Creía que entendía la industria, su cultura, su calidad y la falta de ella. Conocía los talleres de Italia donde se debatía la calidad de un espresso junto a una máquina de planchado que daba forma a una americana de Prada en 12 minutos. Conocía los centros de producción de Bélgica, donde la calidad del producto y la de las personas que lo fabricaban se mencionaban al unísono. Conocía las condiciones laborales en la producción de prendas de diseño de alta gama, en ese mundo llamado Europa.

Años más tarde, vi “Blood, Sweat and T-shirts”. La serie sigue a seis jóvenes apasionados por la ropa que descubren la producción textil en la India. Y lo que hacía la serie tan desconcertante era su estructura: el espectador atraviesa exactamente el mismo proceso que los participantes, de la apertura a la incomodidad y al horror. Esa serie hizo que todo lo que creía saber se derrumbara como un castillo de naipes. Después de años como profesional de la moda, en todos los ámbitos, en fábricas, talleres y aulas; como desarrollador, como diseñador, como profesor, me quedé abrumado al descubrir un mundo detrás del que conocía.

La primera fábrica tiene el aspecto que más o menos esperas: organizada, quizá un poco más desordenada, funcional, pero desde luego no es el taller de explotación que temías. Y ahí está la trampa. Esa primera fábrica activa inmediatamente el “sesgo de confirmación”: el cerebro reconoce lo que ya conoce, establece un paralelismo con los lugares en los que confía y concluye: “¿Ves? No es para tanto”. Luego, la segunda fábrica. Menos luz, jornadas más largas, rostros más jóvenes. Aquí empieza la incomodidad. Y un pensamiento tentador: “Pero esta gente tiene trabajo, mantiene a sus familias, ¿quién eres tú para juzgar?”. Ese pensamiento se siente como sensibilidad cultural. Y es precisamente por eso que es tan peligroso. Es una salida de emergencia que te mantiene exactamente donde estabas. Pero solo entonces llegamos al tercer lugar, a la tercera fábrica. Un lugar que existe porque la primera fábrica no puede satisfacer la demanda de confección barata, y la segunda sigue considerando los costes de producción demasiado altos para nuestra insaciable hambre de más, y más barato, y aún más barato. La tercera fábrica es un lugar que normalmente nunca ves. Aquí la pregunta se vuelve insostenible: no si tienes derecho a opinar, sino cómo es posible que no lo supieras durante tanto tiempo. Recuerdo la imagen de un adolescente —o incluso más joven— durmiendo junto a una máquina, rodeado de polvo y suciedad.

El sesgo de confirmación no es un fracaso personal. Es un mecanismo cognitivo que el sistema conoce y utiliza. La primera fábrica no es tranquilizadora por casualidad; es la cara que la industria presenta precisamente porque sabe cómo funciona el cerebro. Esa imagen empieza a tambalearse en la segunda fábrica.

El desastre que no cambió nada

Rana Plaza. El 24 de abril de 2013, un edificio de fábricas se derrumbó en Savar, Bangladés. Murieron más de 1,100 personas. El día anterior se habían detectado grietas. Los ingenieros aconsejaron evacuar. Aun así, se obligó a los trabajadores a entrar; quien no trabajaba, perdía el jornal del día. Hubo declaraciones de indignación, informes de sostenibilidad y fondos de compensación. ¿Y después? La industria simplemente siguió creciendo. Una investigación de 2022 demuestra que las importaciones francesas desde Bangladés no hicieron más que aumentar tras el desastre.

El psicólogo Paul Slovic lo llamó en 2007 el “colapso de la compasión”: la empatía humana nunca es proporcional al número de víctimas. 1,100 muertes es una estadística. Un rostro nos conmueve. Más nos paraliza. No es un fallo moral. Es cómo funciona el cerebro. Y es precisamente por esta característica que olvidamos Rana Plaza tan rápidamente.

Hay un lugar en el norte de Chile a donde van a parar más de 60,000 toneladas de ropa occidental cada año. Poliéster, nailon, todas fibras que permanecen en el suelo hasta 200 años. Esta montaña es invisible para el consumidor que hoy ha hecho clic en “comprar” cuatro veces. Shein produce entre 2,000 y 10,000 prendas nuevas al día, mediante un algoritmo que monitoriza las redes sociales y determina en tiempo real lo que se va a fabricar. H&M lanzó la Conscious Collection en 2019. En 2022, la Changing Markets Foundation concluyó que más del 60 por ciento de las afirmaciones de sostenibilidad de H&M eran infundadas o demostrablemente falsas. La Conscious Collection todavía existe.

Aquí es donde la cuestión de clase juega su infravalorado papel. Las personas con ingresos más altos generan de media un 76 por ciento más de residuos textiles que las personas con ingresos más bajos, según una investigación de la Universidad de Boston en 2022. Sin embargo, en el debate sobre la sostenibilidad, la culpa se atribuye sistemáticamente a quienes menos pueden cambiar las cosas. La mujer que compra en Primark no tiene elección. La que compra en una marca sostenible sí la tiene, y compra más.

El filósofo Charles Mills lo describió en 1997 como ignorancia estructurada: no la falta de información, sino la producción del “no saber” como sistema institucional. En la industria de la moda, esa invisibilidad es arquitectónica. La producción está geográficamente lejos. La cadena de suministro es opaca por diseño, no por torpeza. El greenwashing simula transparencia mientras la invisibilidad estructural permanece intacta.

Ese sistema tiene un aliado en nuestra mente. John Jost, profesor de la Universidad de Nueva York, describe en 2004 en su teoría de la justificación del sistema (system justification theory) cómo las personas tienden a defender el sistema en el que viven, no a pesar de sus desventajas, sino en parte gracias a ellas. Justificar el sistema proporciona tranquilidad cognitiva. Cuestionarlo cuesta energía, genera culpa, exige que te enfrentes a tu propia posición dentro de él. El cerebro, siempre que puede, elige la tranquilidad.

La resistencia empieza con la negativa a no saber cuando se puede saber. La negativa a confundir la vacilación moral con la sensibilidad. La negativa a aceptar la ignorancia estructurada como excusa.

Ignorance is bliss, dijo Thomas Gray en 1742. Tenía razón. Es maravilloso, hasta que deja de serlo.

El denim, nacido en el universo del workwear, suele verse como la base de un uniforme cotidiano sencillo, en el que las variaciones de silueta, largo o detalles marcan las principales diferencias. Sin embargo, este tejido resistente encierra muchas más posibilidades estilísticas de las que podría parecer a primera vista.

En lugar de la eterna pregunta sobre si las mujeres llevarán pantalones ajustados o anchos este invierno, los diseñadores, de Londres a Nueva York, han presentado algunas piezas especiales que dejan obsoleto al vaquero convencional y a técnicas como el stonewashing.

Chaquetas especiales

La chaqueta vaquera es un auténtico clásico que en las últimas décadas ha evolucionado principalmente a través de diferentes colores, largos y personalizaciones como bordados y parches. Sin embargo, una prenda así tiene mucho más que ofrecer que ser una simple chaqueta de entretiempo, y eso es lo que han demostrado los diseñadores en sus colecciones FW26.

Las posibilidades van desde un cuello muy grande, que casi parece una toalla puesta alrededor del cuello, pasando por hombreras adicionales y fruncidos, hasta cortes asimétricos y superposiciones. También se han visto abrigos hasta la rodilla con fruncidos, una versión rockera extremadamente corta con mangas largas y una versión elegante con una cola de denim adicional.

Adaptable

Pero no solo las chaquetas vaqueras destacan esta temporada, también los pantalones y las faldas ofrecen algunas opciones que se alejan de los modelos habituales. En este sentido, la adaptabilidad es la gran protagonista.

Los diseñadores muestran diferentes posibilidades para crear prendas versátiles con distintas opciones de estilismo. Así, la diseñadora británica Stella McCartney ha presentado un vaquero con dos cremalleras verticales que recorren toda la pierna desde la cintura. Esto permite ajustar la silueta de forma simétrica en ambas piernas o asimétrica en un solo lado. La marca neoyorquina Eckhaus Latta, por su parte, juega con varias capas, superponiendo dos perneras largas de vaquero con aberturas en la entrepierna sobre un short corto al que están unidas. También ofrecen un margen extra una especie de pareo sobre un vaquero largo de la marca estadounidense Tibi, así como una prenda de la marca británica JW Anderson que se mueve entre la falda y el pantalón capri con capas adicionales.

Entre pantalones palazzo y faldas largas

Quienes las llevan consiguen aún más movimiento al optar por una falda vaquera larga —de cintura alta (high waist) o baja (low waist)— o un pantalón palazzo ancho. En algunos de los diferentes looks vaqueros, es incluso difícil distinguir si se trata de dos perneras anchas o de la abertura de una falda.

Otras marcas como Masha Popova juegan más con una forma similar. La firma londinense combina un vaquero de corte regular con una ancha cola hasta el suelo, imitando así la silueta de las faldas y los pantalones palazzo.

Mini

La marca de vaqueros estadounidense 7 For All Mankind también ha recurrido a una larga cola, pero en combinación con una minifalda de tubo muy corta. Esta se combina con una chaqueta vaquera a juego y unas medias oscuras.

En general, para Otoño/Invierno 26, el lema parece ser que si las faldas se acortan, al menos se lleva una camiseta de manga larga en la parte de arriba. Así lo han presentado también las marcas Keburia y Diesel, que han subido a la pasarela una falda plisada y unos shorts extremadamente cortos sin perneras, respectivamente.

Adornos florales

Un auténtico clásico y una tendencia recurrente es el estampado floral, que esta temporada vuelve a adornar algunos pantalones y chaquetas vaqueras. Sin embargo, ha llamado la atención que, en la mayoría de los casos, un estampado discreto apenas era una opción. Así, en muchos modelos, los motivos florales trepaban por la pernera del vaquero o se distribuían en grandes superficies por toda la prenda a modo de repetición. Los estilos van desde discretos bordados y estampados (prints) de un solo color hasta una explosión de color y detalles suntuosos.

Se han anunciado los finalistas de la 13.ª edición del LVMH Prize for Young Fashion Designers. Entre los diseñadores seleccionados se encuentra The Vxlley, la firma del diseñador español Daniel del Valle Fernández, un creador emergente que en 2026 empezó a recibir mucha atención internacional dentro de la moda conceptual y artesanal.

El LVMH Prize for Young Fashion Designers concede al ganador principal un premio de 400,000 euros, además de un año de mentoría dentro de la red de LVMH. Tanto el Karl Lagerfeld Prize como el Savoir-Faire Prize incluyen un premio en metálico de 200,000 euros y un programa de acompañamiento personalizado. Además, tres diseñadores de moda recién graduados tendrán la oportunidad de adquirir un año de experiencia laboral en uno de los estudios de diseño del grupo.

Los finalistas son:

• Colleen Allen de Collen Allen (Estados Unidos)
• De Pino de Gabriel Figueiredo (Francia)
• Institution de Galib Gassanoff (Georgia)
• Julie Kegels de Julie Kegels (Bélgica)
• Lll de Zane Li (China)
• Petra Fagerström de Petra Fagerström (Suecia)
• Ponte de Harry Pontefract (Reino Unido)
• The Vxlley de Daniel del Valle Fernandez (España)
• Yoshita 1967 de Anil Padia (Kenia)

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Redondo Brand, firma española de moda fundada en 2019 por el diseñador Jorge Redondo y consolidada en el segmento de moda de invitada, fiesta y costura contemporánea, inicia una nueva etapa creativa con su entrada en el universo del baño.

Este lanzamiento, presentado en la antesala del periodo estival, se plantea como una extensión natural del lenguaje visual de la firma tras siete años de trayectoria, respondiendo a una estrategia de consolidación de identidad, en la que Redondo Brand busca reforzar la continuidad de sus códigos estéticos al tiempo que explora nuevas aplicaciones del diseño dentro de su propio imaginario.

La colección mantiene los elementos distintivos de la marca, trasladándolos al universo del swimwear mediante el uso de tejidos técnicos y acabados ornamentales como el moiré con hilo de lúrex, los efectos degradados, las aplicaciones metálicas y las superficies satinadas. La paleta cromática, concebida como un recorrido inspirado en la luz a lo largo del día, combina tonos cálidos y luminosos que transitan desde amarillos y rosas hasta tierras y rojos de mayor intensidad.

