas, Tommy Hilfiger ha ayudado a mostrar la personalidad que hay más allá del casco, abriendo la puerta a que la individualidad forme parte de este deporte. Estoy orgulloso de formar parte de ese legado y de representar a la marca dentro y fuera de la pista".

Esta colaboración refuerza la posición de Tommy Hilfiger en la intersección del deporte, el estilo y la cultura contemporánea. A medida que el automovilismo sigue ganando popularidad a nivel mundial, la marca afirma que la conexión de Zhou con los fans más jóvenes y conscientes de la moda ayudará a ampliar su alcance. Se une a una lista de embajadores que incluye a Lewis Hamilton, Checo Pérez, Rafael Nadal y Thierry Henry, lo que subraya el enfoque continuo de Tommy Hilfiger en figuras del deporte cuya influencia se extiende más allá de su propia disciplina.

El diseñador originario de Hong Kong, Robert Wun, lleva años sin tomarse unas vacaciones, pero no se queja. En 2021, trabajaba desde su cocina; ahora viste a algunas de las artistas más conocidas del mundo.

En solo cinco años, el diseñador de 34 años ha pasado de ser un desconocido a uno de los nombres más cotizados del mundo de la moda, y ha diseñado para artistas de la talla de Lady Gaga, Beyoncé o la rapera Cardi B.

"A veces tengo algunos días libres", ha declarado a la AFP con una sonrisa, aunque admite estar "bastante agotado mental y físicamente porque no he tenido un descanso en dos años y medio".

"Es algo que siempre quise, por eso rara vez me quejo". Mientras trabaja de nuevo con su equipo y sus modelos antes de su último desfile de Alta Costura en París este miércoles, Wun está viviendo un sueño que parecía inalcanzable para alguien con sus orígenes.

Su madre trabajaba en el sector de los seguros y su padre en el del cableado eléctrico, mientras que el conservador colegio masculino de Hong Kong al que asistió era un lugar hostil para un adolescente creativo y de vestimenta extravagante.

"Ahí es donde surgió mi terquedad, porque sufría mucho acoso. Conseguí mantenerme fiel a lo que de verdad quería hacer, a cómo quería hacer las cosas o a cómo quería expresarme", ha explicado.

Encontró su vocación —y a otras almas gemelas— mientras estudiaba en el London College of Fashion, y acabó estableciendo su hogar permanente en la capital británica.

Ahora vive en el centro creativo de Hackney, al este de Londres, y su estudio de 12 personas en Dalston produce dos o tres trajes a medida al mes para eventos de alfombra roja, galas o bodas.

Fue posiblemente el couturier más ocupado en la Met Gala de este año en Nueva York, donde vistió a ocho personas.

Entre ellas se encontraban la estrella del K-pop Lisa, el coleccionista de alta costura Jordan Roth y la tenista japonesa Naomi Osaka, para quien Wun diseñó un espectacular atuendo en el Abierto de Australia en enero.

"Mi padre es un gran aficionado al tenis. Intentó entrenarnos a mi hermana y a mí. Obviamente, fracasamos, así que nada le produce más placer que el hecho de que podamos vestir a Naomi", ha dicho Wun.

Influencias del cine de terror

Fascinado por el mundo natural y con una fuerte influencia del cine, Wun crea obras audaces que son a la vez futuristas y esculturales.

A menudo, también pueden resultar oscuras y claustrofóbicas, al incorporar influencias del cine de terror, lo que ha llevado a algunos a considerarlo el intérprete millennial de la ansiedad que define la década de 2020 en el mundo de la moda.

Tras una colección revelación en 2021 que captó la atención de Vogue y otras publicaciones de moda, Wun debutó como invitado en el calendario de la Alta Costura de París en 2023.

En una audaz decisión para alguien que hacía historia como el primer diseñador de Hong Kong en el escenario más exclusivo del mundo de la moda, presentó modelos con atuendos con manchas y defectos evidentes.

Para Otoño/Invierno 2025, incluyó lo que parecían huellas de manos ensangrentadas, y también le gusta incorporar manos o extremidades desmembradas.

Lo que no se encontrará es una estética evidentemente china o hongkonesa.

"Es algo hermoso poder hacer referencia a tu cultura e incorporarla a tu trabajo. Hay muchísimos creadores que hacen un trabajo maravilloso en ese sentido", ha explicado Wun.

Él busca algo más universal, que desafíe los límites, o, como él dice, "el poder de pasar a un segundo plano a veces para dejar que tu trabajo hable por sí mismo, en lugar de ser tú el centro (de atención)".

"No se trata tanto de decir 'oh, Dios mío, me inspiré en esta pintura china'".

Último desfile

Su colección Otoño/Invierno, presentada el miércoles, se tituló "Child's Play" y se inspiró en el animador japonés Hayao Miyazaki, cuyas películas "El castillo en el cielo" o "El viaje de Chihiro" son adoradas tanto por niños como por adultos.

Supone un ligero cambio con respecto a los trabajos anteriores de Wun.

"Nunca fue realmente mi intención hacer algo que la gente pudiera ver como muy serio, o como un reflejo de los tiempos, cuando las cosas son difíciles y oscuras", ha dicho.

"Realmente utilicé la infancia como ancla... No estoy usando la lente de un niño para crear esta colección. Es más bien desde el punto de vista de un adulto que ha perdido la infancia, y qué se supone que debemos hacer ahora, mirando hacia atrás".

París - Bernard Arnault y su familia, que controlan el gigante del lujo LVMH, han recuperado el primer puesto en la edición anual de la clasificación de las fortunas profesionales francesas, publicada este miércoles por la revista Challenges, una posición que les habían arrebatado el año pasado los herederos de Hermès.

El que fuera durante un tiempo el hombre más rico del planeta, hoy ampliamente superado por Elon Musk, posee junto a su familia una fortuna estimada en 121.200 millones de euros.

A principios de 2025, Hermès, que había resistido mejor la desaceleración del mercado mundial del lujo, se convirtió brevemente en la primera capitalización bursátil francesa por delante de LVMH. Desde entonces, las acciones de LVMH han repuntado. El gigante del lujo, del que la familia Arnault posee más de la mitad, vuelve a tener una capitalización bursátil de unos 250.000 millones de euros.

Los herederos de Hermès descienden así al segundo puesto de la clasificación de Challenges de las fortunas profesionales francesas, con un patrimonio estimado en 114.000 millones de euros.

La revista ha contabilizado 153 familias multimillonarias en Francia este año, ocho más que en 2025. Según Challenges, el patrimonio acumulado de las 500 mayores fortunas francesas alcanza este año los 1,076 billones de euros, lo que supone un descenso con respecto a los 1,129 billones de euros de 2025.

La clasificación de Challenges se basa en las acciones y participaciones empresariales, cuyo valor se obtiene de las cotizaciones bursátiles o se estima si los títulos no cotizan en bolsa. Esta clasificación no tiene en cuenta los bienes personales, como los inmuebles.

El resto de la lista apenas cambia: los hermanos Alain y Gérard Wertheimer (Chanel) conservan el tercer puesto (95.000 millones de euros), por delante de Françoise Bettencourt Meyers, de L'Oréal (69.700 millones de euros).

Rodolphe Saadé, propietario de la naviera CMA CGM, cuya rentabilidad se resiente por el conflicto en Oriente Medio, ve cómo su patrimonio profesional se estima en 31.500 millones de euros, lo que supone un descenso con respecto a 2025 (35.000 millones de euros).

Le siguen Xavier Niel, de Free (30.100 millones de euros), la familia Dassault (27.700 millones de euros), Gérard Mulliez, con Auchan y Decathlon (27.000 millones de euros), François Pinault, de Kering (19.200 millones de euros) y Emmanuel Besnier, con Lactalis (14.200 millones de euros).

A finales de 2025, Bernard Arnault se convirtió en el único propietario de Challenges tras la compra de las participaciones de Claude Perdriel (282ª fortuna de Francia). Este cambio de accionariado ha provocado la salida de periodistas.

La cadena francesa especializada en equipamiento de running I-Run ha adquirido a su homóloga belga Trakks. Esta operación estratégica, anunciada por Trakks en una publicación en la red LinkedIn, permite a I-Run, ya sólidamente implantada en el mercado de la venta online a escala europea, abrir sus primeras tiendas físicas fuera del territorio francés.

El especialista francés en running ha adquirido las 6 tiendas físicas, así como la tienda online de la enseña belga Trakks, según la información publicada por el diario económico L'Echo. Los detalles financieros de esta transacción no han sido comunicados. La red física de Trakks comprende 6 puntos de venta situados en los siguientes municipios: Etterbeek, Uccle, Charleroi, Rocourt, Jambes y Waterloo.

En una publicación de LinkedIn, Christophe Thomas, fundador de Trakks, escribe: “Puede parecer un acuerdo sencillo, pero es mucho más que eso (...) Tras meses de conversaciones con la dirección de I-Run, hemos descubierto que compartimos un terreno común auténtico y sincero. Esto no ha hecho más que reforzar nuestro deseo de trabajar juntos”.

Por su parte, la empresa I-Run, fundada en Francia en 2007, opera actualmente 24 tiendas en su mercado nacional. Paralelamente, el distribuidor ha desarrollado una fuerte presencia digital con plataformas de comercio electrónico activas en varios países europeos: Francia, Bélgica, España, Alemania, Países Bajos, Portugal, Austria e Italia. Este acuerdo de compra refuerza significativamente la posición de I-Run en el mercado del Benelux en el sector del equipamiento deportivo.

La start-up londinense Fleek, que está construyendo la infraestructura de IA para digitalizar las cadenas de suministro de la moda de segunda mano que impulsa a Vinted, Depop y Whatnot, ha conseguido 25 millones de dólares estadounidenses en una ronda de financiación de Serie B.

La inversión ha estado liderada por Burda Principal Investments, uno de los primeros patrocinadores de Vinted e inversor principal en su ronda de Serie C, con la participación de Ebay, FJ Labs y H14, junto con los patrocinadores existentes, entre los que se incluyen Andreessen Horowitz, HV Capital y Y Combinator.

En un comunicado, Fleek ha declarado que la financiación se utilizará para acelerar el desarrollo de su marketplace nativo de IA, ampliar sus equipos de ingeniería, escalar su plataforma tecnológica y hacer crecer su red mundial de compradores y proveedores.

Fundada en 2021 por Abhi Arora y Sanket Agarwal, Fleek está abordando la infraestructura manual, fragmentada y offline que impulsa la industria de la segunda mano, valorada en 200,000 millones de dólares estadounidenses, con su marketplace y sistemas B2B propios impulsados por IA, diseñados para digitalizar la cadena de suministro de segunda mano.

Abhi Arora, cofundador y director ejecutivo de Fleek, ha declarado: “La mayoría de la gente no tiene ni idea de lo que le ocurre a una prenda de ropa después de desprenderse de ella. Viaja miles de kilómetros, se clasifica a mano en un almacén de Karachi y, si tiene suerte, vuelve a una tienda vintage de Londres o Nueva York”.

“Creamos Fleek porque ese sistema está roto, el mercado al que sirve está en plena expansión y nadie está construyendo la tecnología y la infraestructura para solucionarlo”.

Fleek: conectando la economía mundial de la moda de segunda mano con tecnología impulsada por IA

En el centro de la plataforma se encuentra Fleek Sort, un modelo lingüístico de visión personalizado entrenado con millones de transacciones del marketplace de segunda mano de la red global de Fleek durante los últimos cuatro años. El modelo de IA, que ya es utilizado por clasificadores en centros de clasificación de Pakistán, India y Dubái, y en proyectos piloto que se están lanzando en el Reino Unido, Europa y Estados Unidos, identifica, categoriza, califica y comercializa prendas de segunda mano utilizando fotografías o vídeos de smartphones, y convierte un proceso históricamente manual en un flujo de trabajo digital. A medida que se califica, publica y vende más inventario a través de la plataforma, Fleek Sort aprende continuamente de los resultados del mundo real.

Una vez procesado, el inventario se publica automáticamente en el marketplace de Fleek, donde los sistemas de fijación de precios, búsqueda, recomendación y emparejamiento impulsados por IA conectan el stock con compradores relevantes de todo el mundo. Cada transacción también genera datos adicionales que mejoran la comprensión de la plataforma sobre el inventario de segunda mano, creando una capa de inteligencia propia para la industria.

Julian von Eckartsberg, director general para Europa de Burda Principal Investments, ha comentado: “Apoyamos a Vinted cuando la moda de segunda mano todavía se consideraba un nicho. Sabemos lo que se necesita para construir una plataforma que escale en este mercado. Desde su creciente red de proveedores hasta la tecnología que la respalda, Fleek está construyendo la infraestructura en la que se apoyará la próxima generación de la moda”.

Fleek conecta a mayoristas y minoristas de ropa vintage

Con hasta 24,000 millones de prendas de segunda mano moviéndose anualmente a través de la cadena de suministro global, Fleek afirma que su enfoque impulsado por IA ayudará a los proveedores a aumentar las tasas de recuperación, permitirá a los compradores abastecerse de inventario de forma más eficiente y reducirá el volumen de ropa desperdiciada.

Hasta la fecha, la empresa ha comunicado que ha mantenido más de 12 millones de artículos en circulación y ha conectado a más de 2,000 proveedores mayoristas y clasificadores verificados con más de 50,000 minoristas, revendedores y boutiques en más de cien países.

Sanket Agarwal, cofundador y director de tecnología de Fleek, ha añadido: “Hay más datos encerrados en la cadena de suministro global de segunda mano que en casi cualquier otro mercado, pero históricamente se han capturado muy pocos”.

“Hemos construido la primera IA del mundo entrenada específicamente para entender el inventario de segunda mano: qué es, cuánto vale, quién lo quiere y dónde existe la demanda. Cada transacción mejora esa comprensión, creando una capa de inteligencia que creemos que se convertirá en una infraestructura crítica para el futuro de la industria”.

La marca canadiense de lujo especializada en prendas de abrigo y ropa de exterior, Canada Goose, ha lanzado una nueva plataforma de marca a largo plazo, Natural Intelligence, diseñada para redefinir la relación entre “el rendimiento, la artesanía y el mundo natural” y profundizar su conexión con la naturaleza.

Coincidiendo con el lanzamiento de la colección de verano 2026, Canada Goose afirma que su filosofía de marca Natural Intelligence defenderá “el conocimiento adquirido no a través de atajos, sino mediante un contacto directo y dedicado con la naturaleza”, y que su narrativa se centrará en momentos clave de la naturaleza, desde los solsticios hasta los cambios estacionales y los hitos medioambientales.

En la práctica, esto se traducirá en colecciones que cobrarán vida a través de expediciones en la naturaleza. Entre los momentos más destacados del verano 2026 se incluyen un viaje a Piteglio, Italia, vinculado al antiguo ritual italiano que celebra el día más largo del año; seguido de un viaje a Haida Gwaii, Canadá, para explorar cómo la naturaleza registra la información; y un viaje para capturar la temporada alta de la Vía Láctea en Australia.

La colección en sí también ha sido diseñada para reflejar el compromiso de Canada Goose con el fomento del descubrimiento, con capas ligeras y transpirables diseñadas para el movimiento y la exploración, que se adaptan al calor, al movimiento y a las condiciones cambiantes.

Además, Canada Goose también va a presentar a expertos de campo de Natural Intelligence que aparecerán en sus redes sociales para compartir sus perspectivas y su conexión con la naturaleza. Los cuatro primeros expertos son un biólogo especializado en hongos, Tarun Nayar; una cazadora de tormentas, Paige Vincent; una investigadora de luciérnagas, Avalon Owens; y una escaladora, Natalie Afonina. Cada uno de ellos reflejará diferentes expresiones de Natural Intelligence: instinto, observación, paciencia y confianza.

Ankara - El presidente de Estados Unidos, Trump, quiere poner fin a todo el comercio con España. En una rueda de prensa durante la cumbre de la OTAN en Ankara, Trump ha dicho: "No quiero seguir comerciando con ellos". Trump se mostró, al igual que ya ocurrió en la cumbre de la OTAN del año pasado, profundamente molesto con la postura del socio de la OTAN, España.

"España es un socio terrible en la OTAN. No participan, no pagan", dijo Trump. "Pongan fin a todo el comercio con ellos". En la rueda de prensa también estuvo presente el secretario del Tesoro de Estados Unidos, Scott Bessent. No hizo anuncios concretos sobre cómo se llevaría a la práctica una medida de este tipo.

El plan de Trump no sería fácil de aplicar, ya que España es miembro de la Unión Europea y del mercado único europeo. En materia comercial, los países miembros han transferido en gran medida sus competencias a la Comisión Europea en Bruselas, que habla y negocia en nombre de los Estados miembros.

Esta DPA ha sido recibida en alemán y después traducida al español.

La marca británica de ropa deportiva y de fitness Gymshark ha nombrado al exdirectivo de Boden Shaun Perkinson como su nuevo director de tecnología, en sustitución de John Douglas, que se jubila.

Perkinson se incorpora a Gymshark procedente de la empresa de travel retail de Arabia Saudí Al Waha, donde ocupó el cargo de director de tecnología desde septiembre de 2025 hasta julio de 2026. Anteriormente, ocupó el mismo puesto en la marca británica de moda y estilo de vida Boden entre 2019 y 2024. También fue vicepresidente de tecnología en Tory Burch y Burberry.