En términos de posicionamiento, la línea se sitúa en un rango de precio medio-alto dentro del segmento de baño y moda resort. Las piezas más accesibles parten en torno a los 29 euros, como el top Lily en color naranja, mientras que los vestidos y prendas de confección más elaborada se mueven en una franja intermedia de entre 69 y 89 euros. Por su parte, bikinis y bañadores se sitúan principalmente en torno a los 130–139 euros.

La campaña, desarrollada en un entorno volcánico en la isla de Lanzarote, refuerza el carácter narrativo del proyecto. El contraste entre la fuerza del paisaje y la delicadeza del producto subraya la tensión estética que define esta nueva etapa, consolidando el diálogo entre naturaleza, moda y construcción de marca.

Madrid – Dando un nuevo golpe sobre el tablero de la escena minorista española, la firma de moda urbana Nude Project abre las puertas este sábado, 25 de abril, de su nueva tienda en Barcelona. Un establecimiento desde el que pasan a reubicarse dentro del entorno comercial de la ciudad, con la inauguración de la que de entrada ya se destaca como la mayor tienda que hasta la fecha entra a poner en funcionamiento la firma de Alex Benlloch y Bruno Casanovas.

Situada en el número 6 del carrer dels Boters, y a escasamente y de este modo a unos escasos cientos de pasos de la tienda en el aledaño carrer de la Canuda que había venido siendo “el hogar” de Nude Project en Barcelona desde febrero de 2023, esa escasa distancia, en metros y tiempo, revela tras de sí el extraordinario crecimiento que ha logrado experimentar la firma de moda urbana desde su fundación, justamente en Barcelona, en 2019. Momento en el que se asentaban los cimientos de una marca que ha entrado a protagonizar uno de los capítulos más brillantes de la reciente historia de la industria de la moda minorista en España, queda por ver si realmente logrando trascender más allá del momento actual, en una ambición frente a la que no han tardado en salir ya las primeras palabras de advertencia, pero ante la que en cualquier caso, y a día de hoy, Nude Project parece contar con todas las herramientas para que así suceda, tal y como se disponen a poner de manifiesto con esta nueva “flagship store” de Barcelona.

Tomando una distancia mucho mayor de la de esos escasamente cientos de metros que la separan de su antigua tienda del carrer de la Canuda, Nude Project crece y consolida su presencia en el centro de Barcelona, pasando de los escasamente 60 metros cuadrados de espacio comercial de los que venía disponiendo hasta la fecha en la ciudad, a los 300 metros cuadrados con los que cuenta esta nueva “flagship store” del carrer dels Boters. Un espacio que se encargará de operar una plantilla compuesta por 20 trabajadores, responsables de las operativas de la que entra a posicionarse como la tienda de mayor tamaño de las abiertas hasta ahora por Nude Project. Una inauguración que, a nivel nacional, se enmarcaría dentro del cuidado proceso de crecimiento que la firma comenzó a ejecutar con su reubicación en la calle de Fuencarral en Madrid, mediante la apertura de una “flagship” de 200 metros cuadrados en marzo de 2025, y que continúan implementando ahora, ampliando su huella comercial en Barcelona. Ciudad a la que se trata de este modo y de manera paralela de reconocer como “sede central” de Nude Project, que tras esta inauguración mantiene activa una red comercial, física, integrada por un total de 9 tiendas, repartidas, en España, por Madrid, Valencia, Barcelona e Ibiza, tras el cierre en Bilbao en febrero; y fuera del país, en Milán, Lisboa, Ámsterdam, Berlín y Roma. Establecimientos a los que habría que sumar las dos tiendas con las que cuentan en los centros outlet Las Rozas Village (Madrid) y La Roca Village (Barcelona).

Concebida bajo el alegórico nombre de “Masía Gallery”, este espacio “es nuestra obra de arte más personal”, no ha dudado en subrayar Bruno Casanovas, cofundador y director creativo de Nude Project, a lo largo de unas declaraciones compartidas desde la misma dirección de la firma de moda urbana. “Crear este lugar ha sido un auténtico sueño”, y “con él, queremos que todo aquel que lo visite sienta la calidez del hogar y quede invadido por la inspiración que transmite el arte, la cultura y la moda”. Que encuentre en su interior, apunta, “un lugar donde encontrarse en comunidad”, y que además busca erigirse en “punto de referencia cultural para la ciudad”.

Con salas temáticas inspiradas en Gaudí, Dalí y Miró

En ese propósito, y nuevamente de la mano del estudio de arquitectura e interiorismo El Departamento, la tienda articula esos 300 metros cuadrados, divididos en dos plantas, en torno a dos grandes ambientes, tan claramente delimitados y separados, como perfectamente integrados y bebiendo el uno del otro. Una simbiosis que nace no sino de otra cosa que del hecho de atender, como se ha atendido, en todo momento, a construir un espacio que fuera reflejo y herencia de los fundamentos de la firma, y de aquello que busca y aspira a transmitir Nude Project a su a cada día mayor comunidad de clientes.

Desde ese esquema, lo primero a destacar resultaría el hecho de que todo el proyecto de la tienda se nutre de la ascendencia familiar de Bruno Casanovas, cuyos abuelos transformaron una antigua masía catalana en la región de L’Empordà en una galería de arte. Un espacio sobre el que se señala que llegó a servir de punto de encuentro para figuras tan relevantes de la época como el subrrealista Salvador Dalí, y que es el que sirvió desde esa particularidad a estructurar todo el proyecto de El Departamento para esta “flagship store”. Una tienda que de este modo encontramos dividida en altura, con en primer lugar una planta baja y a pie de calle destinada a actividad comercial, y cuyos ambientes se han inspirado en la estética más tradicional y arquetípica de una masía de la comarca de L’Empordà. Una atmósfera tintada por maderas oscuras y nerviosas, suelos de barro cocido y techos de trencadís, cuyas salas se han dedicado a figuras de artistas locales tan relevantes como Gaudí, Dalí y Miró. Guiños a la cultura local que se han integrado con elementos tan distintivos de la marca como sus cerezas, un fotomatón, o la “Sala Altavoz XXL” en la que se ha instalado el sistema de sonido, en gran formato, que servirá de soporte para las distintas activaciones que la firma realice desde esta nueva “flagship store”.

Accediendo desde esta planta a la planta alta de la “boutique”, contrastando con todo lo anterior la tienda despliega un especialmente contenido espacio de líneas minimalistas, dominado por un omnipresente “blanco neutro” que domina todo el ambiente. Una estética buscada de manera activa, con el propósito de a partir de ella potenciar las singularidades de las obras de arte que de manera periódica se van a exhibir desde esta primera planta de la nueva tienda de Nude Project en Barcelona. Un espacio que actuará a modo de galería de arte, mediante la celebración de exposiciones periódicas que para la marca se van a encargar de comisariar desde la plataforma cultural Urvanity Projects. Una serie de muestras a las que dará el pistoletazo de salida, este sábado, la inauguración de una exposición temporal de obras de la artista visual Carlota Pérez de Castro. Presencia la de estas piezas que dialogará con las que la “flagship store” ha pasado a exhibir, de manera permanente, y entre las que se encuentran obras de arte creadas “ad hoc” por el disruptivo Filip Custic, y del joven pintor y escultor malagueño Pedro Hoz.

“Queríamos que Masía Gallery fuera un espacio que solo pudiera existir en Barcelona”, y en ese propósito añadido, se concibió “un proyecto que reconecta a Nude Project con sus raíces y que al mismo tiempo redefine lo que puede ser una tienda hoy”, destacan a este respecto desde El Departamento, el estudio de arquitectura e interiorismo de Alberto Eltini y Marina Martín. “El resultado es un lugar donde la arquitectura y el arte trabajan juntos para contar quién es la marca”, a través de un espacio con una concepción dual, en el que, añaden desde Nude Project, “la planta baja funciona como una exposición permanente dedicada a la venta y a la identidad de marca, mientras que la planta primera se presenta como una exposición temporal de arte rotativo”.

Con la tecnología, al servicio de la experiencialidad

Si novedoso resulta ya todo lo visto y analizado hasta ahora sobre esta nueva tienda de Nude Project en Barcelona —con respecto a lo que venía siendo su estrategia comercial—, también resulta atender al hecho de cómo, y por primera vez, desde la firma de moda urbana han salido a poner en especial valor cómo se va a instrumentalizar la tecnología, para potenciar la experiencia de compra de los clientes. Propósito para el que se destaca el ecosistema tecnológico que se ha desarrollado junto a Shopify, y que permitirá brindar a los clientes de una experiencia de compra inmersiva y omnicanal; experiencia que se verá reforzada con otras medidas como la implementación de un nuevo sistema de alarmado invisible.

“Desarrollado de la mano de Shopify”, la tienda “incorpora un stack tecnológico” que “eleva la experiencia del cliente tanto en tienda como en el entorno digital”, contando “entre sus novedades más destacadas, un ‘secret spot’”; una “caja fuerte ubicada en un punto concreto de la tienda con objetos exclusivos, que solo podrán conseguirse si el cliente logra abrirla”, destacan desde Nude Project. Junto a esa iniciativa, y para dinamizar del mismo modo esa experiencia de compra, se ha implementado “el sistema de cobro rápido a través de Shopify POS, además de alarmas inteligentes e invisibles que protegen el producto sin comprometer la estética del espacio”, mientras que “STC Retail ha implementado la tecnología RFID para la gestión de stock en tiempo real”.

El gigante de la ropa deportiva Nike ha confirmado una nueva ronda de despidos como parte del avance de su actual estrategia de reestructuración ‘Win Now’.

La compañía ha confirmado a FootwearNews (FN) que se han recortado aproximadamente 1.400 puestos en el área de operaciones en Norteamérica, Europa y Asia, lo que representa menos del 2 por ciento del equipo global de Nike.

Estos “cambios significativos” se están llevando a cabo a nivel mundial y se centran principalmente en la optimización de ciertas estructuras de equipo. Se ha señalado que los afectados recibirán la noticia directamente de sus responsables y del departamento de Recursos Humanos a partir del 23 de abril.

La división de tecnología de la marca será una de las afectadas, ya que la empresa avanza hacia una configuración que prioriza la velocidad. La atención se centrará ahora en dos centros: el campus Philip H. Knight en Beaverton, Oregón, y el Nike India Technology Centre.

En Converse, Nike también planea trasladar parte de los recursos de fabricación e ingeniería de la marca de calzado para acercarlos a sus socios fabricantes, mientras que su cadena de suministro de materiales quedará bajo el paraguas de los propios equipos de calzado y ropa de Nike, según FN.

Un memorando al que ha tenido acceso el medio de comunicación, emitido por el director de operaciones Venkatesh Alagirisamy, afirmaba que los despidos formaban parte de “medidas deliberadas para fortalecer” los cimientos de la empresa y construir un modelo de negocio simplificado diseñado para ofrecer un crecimiento rentable a largo plazo.

Algirisamy añadía: “Durante los próximos meses, seguiremos desarrollando las operaciones globales para servir mejor a los atletas y al negocio con más rapidez, simplicidad y precisión. Parte de ese trabajo se está realizando ahora y continuará a lo largo del tiempo a medida que alineemos nuestros equipos, capacidades y presencia con las necesidades futuras de la empresa”.

Esta última ronda de despidos se produce después de los recortes de empleo del pasado enero, que afectaron a 775 puestos en los centros de distribución de Nike en Estados Unidos. Por su parte, en Converse, un proceso de reestructuración independiente iniciado en febrero también dio lugar a recortes de empleo, cuyos detalles específicos no se han revelado.

La plataforma de autenticación por inteligencia artificial Entrupy ha publicado su nuevo informe State of the fake. Al igual que los resultados publicados en 2025, los de este año han presentado a la maison Louis Vuitton como la marca que concentra el mayor volumen de productos falsificados. A esta le siguen Gucci, Prada, Chanel y Dior.

La fascinación por el monograma de Louis Vuitton sigue siendo tan intensa como hace varios años. La marca insignia del grupo LVMH es, con diferencia, la marca más autenticada del mundo. Según los datos de Entrupy, en 2025, Louis Vuitton fue autenticada más del doble de veces que Gucci, la marca número dos, con un aumento del +35 por ciento en las solicitudes de un año a otro. En un año, la plataforma ha detectado más de 37 millones de dólares en falsificaciones de la lona Monogram de Louis Vuitton (la cifra más alta entre todos los materiales que la plataforma analiza).

Sin embargo, el análisis del riesgo relativo, es decir, la proporción de falsificaciones en relación con el número total de artículos presentados para una marca determinada, revela una dinámica diferente. Goyard presenta la tasa de riesgo más alta, que alcanza el 18,92 por ciento. La distribución limitada y la exclusividad de la marca crean un entorno propicio para la falsificación. Le siguen Prada y Saint Laurent, con unas tasas de riesgo del 13,10 por ciento y el 10,50 por ciento, respectivamente.

En cuanto a los materiales, el nailon de Prada y la lona Goyardine, el material emblemático de Goyard, se encuentran entre los más reproducidos.

El segmento del calzado deportivo y de lujo, a menudo vinculado al universo del lifestyle, también es analizado. En esta categoría, Louis Vuitton muestra una tasa de riesgo del 54,1 por ciento, seguida de Dior (42,5 por ciento) y Balenciaga (36,2 por ciento). Modelos específicos como las Jordan 1 y las Air Force 1 siguen siendo el objetivo principal de los falsificadores.

La plataforma Entrupy basa su informe en el análisis de mercancías por valor de más de 3,34 mil millones de dólares. Con una tasa de precisión del 99,86 por ciento, los datos de Entrupy ofrecen una visión precisa de los desafíos a los que se enfrenta el sector. Del total de artículos enviados a la plataforma, el 8,1 por ciento fueron clasificados como no identificados, un término que designa las presuntas falsificaciones.

Madrid – ¿Pero y qué pinta una marca de chocolates patrocinando un torneo de petanca en una “feria” de moda? Pues nada… y todo, si tenemos en cuenta que la “feria” en cuestión no es otra que ScrapWorld, el salón especializado en moda urbana que arranca este sábado 25 de abril nueva edición en Madrid, prometiendo dos intensos días durante los que no solamente se adelantarán las últimas tendencias en “streetwear”, sino también nuevas muestras de cómo la moda urbana es capaz de conectar y de construir comunidad, atrayendo en ese propósito a otros “universos” de la cultura urbana.

Creada en 2018 por el trío de emprendedores formado por “byCalitos”, el pseudónimo del influencer y creador de contenidos Carlos Martín, Miguel Antón y Juan Villegas, a los que ya tuvimos ocasión de entrevistar desde FashionUnited con motivo de la pasada edición de ScrapWorld, el salón y feria comercial especializada en moda y tendencias urbanas regresa este fin de semana a Madrid, con una nueva convocatoria de 2026 que se prolongará durante los días del sábado 25 y domingo 26 de este mes de abril. Dos jornadas que se desarrollarán de manera íntegra desde el recinto ferial de Ifema Madrid, cuyo Pabellón 8 pasará a convertirse en el lugar en el que todo pase y todo se adelante, en lo relacionado con la moda y la cultura urbana.

Sosteniendo ese objetivo, lo que nos encontramos es a la que se promete como la edición más internacional de todas cuantas han llegado a celebrarse de ScrapWorld; feria de naturaleza tanto B2B (Business to Business) como B2C (Business to Consumer) de la que van a participar en esta ocasión más de 130 empresas expositoras. Unos operadores que, con en su mayor parte venta directa a los asistentes desde el mismo espacio expositivo de esta particular feria/evento de moda, mostrarán sus últimas novedades a lo largo y ancho de los más de 16 200 metros cuadrados que se han habilitado, y que desde la dirección del salón comercial prevén que terminen por recorrer más de 9 000 visitantes diarios, generando un impacto económico de unos 2 millones de euros de facturación durante la freia. Unas cifras que, defienden, marcan un punto de inflexión en el desarrollo de ScrapWorld; cita que sostienen que ha logrado pasar, tomado impulso además sobre su cada vez más elevado perfil internacional, de un evento en el que se recogían las últimas tendencias en moda urbana, a cita en la que “se decide hacia dónde va” y cómo va a ser el mañana del “streetwear”.

“ScrapWorld ya no es solo un evento, es una plataforma; un espacio donde nacen tendencias, se conectan comunidades y se construyen las marcas del futuro”, y “el lugar donde la cultura urbana toma forma”, sostienen desde la dirección de la feria. Y es que apuntalando ese crecimiento, nos encontramos con una edición de 2026 en la que “esa evolución se hace aún más evidente”, con una convocatoria “más grande, más internacional y más relevante que nunca”. Una edición de 2026, en la que, apostillan, “Scrapworld confirma que Madrid es, durante ese fin de semana, el epicentro europeo de la cultura urbana”.

Con más de 130 expositores

Empezando por destacar el principal “plato fuerte” que el salón comercial va a ofrecer a los miles de visitantes que se espera que recorran sus espacios durante esta edición, nos encontramos siguiendo con lo ya apuntado con los más de 130 stands con los que va a contar ScrapWorld 2026. Una oferta comercial, sobre la que se destaca, primero, su creciente perfil internacional, y segundo, la marcada experiencia “experiencial” que cada una de las distintas marcas expositoras va a tratar de ofrecer a quienes se acerquen a sus respectivos espacios dentro de la feria. Unas experiencias “experienciales”, valga nuevamente la redundancia, de entre las que se subrayan de antemano la que ofrecerá Adidas, con un espacio para la personalización de camisetas desde el que se “calentarán” los ánimos de cara al próximo Mundial de Fútbol de 2026; la firma Suspicious Antwerp, con un espacio inspirado en el mundo del coche; o la misma ScrapWorld, cuyo stand central funcionará a modo de punto de encuentro entre todos los participantes del evento, fomentando conversaciones y el “networking”, y ofreciendo para ello hasta una terraza con barra y sesiones de DJs en directo.

En cuanto al nombre de esas más de 130 firmas expositoras, se confirma que participarán de esta nueva edición de ScrapWorld 2026 etiquetas como Gods, la ya mencionada Suspicious Antwerp, No3motions, Vesta, Inlong Trends, GNG, La Tienda de las Gorras, We Are Not Friends, Elixir, Phasesecltb, Football Emotion, Aile, Casa Bonita, Fix, Saint Papi, Vintage Point, Stubborn, Warburton, Iori Archives, Morsey Studios, Madrid Shaving Club, Front Row, LCO, Inabls, Ofensa, Café, Apex, Elitdez, Ideas, Weedon, Opus, Days of War, GLWP, Attitude, Press, Cube, Virus Love, No Basic Zone, What Are We, Rotten Future, Naranamo, Shackled, Lira, Cactus Worth, Bleu Ciel o Medellín. Nombres de entre los que además desde la organización destacan la participación de la firma francesa PXP (Project X Paris), el de la gallega Dame Après Paris, o los de las igualmente españolas 6IXT4OUR, Milf Shakes, EME Studios o el de la estadounidense New Era.

Se trata de firmas que “marcan el pulso de una escena global en la que lo emergente y lo consolidado conviven sin jerarquías”, y con las que desde ScrapWorld se da buena cuenta de cómo, y bajo además su propio paraguas, se está “consolidando un ecosistema global que conecta moda, comunidad y cultura urbana, desde una mirada contemporánea y absolutamente alineada con lo más ‘cool’ del presente”.

Nuevo espacio de relojería, y con música, gastronomía… y hasta un torneo de petanca

Mirando más allá de esa oferta comercial más “tradicional”, el encuentro volverá a llegar colmado de no pocas novedades y activaciones, desde las que se dejará especialmente patente cuáles son los nuevos códigos de estilo que están marcando la escena urbana; y cómo están evolucionando las experiencias de compra y las conexiones de los consumidores con las marcas. Unas relaciones para las que está poniéndose en clara evidencia la fortaleza con la que cuenta la moda urbana como sector nicho para “construir” comunidades de clientes, y con ello, sus potencialidades para establecer conexiones que resulten doblemente beneficiosas con agentes de otras “esferas” de la cultura urbana, como lo serían la música y la gastronomía.

En relación a todas estas cuestiones, en primer lugar y como novedad ScrapWorld introduce por primera vez en esta edición de 2026 una zona dedicada “Scrap Watches”, reservada al universo de la relojería. Una categoría de producto que entra a ocupar así un espacio propio dentro de la oferta comercial de la feria, en respuesta justamente a su revalorizado papel dentro de las últimas tendencias en moda urbana como accesorio con la capacidad de ejercer como “símbolo de identidad”. Una condición similar a la que siguen ejerciendo los tatuajes, tal y como por su parte se encargarán de reivindicar desde el estudio Ganga Tattoo, que contarán con una cabina de tatuaje en el interior de ScrapWorld.

Sobre lo relacionado ya con la evolución de las experiencias de compra y las conexiones y la “construcción” de comunidad, con la cultura urbana como motor y eje, la minorista Sneakz dará cuenta desde su espacio de cómo las marcas urbanas están apostando por un modelo “boutique”/sala de presentación, desde la que se redefine la percepción del producto. Y todo ello mientras desde los diferentes espacios de las distintas marcas expositoras se suceden las presentaciones de colecciones cápsulas exclusivas, los talleres de customización o los encuentros entre artistas e influencers con el público, y que desde ScrapWorld se da paso a una sucesión de actuaciones musicales en directo, como base de un programa del que van a participar La Pantera, Fernando Costa, Vreno VG, ANB y Grecas, durante el sábado 25; y Juseph, L0rna, Xiyo y Fernández, La Diferencia 2006 y Yung Beef, el domingo día 26 de abril.

Si con esas actuaciones musicales ya se pondrá de manifiesto cómo la moda es capaz de servir de elemento de conexión con esas otras “esferas” de la cultura urbana, lo mismo se tratará de evidenciar desde un espacio gastronómico desde el que ofrecerán su oferta en alimentación operadores como Vicio, Apetito, Domino’s, Relleno, Beata Pasta, Oscar Mayer, Chalito, Orijin, Focacciamo, Bocadillos Navidul o Bico de Xeado. Resultando a este respecto especialmente llamativa la activación que va a llevar en el marco de esta edición de la feria Nestlé, la compañía presidida por Pablo Isla, ex presidente ejecutivo de Inditex, cuya marca Nestlé Extrafino actúa como patrocinadora de un torneo de petanca. Una de las activaciones más llamativas de las programadas en esta edición de ScrapWorld, en la que LaLiga + Movistar Plus+ contarán con un espacio construido alrededor de un “campito de fútbol” propio, o Lenovo con otro inspirado en ese universo de la Fórmula 1 que aterrizará en septiembre en Madrid.

De este modo, y mientras patrocinadores como Foot Locker, Kappa o New Era promocionan “experiencias vinculadas al deporte, el contenido y la cultura urbana”, el “lifestyle” de la feria se completará “con experiencias como la personalización de camisetas en un espacio especial de Adidas, o iniciativas como el torneo de petanca patrocinado por Nestlé Extrafino, que refuerzan ese ADN híbrido entre entretenimiento, moda y cultura” que exhibe ScrapWorld. Feria que en esta edición sale así a reforzar, con estas y el resto de activaciones, y junto a su oferta comercial, “el cruce natural entre food, lifestyle y cultura urbana”, consolidándose “como el mejor espacio para que las marcas conecten con la generación Z, integrando activaciones, deporte y cultura en un mismo lenguaje”. “Es precisamente esta capacidad de traducir lo que está pasando ‘ahora’ —en la calle, en redes y en la cultura global— lo que posiciona a ScrapWorld como uno de los encuentros más relevantes y deseados del momento”, defienden desde la dirección de esta feria, en la que “cada espacio” se convierte “en una extensión natural de la cultura que lo rodea”, con “‘showcases’ y experiencias más cercanas, donde artistas y público conviven dentro de un mismo ecosistema cultural”.

La marca sueca de gorras abrirá las puertas de su primera tienda en Alemania el dos de mayo en el centro comercial Europa Passage de Hamburgo, según ha anunciado Hatstore este viernes. Se trata de su primera ubicación fuera de Escandinavia.

En la tienda de Hamburgo, la empresa, fundada en 2012 como minorista online, ofrecerá un surtido de gorras de béisbol, gorros y sombreros de pescador de marcas como New Era, Mitchell & Ness, '47 Brand y Goorin Bros. Además, también se ofrecerá una colección propia de Hatstore, así como un servicio de personalización.