Ben Francis, fundador y director ejecutivo de Gymshark, ha declarado en LinkedIn: “Shaun aporta más de 20 años de experiencia desarrollando productos y liderando equipos de tecnología, pero lo que realmente me llamó la atención fue su combinación de experiencia técnica, instinto comercial y enfoque colaborativo.

“La tecnología seguirá desempeñando un papel fundamental para ayudarnos a crear mejores experiencias para nuestra comunidad y para respaldar la siguiente etapa de nuestro crecimiento. Shaun se une a nosotros en un momento emocionante y estoy seguro de que haremos grandes cosas juntos”.

Francis también ha rendido homenaje a Douglas, quien ha estado en Gymshark desde 2021, declarando: “Hace cinco años, John Douglas se unió a Gymshark para ayudarnos a construir la tecnología necesaria para nuestra siguiente etapa de crecimiento. Ahora, tras una increíble carrera en el sector tecnológico, ha tomado la decisión de jubilarse.

“Puedo decir honestamente que Gymshark no estaría donde está hoy sin él. Cuando John se unió a Gymshark, estábamos entrando en una etapa crucial de nuestro recorrido. Durante los últimos cinco años, ha dirigido nuestro departamento de tecnología en algunos de los momentos más importantes de nuestro crecimiento. Nos ha ayudado a escalar, a superar retos complejos y a prepararnos para el futuro, aportando siempre una experiencia, humildad y calma increíbles”.

Repetto continúa con sus colaboraciones con actores clave de la moda. Tras colaborar con Comme des Garçons o Marine Serre, la firma francesa ha lanzado una colección con la marca de calzado alemana Birkenstock.

Para la ocasión, las dos marcas históricas han apostado por la reinterpretación de sus modelos emblemáticos. La línea incluye tres pares: el modelo Arizona, la sandalia icónica de Birkenstock, reinterpretado con hebillas redondas sobredimensionadas; el Scala, presentado con puntera redonda, dos tiras y un lazo; y, por último, el zueco Opéra, que se distingue por sus largos cordones diseñados para enrollarse alrededor del tobillo.

La colección, que estará disponible el 16 de julio de 2026, ha sido concebida en París, mientras que su producción se ha llevado a cabo en los talleres alemanes de Birkenstock.

La distribución comenzará en la web 1774.com (la división interna de la marca Birkenstock dedicada a colaboraciones especiales y colecciones de alta gama), a través de los canales de venta propios de Repetto, así como en una selección de distribuidores a nivel mundial.

Esta colaboración ilustra una estrategia ya bien conocida en el sector: la de marcas con un gran legado que se asocian para consolidar su posicionamiento en el mercado del lifestyle. En este caso, la unión entre la experiencia anatómica de Birkenstock y la estética de ballet propia de Repetto responde a la demanda de los compradores de productos que combinan el confort funcional con un fuerte legado estilístico. Un enfoque de cocreación que, por tanto, permite a las empresas diversificar su oferta y atraer a una clientela transversal sin comprometer su ADN respectivo.

Cabe recordar que la marca Repetto fue fundada poco después de la Segunda Guerra Mundial, en 1947. Tiene su sede en París y continúa operando desde su histórico taller francés en Saint-Médard-d'Excideuil.

En un contexto marcado por la crisis financiera, la pandemia, las tensiones geopolíticas y la reciente insolvencia de uno de sus principales clientes, Marco Götz considera que la excepcionalidad forma parte inherente del negocio. Al frente de Drykorn, firma alemana de moda premium contemporánea para hombre y mujer, con un fuerte foco en la sastrería y el ready-to-wear, el fundador encara un primer semestre marcado por el impacto de la quiebra de Wormland en su división masculina, mientras la línea femenina y la expansión internacional mantienen una evolución positiva.

En esta entrevista con FashionUnited, Götz analiza los retos del canal multimarca, explica por qué mercados como España y Grecia están ganando peso en la estrategia de la compañía, aborda la transformación de la sastrería masculina hacia siluetas más relajadas y detalla la nueva etapa de liderazgo compartido junto al co-CEO Marino Edelmann.

Señor Götz, ¿cómo ha ido el primer semestre para Drykorn?

Estable. Con Wormland hemos tenido la importante insolvencia de uno de nuestros clientes. Esto ha desequilibrado un poco la división masculina y ha complicado las cosas. Sin embargo, ya lo hemos compensado y seguiremos mejorando gracias a la expansión en mercados extranjeros. En la división femenina, seguimos registrando un buen crecimiento.

¿En qué mercados se están centrando?

Actualmente, operamos principalmente en Europa Central. Hace dos años, incorporamos España y Grecia, que están evolucionando muy positivamente. En general, todo lo relacionado con destinos vacacionales y turísticos funciona extremadamente bien. Mallorca, Ibiza, la costa española en general o incluso las estaciones de esquí.

¿Por qué estas regiones turísticas están funcionando tan bien?

Allí observamos un comportamiento de compra diferente. En estos destinos vacacionales, todo gira en torno al ready-to-wear, los clientes pueden ponérselo de inmediato, no compran para guardar.

La parte más high fashion de la colección no se vende automáticamente con ello. Se trata más bien de que el cliente ha olvidado algo para las vacaciones o busca una prenda que se adapte al clima.

¿Qué prendas están funcionando bien en Drykorn actualmente?

Los pantalones y las prendas de punto siguen funcionando bien, tanto en la colección de mujer como en la de hombre. En cuanto a la sastrería masculina, estamos en plena transición, ya no tenemos trajes entallados en la colección y apostamos por siluetas “holgadas” y relajadas. Sin embargo, todavía pasará un tiempo hasta que esto sea realmente comercial.

¿Qué temas preocupan actualmente a sus socios comerciales?

Las fechas de entrega son un clásico. ¿Cuándo entregas qué? Llevamos 25 años lidiando con esto y siempre hay margen de mejora, porque reaccionamos constantemente a la información de las temporadas pasadas. A esto se suman las diferentes condiciones meteorológicas y los contextos geopolíticos, que conllevan una cierta sensibilidad a los precios.

Así que los temas no son muy diferentes a los de los últimos años, pero la situación tampoco ha empeorado. Siempre hay algunos puntos de discusión en los que uno se atasca. Teniendo en cuenta lo que está pasando en el mundo, la situación es bastante estable.

¿Es esta gestión del clima de crisis para usted también una especie de “nueva normalidad”?

La “nueva normalidad” para mí empezó hace 30 años, cuando comencé en este sector. Ya entonces era un desafío y todo el mundo me decía: “Dedícate a otra cosa, ni se te ocurra meterte en esta industria”. Desde entonces, ha habido de todo... desde el 11-S y la crisis financiera hasta el Brexit, Trump, el coronavirus y la guerra en Ucrania. Siempre hay algo.

La normalidad es que siempre ocurra algo que no se puede prever. Hay muchas influencias diferentes que hacen que la situación sea siempre un reto, pero eso es precisamente lo normal. Quizás haya una breve fase en la que no pase nada, pero no suele durar mucho.

Desde junio, Marino Edelmann es codirector general de Drykorn. ¿Cómo se llegó a esta decisión?

Llevaba tiempo considerando esta idea, porque mis áreas de responsabilidad se habían vuelto demasiado diversas. Hace 10 años, la estructura era más clara: existía producto, ventas, personal y producción. Ahora se han añadido áreas como la tecnología y el desarrollo corporativo, y el marketing antes ni siquiera era un tema para nosotros. Además, la distribución se ha vuelto mucho más variada.

Antes había un camino claro, gestionar los canales a través de la venta al por mayor. Hoy se suman nuestras propias tiendas, que seguiremos impulsando, el e-commerce, que estamos ampliando, y diferentes modelos de concesión, cada uno distinto.

¿Planean ampliar la dirección a largo plazo?

De momento, la estructura es estable tal como está. Para nuestro tamaño, estamos bien posicionados. Ahora se trata más bien de definir los nuevos objetivos y ver qué nuevos proyectos podemos emprender.

¿Cuáles son?

Hemos dejado pasar muchas oportunidades —también en términos de distribución, mercados extranjeros y expansión— por falta de personal.

Acaba de mencionar las tiendas propias. Recientemente han inaugurado una nueva tienda en Düsseldorf. ¿Cuál es la estrategia en este ámbito?

Tenemos un concepto de tienda que también implementaremos en otras ciudades. Pero siempre tiene que ser la oportunidad adecuada. Abrir una tienda por el simple hecho de abrirla no tiene ningún sentido. Abrimos un establecimiento con la intención de que sea rentable; nunca abriremos una tienda que funcione únicamente como embajadora de la marca.

Estamos trabajando en otras ubicaciones y mantenemos conversaciones avanzadas en varias ciudades, pero tiene que encajar a la perfección.

Hace unos años, ya exploraron el terreno internacional con una pop-up en Zúrich.

Aquello fue simplemente una oportunidad que surgió porque un cliente quiso llevarla a cabo con nosotros. Para nosotros es muy importante hacer cosas junto a nuestros socios. Tenemos solicitudes del extranjero: de Suiza, Austria y los Países Bajos. Hay oportunidades interesantes, y todo es posible.

Para terminar, ¿cómo prevén cerrar el año?

Prevemos crecer y esperamos rozar un crecimiento de dos dígitos. Pero también podría ser de un solo dígito. En un contexto en el que no se puede pisar el acelerador a fondo, eso estaría bien.

El mercado, especialmente el mayorista, es muy inestable. Muchos distribuidores están contra las cuerdas, pero están empezando a recuperar solidez. Ahora hace falta valentía para dar un paso nuevo o diferente. Por eso no afrontamos el próximo año con una euforia desmedida, pero sin duda vamos a generar crecimiento.

Madrid – Entre las noticias económicas de esta semana, la Asociación Empresarial del Comercio Textil, Complementos y Piel Acotex ha informado del análisis sobre la evolución mensual de las ventas del comercio minorista de moda, relativas a este recién superado mes de junio de 2026. Periodo durante el que el sector logró seguir manteniéndose en un crecimiento positivo, aunque por la mínima y con unas ventas que se mantienen prácticamente estancadas, con respecto a las registradas durante el mismo mes de hace un año.

En base de este modo al análisis sobre la evolución de las ventas en los sectores del comercio minorista de la confección, el textil hogar y los complementos durante el mes de junio realizado por Acotex, desde la organización empresarial señalan que las ventas de moda retail en España llegaron a registrar un crecimiento interanual de un +0,3 por ciento. La cuarta subida consecutiva que registra el sector en este 2026, la quinta para el conjunto de todo el año, aunque en una intensidad mínima y que las deja prácticamente estancadas con respecto a las registradas en junio de 2025. Un mes el de hace un año en el que las ventas llegaron a caer en hasta un -2,2 por ciento, con respecto a las anotadas en un 2024 en el que hicieron lo mismo en una tasa de un -2,6 por ciento, respecto al mismo mes de 2023. Unos a todas claras negativos desempeños, que dejaban a este mes de junio, de entrada, perfectamente predispuesto a lograr firmar un crecimiento muy por encima del registrado, teniendo en cuenta esa marcadamente baja base comparable con la que se partía por parte del sector.

Puesta en el contexto del conjunto de todo este 2026, la “pobre” subida de las ventas registrada en junio pasa a situarse, al menos por el momento, como la menor tasa de crecimiento registrada por el sector de todo el año, y como su segundo peor dato, únicamente por detrás de la caída de las ventas del -2,5 por ciento registrada en febrero. Una bajada que tras la evolución en plano, con un crecimiento de solo un +0,4 por ciento, registrada en enero, y las subidas interanuales que se anotaba el sector en marzo (+5,7 por ciento), abril (+3,6 por ciento), mayo (+5,7 por ciento), y ahora nuevamente en junio (+0,3 por ciento), dejan al comercio minorista de moda acumulando un crecimiento de un +2,18 por ciento de las ventas al cierre del primer semestre de 2026. El mejor dato al cierre de un primer semestre desde el registrado durante la primera mitad de 2023, que el sector del comercio minorista de moda completó con una subida acumulada de un +4,2 por ciento; subida a la que le seguirían las caídas acumuladas durante la primera mitad del ejercicio del -2,10 por ciento en 2024, y del -2,56 por ciento en 2025.

Tras un “frío” (y positivo) arranque de las rebajas

Con estos datos en la mano, se hace patente una campaña de rebajas de verano de 2026 que ha arrancado en frío, y por debajo de las previsiones que mantenían desde la misma organización empresarial Acotex. Asociación desde la que esperaban que el sector llegase a registrar un crecimiento de entre un +3 y un +6 por ciento en el inicio de esta estratégica campaña de descuentos, tras los buenos datos de ventas anotados por el sector durante los meses de marzo, abril y mayo.

A pesar de este “decepcionante” comienzo de la campaña, lejos de resultar este por sí mismo en un indicador desalentador, desde Acotex argumentan en contra que perfectamente puede ser síntoma de cómo desde el mismo sector del comercio minorista de moda han sabido y están sabiendo optimizar sus operativas, y ajustar sus stocks de cara tanto al arranque como al cierre de la campaña de Primavera/Verano. Una tesis que defienden, primero, sobre los buenos datos de crecimiento de las ventas anotados durante los meses de marzo a mayo, coincidiendo con la llegada a las tiendas de las nuevas colecciones para la temporada, y por tanto unas ventas practicadas —se estima— a precio completo; y segundo, sobre este desempeño en plano de unas ventas registradas en junio, en además su recta final sobre artículos rebajados. Unas dinámicas que, al menos de entrada, y así lo defienden desde Acotex, dibujarían la radiografía de un sector que habría logrado regresar a sus lógicas tradicionales, consiguiendo vender a precio completo en temporada y llegando al periodo de rebajas con sus inventarios en mínimos; ritmos que habrían contribuido para que las empresas encontraran un alivio frente a los dos grandes impactos que amenazan su viabilidad: el incremento de los costes, y el absentismo.

“Las ventas en el mes de junio 2026 con respecto al año anterior han sido prácticamente planas con un incremento del +0,3 por ciento, quedando el acumulado anual en +2,18 por ciento”, tras un “cuarto mes consecutivos en positivo”, sintetiza Eduardo Zamácola, presidente de Acotex, a lo largo de unas declaraciones compartidas desde la misma organización empresarial. En línea con lo igualmente ya señalado, a modo de previsión no obstante “se esperaban unas rebajas algo mejores, pero al haber vendido bien en temporada hay menos ‘stock’ en las tiendas” y, en consecuencia, “descuentos menos agresivos que en otras ocasiones”. Profundizando en ese contexto de “frío” arranque de la campaña, se contempla así el que “el cliente quizás no encontró el producto deseado en rebajas por haberse vendido en temporada y/o tampoco con un descuento elevado”, por lo que, aún en su estancamiento, “vemos este dato como positivo ya que se ha podido vender gran parte del ‘stock’ sin descuentos o con descuentos más bajo”.

En este sentido, y tal y como el mismo Zamácola ya se encargaba de señala a comienzos de este mismo mes de julio, “cuando una temporada funciona bien significa que el comercio ha hecho los deberes”, y el resultado es que “hay menos excedente y, por tanto, las rebajas serán más moderadas”. Esto “es una buena noticia para el sector y también un mensaje para los consumidores”, y es que “quien tenga fichada una prenda debería aprovechar los primeros días de la campaña porque habrá menos unidades disponibles”. No obstante, y a pesar de que aparentemente "las ventas evolucionan favorablemente”, esta dinámica “no significa que la rentabilidad esté garantizada”; no cuando “las empresas siguen soportando importantes incrementos de costes y un absentismo que se ha convertido en una de las grandes preocupaciones del comercio”. Por ello, y a pesar de este alivio que podrían haber encontrado las empresas minoristas con la colocación de la mayor parte de su stock a precio completo durante la campaña, resulta “fundamental seguir trabajando para que esta recuperación también se traduzca en una mejora de la competitividad del sector”.

L'Oréal y Gucci han anunciado que han alcanzado un acuerdo de licencia con una duración de 50 años para que la empresa francesa fabrique perfumes y cosméticos bajo el nombre de la casa de moda italiana, según ha anunciado este martes Kering, la empresa matriz de Gucci.

El acuerdo se produce tras la decisión de rescindir el acuerdo de licencia entre Gucci y la estadounidense Coty un año antes de su vencimiento, según ha informado Kering en un comunicado.

El acuerdo de licencia entre Gucci y Coty, que recibirá una compensación de aproximadamente 400 millones de dólares, expiraba en junio de 2028. Se espera que el nuevo acuerdo de licencia con L'Oréal entre en vigor a mediados de 2027.

“Al combinar el atractivo global y la visión creativa distintiva de Gucci con la experiencia inigualable de L'Oréal en belleza, su capacidad de innovación y su red de distribución mundial, la asociación tiene como objetivo desbloquear importantes oportunidades de crecimiento a largo plazo en las categorías de fragancias y belleza”, ha declarado Kering.

París - La semana de la alta costura de París, que arrancó con Schiaparelli, vivió este martes una de sus jornadas más esperadas, con la segunda colección de alta costura de Matthieu Blazy para Chanel y la de Jonathan Anderson para Dior.

En la misma jornada se presentó la colección de Alexis Mabille, una original propuesta llamada “Dual”, cuyas piezas eran reversibles y cambiaban en el mismo escenario de la mano de dos asistentes de vestuario que ayudaban a las modelos a transformar gruesos abrigos o vestidos de tubo de terciopelo negro en conjuntos dorados o plateados.

En el Palais de Tokio, cerca de la Torre Eiffel, Kevin Germanier dio rienda suelta a las perlas y la pedrería. El estilista suizo presentó vestidos con bustiers minimalistas y faldas exuberantes compuestas por miles de finos filamentos como si fueran una explosión de color.

Armani

Otro plato fuerte de este martes fue el desfile de Armani. La firma italiana presentó su segunda colección de alta costura desde la muerte de su fundador, Giorgio, en septiembre de 2025. Como el pasado enero, el guardarropa corrió a cargo de su sobrina, Silvana, que había trabajado con él para el prêt-à-porter.

En su propuesta para el próximo Otoño/Invierno, predominaron los conjuntos de pantalón fluido y chaqueta muchas veces corta, declinada en cuero, terciopelo o pedrería, en una paleta cromática oscura, del negro al azul marino y el violeta. Los vestidos de gala eran largos y ajustadísimos, algunos con elegantes escotes geométricos.

Este miércoles se esperan los más que esperados debuts de Pierpaolo Piccioli para Balenciaga y de Duran Lantink, que presentará su primera colección de alta costura para Jean Paul Gaultier. Mañana, jueves, será el último día de esta edición, una categoría de moda de la que sólo un puñado de marcas forman parte y cuyas piezas están destinadas a las galas y las alfombras rojas.

Este artículo ha sido editado por Alicia R. Sarmiento

Madrid – Este martes, 7 de julio, la sede central del grupo Inditex en la localidad coruñesa de Arteixo acogía, un año más, la Junta General de Accionistas de la compañía, de 2026. Un encuentro que se encargó de inaugurar Marta Ortega Pérez, desde la que fue su quinta intervención frente a los accionistas de la multinacional de la moda española dueña de Zara desde su entrada, de manera efectiva, como presidenta no ejecutiva de su Consejo de Administración el 1 de abril de 2022.

Tras la difusión de este modo de un vídeo resumen con las principales iniciativas ejecutadas en 2025 y en este arranque de 2026, y antes de proceder a ceder el testigo a tanto el consejero delegado de Inditex, Óscar García Maceiras, como al secretario general del Consejo de Administración, Javier Monteoliva Díaz, encargados de ordenar y dirigir el desarrollo de la Junta, bajo la supervisión de la presidenta del grupo, la misma Marta Ortega se encargaba de dar la bienvenida a los accionistas de Inditex a su quinta Junta General de Accionistas al frente de su Consejo de Administración, con su ya tradicional discurso de balance de año. Una intervención que, como viene también siendo ya habitual bajo su presidencia, la hija de Amancio Ortega aprovechó para querer mirar más allá de las cuentas y de los resultados —de los nuevamente magníficos resultados cabe destacar— registrados por la multinacional de la moda española al cierre de su último ejercicio fiscal de 2025, para poner en valor los valores, las dinámicas de trabajo, los compromisos y las estrategias, que justamente sostienen las operativas de Inditex y permiten a la compañía sostenerse en este sobresaliente desempeño que consigue seguir escalando año a año, con nuevos máximos sobre máximos.

En un contexto como el actual marcado, primero, por las crecientes tensiones políticas y macroeconómicas que se han dado, y siguen dándose, de manera generalizada de punta a punta del planeta, y que han conducido al conjunto de la industria de la moda a mirar con preocupación desde a todo cuanto ocurre desde América a Asia, pasando por Europa y Oriente Medio; y segundo, por la irrupción de una inteligencia artificial (IA) que promete haber llegado para revolucionar de principio a fin tanto nuestras vidas como las mismas dinámicas de las empresas, la presidenta de Inditex ponía precisamente el foco de atención sobre ambas cuestiones, desde su mensaje de bienvenida a los accionistas de la compañía. Unos inversores ante los que no obstante relativizaba los posibles impactos de una, y las potencialidades de la otra cuestión, supeditándolas a lo que considera como la verdadera fuerza y el auténtico factor diferencial que está permitiendo a Inditex seguir creciendo, seguir generando valor, y continuar tomando un papel y una posición cada vez de mayor peso y de mayor relevancia, y ya ni tan siquiera únicamente solo dentro del entorno de la industria de la moda, en mitad de un contexto tan desafiante y, aparentemente, disruptivo como el actual: el valor humano. Un factor que, ha venido a reivindicar Marta Ortega desde su intervención, ha sido y seguirá siendo el que guíe las maneras de operar dentro de la multinacional de la moda española, y de todas y cada una de las ocho cadenas y marcas comerciales que integran su cartera de marcas.

Discurso (íntegro) de Marta Ortega Pérez durante la Junta General de Accionistas de Inditex de 2026

“Señoras y señores accionistas, miembros del Consejo, muy buenos días, y bienvenidos a esta Junta General Inditex, que un año más tengo el gran honor de presidir. Cambiar no es dejar de ser. A veces cambiar es precisamente la forma de reconocerse con más claridad. Inditex ha cambiado muchas veces a lo largo de su historia. Ha crecido, ha aprendido, ha incorporado nuevas herramientas, nuevas capacidades y nuevas formas de acercarse a las personas. Pero hay algo que no ha cambiado. Nuestra manera de entenderlas cosas. Y creo que esa es una de las grandes responsabilidades que tenemos quienes formamos parte de esta compañía; avanzar sin perder el centro; mirar hacia adelante sin olvidar desde dónde venimos; llegar cada vez más lejos sin dejar de estar cerca. Porque el entorno cambia. A veces cambia muy deprisa; cambian las tecnologías, los hábitos, los mercados y también las expectativas, pero incluso en ese movimiento constante hay algo que permanece: las personas, sus emociones, sus sensibilidad y lo que esperan de nosotros. Por eso, más allá de los resultados de un año, que por supuesto son importantes, lo que debe guiarnos es una voluntad más profunda: seguir generando un impacto positivo allí donde estamos; aquí en Galicia, en España, y en todos los lugares donde desarrollamos nuestra actividad. Esto exige algo sencillo de decir, pero no siempre fácil de sostener: mantener nuestro camino.

Gracias a todas y cada una de las más de 160 000 personas que forman Inditex, y a quienes trabajan con nosotros, desde nuestros colaboradores y proveedores. Y gracias por supuesto también a nuestros clientes, por su tiempo, confianza y por permitirnos formar parte de su día a día. Quiero aprovechar antes de finalizar también esta oportunidad para expresar hoy un agradecimiento muy especial a nuestro consejero Rodrigo Echenique, por estos 12 años de rigor, dedicación y compromiso: Rodrigo, ha sido un honor compartir este camino contigo. Muchísimas gracias por todos estos años. Sabes que siempre formarás parte de esta historia compartida. Y a todos ustedes, muchísimas gracias por acompañarnos hoy, y especialmente por su confianza siempre. A continuación, nuestro consejero delegado y secretario general ordenarán y dirigirán el desarrollo de esta junta bajo mi supervisión. Cedo ya la palabra a nuestro consejero delegado, el señor OscarGarcía Maceiras. Muchas gracias.

Entrevista

La marca británica de calzado FitFlop, fundada por la emprendedora del sector del bienestar Marcia Kilgore en 2007 y conocida por su calzado ergonómico y de bienestar, está inmersa en una evolución de marca para transformarse en una firma de lifestyle global, con el objetivo de “adueñarse del verano” centrándose en el calzado femenino y expandiendo su alcance a través de colaboraciones estratégicas para convertirse en una empresa de mil millones de dólares estadounidenses.

En los últimos cinco años, desde el nombramiento del exdirectivo de Ugg y Coach, Gianni Georgiades, como director ejecutivo en 2021, FitFlop ha emprendido un viaje para renovar su imagen de marca global, transformándose de un zapato funcional y cómodo dirigido a un consumidor de mayor edad que busca alivio ortopédico, a una marca de calzado innovadora, impulsada por la ciencia y liderada por el diseño, donde “el estilo se fusiona con la comodidad”.

“Llevo aquí cinco años y la marca ha experimentado una verdadera evolución”, ha declarado Georgiades en una entrevista exclusiva con FashionUnited en la conferencia SS27 de la marca. “Teníamos una base y una herencia excelentes, pero no estábamos aprovechando todo nuestro potencial. Para lograrlo, necesitaba que el equipo, el producto e incluso las operaciones internas estuvieran preparados para cumplir; eso lleva tiempo, por lo que siempre me propuse que la primavera de 2027 fuera nuestro gran momento”.

Junto a Georgiades en la renovación de la marca FitFlop trabaja Louise Noble, directora de producto y marca, que se incorporó a la empresa de calzado a finales de 2024 con la tarea de dar forma al futuro creativo, estratégico e innovador de su oferta de productos. Con experiencia como directora de categoría global de estilo de vida activo en Vivobarefoot y en puestos de responsabilidad en Clarks y Nike, Noble cuenta con más de 25 años de experiencia en creación de producto, merchandising e innovación sostenible, y sus primeras colecciones dirigidas íntegramente para FitFlop tienen previsto su debut para Primavera/Verano 2027.

Otros miembros clave son Phil Brunetti, jefe de merchandising de producto de la marca; Chris Anderson, director de diseño de calzado, que se incorporó a la empresa en mayo de 2025; y Kim Lilley, directora de innovación y desarrollo de producto, que cuenta con más de 12 años liderando proyectos de investigación y desarrollo y ejerce como biomecánica interna de FitFlop.

Georgiades ha añadido: “El punto de partida era tener el equipo adecuado. Antes de pensar en el producto, antes de la cultura de equipo, necesitaba un equipo a mi alrededor que pudiera sentarse en una sala a planificar, elaborar estrategias y construir el futuro”.

“Ahora hay muchas marcas que hablan de comodidad, bienestar y la ciencia que hay detrás del producto, pero puedo asegurar que nadie en el calzado casual o de lifestyle hace lo que nosotros hacemos. Sabemos lo que implica fabricar un producto de alto rendimiento. Tenemos 20 años de historia; nuestras tecnologías son reales, todas tienen un propósito, todas funcionan. Ahora necesitamos fusionar nuestra tecnología y ciencia con esa comodidad, sin sacrificar el estilo”.

SS27: el inicio de la evolución de FitFlop para impulsar sus ambiciones de marca global

Como parte de su ambición de convertirse en una firma de lifestyle global, SS27 es la materialización de una “nueva era” de comodidad para FitFlop, que evoluciona su marca de calzado, diseñada principalmente para mujeres, con la clara ambición de diseñar “para mujeres que hacen extraordinario lo ordinario”, respaldada por su laboratorio de biomecánica interno dirigido por la Dra. Kim Lilley, que crea productos utilizando un amplio conocimiento científico del cuerpo femenino para garantizar que los modelos apoyen a las mujeres en cada momento de su día, “potenciando cada movimiento desde el primer hasta el último paso”.

Ahora que FitFlop entra en su nueva fase de crecimiento acelerado, la marca de calzado está concentrando sus esfuerzos en colecciones que “sean funcionales, ponibles y culturalmente relevantes”, en respuesta a los consumidores globales que buscan cada vez más productos que se ajusten realmente a su forma de vida y “exigen comodidad”, explica el CEO de FitFlop. Sus colecciones principales para SS27 aúnan “biomecánica, diseño y perspectiva cultural para crear productos que apoyen el cuerpo de forma inteligente, al tiempo que conectan con cómo la gente quiere vivir, moverse y expresarse hoy en día”.

“La categoría femenina es la más importante y en la que nos centramos”, ha afirmado Georgiades. “Aunque seguimos ocupándonos de la masculina, seguimos lanzando nuevos productos, asegurándonos de que sean relevantes; es en la femenina donde se centra nuestra atención e inversión. Queremos crear productos bonitos que sean cómodos. ‘Comodidad’ solía ser una palabra mal vista, pero no me avergüenza decirlo, vamos a adueñarnos de ella, porque ya es nuestra, solo que no la estamos impulsando lo suficiente, pero eso cambia ahora”.

Aunque los modelos de punta abierta, por los que la marca es conocida, siguen siendo un componente clave de sus próximos lanzamientos, también hay un movimiento estratégico hacia productos de “punta cerrada de transición”, y la marca ha informado de un crecimiento “fenomenal” en sus modelos de zapatillas y bailarinas.

Georgiades ha añadido: “Con SS27, estamos marcando una nueva dirección para FitFlop, una que pone el diseño y el rendimiento en igualdad de condiciones. Estamos viendo un claro cambio en el mercado hacia un calzado que debe cumplir múltiples expectativas: tiene que rendir, tiene que ser ponible y tiene que sentirse relevante”.

A un producto clave para SS27 son sus modelos iQushion, considerados los modelos de entrada al mercado de la marca, que ofrecen chanclas y sandalias de piscina ligeras y flexibles, en colores vivos y divertidos, con una tecnología que hace que cada paso “se sienta suave, elástico y ligero”, gracias a la amortiguación de alto rebote que absorbe el impacto y se recupera, al tiempo que reduce la fatiga y mantiene el movimiento fluido.

“iQushion va a ser algo muy especial en los próximos años”, explica Georgiades. “No son solo chanclas, es una parte muy importante de nuestro enfoque estratégico para adueñarnos del verano. El líder del mercado en esa categoría tiene un negocio tremendo, pero no tiene lo que nosotros tenemos; el suyo es básico y no muy cómodo, nuestra tecnología las convierte en unas chanclas con las que se puede vivir”.

FitFlop utilizará las colaboraciones para impulsar el alcance de la marca

Con sus colecciones principales tomando forma, FitFlop también busca impulsar la notoriedad de la marca y ampliar su alcance creativo con una serie de colaboraciones con marcas y diseñadores.

Tras el éxito de su colaboración con la diseñadora de la London Fashion Week, Roksanda, FitFlop está implementando una estrategia de tres vías: colaboraciones con diseñadores que son “más direccionales”, colaboraciones “inesperadas”, junto con colaboraciones más “comerciales”, como las próximas colecciones con Pantone y Haribo, como se ha visto en su reciente línea con Keith Haring, que se inspiró en el uso que el artista hacía de las calles y el metro de Nueva York como un lienzo vivo. Además, FitFlop planea añadir colaboraciones locales con diseñadores locales para garantizar la “relevancia cultural” en mercados clave, como Asia, que se perfila como uno de los mercados más fuertes de la marca.

“Las colaboraciones que hacemos buscan realmente generar interés, el corazón de la marca”, añade Georgiades.

CEO de FitFlop: el éxito global llega con los “socios adecuados”

Desde que se unió a la empresa, Georgiades afirma que FitFlop ha crecido “cada año”, y 2025 fue un año de récord financiero, alcanzando los 170 millones de dólares estadounidenses, frente a los 114 millones de dólares estadounidenses de cuando él llegó.

“No tengo ninguna duda de que esta puede ser una marca de mil millones de dólares”, añade Georgiades. “He trabajado para marcas de mil millones de dólares, así que sé que puede serlo, porque esas marcas no hacen lo que nosotros hacemos”. “Hemos vendido más de 75 millones de pares en todo el mundo; el consumidor elige nuestros productos, e incluso durante los últimos años en los que el mundo ha estado en crisis, hemos crecido casi un +60 por ciento. Estamos en ese período en el que el bienestar, la comodidad y cómo se siente una mujer son realmente importantes. Una vez que fusionemos ese estilo con la comodidad, que es lo que estamos haciendo ahora mismo, la aceleración llegará”.

El Reino Unido es el mercado de origen de la marca; sin embargo, no tiene una tienda propia aquí, sino una distribución multimarca a través de grandes almacenes, como Selfridges y House of Fraser, mientras que en Asia y Oriente Medio ha utilizado socios distribuidores para desplegar tiendas y ampliar el alcance de la marca.

Georgiades ha añadido: “Somos una marca de tamaño pequeño a mediano. Por lo tanto, para poder escalar de verdad, necesitamos los socios adecuados, y empresas como Samsung C&T Fashion en Corea del Sur, Apparel Group en Oriente Medio, Whiteplane en Filipinas y Albion 1879 en España nos están ayudando a escalar a nivel local”.

“Ellos tienen la infraestructura, la experiencia, los minoristas y mayoristas adecuados. No podríamos hacerlo solos. Vemos a nuestros distribuidores como una extensión de nuestro equipo, y trabajamos en colaboración”.

FitFlop a la conquista de Europa y Corea del Sur

La más reciente de estas colaboraciones ha sido con Albion 1879, que introduce, desarrolla y gestiona marcas internacionales en la Península Ibérica, incluyendo AllSaints y Ugg, y que ha inaugurado la primera tienda de FitFlop en España, en Puerto Banús, Marbella, como parte de la estrategia de expansión minorista europea de la marca de calzado británica.