“Hamburgo, como puerta al mundo y una de las ciudades más grandes de Alemania, es la primera ubicación ideal para la expansión de Hatstore en el mercado alemán. El Europa Passage es uno de los centros comerciales más conocidos de Alemania. Con su céntrica ubicación entre Rathausmarkt y el lago Binnenalster, atrae a millones de visitantes cada año y alberga a importantes marcas nacionales e internacionales”, se lee en el comunicado.

Además de la tienda física, el minorista ya opera con sus propias tiendas online en Alemania, Austria y Suiza. Según la propia empresa, Hatstore está presente en más de 50 mercados de todo el mundo, incluidos los Países Bajos, el Reino Unido y España.

La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP), institución cultural impulsada por la presidenta no ejecutiva de Inditex, continúa reforzando su papel dentro del ecosistema cultural de Galicia y su posicionamiento como plataforma de referencia en el ámbito internacional de la moda.

Su próxima gran apuesta expositiva refuerza esta línea estratégica con una muestra dedicada a la obra del fotógrafo italiano Paolo Roversi, una de las figuras más influyentes en la construcción del lenguaje visual contemporáneo en la industria.

La exposición Doubts abrirá al público el 20 de junio de 2026 en la sede de la fundación en el Muelle de Batería, en A Coruña, y podrá visitarse hasta septiembre del mismo año. El proyecto reunirá una selección de trabajos emblemáticos de su trayectoria junto a material inédito, ofreciendo una lectura amplia y matizada de su universo creativo y de su impacto sostenido en la fotografía de moda internacional.

La propuesta refuerza la concepción de la fotografía como un proceso de exploración en permanente construcción, más que como un resultado cerrado, una idea constante en la práctica de Roversi a lo largo de más de cuatro décadas.

Estructurada como un recorrido inmersivo, Doubts plantea una experiencia expositiva articulada en espacios interconectados. Cada sala explora una dimensión específica de su imaginario visual —entre ellas Theatre, Shadows, Grace y Fading— configurando un relato fragmentado que subraya su interés por lo efímero, lo inacabado y lo atmosférico como ejes fundamentales de su obra.

La fundadora y presidenta de la Fundación MOP, Marta Ortega Pérez, ha subrayado el carácter especial del proyecto dentro de la programación estival de la institución y ha señalado su vínculo personal con el trabajo del fotógrafo al afirmar que admira desde hace mucho tiempo su obra y que supone un placer presentar esta exposición en A Coruña.

Un artesano de la imagen

En el plano profesional, Roversi ocupa un lugar central dentro de la fotografía de moda contemporánea gracias a la consolidación de un lenguaje propio desarrollado en el entorno del estudio. Su trabajo, caracterizado por la construcción de atmósferas densas, el uso expresivo de la luz y la incorporación deliberada de recursos como el desenfoque o la imperfección, ha influido de manera directa en generaciones de diseñadores y directores creativos, que han encontrado en su estética un territorio fértil para la experimentación visual.

Autodefinido en ocasiones como un artesano de la imagen, su obra trasciende esa categorización por su profundidad conceptual y sofisticación técnica. En su práctica, el estudio se configura como un laboratorio controlado pero permeable a lo imprevisto. El propio fotógrafo ha señalado que cada evolución de su trabajo ha sido el resultado de un accidente y que, cuando esto ocurre, lo vive como una forma de revelación creativa, reivindicando el error como parte esencial del proceso.

La muestra establece también un diálogo con la historia de la fotografía al incorporar referencias que el propio Roversi ha reconocido como influyentes. Entre ellas figuran autores como Robert Frank, August Sander o Erwin Blumenfeld, así como la sensibilidad pictórica de Julia Margaret Cameron, especialmente en su aproximación a la belleza por encima de la precisión técnica.

La marca danesa Les Deux ha confirmado su resiliencia y agilidad. En 2025, la firma de Copenhague ha registrado un aumento del +13 por ciento en su facturación, marcando así su decimocuarto año consecutivo de crecimiento en un contexto mundial complicado para el canal wholesale.

Mientras el sector de la moda experimenta una clara desaceleración, Les Deux muestra una salud de hierro. Para el ejercicio 2025, la marca ha anunciado un beneficio antes de impuestos de 8,68 millones de euros (64,9 millones de coronas danesas). Su margen bruto se ha situado en 16,04 millones de euros, mientras que sus fondos propios han ascendido a 17,94 millones de euros. Este sólido rendimiento financiero demuestra la pertinencia de su expansión internacional y una rigurosa gestión operativa.

La proximidad con los socios como motor de crecimiento

¿El secreto de este éxito? Una integración directa en mercados clave. Desde hace dos años, Les Deux ha estado internalizando sus operaciones, sustituyendo a agentes y distribuidores por una gestión propia, como ha ocurrido recientemente en el Benelux, Suiza y Grecia.

“No es ningún secreto que el mercado mayorista está pasando por un momento difícil, pero nuestro enfoque ha sido coherente durante los últimos años, y eso es lo que impulsa el crecimiento”, explica Kristoffer Haapanen, CEO de Les Deux. “Cuanto más cerca estamos de nuestros socios, mejor funciona la marca. Esta es una industria de relaciones humanas”.

Una ofensiva física e internacional

El año 2025 ha estado marcado por un despliegue masivo sobre el terreno:

• Más de 250 nuevas cuentas wholesale abiertas a escala mundial.

• La apertura de showrooms en Londres y Ámsterdam.

• La inauguración de una flagship internacional en París, consolidando su arraigo en el mercado francés.

Rumbo a 2026: aceleración en Estados Unidos y Francia

Les Deux no tiene intención de frenar y prevé un nuevo crecimiento de dos dígitos para 2026, con un objetivo de beneficio antes de impuestos de entre 10 y 11,4 millones de euros.

A partir de la colección Otoño/Invierno 2026, la marca prácticamente duplicará su presencia en Nordstrom en Estados Unidos, pasando de 15 a 25 puntos de venta. En Francia, la red se ampliará con 15 nuevas direcciones, incluyendo puntos de venta de primer nivel como Hors Série en Ruan, lo que confirma el atractivo del estilo preppy-streetwear danés entre los minoristas premium.

Fundada en 2011 en un sótano de Copenhague con unas pocas camisetas blancas, Les Deux está hoy presente en los cinco continentes y es distribuida por actores importantes como Galeries Lafayette, KaDeWe o Selfridges.

Laura Jacobs pensó que nunca llevaría pieles de animales, después de haber presenciado años de protestas por su uso en la ropa, hasta que, de repente, empezó a verlas por todo Nueva York.

Jacobs rescató el largo abrigo de visón que su abuela le dejó hace años y lo llevó a un peletero de Manhattan para darle una segunda vida.

Las pieles “estuvieron estigmatizadas durante mucho tiempo”, ha declarado Jacobs a la AFP, mientras posaba ante un espejo de cuerpo entero y evaluaba un posible arreglo para acortarlo.

Pero el regreso de las pieles auténticas “encaja con todo lo que está pasando con el reciclaje y la vuelta de lo vintage”, ha afirmado.

“Nunca me habría comprado un abrigo de piel”, ha dicho Jacobs, añadiendo que la idea de “matar animales así” le hacía dudar.

Pero “esto sentía que era como reciclarlo”, ha añadido.

Nueva York está saliendo de un invierno especialmente crudo que ha incluido debates sobre el resurgimiento de las pieles, mientras las influencers impulsan esta estética y los sitios de venta minorista informan de un aumento en las búsquedas de piezas vintage.

Propietarios de negocios como Larry Cowit, que heredó y dirige la empresa familiar Madison Avenue Furs, están celebrando un repunte en las ventas.

“Tengo chicas de hasta 20 años que entran, recién salidas de la universidad, y se prueban una chaqueta de zorro”, ha comentado Cowit a la AFP. “No habíamos visto eso en bastante tiempo”.

Noelle Sciacca, directora de moda en el sitio de reventa de alta gama The RealReal, ha señalado que “el interés por las pieles se ha acelerado drásticamente”, y las búsquedas de pieles vintage en su web casi se han triplicado en 2025 con respecto a 2024.

La tendencia está “en pleno auge en todos los ámbitos”, ha declarado a la AFP, “pero las pieles auténticas lideran claramente este resurgimiento”.

Sciacca atribuye parte del interés a las “opciones de reventa sostenibles y accesibles”, que, según ella, “han hecho que los consumidores se sientan cómodos adoptando las pieles como una opción elegante y consciente”.

Una opinión pública confusa

El uso de pieles en la industria mundial de la moda ha estado en declive durante décadas.

Las alternativas sintéticas y más baratas han ganado terreno, y los activistas por los derechos de los animales continúan presionando para que se abandone el uso de las auténticas.

Recientemente, varios manifestantes han instado a la Milano Fashion Week a prescindir completamente de las pieles. La prohibición de las pieles en la Fashion Week de Nueva York entrará en vigor en septiembre de 2026.

Muchos grandes diseñadores se han comprometido a dejar de usarlas, entre ellos Prada, Michael Kors y Saint Laurent.

Mientras tanto, la Comisión Europea está revisando una iniciativa ciudadana que ha recogido millones de firmas para pedir la prohibición de la cría de animales para la obtención de pieles en toda la UE. Un portavoz ha comunicado a la AFP que la comisión informará en las próximas semanas si propondrá dicha prohibición.

Sin embargo, el tribunal de la opinión pública se ha vuelto confuso, sobre todo a medida que aumentan las preocupaciones sobre la fast fashion y los materiales derivados del petróleo.

“Siempre me imagino todos los abrigos de piel sintética que se producen ahora mismo derritiéndose en un charco de plástico. La idea de la reutilización y el reciclaje puede incluir las pieles vintage”, ha afirmado la archivista de Vogue, Laird Borrelli-Persson, en comentarios publicados recientemente por la revista de moda.

“La cuestión para mí es si llevar pieles vintage aumenta el apetito por las imitaciones, ya sean sintéticas o pieles nuevas”.

Los abrigos de piel auténtica exigen un mantenimiento constante. Las pieles contienen aceites naturales, y las prendas que no se conservan en un ambiente con temperatura controlada —idealmente, fuera de temporada en cámaras frigoríficas— pueden secarse y desintegrarse.

“Es biodegradable”, ha dicho Cowit.

Pero Ashley Byrne, del grupo de derechos de los animales PETA, ha afirmado que comprar prendas vintage bajo el pretexto de la sostenibilidad es “una acción bienintencionada pero equivocada”.

Ha declarado a la AFP que los compradores que no crecieron viendo imágenes del interior de las granjas peleteras deberían “entender que llevar cualquier piel que provenga de un animal que fue torturado y asesinado es respaldar cosas que estamos seguros de que no quieren apoyar”.

La influencia online

Cowit ha señalado que su proporción de ventas de pieles vintage frente a nuevas es ahora de aproximadamente 70 a 30. Los abrigos de segunda mano pueden costar entre 500 y 10,000 dólares, y un visón promedio cuesta entre 1,500 y 1,800 dólares, ha explicado.

Atribuye a internet el impulso del negocio: “Las influencers en las redes sociales realmente han cambiado el mundo entero”.

Parte de este impulso online proviene de la estética “mob wife” que ha sido tendencia en TikTok en los últimos años, con looks que incluyen joyas llamativas, estampados de animales y, como era de esperar, pieles.

El Instagram de Madison Avenue Furs muestra a la sobrina de Cowit posando en el balcón de la tienda con una variedad de abrigos de piel que recuerdan a la moda de “Los Soprano”.

La estilista Renee May, que se pasó por la tienda con clientas que buscaban modernizar los abrigos de sus abuelas y ver chaquetas nuevas, ha comentado a la AFP que “muchas de mis clientas están volviendo a usar sus pieles”.

Nicole Bellmier, de 36 años, ha calificado el look de “muy nostálgico”.

“Es algo para dejar en herencia a nuestros hijos”, ha añadido su prima Dominique Defonte.

Para celebrar el 130 aniversario de su icónico estampado Monogram, Louis Vuitton ha transformado una histórica townhouse en el barrio londinense de Mayfair en un concepto experiencial inmersivo.