España se describe como un “mercado estratégico” para FitFlop, y Albion 1879 está acelerando la visibilidad y la activación de la marca en todo el mercado, apoyando la visión de la marca de generar impulso en toda Europa.

El crecimiento en Europa también se verá respaldado por un nuevo centro logístico en Europa continental, cuya apertura está prevista para el otoño. Georgiades añade que esta medida permitirá a la marca “acelerar realmente su negocio digital” en toda la región, siendo Alemania y Suiza objetivos clave para la marca.

“El Brexit no ayuda ahora al comercio con Europa continental”, afirma Georgiades. “La demanda está ahí, pero el servicio no ha estado a la altura. Intenta ser un cliente que espera semanas por su producto y paga un sobreprecio. Tener un centro de distribución en Europa continental es un punto de inflexión para nosotros, y lo necesitamos para impulsar absolutamente lo que queremos lograr en Europa continental. Realmente creo que disparará nuestro negocio digital”.

FitFlop también ha comenzado a acelerar su expansión en Corea del Sur a través de una asociación exclusiva con Samsung C&T Fashion, respondiendo a los consumidores que priorizan cada vez más el bienestar junto con la funcionalidad y el estilo, con el calzado centrado en la comodidad emergiendo como una “categoría de gran impulso”, explica la marca de calzado británica.

“Corea del Sur es un mercado que no solo sigue las tendencias, sino que ayuda a establecerlas”, explica Georgiades. “A medida que los consumidores buscan un calzado que se adapte a cómo se sienten y viven, vemos una gran oportunidad para hacer crecer una categoría que combina estilo con rendimiento en el mundo real. Asociarnos con Samsung C&T Fashion nos permite escalar con precisión, combinando la experiencia biomecánica de FitFlop con su excepcional capacidad minorista y digital local para construir un impulso de marca a largo plazo”.

Bajo esta asociación, Samsung C&T Fashion lidera las operaciones minoristas, digitales y mayoristas de FitFlop en toda Corea del Sur. La empresa opera actualmente 22 espacios shop-in-shop prémium en destinos clave, como Lotte Department Store Jamsil, Shinsegae Gangnam y Hyundai Department Store Trade Center. Esta presencia minorista también estará respaldada por “una sólida estrategia en línea y una red de distribución mayorista más amplia”.

La primera tienda conceptual independiente entre ambos se ha inaugurado recientemente en el centro comercial Starfield Suwon, estableciendo la huella física de la marca en el país para acercar la experiencia del producto a los consumidores coreanos. El objetivo es ampliar esta estrategia de tiendas conceptuales a 30 ubicaciones en toda Corea del Sur para finales de 2026.

FitFlop tiene presencia en 88 países, a través de más de 5,000 tiendas y más de 2,000 minoristas. La marca de calzado opera 89 espacios conceptuales en el Reino Unido, Europa, Oriente Medio, India y APAC, y tiene showrooms en Londres y Nueva York.

En Tarragona, mirar escaparates continúa formando parte de las actividades estivales. En Barcelona, la paciencia para el callejeo escasea y quien sale de compras parece tener el objetivo bastante claro. En Pamplona, a las puertas de los Sanfermines, “ir de rebajas” es una actividad pausada. Los Malagueños están en primera línea de playa y en Madrid, quienes siguen en la ciudad parecen tener planes algo más alejados de las bolsas de compra.

Los datos de tráfico comercial muestran una campaña de rebajas con comportamientos muy distintos según el territorio. En general, aunque el tráfico peatonal frente a los establecimientos descendió un +2,3 por ciento respecto al mismo periodo del año anterior, las entradas en tienda aumentaron un +0,6 por ciento, según los datos de la firma barcelonesa de retail intelligence TC Group Solutions.

La información, obtenida a partir de la red de sensores que la compañía opera en las principales zonas comerciales del país, refleja un inicio de campaña marcado por una menor afluencia en el espacio comercial, pero también por una mayor capacidad de los establecimientos para convertir ese flujo en visitas al punto de venta.

Barcelona y Madrid evolucionan con tendencias opuestas

Las dos principales plazas comerciales del país registraron comportamientos divergentes durante la primera semana de rebajas. En Barcelona, el tráfico peatonal retrocedió un -2,9 por ciento, mientras que las entradas en tienda crecieron un +3,2 por ciento, muy por encima de la media nacional. En el conjunto de Cataluña, el tráfico exterior cayó un -3,3 por ciento y las entradas avanzaron un +1,2 por ciento.

Madrid siguió una dinámica distinta. La capital mantuvo prácticamente estable la afluencia en la calle, con un ligero incremento del +0,2 por ciento, aunque las entradas en los establecimientos descendieron un -1,6 por ciento. La Comunidad de Madrid reprodujo ese comportamiento, con un aumento del +0,2 por ciento en el tráfico exterior y una caída del -2 por ciento en las entradas.

Navarra lidera el crecimiento

Por territorios, Navarra fue la comunidad con mejor evolución tanto en tráfico peatonal como en entradas en tienda. La afluencia en sus ejes comerciales aumentó un +2,6 por ciento, en contraste con los descensos registrados en Cataluña (-3,3 por ciento) y Andalucía (-3 por ciento).

Entre las ciudades analizadas, Tarragona (+6,8 por ciento) y Pamplona (+4,7 por ciento) encabezaron el crecimiento del tráfico exterior, mientras que Málaga registró el mayor retroceso, con un descenso del -4,1 por ciento.

En cuanto a las entradas en tienda, Navarra volvió a situarse a la cabeza, con un incremento del +6,6 por ciento, seguida de Cataluña (+1,2 por ciento). Barcelona fue la ciudad con el mayor avance (+3,2 por ciento), por delante de Pamplona y Málaga. En el extremo opuesto se situaron Sevilla (-5,6 por ciento) y Tarragona (-9,4 por ciento), que registraron las mayores caídas del periodo.

La marca estadounidense de denim Levi's ha presentado una colaboración con Christelle Kocher, directora artística de la Maison Lemarié, durante la Semana de la Alta Costura de París, diseñada para mostrar “una reinterpretación radical del denim”.

La colección de 10 piezas reimagina el denim estadounidense a través del “prisma del savoir-faire de la costura francesa”, explica Levi's en el comunicado de prensa, inspirándose en la filosofía “couture-à-porter” de Kocher.

La colección se ha desarrollado íntegramente utilizando el denim como material principal, partiendo de una exploración de la manipulación textil y la artesanía, al tiempo que lleva al límite las fronteras del denim a través de aplicaciones de plumas, bordados a mano, drapeados plisados, construcciones florales y tratamientos escultóricos del tejido.

El resultado es la transformación que Kocher ha hecho de los modelos emblemáticos de Levi's, como el vaquero 501 y la chaqueta Type II, en “piezas de costura de alta confección” con acabados de plumas, bordados y detalles escultóricos, así como siluetas elevadas, desde vestidos de noche de denim negro drapeado hasta llamativos tocados.

Levi's debuta en la Semana de la Alta Costura de París con Christelle Kocher

Diseñada para crear un diálogo entre el denim de diario y la costura, la cápsula presenta intrincados trabajos de plisado, construcciones de plumas y flores y delicadas aplicaciones de encaje, junto con fragmentos de denim recubiertos de resina y bordados de cuero.

Entre las piezas más destacadas se encuentra un vestido largo de plumas combinado con una capa a juego que fusiona denim, encaje y resina en “superficies de ricas texturas inspiradas en las escamas de los peces”, mientras que otras piezas superponen formas de denim plisado para crear bustiers florales abstractos, y los bordados de costura elevan camisetas sin mangas, camisas y prendas de denim a la categoría de lujosas piezas de noche.

En declaraciones sobre la colaboración, Kocher afirmó: "Ha sido un privilegio reunir a estos dos equipos y ver cómo esta colección cobraba vida. Esta cápsula refleja mi vida entre Estados Unidos y Francia, dos países que alimentan mi energía creativa".

Mathilde Vaucheret, vicepresidenta de marketing y experiencia de marca de Levi's en Europa, añadió: “Llevar a Levi's a la Alta Costura de París por primera vez es un momento muy importante para nosotros. Con más de un siglo de historia detrás de la marca, asociarnos con Christelle Kocher nos pareció algo natural. Ella aporta una perspectiva claramente parisina con un toque moderno que complementa nuestra herencia en el denim”.

“Su visión Couture-à-Porter es la forma perfecta de elevar la artesanía del denim. Con esta colaboración, seguimos llevando nuestra icónica marca a nuevos espacios culturales en Europa”.

París - Entre referencias a cuentos como "Jack y las habichuelas mágicas" y piezas históricas del vestuario de Chanel, el diseñador Matthieu Blazy presentó este martes su segunda colección de alta costura para la legendaria marca francesa.

En un decorado lleno de flores de colores, enredaderas y espejos mágicos, en el Grand Palais cerca de los Campos Elíseos, destacaron prendas con alusiones directas a cuentos tradicionales: abrigos hechos como de paja que recuerdan a los espantapájaros o vestidos casi transparentes con plantas trepadoras bordadas.

Otros detalles, como un bolso de mano en forma de osito dormido o un pato que se transforma en cisne en una hilera de botones, sugerían más historias.

"Me pregunté si la vida de Gabrielle Chanel era un cuento. En su biblioteca encontré el pequeño libro 'Las hadas, cuentos de cuentos' y, junto con los talleres de alta costura [de Chanel], exploramos la idea de prendas que transportan historias, como libros", explicó el estilista francobelga en una nota de prensa.

Precisamente la modelo que abrió el desfile llevaba en la mano el ejemplar de este libro de la fundadora de la marca.

Junto a estos looks, algunos ornamentados con pedrería o plumas, Blazy propuso piezas más clásicas de la mítica marca, como su histórico traje, declinado en múltiples facetas: versiones sin mangas, faldas ultracortas, chaquetas abotonadas en la espalda...

Entre los famosos que estuvieron presentes en el show destacaron Teyana Taylor, Tilda Swinton, Pedro Pascal y Lupita Nyong'O.

El texto continúa después de las imágenes:

Armani

Este desfile era uno de los más esperados de esta edición, junto al de Jonathan Anderson para Dior, por ser la segunda colección para la alta costura de ambos diseñadores.

Blazy debutó en enero en esta selecta categoría de moda con una aplaudida propuesta inspirada en la naturaleza, con looks sensuales, llenos de detalles florales y vegetales.

El diseñador francobelga, de 42 años, fue nombrado en Chanel a finales de 2024, luego de su paso por la italiana Bottega Veneta (grupo Kering). En la casa de la doble C, tomó el relevo de Virginie Viard, mano derecha de Karl Lagerfeld que asumió la dirección artística de la firma francesa tras el fallecimiento en 2019 del alemán, quien dominó la marca durante más de tres décadas.

Otro plato fuerte de este martes será el desfile de Armani. Tras la muerte del fundador Giorgio, en septiembre de 2024, es su sobrina, Silvana Armani, quien está a cargo de la alta costura.

En enero ya presentó una primera colección, "como un Armani clásico, pero con un toque de originalidad", donde predominaron los trajes de chaqueta con pantalón, fluidos y satinados, y suntuosos vestidos de noche, en una paleta de negro, blanco, rosa nude y verde agua.

En total, 30 firmas presentarán hasta el jueves sus colecciones de alta costura, una categoría de moda de la que sólo un puñado de marcas forman parte y cuyas piezas están destinadas a las galas y las alfombras rojas.

Madrid – Durante la tarde del pasado jueves, 2 de julio de 2026, los salones del Consulado General de Italia en Madrid acogieron el encuentro “Conexiones de futuro: moda y tecnología en la cadena de suministro de la piel italiana”. Una jornada que tuvimos la ocasión de poder seguir de primera mano desde FashionUnited, invitados por su organización, que se dedicó a analizar cómo desde Italia se trabaja para la puesta en valor de la industria del cuero, el calzado y la marroquinería, y desde la que además se propuso una “alianza estratégica” entre los productores españoles e italianos, frente a la moda fabricada en los países asiáticos.

Organizado por la Agencia Italiana para el Comercio Exterior, más conocida por sus siglas ITA (Italian Trade Agency) o ICE (Instituto per il Commercio Estero), el encuentro reunió a más de 140 profesionales españoles del sector del cuero, el calzado, la marroquinería y la moda, entre representantes de asociaciones sectoriales, fabricantes, talleres, proveedores, marcas, instituciones académicas o miembros de la prensa especializada. Unos asistentes que tuvieron, tuvimos, así la ocasión de atender cuidadosamente a todo cuanto se expuso a lo largo de las diferentes charlas en las que se terminó por estructurar el evento, que siguiendo con lo ya señalado buscó poner el foco de atención principalmente sobre cómo desde Italia tratan de mantener sus manufacturas en piel tanto a la vanguardia de las necesidades que demandan industria y público, como en los máximos niveles de excelencia. Dos pulsiones que son las que en gran medida han permitido convertir a sus salones comerciales en un destino anual irrenunciable tanto para las empresas como para los profesionales de la industria de la moda, a escala global.

Reivindicando justa y muy especialmente ese papel de representatividad, cuanto menos dentro de la industria de la manufactura en cuero a nivel europeo, la cita celebrada en Madrid sirvió del mismo modo para poner en valor el papel y la condición que ocupan dentro del sector y del mercado comunitario las ferias comerciales Lineapelle, el salón internacional del cuero y los accesorios de Milán, y Simac Tanning Tech, la feria dedicada a la tecnología, la maquinaría y la automatización de los procesos industriales de las industrias del calzado y la marroquinería. Dos salones que celebrarán sus próximas ediciones, de manera conjunta, durante los días del 15 al 17 del próximo mes de septiembre, y que se trataron así de acercar a tanto los fabricantes, como a los proveedores, a las marcas y a los compradores españoles, desde esta cita celebrada en Madrid.

Lineapelle y Simac, dos foros desde los que promover la colaboración entre Italia y España en el fortalecimiento de la industria de la moda europea

Contribuyendo a avanzar en favor de esta suma de intenciones, tras la inauguración del encuentro por parte de los representantes institucionales del Consulado General de Italia en Madrid y de la Agencia Italiana para el Comercio Exterior, papel este que se encargó de desempeñar Giovanni Bifulco, director en Madrid de la ITA, se le pasó a ceder el turno de palabra a Fulvia Bacchi, directora general de la Unione Nazionale Industria Conciaria (UNIC), la asociación empresarial encargada de representar a las empresas vinculadas a la industria del cuero italiana, y directora ejecutiva de Lineapelle, el salón comercial internacional organizado por UNIC para la promoción de la producción italiana en cuero.

Durante su intervención, lejos de limitarse a subrayar las particularidades que presenta Lineapelle como feria líder del sector reservada a la exposición de pieles, materiales, componentes, accesorios y soluciones innovadoras para las industrias de la moda, el lujo, el calzado y la marroquinería, Bacchi enfatizó la posición que ocupa el salón como “punto de encuentro” internacional para todos los agentes de toda la cadena de valor de la industria de la moda. Agentes entre los que se incluyen tanto desde a marcas y a fabricantes consolidados, como a las jóvenes promesas emergentes y a las que la feria busca de manera activa dar un espacio con voz propia, reservado a jóvenes diseñadores procedentes de las distintas partes del mundo. Regiones entre las que se incluyen naturalmente España, país sobre el que Bacchi destacó especialmente las fuertes relaciones comerciales que mantiene con Italia, país del que se posiciona como el segundo destino para sus exportaciones.

Desde ese contexto, la CEO de Lineapelle salía así a promover la posición de la feria como el perfecto marco desde el que seguir ahondando en esas relaciones comerciales entre España e Italia, pero y ya ni tan siquiera limitándose a ello. Y es que mirando más allá de las relaciones de interés que puedan llegar a establecerse entre las empresas de uno y otro país, y siguiendo con el mensaje planteado durante su intervención por el mismo Giovanni Bifulco, Bacchi lo que salía era además a reafirmar a Lineapelle como un espacio de colaboración entre las empresas de Italia y de España, para su defensa de manera conjunta del ecosistema empresarial e industrial europeo.

Una “pinza” Italia-España, frente a la competencia que llega de Asia

Esta tesis y mensaje se terminó de presentar de manera todavía más clara durante el turno de palabra de Agostino Apolito, director general de ASSOMAC, la Asociación Nacional de Fabricantes Italianos de Maquinaria y Accesorios para el Curtido y la Fabricación de Calzado y Marroquinería, y director ejecutivo de Simac Tanning Tech, el salón comercial que promociona la misma organización empresarial italiana. Una intervención la suya de la que se sirvió para, a las claras, plantear una “alianza estratégica” entre los productores españoles e italianos, defendida sobre la tesis de que, a día de hoy, no existe ni debe sostenerse ni alimentarse el mensaje de una competencia entre Italia y España. No cuando el foco debe de ponerse en una realidad supranacional, desde la que Italia y España deben de trabajar de manera conjunta y como aliados en la defensa de ese ecosistema empresarial e industrial europeo del que ambos países participan, frente a los modelos industriales que, sostenidos sobre otros valores y otras dinámicas, alimentan las industrias de la moda de los países asiáticos como pueden ser la India, Bangladés o China.

Como parte de su intervención durante el acto, Apolito inició su charla realizando una breve descripción de qué es lo que hacen y qué es lo que tratan de llevar a cabo tanto desde ASSOMAC como desde la feria Simac, para a renglón seguido salir a reivindicar cómo la tecnología para las industrias del cuero a las que el salón reserva sus distintas convocatorias, deben de entenderse como un valor estratégico para el futuro de Europa. Una cuestión para la que no dudó en defender además el valor conjunto que representan, y que deben saber representar, los ecosistemas industriales y empresariales de España e Italia, países a los que niega la cualidad de “países productores”, para otorgarles la todavía más elevada de “países que protegen la herencia manufacturera” de Europa. Un “saber hacer” que hay que defender, proteger y potenciar como un valor diferencial, venía a reivindicar, y que es el que justamente a día de hoy lleva a ambos países a generar más de 35 000 millones de euros de facturación, de los 48 000 millones en ventas que se generan en Europa vinculadas a las industrias del cuero, el calzado y los complementos en piel. Facturación que se genera dentro de un ecosistema industrial del que, de manera conjunta entre España e Italia, participan más 192 000 trabajadores de los 435 000 a escala europea, y 13 000 empresas, de las 36 000 que se estiman para el conjunto de toda la Unión Europea.

Desde esas métricas, esos valores compartidos y esas capacidades atribuidas de representatividad de la “excelencia” dentro del sector y del mismo ecosistema industrial europeo, Apolito salió durante su intervención a ir mucho más allá de su puesta en valor, para proponer “una alianza estratégica” entre los productores españoles e italianos. Entre unas empresas y unos profesionales que “pueden hacer mucho trabajando juntos”, y a cuyo servicio desde Italia ponen las ferias comerciales de Lineapelle y de Simac, desde donde se van a generar las “relaciones industriales del futuro”. “No hay otras ferias equiparables en toda Europa”, defendía Aplito desde el Consulado General de Italia en Madrid, y desde esa condición, invitaba a los productores y a las empresas españolas a sumarse a sus celebraciones, para desde ellas terminar de reforzarlas, y terminar de formalizar una “pinza” entre ambos países, contra la producción procedente de Asia. Y es que “no existe una Italia que compite con España”, sino que lo que existe es “una Europa que compite con China, con Bangladés” y con el resto de los países productores asiáticos. Por tanto “la competencia no está entre Milán y Madrid, es entre modelos industriales que se basan en otros factores”, y valores, distintos a los que se defienden desde los ecosistemas industriales de ambos países. Y frente a esas dinámicas, España e Italia deberían de estrechar su colaboración para proteger su “herencia manufacturera”, al tiempo que promueven las últimas tecnologías como su gran “motor” para la competitividad.

“En un contexto económico y de mercado complejo, el verdadero desafío no es fomentar una competencia interna” a nivel europeo “entre Italia y España, sino reforzar una cooperación estratégica capaz de preservar el liderazgo europeo frente a actores asiáticos que adoptan dinámicas competitivas cada vez más agresivas y proteccionistas”, señala en esa misma dirección el mismo Agostino Apolito, director general de ASSOMAC y CEO de Simac Tanning Tech. Una feria que defiende como “un instrumento de gran valor para esta colaboración”, y como a un salón que “se integra plenamente en esta estrategia, consolidándose como el espacio donde esta alianza sectorial se hace realidad” al presentarse como “una plataforma europea para el desarrollo industrial y la cooperación internacional”, abierta a los agentes “de toda la cadena de valor continental”.

Comercio, tecnología y nuevas tendencias

Tras tratar de ambas ferias comerciales, y abordar esas diferentes cuestiones sobre las relaciones comerciales entre ambos países, y las potencialidades que encierran sus posibles alianzas y acuerdos de colaboración para preservar sus tradiciones manufactureras, al tiempo que impulsan la investigación e implementación de las últimas tecnologías que contribuyan a proyectar su futuro, el encuentro tocó a su fin con una breve charla sobre las últimas tendencias que están marcando el momento actual del sector. Un conferencia que corrió a cargo de Orietta Pelizarri, consultora especializada en moda y diseño que colabora para organismos e instituciones como la Camera Nazionale della Moda Italiana, o las mismas Italian Trade Agency y Lineapelle, y quien entre otras cuestiones subrayó desde el creciente valor dentro de la industria que está adquiriendo la “tecnología invisible”, a través desde de tejidos y materiales, al continuo auge en el que se mantiene la tendencia de “la nostalgia”. Un factor que destacaba que a día de hoy es incluso capaz de mover más al consumidor que la tecnología, contando a este respecto con una especial relevancia entre los miembros de la Generación Z.

Sin haber publicado ni una sola foto, Dior ha generado un valor de impacto mediático de 15 millones de dólares con el vestido de novia de Taylor Swift, según los nuevos datos de Launchmetrics.

La cantante se casó con la estrella de la NFL Travis Kelce el 3 de julio, luciendo un diseño a medida de Jonathan Anderson, quien se incorporó a la maison francesa como director creativo en 2025. El mediático evento se celebró en el Madison Square Garden de Nueva York e inundó las redes sociales durante el fin de semana.

Según el algoritmo MIV de Launchmetrics, que asigna una cifra monetaria a la exposición de la marca en redes sociales, publicaciones online y medios impresos, el look nupcial de Swift también ha generado para Cartier unos 5,9 millones de dólares en exposición, mientras que Christian Louboutin ha obtenido 5,8 millones de dólares en MIV. Los datos se recopilaron en las primeras 48 horas posteriores a la ceremonia.

Se prevé que las cifras sigan aumentando a medida que se conozcan más detalles, especialmente si Swift o Kelce publican fotos o vídeos oficiales de la boda, algo que ninguno de los dos ha hecho hasta ahora.

La boda de Swift tuvo lugar pocos días antes de que Anderson presentara la colección de Alta Costura Otoño/Invierno 2027 de Dior en París el lunes. El diseñador presentó looks inspirados en la obra de la escultora estadounidense Lynda Benglis, con plisados, lazos y formas dramáticas, sin abandonar su temática de jardines y naturaleza.

El momento es especialmente significativo para LVMH en un sentido más amplio. Las ventas declaradas del grupo cayeron un -6 por ciento en el primer trimestre del año, en gran parte debido a un fuerte viento en contra de las divisas, aunque el crecimiento orgánico se mantuvo en un +1 por ciento. La división de moda y artículos de piel, la más grande del grupo y a la que pertenece Dior, se contrajo un -2 por ciento, y la guerra en Oriente Medio añadió aún más presión. En este contexto, un momento viral como el del vestido de novia puede ofrecer a LVMH el tipo de notoriedad de marca orgánica que sus cifras no han estado generando por sí solas.

Ayer, el gigante del lujo Lvmh anunció a los nueve finalistas, seleccionados entre las más de 250 candidaturas recibidas, de la cuarta edición del premio Maestri d’eccellenza, creado por Mestieri d’eccellenza Lvmh y organizado en colaboración con Confartigianato Imprese, la Camera della Moda Italiana y la Fondazione Bvlgari.

Para la cuarta edición del Premio Maestri d’Eccellenza Lvmh, un jurado de preselección, compuesto por representantes de los cuatro socios implicados, ha identificado, entre las candidaturas recibidas, a tres finalistas para cada categoría del premio: Maestro artigiano d’eccellenza (que premia a profesionales y empresas con al menos 10 años de experiencia, que se han distinguido por su creatividad y competencia técnica), Maestro emergente artigiano d’eccellenza (reservado a quienes representan un proyecto artesanal prometedor realizado en los 10 años anteriores a la presentación de la candidatura al concurso) y Maestro dell’innovazione d’eccellenza (para profesionales y empresas que destacan por su capacidad de innovación, preservando al mismo tiempo el patrimonio de conocimientos y competencias históricas).

Los finalistas del premio Maestro artigiano d’eccellenza 2026 son Carlo Colombo (Tessitura la Colombina), savoir-faire: arte textil; Daniel Mauceri (Arte Pupara dal 1978), savoir-faire: arte pupara; y Elena Ciarrocchi, savoir-faire: bordado en oro. Esta última es una bordadora profesional especializada en el bordado a mano en oro.

Los finalistas de Maestro emergente artigiano d’eccellenza 2026 son Federica Paglia, savoir-faire: cerámica; Verde Alfieri, savoir-faire: joyería en papel; y Lorenzo Seghezzi, savoir-faire: sastrería contemporánea.

Los finalistas de Maestro dell’innovazione d’eccellenza 2026 son Mirei Monticelli (Casa Monticelli srl), savoir-faire: esculturas e instalaciones luminosas; Graziella Carta (Studio Pratha), savoir-faire: arte textil; y Karin Monica, savoir-faire: sombrerería.

A partir de esta primera selección, un jurado de excepción elegirá al ganador de cada categoría, que será anunciado durante un evento que se celebrará el 14 de septiembre en el Bvlgari Hotel Roma.

Para la temporada Primavera/Verano 2027, la Berlin Fashion Week ha mostrado una vez más su faceta más experimental, no solo sobre la pasarela, sino también fuera de ella. En los desfiles de marcas como GmbH, Haderlump, Clara Colette Miramon y Milk of Lime, invitados, modelos y profesionales de la moda han posado con sus looks. El abanico de estilismos abarca desde lo más informal y relajado hasta la vanguardia.

Un repaso a los mejores looks de street style

En París, Iris van Herpen ha demostrado una vez más que la naturaleza es un excelente punto de partida para el segmento más lujoso de la moda. Ha debutado con sus vestidos de "plasma" en Sonic Starquakes, una colección inspirada en las estructuras de los "terremotos estelares" o supernovas en explosión.

Al igual que en los terremotos terrestres, las estrellas vibran por las ondas de energía que las atraviesan, aunque a años luz de distancia. La belleza es un efecto secundario, si bien no es la impresión que da la colección.

Fractual Universe

El vestido "Fractal Universe", la pieza central de la colección, evoca tanto las doce campanadas de Nochevieja como un apocalipsis siniestro. Unos relámpagos recorren el vestido, y son absolutamente reales. Para lograr este efecto, Van Herpen cargó su diseño con electricidad. Posteriormente, fue conservado criogénicamente para retener la energía de miles de millones de electrones atrapados.

En las noches previas al desfile, esa tensión comenzó a descargarse de forma autónoma (el plan original era que lo hiciera en la pasarela) materializando destellos ramificados recorrían la estructura tridimensional. La energía que se libera se denomina plasma, el componente principal de las estrellas, el viento y las nebulosas.

El efecto ha dejado a todos boquiabiertos en París. Entre ellos, a la princesa Maria Chiara de Borbón-Dos Sicilias y a la actriz Daphne Guinness, ambas musas y clientas de la diseñadora.

La colección se inspira, entre otras cosas, en un experimento de la investigadora galesa Margaret Watts Hughes (1842-1907), que intentó materializar su propia voz en arte. Inventó el eidófono, una especie de megáfono con una membrana de polvos de colores. Con las vibraciones de su canto, estos comenzaban a desplazarse por la superficie, creando una obra de arte.

Helix Nebula

Además de este vestido relámpago, Van Herpen también ha presentado en París el Helix Nebula (bautizado así por la nebulosa planetaria). El top se compone de dos formas lunares esculturales de vidrio soplado a mano, rellenas de plasma, que reaccionan al tacto. En la pasarela, tenuemente iluminada, la estructura brillaba con un resplandor místico de color rojo intenso. Para el cuerpo, Van Herpen ha utilizado fino vidrio soplado a mano —una técnica que ya empleó en el vestido que este año fue el centro de atención de la Met Gala—. La deportista de élite Eileen Gu lució la creación de 15,000 burbujas iridiscentes, fijadas sobre un tul casi invisible y que cobraban vida con luz ultravioleta.

Menos de un día después del desfile, la colección ya se ha vuelto viral en TikTok e Instagram; la diseñadora de Wamel ha logrado una vez más dotar a la moda de un velo intelectual. Al conectar con la ciencia y la tecnología, pone el foco en la naturaleza, que tanto valora.

La recurrencia a las maravillas de la naturaleza como punto de partida de su moda podría llevar a la errónea conclusión de que Van Herpen intenta explicarnos el universo. Pero esa no es su intención, como aclara en las notas del desfile: “A nuestro alrededor, y en nuestro interior, vastas dimensiones de la realidad permanecen por descubrir. (…) No busco explicar estas fuerzas; en cambio, agudizan nuestra conciencia de lo desconocido, recordándonos los misterios que yacen en este multiverso”.

París - El plisado en todo su esplendor. El diseñador Jonathan Anderson hizo un elogio a los pliegues en su segunda colección de alta costura para Dior, presentada este lunes en París.

Desde escultóricos vestidos hasta conjuntos más fluidos, pasando por abrigos y pantalones, una gran parte del guardarropa propuesto por el diseñador norirlandés para la temporada otoño-invierno 2026-2027 tenía esta técnica del pliegue.

Anderson, gran amante del arte, quiso hacer un homenaje a la artista estadounidense Lynda Benglis, conocida por sus esculturas y piezas en relieve.

"Muchas obras de la artista nacen de materiales bidimensionales que, mediante técnicas de anudado, plisado o moldeado, se transforman en objetos tridimensionales. El arte de la alta costura realiza una transformación similar: el tejido adquiere una forma escultórica, que se acentúa cuando se lleva puesto", explicó el estilista en una nota de prensa.

En lo que parecía un bosque de helechos, en el museo Rodin, se sucedieron las siluetas, en tonos a menudo blancos, grises y negros, pero también con toques cobres, plateados, rojos o verde manzana.

Muchas prendas tenían detalles florales, como un conjunto en malla de amplios pliegues llamados milhojas, o un abrigo negro terminado en helechos blancos bordados.

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Sabrina Carpenter, Josh O'Connor, Pharrell Williams o Priyanka Chopra fueron algunas de las estrellas que asistieron al desfile.

Anderson, considerado uno de los niños prodigio de la moda, es un trabajador infatigable. Hace apenas dos semanas presentó en París la línea masculina de la firma francesa, y su nombre volvió a circular estos días como el creador del vestido de novia de Taylor Swift para su boda con Travis Kelce en Nueva York.

Con 41 años, el británico fue nombrado el año pasado director artístico de las colecciones femeninas y masculinas de Dior. Se convirtió así en el primer diseñador desde Christian Dior en supervisar las tres líneas de la casa emblemática de LVMH, incluida la alta costura.

A diferencia de la Semana de la Moda, la alta costura se celebra en enero para la temporada de verano y en julio para la de invierno, solamente en París. Se trata de una especificidad francesa en la que se presentan piezas únicas, hechas siempre a mano, destinadas sobre todo a las grandes galas y las alfombras rojas.

La firma española de moda nupcial Rosa Clará ha presentado sus colecciones para 2027 y amplía su oferta con una nueva línea, Rosa Clará Edition, según informa la compañía en un comunicado de prensa. Con ella, la oferta abarca siete líneas.

Según la marca, varias tendencias marcan la temporada. El corsé ocupa un lugar central y aparece en varias líneas, a menudo con ballenas y talle en pico. A ello se suman un estilo de inspiración medieval, un nuevo escote en media luna más profundo y detalles transformables como colas desmontables, sobrefaldas y sobrefaldas tipo tulipán, que permiten cambiar el look a lo largo del día de la boda.

La nueva línea Rosa Clará Edition apuesta, según la firma, por diseños muy elaborados. Entre ellos figuran vestidos de princesa en encaje floral con flores en 3D y faldas amplias, así como vestidos de línea A en encaje, combinados con detalles como chokers y guantes de encaje.

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El resto de líneas mantienen su carácter propio: Rosa Clará Couture pone el foco en las siluetas de corsé, los vestidos cortos y los modelos en crepé, mientras que la línea principal Rosa Clará reinterpreta sus vestidos de crepé con pliegues y plisados, además del corsé de inspiración medieval. Rosa Clará Dreams se centra en los vestidos de princesa voluminosos, Rosa Clará Bohème en diseños más sencillos y en encaje de guipur, Rosa Clará Soft en diseños fluidos y drapeados en satén, y Rosa Clará Gatsby en un estilo inspirado en los años veinte, con pedrería y flecos.

París - ¿Se inspirará en un cuento? Los focos están centrados este martes en el desfile de Chanel en París, donde Matthieu Blazy presentará su segunda colección de alta costura para la legendaria marca francesa.

Tras debutar en enero con una oda a la naturaleza, con looks sensuales, llenos de detalles florales y vegetales, hay mucha expectativa ante la nueva propuesta del diseñador francobelga.

Según las imágenes difundidas por la firma en las redes sociales, Blazy podría presentar una colección con aires de cuento.

En un breve video, se ve a una niña en dibujos animados que deja caer una semilla en lo que parecen los míticos locales de Chanel. De ella surge una planta con flores que va creciendo, avanzando por la conocida escalera con espejos, hasta llegar al cielo y formar las dos C del logo de la marca.

A modo de invitación, la firma envió un colgante en forma de libro, donde se puede leer en la tapa: "Once upon a time" ("Érase una vez").

Blazy, de 42 años, fue nombrado en Chanel a finales de 2024, después de su paso por la italiana Bottega Veneta (grupo Kering).