El proyecto temporal en el corazón de Londres dedica a cada uno de los legendarios modelos de bolsos —desde el Speedy hasta el Neverfull— sus propias salas temáticas, según ha comunicado Louis Vuitton este viernes. La elección de la ubicación tiene un carácter simbólico histórico: Georges-Louis Vuitton ya eligió Londres en 1885 para su primera expansión internacional fuera de París.

La casa de moda francesa describe el Monogram, creado en 1896 como homenaje al fundador de la firma, como un “emblema de savoir-faire, herencia viajera y elegancia atemporal que ha perdurado a través de generaciones”.

Del “Keepall Lobby” al “Bar Noé”

Los visitantes se sumergen en la historia de la marca a lo largo de varias plantas. El viaje comienza en el Keepall Lobby, dedicado al diseño plegable de 1930. Mientras que el Café Alma en la primera planta ofrece experiencias culinarias en un ambiente art déco, la segunda planta presenta la experiencia Speedy, que incluye una “Safe Room” para la edición dorada “Speedy P9” del director creativo de la línea masculina, Pharrell Williams.

Artesanía y durabilidad

Además de un lúdico “Neverfull Gym”, que pone a prueba la resistencia de este clásico, y el “Bar Noé” en el sótano, el pop-up también ofrece prácticos servicios de lujo. En una zona especial de Care Services, los clientes pueden dejar sus propias piezas de Louis Vuitton para una “estancia corta restauradora” y así asegurar su longevidad. El servicio se completa con personalizaciones exclusivas y servicios de hot stamping.

El Louis Vuitton Hotel en Berkeley Square abrirá sus puertas el 24 de abril de 2026 y estará accesible al público durante aproximadamente dos meses.

Optica2000, del grupo EssilorLuxottica, ha reabierto sus tiendas ubicadas en El Corte Inglés Siete Palmas y en El Corte Inglés José Mesa y López, en Las Palmas de Gran Canaria, tras una remodelación orientada a mejorar la experiencia del cliente y reforzar el asesoramiento en salud visual.

Este proceso incorpora mejoras en iluminación, mobiliario y soportes digitales, dando lugar a un entorno modernizado donde se integran las soluciones más innovadoras del mercado. Todo ello permite acompañar mejor la labor de los profesionales y optimizar la experiencia del cliente, ofreciendo una atención más cómoda y personalizada. Un espacio que equilibra funcionalidad y diseño permitiendo al cliente centrarse en lo verdaderamente importante: su salud visual y el asesoramiento especializado en cada etapa del proceso.

Innovación en las ópticas y en la salud visual

Optica2000 refuerza su posicionamiento en salud visual con un equipo especializado, tecnología avanzada y un asesoramiento personalizado en cada consulta. Además, facilita el acceso a sus servicios mediante revisiones gratuitas y cita previa online.

La compañía impulsa la innovación en sus ópticas con soluciones como Nuance Audio™, las gafas auditivas diseñadas para mejorar la audición de forma discreta, y con modelos con inteligencia artificial como Ray-Ban Meta y Oakley Meta, que integran conectividad y diseño en la experiencia diaria.

El grupo de e-commerce de Düsseldorf, The Platform Group SE & Co. KGaA, ha experimentado un fuerte crecimiento en el ejercicio 2025.

Este miércoles, la empresa ha comunicado que los ingresos del año pasado alcanzaron los 728,1 millones de euros, lo que supone un aumento del +38,8 por ciento en comparación con 2024. El volumen bruto de mercancías (GMV) aumentó un +44,3 por ciento hasta alcanzar aproximadamente los 1.300 millones de euros. La empresa ha atribuido este fuerte crecimiento a “un desarrollo comercial positivo y continuo, un fuerte crecimiento orgánico y las adquisiciones planificadas”.

El beneficio neto aumenta un +42 por ciento

Gracias al aumento de los ingresos y al “pleno efecto del programa de costes y eficiencia implementado”, los resultados también han mejorado. Así, el resultado ajustado antes de intereses, impuestos, depreciaciones y amortizaciones (EBITDA) se situó en 55,0 millones de euros, superando el nivel del año anterior en un +65,3 por ciento. El beneficio neto declarado aumentó un +42,1 por ciento hasta los 46,5 millones de euros.

El CEO, Dominik Benner, se ha mostrado satisfecho con los resultados. “En 2025 hemos alcanzado plenamente nuestros objetivos”, ha destacado en un comunicado. “El crecimiento orgánico de nuestras plataformas ha sido consistentemente fuerte, lo que nos ha permitido desmarcarnos con éxito de la débil tendencia general del sector minorista. El hecho de que nuestro EBITDA ajustado haya crecido mucho más rápido que los ingresos demuestra la alta escalabilidad de nuestras soluciones de software”. Además, el grupo ha fortalecido su “rentabilidad y la calidad de su balance” mediante “una estricta asignación de capital”.

La dirección confirma las previsiones anuales

La empresa también ha confirmado sus previsiones actuales para el ejercicio en curso, publicadas ya en enero. Así pues, para 2026, la dirección sigue esperando un GMV de 1.700 millones de euros, unos ingresos netos de 1.000 millones de euros y un EBITDA ajustado de entre 70 y 80 millones de euros.

En estos cálculos aún no se ha tenido en cuenta la prevista adquisición de la plataforma farmacéutica AEP GmbH. La previsión se ajustará en consecuencia una vez completada la transacción. Actualmente, el grupo sigue calculando sobre una base pro forma —es decir, incluyendo las contribuciones de la nueva adquisición designada— un GMV de 3.200 millones de euros, unos ingresos anuales de 2.000 millones de euros y un EBITDA ajustado de entre 90 y 100 millones de euros.

La mayor naviera de contenedores de Alemania, Hapag-Lloyd, no ve por el momento ninguna opción para que sus buques mercantes, atrapados en el Golfo Pérsico, crucen el estrecho de Ormuz. Actualmente no hay posibilidad de paso y se está esperando una oportunidad, ha declarado el director general Rolf Habben Jansen, quien no ha ofrecido más detalles. Según informaciones anteriores de la compañía, seis buques mercantes de la naviera se encontraban bloqueados en el Golfo.

Jansen ha señalado que la guerra de Irán está causando costes adicionales semanales de unos 50 millones de dólares estadounidenses (aproximadamente 42,8 millones de euros), lo que ha justificado por el aumento de los precios del combustible. Debido a estos costes adicionales, Hapag-Lloyd está aplicando recargos a sus clientes. Estos recargos están teniendo una “buena aceptación” por parte de los clientes, ha afirmado Jansen.

En marzo se dio a conocer que el portacontenedores de Hapag-Lloyd “Source Blessing”, que se encontraba en el Golfo, fue alcanzado por la metralla de un proyectil. Se desató un incendio que la tripulación consiguió extinguir.

El estrecho de Ormuz no es seguro para la navegación porque Irán amenaza la libre circulación en este paso marítimo situado al sur del país. Por este motivo, el tráfico se ha paralizado en gran medida. Según los expertos, la actuación de Irán viola el derecho marítimo internacional.

Este miércoles se ha sabido que las fuerzas armadas iraníes, según sus propias declaraciones, han atacado y dejado sin capacidad de maniobra a tres cargueros frente a sus costas. Dos de los buques han sido confiscados. Entre ellos se encontraba el buque “MSC Francesca”, de la naviera suiza Mediterranean Shipping Company.

Opinión

Hoy, la industria de la moda recuerda el Rana Plaza.

Y debería hacerlo.

El 24 de abril de 2013, 1,134 personas murieron en el desastre más mortífero que la industria de la confección ha visto jamás. El Rana Plaza no fue simplemente el derrumbe de un edificio. Fue un colapso moral en todas las cadenas de suministro mundiales, que puso de manifiesto lo que ocurre cuando se permite que la velocidad, el bajo coste y la distancia con el riesgo definan el sistema.

Escribo esto como fabricante en Bangladés y como alguien que ha visto cambiar la industria desde dentro.

Y ese cambio ha sido mucho más significativo de lo que sugiere el relato global.

El Rana Plaza obligó a hacer un examen de conciencia. Puso de manifiesto fallos en la seguridad, la gobernanza y la cultura de aprovisionamiento. También dejó clara una cosa: si Bangladés quería seguir siendo un centro neurálgico de la moda mundial, habría que reconstruir la confianza mediante un cambio real y medible.

Más de una década después, hay otra verdad que debemos afrontar.

La resiliencia no se construye evitando el fracaso, sino viéndose obligado a solucionarlo, públicamente, repetidamente y a gran escala.

En eso ha consistido los últimos 13 años. No en la perfección. No en la finalización. Sino en avanzar hacia un cambio sostenido y visible bajo escrutinio.

Desde 2013, algo menos de 4,000 fábricas orientadas a la exportación en Bangladés han sido inspeccionadas a través de programas de seguridad conjuntos, nacionales e internacionales. El Acuerdo aportó un nivel de escrutinio y de medidas correctoras de obligado cumplimiento que el sector nunca había visto. En octubre de 2018, se habían identificado más de 122,000 infracciones de seguridad en las fábricas cubiertas, de las que se confirmó la subsanación de alrededor del 90 por ciento.

Esa escala de respuesta sigue pasándose por alto con demasiada frecuencia. No ocurrió por accidente. Ocurrió porque la regulación, la presión de los compradores, el escrutinio público y los mecanismos de obligado cumplimiento cambiaron el entorno operativo.

Y, sin embargo, el relato no ha seguido el ritmo de esa realidad.

Esa trayectoria reguladora sigue evolucionando. Los marcos de gobernanza laboral han seguido desarrollándose, con reformas en curso destinadas a reforzar la protección de los trabajadores, su representación y la capacidad de aplicación. El progreso no es lineal, pero es visible.

Lo mismo ocurre con el medio ambiente. Bangladés alberga ahora el mayor número de fábricas ecológicas con certificación LEED del mundo, incluida más de la mitad de las cien fábricas ecológicas mejor valoradas del planeta. No es un logro simbólico. Refleja años de inversión de capital en eficiencia hídrica, sistemas energéticos, gestión de residuos, diseño de fábricas y disciplina operativa. También refleja un cambio de mentalidad más amplio. En las fábricas más potentes, la sostenibilidad ya no se trata como un requisito de información para los compradores. Cada vez más, forma parte de la estrategia industrial.

El mayor cambio no se ha producido solo en la seguridad o la sostenibilidad. Se ha producido en la madurez de la fabricación.

Con demasiada frecuencia, todavía se habla de Bangladés como un mercado de aprovisionamiento de bajo coste con un pasado trágico. Ese encuadre ya no es suficiente.

Bangladés sigue siendo el segundo mayor exportador de ropa. La industria no mejoró volviéndose periférica. Mejoró sin dejar de ser un elemento central de las cadenas de suministro mundiales. Las fábricas más fuertes de aquí ya no compiten solo por el precio. Compiten por el control, la consistencia, la capacidad técnica y la resiliencia. Se las juzga por si pueden cumplir un estándar más exigente de colaboración en la cadena de suministro.

Esto es importante ahora porque el aprovisionamiento está cambiando y la percepción desempeña un papel directo en el destino de ese aprovisionamiento.

La evolución de la normativa en Europa, incluida la Directiva sobre diligencia debida de las empresas en materia de sostenibilidad, está aumentando las expectativas sobre cómo las empresas identifican, gestionan y divulgan los riesgos en sus cadenas de suministro.

La dirección es clara. La visibilidad, la rendición de cuentas y la gestión de riesgos se están convirtiendo en elementos centrales de las decisiones de aprovisionamiento. Las fábricas más potentes de Bangladés están mejor posicionadas para ese cambio de lo que la reputación del país podría sugerir.

En Harnest, lo veo de primera mano. Los clientes quieren cada vez más pruebas de control, rendición de cuentas y disciplina operativa, no solo capacidad y coste. Es una conversación muy diferente de la que mantenía Bangladés hace una década.

Nada de esto significa que la industria haya resuelto sus problemas.

No lo ha hecho.

Los salarios siguen siendo un problema crítico en relación con el coste de la vida. El progreso en las normas laborales no puede separarse de las prácticas de compra. No se puede esperar que los proveedores absorban el coste de unas normas más exigentes mientras los márgenes siguen comprimiéndose.

El progreso también ha sido desigual. El segmento formal, orientado a la exportación, es el que más ha avanzado. Las unidades de subcontratación más pequeñas y los lugares de trabajo informales siguen entrañando riesgos. El nivel superior ha cambiado significativamente, pero esa norma aún no es universal.