En la casa de la doble C, tomó el relevo de Virginie Viard, mano derecha de Karl Lagerfeld y que asumió la dirección artística de la firma francesa tras el fallecimiento en 2019 del alemán, quien dominó la marca durante más de tres décadas.

El director artístico de Dior, Jonathan Anderson, también presentó ayer su segunda colección para la alta costura, en la que propuso un guardarropa con muchos plisados y drapeados.

Los desfiles el miércoles de Balenciaga y Jean Paul Gaultier, que cambiaron recientemente de directores creativos y estuvieron ausentes en la anterior temporada, forman parte de los momentos más esperados de esta edición.

En total, 30 firmas presentarán hasta el jueves sus colecciones en esta selecta categoría de moda, de la que sólo un puñado de marcas forman parte y cuyas piezas están destinadas a las galas y las alfombras rojas.

Cada nueva colección de ZENGGI es el resultado de un ejercicio de equilibrio concentrado entre todo lo anterior y lo nuevo, entre la sobriedad masculina y el refinamiento femenino, entre lo natural y lo técnico, lo manual y lo depurado, y entre la belleza y el confort. ZENGGI reduce estas dualidades a una sutil tensión para que cada prenda se integre a la perfección en los armarios existentes y, al mismo tiempo, irradie esa codiciada “actualidad”.

Así, para Primavera/Verano 2027, ZENGGI ha evolucionado hacia un estilo de sastrería deconstruida —suelta, suave y casi informal—, con un fuerte contrapeso femenino a todo lo masculino y, aquí y allá, algunas influencias ecuatoriales características. Además, se han añadido más abrigos a la colección y, por primera vez, se ha incluido auténtico denim. La paleta de colores es familiarmente natural y rica en contrastes, con ricas gradaciones entre el blanco y el negro, entre el latte y la arcilla oscura, entre el niebla y el azul tinta, entre el caqui y el cítrico, y entre el rosa empolvado y el shiraz.

La ropa masculina sigue siendo una importante fuente de inspiración, pero este vocabulario atemporal de formas, colores y texturas se adapta cuidadosamente al cuerpo femenino: más suave, más redondeado y tridimensional. El estilo se mantiene amplio, largo, vaporoso y ligero, pero con un acento femenino en la cintura. Para combinar con los numerosos pantalones y faldas anchos, se proponen blazers cortos o cazadoras tipo blusón con un look híbrido de sastrería. Junto al ya conocido crepé japonés de ZENGGI, los popelines resistentes y las sargas robustas, hay varias mezclas de lino, con o sin rayas o cuadros, que combinan la nostalgia veraniega con una sensación técnica más moderna. Esta misma tensión se refleja en dos temas de rayas oscuras con blusas boxy y pantalones y faldas anchos en una mezcla de algodón técnico o viscosa fluida.

Animada por el éxito de los estilos de denim ligero sin lavar, como un pantalón ancho de pinzas que se ha agotado rápidamente durante varias temporadas, ZENGGI da sus primeros pasos en el auténtico denim para SS27 con una pequeña serie de cortes de cintura alta en un lavado claro o en sarga de Nimes blanca sin blanquear.

El caftán es uno de los elementos de estilo ecuatorial que caracterizan la colección, como un caftán largo negro de lino 100 por cien con bolsillos en el pecho de estilo safari. También destaca la sensación artesanal de la India del algodón tejido a mano (handloom) para lujosas blusas-caftán sueltas, una blusa corta y ancha y un vestido camisero largo con un delicado frente plisado en voile de algodón, con o sin estampado de lunares, o las blusas de algodón adornadas con finos bordados en blanco o negro. Largos y vaporosos vestidos de verano con muchos pliegues o un modelo de punto con un drapeado que ciñe la cintura completan esta vibrante estampa veraniega.

Además de los blazers cortos y los blusones, también hay abrigos largos que añaden capas a la colección: una gabardina larga oversize y un abrigo mac XL también oversize en una mezcla de algodón y nailon ligeramente arrugada, y un elegante abrigo mac andrógino en el crepé japonés fluido característico de ZENGGI como la prenda de entretiempo perfecta.

Finalmente, en la sección de punto, hay una generosa oferta de los clásicos de ZENGGI, como jerséis de cuello redondo, cárdigans boxy, chalecos, polos, tops y camisetas holgadas en calidades exquisitas como merino extrasuave, lujosas mezclas de lana con cachemira y algodón, una alpaca de verano, una mezcla de papel washi y lino. Cortes boxy, cinturillas anchas y ajustadas e incluso un top acampanado de línea A o un jersey entallado con un ligero peplo, todo para conseguir ese delicado toque femenino.

Stay smart, stay modern, keep going in grace!

París - Con vestidos escultóricos en silicona y referencias marinas, Schiaparelli inauguró ayer lunes la Semana de la Alta Costura de París.

Titulada "El abismo", la propuesta de Schiaparelli para la temporada Otoño/Invierno 2026/2027 estuvo repleta de corsés ultraceñidos en materiales sintéticos combinados con faldas bordadas transparentes o pantalones recubiertos de perlas.

"Hemos trabajado sin descanso para desarrollar nuevas técnicas de fabricación y nuevos materiales, inéditos en la alta costura. El corpiño hiperrealista de un vestido no se moldea, sino que se esculpe antes de ser fundido en silicona y pintado de azul cielo", explicó el estadounidense Daniel Roseberry, director artístico de la marca desde 2019, en una nota de prensa.

Otro modelo incluía una chaqueta en silicona blanca con una parte de encaje en trampantojo, una técnica muy habitual en la firma, que ya utilizaba su fundadora, la italiana Elsa Schiaparelli.

La inspiración marina se ve en varios conjuntos, como uno en látex negro con tentáculos, o en un vestido en tul recubierto de puntos en silicona negros, como escamas, que recuerda a una medusa.

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El artista boricua, que dio dos conciertos este fin de semana en la capital francesa, lució un traje amarillo pastel y una corbata dorada en forma de trenza. En la solapa llevaba dos broches típicos de la marca, una cerradura y un ojo.

El momento más esperado de la jornada será sin embargo el desfile de Dior, donde Jonathan Anderson presentará su segunda colección de alta costura para la marca francesa desde que tomó sus riendas creativas el año pasado.

En su debut en la alta costura en enero, el estilista norirlandés propuso un guardarropa lleno de alusiones florales.

Todo parece indicar que la naturaleza también estará muy presente este lunes, según las imágenes difundidas por la marca en Instagram en las que se ven exuberantes plantas con los sonidos de una tormenta de fondo.

Otro momento clave de esta edición será el desfile de Chanel, hoy martes, en el que el francobelga Matthieu Blazy también presentará su segunda colección de alta costura para la marca de la doble C.

Los desfiles el miércoles de Balenciaga y Jean Paul Gaultier, que cambiaron recientemente de directores creativos y estuvieron ausentes en la anterior temporada, generan también mucha expectativa, entre las 30 firmas que presentarán hasta el jueves sus colecciones.

A diferencia de la Semana de la Moda, la alta costura se celebra en enero para la temporada de verano y en julio para la de invierno, solamente en la capital francesa. Se trata de una especificidad francesa en la que se presentan piezas únicas, hechas siempre a mano, destinadas sobre todo a las grandes galas y las alfombras rojas.

Con temperaturas de más de veinte grados y un sol que se ocultaba de forma intermitente tras las nubes, Modefabriek se ha celebrado este domingo y lunes cerca de la capital de los Países Bajos. Además, la feria profesional conmemora este año su trigésimo aniversario. Mientras los compradores recorrían los stands para realizar los pedidos de las colecciones Primavera/Verano 2027, muchas marcas también han apostado por un gran despliegue visual. Summum ha optado por una presentación con aire de desfile, mientras que Beaumont Amsterdam ha transportado a los visitantes a un stand ambientado como un taller de costura bajo el lema “Atelier de Beaumont”. FashionUnited ha hablado con varios expositores sobre las colecciones y las prendas que más han despertado el interés de los compradores durante Modefabriek.

La moda puede volver a ser divertida

“Con todos los problemas que hay en el mundo, la moda necesita una buena dosis de diversión”, ha comentado Lilly Gordijn, directora de arte de Beaumont Amsterdam, que forma parte de Stone Fashion Group. Para la temporada SS27, esto se traduce en pedrería brillante, colores llamativos y diseños de aire optimista. Actualmente, Beaumont Amsterdam cuenta con unos 220 puntos de venta en 17 países. El rango de precios de sus americanas va desde los 169 euros para las piezas de la colección principal hasta los 300 euros para los artículos premium.

En Summum, añadir carácter a las prendas también es un elemento central. “En cada prenda pasa algo”, explica la fundadora Jorien Wijker. “Ya sea un bordado, un estampado o un cuello alzado”. Señala una blusa que, según ella, representa a la perfección la esencia de Summum. “Transmite esa sensación de boutique, pero al mismo tiempo sigue siendo accesible”. A mitad de la conversación, el cofundador Jos Wijker asoma la cabeza. “¿Jorien, nos damos una vuelta en la noria con una copa de champán?”, pregunta sonriendo. La anécdota refleja el ambiente relajado que se respira en la feria.

El color marca la pauta

Para varias marcas, los colores llamativos desempeñan un papel fundamental en las colecciones SS27. Por ejemplo, los fundadores de Penn & Ink, Mark y Felice De Lorme, han notado que los compradores reaccionan con especial entusiasmo al verde y al naranja. La marca neerlandesa, que actualmente cuenta con cuatro flagship stores y se vende en 13 países, se posiciona en el segmento medio-alto. El precio de venta al público de una americana parte de unos 200 euros y puede llegar hasta los 350 euros.

La marca de moda bruselense TWNS The Label también apuesta fuerte por el color. “La colección de primavera gira en torno a los ‘colores vitamina’, como el cítrico y el naranja”, explica la agente Diandra Klapmeijer, de Brand District. El nombre de la marca hace referencia a los gemelos de sus fundadores, Tara Bellay y Dimitri Valckaert. “El objetivo es aportar más color a la moda”. Los jerséis tienen un precio de venta al público de entre 109 y 169 euros. TWNS trabaja con materiales naturales como mohair, supermohair, lana de mapache, cachemira reciclada, lana merina, alpaca y algodón. Según Klapmeijer, TWNS cuenta con unos setenta puntos de venta en los Países Bajos y aproximadamente seiscientos en Europa y el Reino Unido.

La marca de moda italiana Silvian Heach, representada por la agencia Jos Bles, observa la misma tendencia. Según la account manager Eva Vink, un conjunto verde con un llamativo estampado de Bambi está recibiendo una acogida muy positiva. Actualmente, la marca cuenta con aproximadamente 45 puntos de venta en los Países Bajos.

Accesorios para “darle un toque especial”

En 10Days, la colección SS27 no se centra en un color o material de tendencia específico. Según Sabrina Hartmann, country coordinator para Alemania, la clave está en el estilismo. “Spice it up”, afirma. Y en eso, los accesorios juegan un papel fundamental. Así, un gran collar de conchas con un precio de unos 40 euros es una de las piezas más destacadas de la colección. Además, la marca de Ámsterdam ve un gran potencial en los pantalones con silueta en forma de O, un corte que aparece en varios de sus diseños. Dependiendo del modelo, los precios de venta al público oscilan entre 139 y 199 euros. En lugar de una gran colección de temporada, 10Days opta por cuatro lanzamientos mensuales, desde “city vibes” y “spring essentials” hasta “holiday essentials”.

Las siluetas y los materiales siguen evolucionando

En el terreno de las siluetas, varias marcas de moda también apuntan en la misma dirección. Según Lydia van Egmond, agente de MAC Jeans y Daydream, entre otras, el foco se está desplazando lentamente de los pantalones wide leg a los de corte recto o straight leg. En su opinión, el pantalón barrel seguirá siendo importante, pero para la primavera se confeccionará en tejidos más ligeros. Además, Van Egmond prevé que los pantalones cargo van a desempeñar un papel destacado, a menudo confeccionados en popelín. En Daydream, los precios de venta al público se sitúan entre 169 y 209 euros.

Debut en Modefabriek Para The Lola Club, la edición de esta temporada es especialmente significativa. La marca neerlandesa, que cumple cinco años, lleva un año y medio operando en el canal wholesale. Por lo tanto, esta es su primera participación en Modefabriek.

“Para nosotros, es una gran oportunidad para dar a conocer más la marca”, comenta con entusiasmo la sales manager Jessie van 't Hoff. Actualmente, The Lola Club cuenta con 84 puntos de venta en los Países Bajos, 14 en Bélgica y 10 en Alemania. Según Van 't Hoff, la fuerza de la marca reside en la versatilidad de su colección. Sus líneas de activewear, beachwear y loungewear están diseñadas para que las prendas puedan llevarse también fuera de los momentos de actividad deportiva. Una blusa de lino en un llamativo tono naranja tiene un precio de venta al público de 119,95 euros, mientras que el short a juego cuesta 89,95 euros.

De marca de vestidos a colección total

En Freebird Icons, que forma parte de la agencia de moda Blosh, la innovación y la expansión también son fundamentales, pero sin perder de vista los orígenes de la marca. “Empezamos como una marca de vestidos, pero ahora hemos ampliado mucho la colección”, explica la directora comercial Ilse de Vries. Aun así, la marca sigue “rindiendo homenaje al vestido”. Esto se refleja en The Dress Edit, una selección de nueve vestidos diseñados especialmente para la ocasión. Además, como novedad esta temporada, se han introducido zapatos y bolsos. “Con esto, completamos el look”, concluye De Vries.

En cuanto al color, Freebird Icons observa un cambio dentro de las tendencias existentes. Los tonos amarillos claros dan paso a variantes más intensas, mientras que el rosa pálido evoluciona hacia un llamativo rosa chicle.

Modefabriek, un ambiente “acogedor”

Durante un recorrido por la feria el domingo, llamó la atención que muchas marcas habían trasladado por completo su identidad de marca a la presentación de sus stands. Desde decorados temáticos hasta baristas que servían café recién hecho y otros manjares a los visitantes, muchos expositores prestaron una atención visible a la experiencia en la feria. Una expositora describe Modefabriek como un evento más “acogedor” que muchas otras ferias de moda. Al mismo tiempo, expresa algunas reservas sobre el número de visitantes. Según ella, en ese momento el ambiente parecía más tranquilo de lo esperado y tenía la impresión de que había relativamente muchos familiares y amigos en comparación con el número de compradores.

Tras una jornada en la feria, se perfila una imagen clara de la temporada Primavera/Verano 2027. Los colores llamativos como el verde, el naranja y los cítricos seguirán siendo importantes; los accesorios adquirirán un papel más destacado, y las siluetas evolucionarán sutilmente con pantalones de corte recto (straight leg), barrel y cargo. Pero, por encima de todo, una idea parece conectar las distintas colecciones: la moda puede volver a ser divertida.

Nota de la redacción: Este artículo fue actualizado el 7 de julio de 2026.

El esfuerzo está dando sus frutos poco a poco. Con el desfile de clausura de GmbH, la Berlin Fashion Week concluyó el domingo por la noche. El evento se está consolidando cada vez más como un referente internacional de la moda, tanto para diseñadores y marcas como para compradores y medios de comunicación. Incluso el canciller alemán ha rendido homenaje a la industria.

Hace casi cinco años, el Fashion Council Germany comenzó a desarrollar, junto con el Senado de Berlín, una estrategia para el futuro de la Berlin Fashion Week. La pregunta central era: ¿cómo posicionar a Berlín en el calendario internacional de la moda y con qué sello distintivo?

“Nuestra respuesta fue clara: Berlín debe convertirse en la plataforma para los talentos emergentes. Hoy en día, especialmente los jóvenes diseñadores, se enfrentan a enormes desafíos y necesitan visibilidad”, ha explicado a FashionUnited Christiane Arp, presidenta del consejo del Fashion Council Germany.

Que el concepto parece estar funcionando es algo que se puede observar temporada tras temporada en la evolución y profesionalización de las marcas que utilizan la plataforma de la Fashion Week.

“Ver este crecimiento es fantástico”, ha añadido Arp. Berlín no solo destaca por las marcas participantes, sino también por el elenco de invitados internacionales, compuesto por compradores y profesionales de los medios, lo que subraya la importancia del evento. Por ejemplo, compradores de Antonioli, H Lorenzo, Hankyu, Isetan, Printemps, Roadsign, SVRN, Takashimaya, United Arrows, Velvet y Voo Store han aceptado la invitación del Fashion Council, así como numerosos periodistas y creadores de contenido internacionales. “Ahora también se están realizando pedidos”, ha añadido Scott Lipinski, CEO del Fashion Council Germany. “Las tiendas internacionales son importantes multiplicadores: lo que se vende en ellas, se conoce en todo el mundo”.

Por parte de las marcas, también está claro que el esfuerzo merece la pena. “Para una marca joven, actualmente no hay un lugar mejor que la Berlin Fashion Week y la oportunidad de crecer con el Fashion Council”, ha afirmado Mario Keine, de la marca de moda masculina Marke. Él mismo ha presentado su propia colección y, posteriormente, ha expuesto durante un día en el showroom del hotel de la Fashion Week, donde también se alojaban los invitados internacionales. “La visibilidad que obtenemos aquí sería casi imposible en París. Allí, como marca pequeña, tendríamos que competir por la atención de compradores y medios entre muchas otras. El concepto está dando sus frutos poco a poco”.