Así que Bangladés no necesita una historia de éxito simplificada. Necesita una honesta.

El Rana Plaza nunca debe suavizarse ni olvidarse. No se trata de sustituir la tragedia por la autocomplacencia. Se trata de reconocer que Bangladés está respondiendo a ese trauma con uno de los esfuerzos de reforma más intensos que la industria de la confección ha visto en cualquier lugar. Los sistemas de seguridad están mejorando. El rendimiento medioambiental está mejorando. La regulación se está reforzando, la gobernanza está evolucionando y la inversión está creciendo. Y algunas de las fábricas más potentes de este país están ayudando a definir cómo puede ser el futuro de las cadenas de suministro de la moda.

Argumentar que Bangladés sigue congelado en 2013 ya no es una evaluación justa y pasa por alto más de una década de cambio industrial visible.

Desde mi punto de vista, el legado del Rana Plaza no debería ser un estigma permanente para Bangladés. Debería ser la prueba de que una industria bajo presión puede cambiar, y de que cuando la regulación, la inversión y la rendición de cuentas se unen, la fabricación puede volverse más segura, moderna y responsable.

Bangladés ha cambiado. El relato, no.

La verdadera pregunta es si las decisiones de aprovisionamiento están listas para ponerse al día.

Madrid – Desde la Confederación General del Trabajo (CGT), sindicato desde el que se mantienen especialmente activos, y combativos, en la defensa de los derechos de los trabajadores de El Corte Inglés, denuncian haber visto vulnerado el libre ejercicio de su actividad sindical durante una reciente visita a distintos centros del grupo español de grandes almacenes en Andalucía. Unos hechos que denuncian, primero, de manera pública, pero mientras ya se estudian emprender las correspondientes acciones legales contra la compañía y su dirección.

Según a este respecto detallan desde la dirección de la CGT en El Corte Inglés a FashionUnited, los hechos como tales tuvieron lugar hace ahora justamente una semana, cuando, a fecha del pasado viernes día 17 de abril, un grupo de seis representantes de la CGT, entre los que se encontraba además la propia secretaria estatal del sindicato en el grupo de grandes almacenes, Melissa Caycho, se desplazó hasta el centro comercial de El Corte Inglés de la avenida de Andalucía de Málaga. Una visita amparada en su derecho al libre ejercicio de la libertad sindical, tal y como queda recogido en el Artículo octavo de la Ley Orgánica de Libertad Sindical, durante la que no obstante desde la CGT aseguran que sus delegados fueron víctimas de una actuación “desproporcionada y claramente intimidatoria” por parte del personal de seguridad del centro, en la que no faltaron las amenazas, las intimidaciones y los hostigamientos.

Se habrían tratado estas de unas actuaciones que claramente atentarían contra el ejercicio de la libertad sindical, protegido por esa Ley Orgánica 11/1985 de Libertad Sindical, y que pueden llegar hasta a estar castigadas en los términos que se recogen en el Artículo 315 del Código Penal, sobre las que desde la CGT además añaden que no quedaron ahí, sino que se repitieron al día siguiente, cuanto el grupo de delegados del sindicato, y en el marco de una serie de acciones sindicales y actos de protesta organizados en la ciudad, acudió al centro comercial de El Corte Inglés Bahía Málaga. Unas instalaciones a las que según relatan desde el sindicato se les impidió acceder a los delegados sindicales como trabajadores, al igual que en la víspera, por lo que tuvieron que acceder en calidad de clientes. Clientes a los que en cualquier caso y además el equipo de seguridad se encargó de acompañar en todo momento, censuran los delegados de la CGT que “como si fuésemos ladrones”.

“Hasta la fecha, y pese a que tanto los equipos de seguridad como los departamentos de Recursos Humanos” de El Corte inglés “han estado habitualmente presentes durante nuestras actuaciones, nunca se habían producido situaciones de la gravedad de las vividas en esta ocasión”, cuando, y “durante el ejercicio legítimo de nuestra acción sindical, representantes de CGT han sido objeto de una actuación desproporcionada y claramente intimidatoria por parte de personal de seguridad” de la compañía, denuncian desde el sindicato. Un episodio que protagonizaron de un lado el los seis delegados de la sección sindical de la CGT en El Corte Inglés, y del otro, las “entre 12 y 15 personas” del equipo de seguridad que llegaron a concentrarse en sus visitas a los centros de Málaga, “con el objetivo de impedirles el poder tener contacto con los trabajadores, además de el acceso al centro de trabajo”.

Amenazas e intimidaciones

Con ese justo propósito de impedirles el libre ejercicio de su acción sindical, narran y denuncian desde la CGT que por parte del personal de seguridad de El Corte Inglés se les profirieron amenazas verbales, las más directas dirigidas a la secretaria estatal de la CGT, a quien se la amenazó con que sería expulsada por la fuerza del centro sin “esperar a la policía”. Todo mientras a las claras se les trasladaba a los delegados sindicales que no se les iba a permitir la entrada en los centros de trabajo ni el ejercicio de la actividad sindical, invitándolos a “volver a nuestro centro de trabajo”. Un así pues más que tenso episodio, frente al que desde la CGT apuntan, primero, que en todo momento sus actuaciones se han desarrollado dentro del marco legal; segundo, que ya se cursó en su momento un correo a la empresa denunciando lo acontecido, sin haber recibido respuesta hasta la fecha; y tercero, que además de exigir el “cese inmediato de estas prácticas antisindicales”, desde el sindicato ya se está estudiando el emprender las acciones legales correspondientes contra la compañía por atentar contra el derecho a la libertad sindical.

“Los hechos denunciados incluyen” desde “la prohibición de acceso al centro de trabajo sin justificación legal”, al “acorralamiento físico de representantes sindicales” y las “amenazas verbales directas, entre ellas manifestaciones” como las de que “no sabéis quiénes somos”, “nosotros conocemos la ley” o la de “no sabéis en lo que os estáis metiendo”, y que desde el equipo de seguridad se vertieron contra los delegados sindicales de la CGT. Presiones a las que además se sumarían, apuntan desde el mismo sindicado, las “amenazas explícitas hacia la secretaria estatal de CGT, a quien se le indicó que sería expulsada por la fuerza del centro, afirmando que ‘no iban a esperar a la policía’”, o la “afirmación reiterada de que no se permitiría la entrada ni el ejercicio de actividad sindical, instándonos a abandonar el lugar y ‘volver a nuestro centro de trabajo’”.

A la vista de lo sucedido, “desde CGT consideramos que estos hechos constituyen una vulneración extremadamente grave de la libertad sindical, un derecho fundamental protegido por la legislación vigente, y un ataque directo a la representación legal de las personas trabajadoras”. Frente relevancia, “queremos subrayar que nuestra actuación se ha desarrollado, como siempre, dentro del marco legal, sin interferir en la actividad productiva y cumpliendo con los criterios establecidos para el ejercicio de la acción sindical en los centros de trabajo”, y “por todo ello, CGT exige el cese inmediato de estas prácticas antisindicales, reclama garantías efectivas para el libre ejercicio de la acción sindical y advierte que, de persistir esta situación, se emprenderán las acciones legales oportunas por vulneración de derechos fundamentales”. Una advertencia sobre la que además concretan que en cualquier caso, y a raíz de estos mismos hechos, desde el sindicato ya “estamos analizando los audios e imágenes con el fin de valorar la interposición de las acciones legales correspondientes”.

El cordón de terciopelo a la entrada de las boutiques de lujo se ha convertido en un elemento tan característico de las principales calles comerciales del mundo como los adoquines que las pavimentan. En París, Londres, Milán y Tokio, las colas serpentean frente a los escaparates de las flagships con una regularidad que sugiere que la demanda nunca ha sido tan fuerte. Sin embargo, al acercarse, el panorama se revela más complejo.

Esta semana, durante la Milan Design Week, un paseo por las tiendas insignia de las principales casas de lujo de la ciudad ha contado su propia historia. En Prada, unos pantalones cortos en el escaparate costaban 600 euros. Un pequeño bolso de nailon, 2.800 euros. Un sombrero, 560 euros. Unas zapatillas, 990 euros. No se trata de las piezas estrella: las prendas de abrigo, los bolsos icónicos o los looks de pasarela que alcanzan cifras de cuatro y cinco dígitos. Son los productos de entrada, los artículos que en su día fueron la cara accesible del lujo, las piezas que un profesional interesado en la moda podía comprar por capricho y usar durante años.

Esa propuesta ha desaparecido silenciosamente.

En las calles, Milán es esta semana más internacional que nunca, inundada de visitantes por la Design Week. Sin embargo, las bolsas de la compra brillan por su ausencia. Puede que las tiendas insignia atraigan tráfico, pero si se mira de cerca, la multitud se dirige a los eventos y activaciones en las tiendas en lugar de a la caja. La ciudad está llena de gente que ama la moda y el diseño, y muy pocos parecen estar comprando.

El cliente que una vez formó la columna vertebral del retail de lujo —el comprador aspiracional, el amante de la moda con un buen sueldo, el visitante ocasional de una marca que admiraba— ha quedado en gran medida excluido por los precios. Lo que queda es un grupo mucho más reducido: individuos con un patrimonio neto ultraalto, turistas de mercados donde las diferencias de cambio suavizan el golpe y una creciente cohorte de consumidores más jóvenes que gastan muy por encima de sus posibilidades en busca de estatus.

El comprador medio ha quedado excluido por el precio

Es un cambio que la industria, hasta hace poco, se ha mostrado reacia a analizar. Los ingresos de los grandes grupos aumentaron considerablemente en los años posteriores a la pandemia, impulsados por subidas de precios que superaron la inflación por un margen significativo. LVMH, Kering y Richemont registraron resultados récord. La lógica era sencilla: si los clientes seguían comprando a precios más altos, los precios eran los correctos.

Pero la corrección ha llegado. Varias de las principales casas han informado de una ralentización de la demanda, sobre todo en las categorías aspiracionales. Kering ha emitido advertencias sobre sus beneficios. Gucci lleva años titubeando. Incluso LVMH ha reconocido una debilidad en su división de moda y artículos de piel, donde las ventas cayeron un -2 por ciento en el primer trimestre de este año. Los clientes que hacían un esfuerzo por participar han dejado de hacerlo.

Chanel ha ofrecido un claro ejemplo este mes, al aumentar los precios de los bolsos entre un +2 y un +4 por ciento en la UE y hasta un +5 por ciento en Estados Unidos, según el observatorio de precios de lujo Pursebop. No ha sido una medida aislada: el Classic Flap ya había experimentado una subida en agosto de 2025, y el Chanel 25 le siguió en noviembre. El Classic 11.12 Flap se vende ahora por 11.700 dólares en Estados Unidos. La cadencia de precios se ha vuelto casi rítmica. Y aunque Chanel vende una barra de labios para cada grupo demográfico del planeta, la distancia entre sus cosméticos de entrada y sus artículos de piel insignia nunca ha sido mayor, ni más reveladora de dónde residen las prioridades de la industria.

Un alto coste cultural

Lo que menos se debate es el coste creativo y cultural. Históricamente, la moda de lujo ha obtenido gran parte de su energía de su relación con un público más amplio: los que miran escaparates, los lectores de revistas, los consumidores que no siempre podían permitirse el producto pero que alimentaban el deseo que daba poder a las marcas. Si el producto se valora completamente fuera del alcance de ese público, la aspiración que sustenta todo el sistema comienza a erosionarse.

Algunos diseñadores han empezado a decirlo directamente. En las últimas temporadas, algunas voces dentro de la industria han cuestionado si la propuesta de valor con los precios actuales es coherente; si 600 euros por unos pantalones cortos representan un producto genuinamente superior, o simplemente la extensión de una estrategia de precios que ha superado a la realidad.

Las colas a las puertas de las boutiques no han desaparecido. Pero quiénes las forman, y por cuánto tiempo, es una pregunta que la industria ya no puede permitirse aplazar.

Tras dos jornadas centradas en los desfiles, Barcelona Bridal Fashion Week (BBFW) inaugura mañana su feria comercial, uno de los grandes encuentros internacionales del negocio de la moda nupcial. Organizada por Fira de Barcelona, la feria se celebrará hasta el 26 de abril en los palacios 1 y 2 y la Plaça de l’Univers del recinto de Montjuïc, donde cerca de 420 marcas procedentes de 37 países presentaran sus colecciones de moda nupcial, ceremonia y red carpet a compradores profesionales de todo el mundo.