La marca berlinesa Haderlump también valora la ubicación: “Como marca de moda en Berlín, tenemos mucha libertad para llevar a cabo ideas que en otras ciudades quizás ni siquiera se tendrían en cuenta”, ha comentado el equipo de Haderlump. “Berlín es a la vez dura y suave, abierta y cerrada, lenta y rápida. La ciudad vive de contradicciones que son la inspiración perfecta para una moda atrevida; nunca es aburrida. A diferencia de otras ciudades que parecen más ‘acabadas’ y consolidadas, Berlín está inacabada, y eso encaja con nosotros”.

Incluso la política mira con buenos ojos a la diversa industria de la moda. El viernes, la Cancillería Federal invitó al sector a una recepción, donde Wolfram Weimer, ministro de Estado de Cultura y Medios de Comunicación, y Gitta Connemann, secretaria de Estado parlamentaria del Ministerio Federal de Economía y Energía, reconocieron la importancia económica y cultural de la industria. Incluso el canciller Friedrich Merz honró brevemente al sector antes de recibir a los primeros ministros de los Estados bálticos.

Es una lástima que la respuesta del sector minorista alemán siga siendo escasa. Muchas marcas se establecen primero en Asia o Estados Unidos antes de ser reconocidas en Alemania. “Vendo mi colección solo en Japón y Estados Unidos”, ha afirmado el diseñador berlinés Vladimir Karaleev, en representación de muchas otras marcas. Él también ha presentado su colección en el showroom de la Fashion Week.

William Fan: entre la protección y la ligereza

El diseñador berlinés William Fan ha demostrado una vez más en su colección SS27 su maestría en el manejo de los más diversos materiales y texturas. Sus diseños han presentado siluetas fluidas con abundantes plisados, volantes ondulantes y mangas extralargas que aportan un gran dinamismo a los looks, mientras que un elaborado layering añade profundidad y volumen. La paleta de colores se mantiene sobria: mucho negro se combina con tonos tierra y algún toque de amarillo suave o verde claro.

Los detalles son llamativos: baggy pants con doble cintura que resultan deliberadamente poco convencionales, mientras que las gorgueras, como detalle recurrente, enmarcan de forma escultural tops y vestidos. La característica combinación de tailoring y formas fluidas de Fan crea siluetas que envuelven el cuerpo en lugar de acentuarlo. De hecho, la colección parece más interesada en la protección y la envoltura que en la exhibición del cuerpo. Los cortes son generosos, concebidos de forma inclusiva y funcionan en una gran variedad de tipos de cuerpo, desde las tallas de modelo clásicas hasta las siluetas plus-size.

También se diluyen las fronteras entre la moda masculina y femenina clásica. Los looks de la moda masculina aparecen con naturalidad en mujeres, y las faldas son llevadas igualmente por hombres.

Taskin Goec: la moda en el espacio digital

El diseñador Taskin Goec lleva años explorando la moda digital. Con su desfile Black Eye, ha desarrollado este enfoque de manera consecuente, presentando, en lugar de un desfile de pasarela clásico, una instalación audiovisual en la que la moda, la inteligencia artificial y los mundos de imágenes digitales se fusionaban, todo ello sin pasarela, sin modelos presentes, únicamente a través de una pantalla.

Y se demostró que esta renuncia fue un acierto, ya que abrió nuevas posibilidades de puesta en escena. Aquí, el propio diseñador dirigía la mirada, determinando en qué debían fijarse los espectadores: en detalles concretos, en superficies, en texturas de materiales y en acabados. El movimiento también se convirtió en un elemento de diseño. El viento hacía ondear flecos, cintas y capas de tela, haciendo que los materiales parecieran casi vivos.

En su colección se dan cita el látex, los arneses de cuero, los vestidos hechos de tiras de tela, el punto grueso y los tejidos superpuestos de forma elaborada. Flecos, cintas y tachuelas intensifican el dinamismo de los diseños y, al mismo tiempo, plantean la cuestión de si están realmente pensados para la producción física.

Andrej Gronau: un juego con las expectativas

En el ambiente neoclásico del Palacio de Friedrichsfelde, el diseñador Andrej Gronau ha presentado una colección mucho más joven y excéntrica. Los diseños de Gronau celebran la moda como expresión de individualidad: sensual, con humor y deliberadamente alejada de los dress codes clásicos.

El foco se centra en fuertes contrastes de materiales y estampados llamativos. El cuero estampado con motivos de regaderas o de gatos y ratones se combina con superficies de brillo metálico, hilos de lúrex, y chaquetas y faldas con cordones y acabados en matelassé.

Las siluetas también juegan con las expectativas. Vestidos de punto y pantalones cortos de satén rosa para hombre subrayan un enfoque relajado de los códigos de género. Para la moda femenina, Gronau se inspira en los años 50. Sin embargo, los cuellos Peter Pan anchos, las chaquetas bolero cortas y las proporciones femeninas no se interpretan con nostalgia, sino que se trasladan a un contexto contemporáneo. El resultado es una colección que combina referencias vintage con un sello lúdico, casi teatral.

Marke: la tradición se encuentra con el presente

Con una puesta en escena impresionante, la marca de moda masculina de Colonia, Marke, ha hecho del tiempo el motivo central de su desfile. Un tictac polifónico ha inaugurado la presentación, transformando por un instante el espacio futurista del recinto ferial de Berlín en un lugar de silencio casi sacro.

Esta tensión entre el pasado y el presente también define la colección. El diseñador Mario Keine retoma referencias de prendas históricas y las traduce a una moda masculina contemporánea. Los bombachos plisados del Renacimiento aparecen como mangas voluminosas en una chaqueta bomber, mientras que el frac y el fajín del siglo XIX se combinan con un pantalón ancho de punto.

El rigor formal del vestuario masculino clásico se rompe constantemente. Pantalones anchos, shorts y faldas pantalón aportan movimiento a las siluetas, mientras que los pantalones de esmoquin clásicos se combinan con camisas de seda sin mangas. En cuanto al color, la colección se mantiene minimalista: predominan los tonos blancos y crema, complementados con gris, burdeos y las tradicionales rayas de pijama. De este modo, Marke fusiona códigos históricos con una ligereza moderna y natural.

Mención especial merecen los accesorios: elaborados a partir de monedas conmemorativas, retoman el leitmotiv de lo efímero y traducen el tiempo en objetos ponibles.

Unvain: la actitud cool berlinesa con un toque motero

La marca Unvain, fundada en 2020 por Robert Friedrichs, celebra en su nueva colección looks potentes para hombre y mujer, jugando con una sensualidad segura de sí misma.

Vestidos ajustados de cuero, cuya superficie se deconstruye con finas tiras cortadas, aportan un movimiento sorprendente a un material que de otro modo sería pesado. Junto a ellos, looks en rojo intenso con reminiscencias de la clásica estética motera ponen acentos llamativos en la moda masculina. Resulta impresionante un vestido de plumas negras que se abre en la zona del abdomen con una malla transparente, jugando hábilmente con el contraste entre cubrir y descubrir. La translucidez sigue siendo un motivo recurrente, como en un abrigo blanco transparente que se posa como un velo ligero sobre las siluetas.

El denim es otro de los pilares de la colección. Los vaqueros desgastados se combinan con acabados de brillo metálico. Los códigos del motociclismo —cuero, detalles utility y siluetas robustas— no se citan de forma literal, sino que se traducen en un armario urbano y contemporáneo. También son característicos los pantalones sin la cintura clásica, que tanto en los looks femeninos como masculinos acentúan la cadera y confieren a los conjuntos una actitud relajada y poco convencional.

Barragán: provocador e irreverente

El desfile de Barragán en la embajada de México ha dado mucho que hablar. Bañado en una luz de un rojo intenso, el diseñador mexicano Victor Barragán ha orquestado una performance tan inquietante como enérgica, en la que la frontera entre el desfile de moda y la acción artística se ha desdibujado. Modelos con heridas ensangrentadas, hombres con narices de payaso y cuerpos semidesnudos y brillantes corrían o se tambaleaban por el espacio.

La colección se ha presentado de forma igualmente experimental. Una sudadera con capucha para tres personas, manguitos unidos con cremalleras que atan los brazos a la espalda, calzoncillos de colores para hombre y camisetas con la inscripción “Meth” han cuestionado las nociones convencionales de ropa y función. Las sudaderas con capucha y el sportswear se han cargado de una estética queer, subversiva e irreverentemente lúdica. Barragán entiende la moda no tanto como un armario ponible, sino como una forma de expresión social: provocadora, exagerada y en contra de cualquier tipo de convención.

Milk of Lime: siluetas fluidas y nuevas proporciones

Para el dúo de diseñadores germano-belga Milk of Lime, el foco no parecía estar tanto en el cuerpo como en el movimiento. La colección se desarrolla a través de siluetas fluidas, un layering complejo y materiales expresivos que cambian de forma con cada paso. Los tonos tierra naturales se combinan con el negro, subrayando el efecto casi escultural de los diseños.

Las siluetas se mantienen deliberadamente indefinidas. Pantalones anchos de tiro bajo, volúmenes generosos y cortes asimétricos rompen con las proporciones clásicas y aportan fluidez a los looks. Nada parece rígido; las líneas fluidas cambian constantemente.

Los accesorios han desempeñado un papel fundamental. Cadenas drapeadas asimétricamente añaden acentos llamativos, mientras que los corsés sobre los vestidos estructuran las siluetas. Elementos envolventes de cuero aportan tensión a las formas fluidas y crean nuevos contrastes.

Rebekka Ruétz: entre lo militar y el glamour

En el Motorwerk de Berlín, la diseñadora Rebekka Ruétz ha presentado una colección de moda femenina nítida, casi escultural. El blanco es el punto de partida central, mientras que el negro actúa como un contrapunto rotundo, llegando a piezas clave como un abrigo en blanco y negro. Los materiales también son ricos en contrastes: tejidos rígidos como el tafetán y el cuero se complementan con punto transparente, como en tops y vestidos largos de punto.

En cuanto a los estampados, Ruétz apuesta por el terciopelo marmoleado, utilizado, entre otras cosas, para un vestido de noche. Las siluetas son voluminosas: faldas de gran vuelo en satén blanco o cuero negro, hombros anchos, formas extralargas —como colas— y faldas hasta el suelo de tafetán y cuero dominan la propuesta.

Entre estos volúmenes potentes, elementos deconstruidos añaden acentos: punto con efecto de carrera, camisas anudadas a modo de faldas y construcciones tipo cuello en la cintura. Las alusiones militares se mantienen sutiles, como en abrigos de color caqui con botones dorados. Todo ello se complementa con accesorios tipo cadena que confieren a la colección un aire solemne y fluido.

Dagger: streetwear alegre con múltiples referencias

Ya entre el público del desfile se podían ver numerosos conjuntos con el logo de Dagger, una señal de que la marca ya cuenta con una base de seguidores.

El centro de la colección es una propuesta de streetwear lúdica e inusualmente colorida, con un fuerte enfoque en los looks masculinos. Sudaderas, camisas y chaquetas se combinan con una gran variedad de colores y estampados, creando una estética deliberadamente recargada, a modo de collage. Camisas confeccionadas con tejidos tipo dirndl en rojo y blanco con perforaciones se mezclan con pantalones cortos de colores, chaquetas militares turquesas, bermudas de surf y estampados de hibiscos. Chaquetas de chándal, camisas de encaje de paisley y trajes de cuadros en blanco y azul eléctrico completan este cuadro ecléctico.

La colección juega constantemente con los contrastes entre forma y color, tradición y streetwear. Especialmente en el contexto de la moda masculina, esto da lugar a una visión irónica y deconstruida de la masculinidad, que se aleja deliberadamente de los códigos clásicos. Las diademas como accesorios refuerzan aún más esta exageración y añaden un toque lúdico.

Haderlump: historicismo moderno

En el Hotel Adlon, la marca de diseño Haderlump ha presentado una colección compleja que combina la sastrería clásica con referencias de aire histórico y nuevas estéticas. Abrigos transparentes de lana de mohair en blanco han marcado un inicio ligero, casi etéreo, mientras que las prendas de punto con agujeros y los paños clásicos han creado rupturas interesantes.

La moda femenina presenta, por ejemplo, vestidos largos y voluminosos de paño gris, a veces envueltos sobre el pecho o entallados en el torso. Faldas amplias y largas colas acentúan las formas femeninas clásicas, mientras que los estampados de moaré y el denim crean contrastes interesantes. Las reminiscencias históricas recorren toda la colección sin caer en lo teatral.

En la moda masculina dominan las construcciones complejas: americanas de efecto arrugado con múltiples botones cuya estructura no se revela a primera vista, chaquetas a media pierna con cuello chal y cinturones, y túnicas hasta el suelo con capucha. A esto se suman mangas y partes de camisas con fuertes plisados.

La elaboración es característica: numerosos botones, cierres y elementos envolventes crean una complejidad casi arquitectónica. Haderlump trabaja así en una forma de moda que solo se revela por completo en una segunda mirada.

H&M Group ha nombrado a Henrik Kroon como su nuevo director comercial. El nombramiento prolonga la ya larga trayectoria de Kroon en el gigante sueco de la moda, al que se incorporó por primera vez en 2010.

Kroon ha anunciado su nuevo cargo en LinkedIn, donde ha declarado: “Estoy agradecido por la oportunidad y espero con interés trabajar junto a nuestros talentosos equipos para fortalecer nuestro negocio, aprovechar el impulso que hemos creado juntos y llevar a H&M a su próximo capítulo”.

Kroon había trabajado en la empresa de telecomunicaciones Ericsson durante casi seis años antes de incorporarse a H&M como controlador global de construcción en 2010. Desde entonces, ha ocupado puestos de creciente responsabilidad, como director financiero de H&M Canadá, director global de espacio comercial y, más recientemente, director de desarrollo comercial.

Su nombramiento se produce en un periodo de cambios en H&M, en el que la familia fundadora de la empresa ha llevado a cabo un importante programa de recompra de acciones para aumentar de nuevo su participación en el negocio.

Financieramente, el gigante minorista también se encuentra en una situación difícil. En el segundo trimestre del actual ejercicio fiscal, el grupo vio caer sus ventas un -3 por ciento, hasta los 54.800 millones de coronas suecas, con una evolución peor de la prevista. A pesar de ello, los esfuerzos de reestructuración en curso han permitido a la empresa avanzar en el aumento de la rentabilidad, según ha declarado el CEO Daniel Ervér.

Madrid – Este lunes 6 de julio de 2026 ha tenido lugar el acto de firma de la renovación del acuerdo de colaboración entre la Confederación Española de Organizaciones Empresariales (CEOE) y la entidad financiera CaixaBank. Un convenio que vienen manteniendo de manera ininterrumpida ambas instituciones desde hace ya más de una década, y en función del cual, y para lo que respecta a este ejercicio, el banco ha elevado su compromiso de financiación para con las empresas hasta los 50 000 millones de euros.

La cifra se sitúa de este modo, y tal y como no han dudado en querer salir a destacar de una y otra parte, como la más elevada desde que se lograse acordar el primer acuerdo de colaboración entre la CEOE y CaixaBank para el impulso de la economía productiva española, allá por el año 2015. Un ejercicio para el que ambas partes lograron acordar un compromiso de financiación para las empresas por parte del banco español de unos 11 000 millones de euros; una cuantía que este 2026 se ha incrementado en 5 000 millones de euros respecto al pasado ejercicio, alcanzando así los 50 000 millones de euros de financiación. Una partida que desde CaixaBank se han comprometido así a poner a disposición de las empresas españolas a lo largo de este nuevo ejercicio de 2026, como parte principal y destacada de los fondos para la financiación para las empresas que acuerdan conceder a lo largo de todo el año. Unas vías de financiación sobre las que destacan que el banco llegó a conceder más de 100 000 millones de euros en créditos a empresas en 2025; fondos de los cuales unos 18 000 millones de euros fueron aprobados en créditos concedidos a pequeñas y medianas empresas.

“La iniciativa tiene como objetivo facilitar financiación tanto para circulante como para inversiones a medio y largo plazo, así como impulsar proyectos de innovación, internacionalización y emprendimiento empresarial”, destacan los firmantes del acuerdo a lo largo de un comunicado emitido de manera conjunta. Sellado en mitad de “un entorno de creciente competencia global, digitalización y transición energética”, analizan, “el acceso a financiación continúa siendo un factor clave” desde este contexto “para la competitividad de las empresas”. Y ante este horizonte, y con la renovación y ampliación de este acuerdo, “CaixaBank refuerza su papel como una de las principales entidades de apoyo a la economía productiva en España”, un papel que desempeña “con una red especializada que incluye 212 centros de empresa y equipos específicos para sectores estratégicos”.

Con la incorporación de CEPYME

Firmado por Antonio Garamendi, presidente de la CEOE; y por Tomás Muniesa, presidente de CaixaBank, más allá de la ampliación de esa partida comprometida de 50 000 millones de financiación para empresas, como novedad el acuerdo de este año suma por primera vez a la Confederación Española de la Pequeña y Mediana Empresa. Una CEPYME que ha estado representada en el acto de la firma por su presidenta, Ángela de Miguel, del mismo modo que lo estará en esa partida de fondos.