Uno de los ejes de esta edición es su elevado grado de internacionalización, con un 87 por ciento de firmas extranjeras y una fuerte presencia de mercados como Estados Unidos, Italia, Turquía, Francia, Reino Unido o Alemania. La feria refuerza además su capacidad de atracción global con compradores procedentes de más de 80 países, especialmente de mercados estratégicos como Corea del Sur, Japón, China, Australia o el Sudeste Asiático.

El peso del diseño español vuelve a ser uno de los pilares del salón, con firmas como Yolancris, Isabel Sanchís o Sophie et Voilá, junto al espacio The Edit Barcelona, que impulsa la visibilidad internacional de marcas catalanas. A ello se suma una potente representación de la alta costura internacional en la Showroom Area, con nombres como Elie Saab, Zuhair Murad, Viktor & Rolf o Jenny Packham. En este contexto, la feria también refuerza su papel como plataforma del negocio bridal global, un sector en el que España mantiene una posición destacada como segundo exportador mundial en volumen.

El programa de esta edición se abrió además con la Barcelona Bridal Night, que celebró su décima edición con el diseñador francés Stéphane Rolland como protagonista.

La ambiciosa ley francesa contra el fast fashion (Loi Violland) se encuentra en el limbo. Aunque el Senado francés aprobó la ley en 2025, la Comisión Europea, que ya había manifestado sus objeciones el pasado septiembre, ha vuelto a vetarla en abril. Bruselas sostiene que la ley altera los principios del mercado único europeo y tiene un carácter discriminatorio. Así se puede leer en el expediente público 2025/0336 en la página web de la Comisión Europea. Francia deberá suspender la adopción de la ley al menos hasta finales de 2026.

Directiva de comercio electrónico y DSA

El principal obstáculo para la Comisión es el conflicto con la directiva sobre comercio electrónico y la Ley de Servicios Digitales (DSA). La directiva sobre comercio electrónico (2000/31/CE) funciona según el principio del país de origen. Esto implica que los proveedores de servicios, incluidas las tiendas online, solo están sujetos a la normativa del Estado miembro en el que están establecidos, y no a la del país donde reside el consumidor. Al intentar prohibir la publicidad de empresas como Shein (cuya sede se encuentra en Irlanda), Francia está imponiendo su propia normativa nacional a una compañía que oficialmente se rige por la legislación irlandesa.

La DSA es un conjunto de normas europeas diseñadas para actuar de manera uniforme en toda la UE contra el contenido ilegal en línea, con el fin de proteger a los consumidores. Francia propone un enfoque específico en el que las tiendas online deben mostrar, junto al precio, información adicional sobre la naturaleza de fast fashion del producto (una advertencia) y su origen. La Comisión argumenta que la DSA se creó precisamente para aligerar la carga administrativa y teme que otros Estados miembros propongan normativas propias similares.

Finalmente, la Comisión Europea tiene objeciones sobre el sistema de penalización (malus) previsto para marcas como Shein, que ascendería de cinco a 10 euros por prenda en 2030. La oposición se centra específicamente en el impuesto sobre los paquetes pequeños (les petits colis), que se ha añadido a la ley como un componente adicional. Bruselas teme que este impuesto francés interfiera con las reformas aduaneras paneuropeas previstas para 2028.

El futuro de la ‘Loi Violland’

Para salvar la ley, la organización medioambiental Refashion ha recibido el encargo de formular criterios objetivos para la moda ultra-fast fashion, basándose en los volúmenes de producción y los esfuerzos de sostenibilidad. El resultado de esta investigación, aún no publicado, es crucial para la Comisión de cara a los próximos pasos.

El futuro de la ‘Loi Violland’ está ahora en manos de un comité de mediación (CMP), que deberá intentar conciliar las ambiciones francesas con las exigencias de Bruselas. Es muy probable que elementos como la prohibición de la publicidad y el impuesto sobre los paquetes pequeños tengan que ser eliminados para obtener la aprobación europea. El sector de la moda permanece por ahora en la incertidumbre mientras continúa la “telenovela” política —como ya se denomina a esta pugna en LinkedIn— entre París y Bruselas.

“Esta ley necesita la aprobación de Bruselas”, afirma en LinkedIn Baptiste Carriere-Pradal, experto de 2B Policy. Él ve oportunidades para que Francia modifique el proyecto de ley original para adaptarlo a los deseos de la Comisión Europea. Por ejemplo, se podría eliminar el sistema de penalización para los productores “malos” y de recompensa para los “buenos”. “Por ahora, sin embargo, Francia y la Comisión Europea no están en la misma sintonía.”

Kiabi ha inaugurado hoy su tienda en Córdoba, ubicada en el Centro Comercial La Sierra, dentro de su plan de expansión en España. Con esta apertura, la compañía alcanza las 75 tiendas en el país, 17 de ellas en Andalucía, y suma Córdoba como nueva plaza dentro de su red comercial.

Con 938 m² de superficie, la nueva tienda reúne su oferta de moda para toda la familia e incorpora además las marcas de su ecosistema: KiTChoUN, especializada en calzado infantil para niños de 0 a 3 años; (ekstract), dedicada a deporte y bienestar; y Kiabi Home, con productos para el hogar. Esta integración refleja la diversificación de la compañía y la ampliación de su propuesta también en tienda.

Ubicada en el Centro Comercial La Sierra, la tienda se incorpora a uno de los principales espacios comerciales y de ocio de la provincia de Córdoba. El centro cuenta con más de 108.000 m² construidos, un área de influencia de alrededor de 330.000 habitantes y más de 60 locales de moda, servicios y restauración.

La apertura de Córdoba forma parte de la hoja de ruta de crecimiento de Kiabi en España, centrada en seguir desarrollando su red comercial y ampliar su presencia territorial, con nuevas aperturas previstas a lo largo de 2026, y con la creación de 16 empleos directos vinculados a esta nueva tienda.

España y Portugal, junto a otros miembros del comité de dirección de la compañía y representantes institucionales del Ayuntamiento de Córdoba, la Diputación de Córdoba, la Cámara Oficial de Comercio, Industria y Servicios de Córdoba y del Centro Comercial La Sierra. Durante el acto, los asistentes han recorrido el nuevo espacio y conocido de primera mano la propuesta de la marca.

Crecimiento y diversificación

Kiabi reafirma su sólido compromiso con el mercado ibérico impulsando su ambicioso plan de expansión. La nueva inauguración en Córdoba —que sigue a la reciente apertura en Illescas (Toledo), el segundo hito de la marca en 2026— consolida una hoja de ruta de crecimiento que contempla nuevas aperturas estratégicas en España y Portugal a lo largo de todo el año.

Este crecimiento se apoya en la evolución del modelo de tienda, con el desarrollo de una nueva gama de tienda de superficie más reducida, por debajo de los 800 m², frente al modelo tradicional. Este nuevo formato, lanzado en Illescas, permite a Kiabi seguir aumentando su capilaridad y avanzar en la implantación en nuevas plazas, y continuará desplegándose a lo largo del año.

En paralelo, la compañía avanza en la diversificación de su oferta a través de su ecosistema de marcas especializadas —como Kiabi Home, KiTChoUN, (ekstract) o Beebs by KIABI—, ampliando su oferta en tienda y también en digital. Esta evolución responde al objetivo de facilitar la vida de las familias, proponiendo soluciones que van más allá de la moda y cubren distintas necesidades del día a día.

Zalando ha unificado sus modelos para socios y, en este contexto, ha anunciado el cese de su programa Connected Retail.

El minorista online berlinés ha confirmado esta decisión a FashionUnited. Previamente, el medio especializado Schuhkurier ya había informado al respecto. Según la información, la tecnología de Connected Retail dejará de funcionar el 30 de junio de 2027.

La empresa ha comunicado en una declaración a la que ha tenido acceso FashionUnited que quiere ofrecer a sus socios “una experiencia integral” y acceso a sus “tecnologías más avanzadas”. Por ello, consolidarán los modelos de colaboración e invitan a los minoristas y marcas que actualmente están conectados a Zalando a través del programa Connected Retail a cambiar al otro programa.

“No nos despedimos de las tiendas físicas, simplemente estamos actualizando la tecnología con la que se conectan a nosotros. Este cambio optimiza los procesos, ofrece una mejor visión de los datos y permite a los socios seguir gestionando los pedidos directamente desde sus tiendas, al tiempo que pueden escalar su negocio a nuestros 27 mercados europeos”, explican desde Berlín.

Zalando ajusta sus tarifas

En este contexto, también se ajustará la estructura de tarifas, de modo que a partir de septiembre de 2026 se aplicarán las mismas comisiones de servicio de marketplace estándar para todos los socios. Para apoyar a los socios en este cambio, Zalando ofrece a los minoristas una reducción de dos puntos porcentuales en las comisiones hasta finales de 2027. Además, todos los socios que “cambien con antelación” recibirán una reducción adicional de un punto porcentual durante seis meses.

Los socios que deseen seguir colaborando con Zalando deberán aceptar esta estructura de tarifas consolidada antes del 15 de mayo; de lo contrario, la colaboración finalizará “de mutuo acuerdo” a finales de agosto.

Desde sus inicios, ba&sh ha sido más que una marca de moda: representa una visión de la vida optimista, libre y comprometida, pensada para acompañar a las mujeres en su día a día. Fundada por Barbara Boccara y Sharon Krief, su propósito es aportar alegría y luminosidad a la vida cotidiana.

“Hacer la vida más alegre y radiante es, en esencia, lo que ba&sh busca aportar a las mujeres”, explica Sharon Krief.

En 2025, la firma da un paso más con el lanzamiento de ba&sh Wellness, una propuesta que amplía su universo hacia una visión holística del bienestar. Este proyecto invita a moverse, reconectar y celebrar, entendiendo el bienestar no solo como cuidado personal, sino también como placer, libertad y comunidad.

“ba&sh Wellness nace del deseo de crear un espacio donde movernos, respirar, soltar y reconectar. Un lugar donde el bienestar también se vive desde el placer, la conexión y la celebración.” Barbara Boccara y Sharon Krief, fundadoras de ba&sh.

ba&sh Wellness se articula en torno a varios pilares: colecciones cápsula diseñadas para el movimiento con estilo, experiencias inmersivas y retiros que combinan actividad física, autodescubrimiento y momentos compartidos. En 2026, la iniciativa evoluciona con nuevas prendas versátiles, más destinos para retiros y colaboraciones con marcas como Oh My Cream y Bouche Bée.

Una nueva colección que fusiona deporte y elegancia

Tras lanzar en 2025 una primera cápsula centrada en el yoga, ba&sh amplía su línea Wellness con una nueva colección que fusiona estilo y comodidad. Pensada para acompañar el movimiento, también se integra fácilmente en el día a día, adaptándose a looks urbanos y versátiles.

Inspirada en la rutina de mujeres activas amantes de un café por la mañana a entrenamientos, viajes o encuentros con amigas, la colección propone un “uniforme” funcional y elegante: sudaderas oversize, shorts ciclistas, joggers relajados, tops tipo bra y capas de accesorios que elevan el conjunto sin esfuerzo.

Dirigida a quienes viven el deporte desde el placer y la sofisticación, la propuesta mantiene el espíritu libre de la marca. Con una estética “West Coast”, predominan tejidos de punto ultrasuaves en tonos caqui y azul desgastado, junto a detalles femeninos como aberturas en la espalda o un vestido diseñado para pádel que aporta estilo incluso en la pista.

Nuevos destinos para sus retiros más emblemáticos

Lanzado en 2025, el Escapes Program de ba&sh se ha consolidado rápidamente como una experiencia wellness de referencia. Con retiros en destinos como Biarritz, Saint-Tropez o Cap d’Antibes, estas escapadas han tenido gran éxito gracias al boca a boca y a una comunidad muy fiel, con muchas participantes que repiten.

En 2026, el proyecto se expande internacionalmente con nuevos destinos más exclusivos: Marrakech en marzo, Biarritz en mayo e Ibiza en octubre, este último en colaboración con Oh My Cream. Cada retiro tiene una duración de 4 días y 3 noches, con grupos reducidos de hasta 15 personas, creando una experiencia íntima y personalizada guiada por expertas en bienestar.