A este respecto, y poniendo de manifiesto cómo la incorporación de CEPYME trata de erigirse en un elemento que aporte garantías para el acceso a la financiación de las pequeñas y medianas empresas, entre los puntos del acuerdo se ha incluido como cláusula el que, como mínimo, el 75 por ciento de las compañías que se beneficien de los fondos para la financiación comprometidos por Caixa Bank, deberán ser pequeñas y medianas empresas. Una cláusula con la que los firmantes tratan así de avanzar de la mano en sus objetivos compartidos por fortalecer el tejido empresarial español, dotando a sus pymes de las herramientas de financiación necesarias para garantizar desde sus operativas, a sus fases de crecimiento y expansión.

De este modo, y como novedad, al acuerdo “este año se suma CEPYME”, respondiendo con su incorporación a la indiscutible “relevancia de las pequeñas y medianas empresas en el ecosistema empresarial” español, señalan los firmantes del acuerdo. Un texto que contempla el “mayor volumen” de financiación para las empresas comprometido por CaixaBank “desde la puesta en marcha de esta alianza hace más de una década”, estableciendo el que además, y siguiendo con lo ya señalado, “cómo mínimo, el 75 por ciento de las compañías beneficiarias serán pymes, en línea con el objetivo de fortalecer el tejido empresarial y facilitar el acceso a financiación en un contexto de transformación económica”.

Madrid – Paloma Wool, la firma de moda barcelonesa de la diseñadora Paloma Lanna, continúa avanzando de manera tan pausada como constante en la construcción de su propia red de puntos de venta, con la apertura en esta ocasión de su primera tienda en Los Ángeles. Un establecimiento con el que la cada vez más de moda etiqueta española alcanza el número de las tres tiendas internacionales, cuatro a escala global.

Fundada en Barcelona como firma nativa digital por la diseñadora Paloma Lanna hacia abril de 2014, Paloma Wool, nombre resultante de un divertido juego de palabras creado a partir de las traducciones al inglés y al español del apellido de la creativa, se ha mantenido a lo largo de la práctica totalidad de estos ya más de 12 años de trayectoria que acumula a sus espaldas sobre un más que controlado sistema de ventas. Unas estructuras que se venían sosteniendo, primero, con la comercialización de sus colecciones desde su propia tienda online; segundo, desde su venta a través de una cuidada selección de tiendas multimarca y “concept stores” de las distintas partes del mundo; y tercero, y desde 2018, sobre las operativas de las distintas pop-ups que de manera periódica la firma ha venido poniendo en funcionamiento desde algunas de las principales y capitales de la moda —y para las compras— de las distintas regiones del mundo.

En esa apuesta, y como una natural evolución de esas estrategias desde las que desde la firma aspiraban a establecer una relación cada vez más íntima y cercana con su creciente comunidad de clientes, Paloma Wool abría un nuevo capítulo con la apertura, en abril de 2025, de su primera tienda permanente. Un punto de venta que abría sus puertas entonces en el número 425 de la calle Broome Street de Nueva York, destacándose así ya no solo como su primera tienda permanente, sino también como su primera tienda permanente, e internacional. Un punto de venta al que le terminarían por seguir, a lo largo de todo ese mismo año, las aperturas de las nuevas tiendas de la firma en el número 360 de la avenida Diagonal de Barcelona; y la de los números 7-8 de la calle Conduit Street de Londres. Un total de tres tiendas permanentes, a la que ahora acaban de sumar la inauguración de una nueva y cuarta tienda en Los Ángeles, la tercera internacional fuera de España y la segunda que la firma pone en marcha en los Estados Unidos; un dato más que a tener en cuenta y que pondría en evidencia el considerable peso con el que contaría, y la proyección que aspiraría a alcanzar, la firma dentro del mercado estadounidense.

Ubicada en el número 8410 de Melrose Avenue, la tienda abrió sus puertas al público hace aproximadamente dos semanas en una de las zonas más vibrantes y exclusivas de toda la ciudad de Los Ángeles. Una de las grandes plazas internacionales y para las compras en las que mantienen sus miradas fijas las principales firmas internacionales de la moda, etiquetas frente a las que sale así a elevar el perfil Paloma Wool, desde una nueva “boutique” permanente ubicada en el mismo punto de la ciudad californiana desde el que operan marcas de la talla de G Star y Adidas, o y ya desde la paralela y más que icónica Melrose Place, Golden Goose, Balmain, la francesa A.P.C, Maison Margiela o Zimmermann. Un ambiente que por otro lado no le resulta en absoluto desconocido a Paloma Wool, firma que ya puso en marcha hace dos años una pop-up en esta misma Melrose Avenue de Los Ángeles, en el local ocupado este 2026 por Nude Project con su pop-up. La segunda activación efímera la puesta entonces en marcha por la marca desde su fundación en la ciudad estadounidense; un país en el que ha alcanzado a inaugurar ya hasta un total de unas 11 pop-ups, entre las activaciones llevadas a cabo entre Los Ángeles, Nueva York y San Francisco.

Con una instalación artística, de Carlota Guerrero

Habitual de una Semana de la Moda de París de cuyo calendario oficial viene participando la firma barcelonesa desde su edición de septiembre de 2023, para celebrar esta inauguración en Los Ángeles la marca ha convertido la tienda —y sus escaparates— en una instalación artística, interactiva e inmersiva. Una iniciativa concebida para la marca por la creativa Carlota Guerrero y desarrollada junto a Max Milà, habituales colaboradores artísticos de Paloma Wool, y para la que se ha contado con la participación de figuras y personajes como Rachel Sennott, Isabelle Alburquerque, Devon Lee Carlson, Anna Collins, Lucia Farrow, CHloe Cherry, Noah Dillon, Riska Seval y Lexee Smith.

A partir de unas cámaras instaladas tanto en el exterior como en el interior de la tienda, en una zona especial de probadores, “para celebrar la inauguración de nuestra tiendas en Los Ángeles, creamos un ‘probador teatral’ conectado a la calle mediante dos cámaras en directo”, de tal manera que “lo que ocurre dentro se ve fuera, y lo que ocurre fuera se ve dentro”, relatan desde la dirección de Paloma Wool. El resultado es una instalación artística “viva”, que “inspirada en la cultura de la sobreexposición de las celebridades en Hollywood”, apuntan, “juega con la frontera entre el espacio público y el privado”.

La activación artística viene a seguir a las que de manera habitual y periódica desde la marca tratan de impulsar y dar cabida desde el interior de sus crecientes puntos de venta propios y monomarca. De tiendas como su “boutique” de Barcelona, para la que se mantiene en marcha un programa de colaboración con la plataforma de arte Penélope Archive —un proyecto creado por la comisaria Mariona Valdés y por la misma Carlota Guerrero—, que ha permitido como última entrega la exposición de la obra “My Home”, de la artista Petra Collins, en el escaparate de la tienda de Paloma Wool de la avenida Diagonal. Una aproximación y un querer buscar estrechar lazos de la firma con el vibrante universo del arte contemporáneo, que en su propio contexto se descubre como una estrategia que viene a terminar de completar la propia experiencia de compra que la marca barcelonesa trata de ofrecer a sus clientes desde sus puntos de venta. Unos establecimientos que se destacan tanto por su depuradísima estética dominada por tonalidades neutras, como por una exhibición de piezas que, y al igual que esa misma ambientación, se lleva a cabo siguiendo el modelo más propio y característico de una galería de arte. Y tanto es así, que las piezas de sus colecciones se exhiben dentro de esos espacios en el término más genuino posible, identificándose por un código que los clientes deben de apuntar en un papel, para que posteriormente se dispongan en su talla correcta dentro de cada probador, sin alterar la “exposición” de las piezas en la misma tienda.

“Quiero que este espacio sea un lugar donde la gente disfrute pasando el tiempo, en lugar de a limitarse a pasar por él”, apuntaba la misma Paloma Lanna en declaraciones al medio británico especializado en diseño y arquitectura Wallpaper. “Tanto si alguien viene con amigos como si simplemente quiere disfrutar de un día para sí mismo, espero que se vaya con la sensación de haber vivido una experiencia significativa y agradable”. Y es que “por encima de todo”, apostilla, “espero que la gente se sienta a gusto aquí y se marche con la sensación de haber pasado el tiempo en un lugar cuidado, cálido y acogedor”.

La escuela de diseño catalana ESDI, adscrita a la Universitat Ramon Llull, presentó el 30 de junio las colecciones finales de su última promoción de Diseño de Moda en un desfile bajo el título “Limit(less)”. El evento tuvo lugar en el aparcamiento subterráneo de La Roca Village, el centro outlet integrado en The Bicester Collection.

El desfile deja ver cómo las generaciones más jóvenes están leyendo la moda actual, a través de propuestas que se mueven entre registros muy distintos. Los códigos clásicos —como la sastrería, la corsetería o las prendas de exterior de corte tradicional— se reinterpretan en manos de los estudiantes como un lienzo para la experimentación.

El texto continúa después de las imágenes.

El premio a la mejor colección fue para la diseñadora Andrea Criado por el proyecto Una Lástima, seleccionado entre seis finalistas. La propuesta aborda el impacto de un trauma en la vida cotidiana y sus efectos a largo plazo. Se traduce en prendas retorcidas, volúmenes alterados y una estética de desgaste orgánico, con el moho como metáfora del deterioro progresivo.

La colección se enmarca en una reflexión sobre la relación entre lo individual y lo colectivo en una generación hiperconectada que trabaja desde lo personal sin perder el contexto. La escenografía acompañó esta idea con un espacio dividido en áreas delimitadas por sillas y moqueta negra, generando un recorrido en el que cada colección tenía su propio espacio dentro del conjunto.

Criado representará además a ESDI en el Festival Cruïlla el 10 de julio dentro de la iniciativa 080 x Cruïlla Proyectando Talento, impulsada junto a 080 Barcelona Fashion. Allí presentará una selección de cuatro looks de Una Lástima junto a estudiantes de otras escuelas de moda de Barcelona.

El desfile fue presentado por el fotógrafo y creador de contenido Àlex Grimà. El jurado estuvo formado por Cristina Viollaz, directora de negocio de La Roca Village; Martín Torres, cofundador de Editorial Superflua; Arnau Climent, exalumno de ESDI y fundador de la marca AAA Studio, y Paula Viana, creadora de contenido, fundadora de Spain Gallery y también exalumna de la escuela.

ESDI se fundó en 1989 como la primera Escuela Superior de Diseño Textil de España, a partir de un acuerdo entre más de 90 empresas del sector textil e instituciones como el Ministerio de Industria, la Generalitat de Catalunya, el Gremi de Fabricants y el Consejo Intertextil Español. La escuela mantiene su vínculo con empresas e instituciones mediante proyectos, investigación aplicada e iniciativas ligadas a la sostenibilidad y la innovación.

Madrid – Como uno de los últimos indicadores económicos hechos públicos por el Instituto Nacional de Estadística (INE), el organismo público informaba a finales de la pasada semana de los Índices de Producción Industrial (IPI) relativos al mes de mayo de este 2026. Mes en el que el conjunto de la industria española logró registrar su mayor crecimiento en términos interanuales para lo que llevamos de ejercicio; una tendencia frente a la que no obstante registraron una nueva evolución en negativo los sectores de la confección y del calzado vinculados a la industria de la moda española.

En base a este respecto a los datos hechos públicos por el INE este pasado viernes día 3 de julio, el conjunto de la industria española experimentó en el mes de mayo un crecimiento intermensual de un +1,2 por ciento respecto al mes de abril, y que se tradujo en un aumento interanual de la producción de un +3,4 por ciento, en la serie corregida a efectos estacionales y de calendario. El mayor crecimiento registrado en estos términos de todo lo que va de 2026, y que se termina de corregir a la baja, y hasta una tasa de únicamente un +0,6 por ciento, en la serie original y sin ajustes estadísticos.

Situando en una mayor perspectiva este rendimiento, en lo que respecta a la serie corregida que sirve de referencia para analizar la evolución de la actividad productiva de la industria española, la subida interanual del +3,4 por ciento sigue a las subida de enero (+0,3 por ciento), la bajada de febrero (-1,1 por ciento), y los aumentos de marzo (+1,8 por ciento) y de abril (+2 por ciento). Desempeños que dejan al IPI acumulando una subida acumulada de un +1,5 por ciento para lo que va de año.

Mientras tanto y para la serie original, la subida del +0,8 por ciento de la producción sigue a la caída registrada en enero (-2,7 por ciento), en febrero (-1,3 por ciento), a la subida de marzo (+2,1 por ciento) y a la registrada en abril (+4,2 por ciento). Evoluciones que por su lado dejan al IPI, en serie original, acumulando una subida de un +0,6 por ciento de media para lo que va de estos cinco primeros meses de 2026.

Nuevas caídas a doble dígito en confección y calzado

Prestando atención ya al comportamiento experimentado por los tres subsectores —textil confección y cuero y calzado— que integra al conjunto del sector de la industria de la moda española, de los tres únicamente el del textil es el que ha logrado mantenerse en un crecimiento en positivo de su producción industrial en mayo. Un desempeño que no obstante no ha sido suficiente como para impedir el que los tres subsectores completen el periodo de los cinco primeros meses del año con una caída media acumulada de su producción, para lo que va de año y con respecto al mismo periodo del pasado 2025.

A este respecto, y sobre una serie original y sin ajustes estadísticos, la industria textil ha logrado registrar en mayo un aumento de su actividad industrial, con un IPI que aumenta en un +0,9 por ciento en términos interanuales. La tercera subida consecutiva registrada tras las anotadas en marzo (+1,5 por ciento) y en abril (+1,3 por ciento), aunque todavía insuficientes como para corregir la evolución en un sector que acumula para el periodo de enero a mayo una caída de su actividad productiva de un -1,3 por ciento, tras las bajadas del IPI registradas en enero (-7,2 por ciento) y en febrero (-1,1 por ciento).

En cuanto a la industria de la confección, esta ha registrado en mayo la mayor de la caídas de un subsector analizado por el INE, anotándose una caída de su IPI de un -17,1 por ciento en términos interanuales. Una caída que viene a sumarse a las registradas en enero (-22,9 por ciento), febrero (-16,2 por ciento) y marzo (-7,8 por ciento), y a destacar la singular excepción registrada en abril (+7,2 por ciento), en un sector que acumula para lo que va de año una caída de su producción industrial de un -11,4 por ciento.

Como segundo peor dato en negativo de todos los analizados por el INE para el mes de mayo, nos encontramos con una industria del cuero y del calzado que ha registrado durante el mes una caída de su actividad productiva de un -16,1 por ciento. Caída que se suma por su lado a las registradas en enero (-27,7 por ciento), febrero (-20,8 por ciento) y abril (-20,9 por ciento), con marzo (+1 por ciento) en su caso como única excepción por ahora, dejando al sector acumulando una caída de su producción industrial de un -15,4 por ciento para lo que va de este 2026. La mayor de todas las que acumulan los diferentes sectores analizados de manera desagregada por el INE, situándose tras ella la anotada por la industria de la confección, y ya a una notable distancia con la bajada del IPI en un -6,6 por ciento que acumula el índice de “otras industrias manufactureras”.

La marca de ciclismo Nimbl y la marca estadounidense de ropa deportiva Nike han lanzado “Étoile”, una cápsula de edición limitada de zapatillas y ropa de ciclismo, según un comunicado de prensa. La colección se presentó el dos de julio en la tienda Velodrom de Barcelona, junto al equipo Visma | Lease a Bike, coincidiendo con el inicio del Tour de Francia en la ciudad.

Según las marcas, la colaboración marca su primer paso conjunto más allá del calzado. Nimbl ha suministrado al equipo Visma | Lease a Bike zapatillas de competición desde 2023 y equipación de competición desde 2025, mientras que Nike proporciona a los ciclistas y al personal ropa para fuera de la bicicleta. El lanzamiento se produce después de una zapatilla de ciclismo de edición limitada que ambos lanzaron en el Giro d'Italia para celebrar el éxito del ciclista Jonas Vingegaard en el Grand Tour.

Las marcas han declarado que la colección Étoile combina la artesanía ciclista italiana hecha a mano de Nimbl con el diseño y la innovación en rendimiento de Nike. Nimbl forma parte de Pon.Bike, uno de los mayores grupos ciclistas del mundo y, a su vez, parte de la empresa familiar holandesa Pon Holdings, junto con Lease a Bike y Cervélo, la marca de bicicletas del equipo Visma | Lease a Bike.

“Esta colaboración se basa en la convicción compartida de que la atención al detalle es decisiva en la competición”, ha declarado Poppo Hofsteenge, que dirige la colaboración de Nimbl y Nike para Pon.Bike. Kieran Ronan, que dirige la colaboración para Nike, ha afirmado que la alianza refleja un enfoque compartido en el rendimiento y una oportunidad para dar forma al futuro del ciclismo.

La colección de edición limitada Nimbl x Nike está disponible para atletas de todo el mundo, a través de una selecta red de distribuidores de bicicletas independientes y online.