La propuesta combina yoga, baños de sonido, saunas, baños de hielo, yoga facial, masajes, rutas y momentos de conversación y desconexión, siempre bajo una filosofía libre y holística del bienestar, sin normas rígidas.

Además, cada edición cuenta con colaboradores del universo wellness como Nooance, Odacité o French Bloom, que enriquecen la experiencia. En conjunto, los Escapes de ba&sh invitan a bajar el ritmo, reconectar y celebrar el bienestar como una forma de vida.

El estilo college vuelve a posicionarse como una de las corrientes clave dentro del menswear. Inspirado en la estética de los campus estadounidenses, este código estético regresa impulsado por la tendencia retro y por una forma de vestir cada vez más relajada, en la que la comodidad y la versatilidad adquieren protagonismo.

En este contexto, Williot presenta las sudaderas más chic de su colección, piezas creadas con el objetivo de dar un toque actual a cualquier look y fáciles de integrar en los estilismos de la rutina, fusionando estilo y comodidad de forma natural. Una de las piezas fundamentales del armario masculino.

Es precisamente en esta línea donde se sitúa la propuesta de Williot, que reinterpreta este básico desde su propio universo creativo. Fundada en 2006 por la familia Antón, la marca inició su trayectoria con un enfoque en el sector del calzado y, en 2014 dio un paso clave con su expansión al textil, consolidando un universo completo para el hombre actual. Detrás de la marca hay más de 50 años de historia familiar ligada a la fabricación de calzado para firmas de lujo, un legado que sigue presente en su forma de entender la calidad, la confección y la atención al detalle. Esta herencia se traduce en prendas que buscan no solo vestir, sino acompañar el estilo de vida del hombre actual.

Algo que se refleja en sus sudaderas, inspiradas en la confianza y la versatilidad y diseñadas como modelos desenfadados, contemporáneos y atemporales, que combinan tradición y modernidad a través de una cuidada selección de tejidos y una estética coherente en todas sus líneas.

Entre las propuestas destacadas, la firma presenta la sudadera tipo parche, una pieza que sintetiza el espíritu college a través de gráficos y detalles aplicados, aportando un equilibrio entre lo clásico y lo actual. A ella se suma la sudadera Wave, un modelo minimalista, con el que añadir un toque sobrio a cualquier armario deportivo.

Completando la selección, la sudadera coral refuerza esta idea de básico elevado, donde el color y la simplicidad bien ejecutada construyen un look con identidad propia.

En la actualidad, Williot se define por una estética sofisticada, atemporal y funcional, alejándose de etiquetas efímeras para centrarse en un estilo que combina tradición y modernidad. La compañía encara el futuro con el objetivo de seguir reforzando su posicionamiento y consolidando su imagen de marca dentro del sector, con una dirección creativa y estratégica liderada por Sepulcre y Antón, quienes velan por que cada propuesta y cada mensaje mantengan una identidad clara, alineada con los valores de excelencia y evolución de la marca.

Por último, Williot 3D es una opción versátil y desenfadada ideal tanto para llevar con jeans como con un pantalón de vestir. Está confeccionada en algodón, disponible en varios colores y pensada para el hombre más casual.

Porque esta temporada, el hombre actual encontrará en Williot las sudaderas más cómodas y divertidas con las que llenar de actitud y personalidad cualquier look, aportándole un toque desenfadado.

Sobre Williot

Williot es una firma española de moda masculina nacida en Elche (Alicante), ciudad con una fuerte tradición en la industria del calzado. La marca combina esta herencia con una propuesta contemporánea que incluye ropa, calzado y accesorios.

Inspirada en la elegancia relajada del hombre británico, Williot desarrolla colecciones versátiles que fusionan referencias clásicas y códigos actuales, dando lugar a prendas pensadas para el día a día del hombre contemporáneo.

El estampado más icónico de la primavera y también del verano, ese que inevitablemente nos transporta a picnics entre flores, a veranos eternos en la costa mediterránea, o incluso, al vestido de novia de Brigitte Bardot, se reinventa esta temporada para instalarse en el universo sneaker. Hablamos del vichy, ese patrón clásico conformado por cuadros pequeños y regulares teñidos de colores que ahora Hoff, los convierte en el punto de partida de una verano effortless.

Nueva estación, nueva narrativa cromática. El verano asoma y con él, ese deseo casi urgente de luz, piel dorada y planes infinitos, una expectativa que crece al ritmo de la nueva cápsula de Hoff. La firma, además del estampado de cuadros, apuesta por una paleta suave para su propuesta de verano, delicadamente optimista, donde los tonos dulces se convierten en protagonistas indiscutibles: amarillos mantequilla, verdes frescos o rojos más sutiles junto a tonalidades más neutras como el beige o el blanco.

La silueta Bridge (emblema indiscutible de la firma) se inspira de la delicadeza atemporal de la clásica bailarina de ballet para reinterpretarla desde una mirada contemporánea. Sus líneas estilizadas, depuradas hasta lo esencial y la selección de materiales premium, dan lugar a una sneaker ligera, versátil y de elegancia intuitiva.

Esta temporada, sin embargo, la silueta evoluciona. Se reestructura sutilmente para dar paso a diseños más abiertos de estilo veraniego. Así nace Bridge Bow, una nueva interpretación que aporta frescura y ligereza, manteniendo intacto el ADN refinado que define a la cápsula.

Porque sí, estas zapatillas reúnen todas las claves para convertirse en el calzado definitivo del verano y, quizás, en el relevo de las sandalias: ligeras, frescas y con ese punto de sofisticación relajada que eleva cualquier look. Pensadas para transitar sin esfuerzo de la ciudad a la playa, del brunch a una terraza al atardecer, se posicionan como la alternativa perfecta para quienes entienden el verano como un estado de ánimo, pero también como una declaración de estilo.

El quiosco más vichy de la ciudad

Y por si necesitabas una excusa más para dejarte caer por la ciudad, Hoff sube la apuesta con un plan que va mucho más allá. En pleno número 114 de la calle Alcalá, la marca inaugura un quiosco efímero que es puro flechazo: café de especialidad de la mano de Sinfonía Coffee y la oportunidad de descubrir, en primicia, la nueva colección Vichy.

Desde ahí arranca una experiencia pensada para recorrer Madrid con otros ojos. En el quiosco se reparten mapas que invitan a perderse por la ciudad, marcando una primera parada clave: la tienda Hoff. Al entregar el mapa, le espera un regalo exclusivo. Porque sí, aquí cada gesto cuenta.

El recorrido es, en realidad, una declaración de intenciones: estilo, creatividad y cultura urbana que se entrelazan en cada paso para redescubrir Madrid esquina a esquina. Café en mano y solo queda dejarse llevar. Porque esto no va solo de una colección, sino de una forma de vivir la ciudad.

Sobre Hoff

Hoff es una marca global de sneakers nacida en España que fusiona la artesanía tradicional con el diseño contemporáneo para acompañar a quienes caminan con propósito. Fundada en 2017 por Francisco Marchena en Elche, cuna histórica del calzado, Hoff se ha consolidado como una firma que transforma cada paso en una declaración de identidad, estilo y visión.

Más que una marca, Hoff es una plataforma creativa que impulsa a una comunidad de personas valientes, curiosas y decididas a trazar su propio camino. A través del diseño, convierte el movimiento cotidiano en una forma de expresión, apostando por quienes entienden el estilo como una manera de pensar, decidir y actuar.

Con más de un millón de pares vendidos y presencia internacional en ciudades clave como Londres, París o Amberes, Hoff ha logrado crear una marca con un propósito claro, acompañar a una nueva generación de líderes creativos, changemakers y doers que entienden el estilo como una herramienta de identidad.

Madrid – Lejos de aflojar la tensión tras las protestas de este pasado fin de semana, desde la Confederación Intersindical Galega (CIG), con el respaldo nuevamente de la Unión General de Trabajadores (UGT), han llamado a todos los trabajadores del sector del comercio de textil y calzado de las cuatro provincias de Galicia a secundar una nueva jornada de huelga de 24 horas, convocada para el próximo lunes 27 de abril. Un paro que enmarcan del mismo modo dentro de la firme estrategia de oposición que se mantienen librando contra el convenio estatal promovido por la Asociación Retail Textil España (Arte), la patronal de las grandes cadenas y grupos de moda como Inditex, Mango, H&M o Primark; texto que se encontraría ya en la recta final de cara a su próxima aprobación.

Según señalan al respecto desde la propia dirección del sindicato nacionalista gallego, durante la última reunión de la mesa de negociación del convenio de Arte, celebrada este pasado lunes días 20, desde la organización empresarial terminaron por presentar el texto, íntegro, del I Convenio Colectivo Estatal de Grandes Cadenas Comerciales del Sector de Comercio Textil y del Calzado. Un documento de 22 páginas estructurado en torno a 32 artículos y dotado con hasta cinco disposiciones transitorias —al que hemos podido tener acceso desde FashionUnited—, que está siendo ya analizado por los diferentes sindicatos con representatividad en ese órgano de negociación. Un estudio que en cualquier caso, y tras el preacuerdo alcanzado entre Arte y los sindicatos CCOO y Fetico a finales del pasado mes de marzo, presenta como horizonte el de la pronta aprobación del Convenio, quién sabe si ya y directamente durante la próxima reunión de la mesa de negociación, que se ha convocado para la jornada del próximo lunes día 27 de abril.

Tan claro presienten desde la CIG que en esa próxima reunión pueda terminar por acordarse la aprobación del nuevo convenio —si no de manera todavía definitiva, sí de forma más que latente—, tal y como por otro lado de eso mismo ya advertían las dependientas de Inditex en su carta remitida a Marta Ortega, la presidenta no ejecutiva de la dueña de Zara, que desde el sindicato se han deicidio a fijar para ese mismo día la convocatoria de esta última huelga sectorial contra el convenio de Arte. Una nueva protesta y jornada de paro de 24 horas, que llaman a secundar a todos los trabajadores de todas las empresas asociadas a Arte, y de aquellas otras que vayan a verse afectadas por el ámbito de aplicación que ya se ha “preacordado” para el Convenio, de las provincias de Pontevedra, Orense y Lugo. Mientras que para el caso de la provincia de La Coruña, donde se mantienen paralizadas las negociaciones para la renovación del Convenio del Comercio Vario tras su vencimiento el pasado 31 de diciembre de 2025 —algo a lo que desde la CIG señalan como primera muestra del claro impacto del convenio de Arte sobre las condiciones laborales del conjunto de los trabajadores del sector del comercio—, la huelga se hace extensible a todos los trabajadores de todo el conjunto del sector del comercio de la provincia.

“La convocatoria de huelga llega tras el éxito de las movilizaciones realizadas con anterioridad en el sector, y se extiende al conjunto del comercio vario de la provincia de La Coruña, mientras que en Pontevedra, Orense y Luego afectará al personal de las empresas asociadas a la patronal Arte, así como a todas las personas que presten servicios en aquellas compañías que estarán afectadas por el ámbito de aplicación establecido en el preacuerdo firmado el pasado día 23 de marzo por Arte y los sindicatos CCOO y Fetico”, concretan al respecto desde la CIG. Un ámbito el del pretendido marco laboral estatal que, señalan, se ciñe a aquellas empresas “dedicadas principalmente al comercio textil y de calzado que cuenten con una plantilla superior a 400 personas, y con una superficie de venta física superior a unos 3 500 metros cuadrados” a nivel nacional. Una condición esta que no obstante podrá supeditarse al hecho de que la empresa tenga una tienda física abierta al público en al menos tres comunidades autónomas, o viceversa.

A pesar de eso, y tal y como se están cuidando de advertir de manera sostenida y especialmente desde la CIG, “la firma definitiva de este convenio colectivo significará la desaparición o reducción al mínimo de las negociaciones provinciales”, sostienen, así como “congelar durante años las condiciones laborales y salariales del personal contratado; y la precariedad de quienes se incorporen al sector, generando condiciones dispares entre personas de un mismo centro que realizan las mismas funciones”. “Por eso”, enfatizan desde la organización sindical, “el convenio impulsado por Arte no solo afectará al personal de las grandes empresas, sino que tendrá consecuencias sobre las condiciones laborales de personas empleadas en el pequeño comercio, que verán cómo desaparecen los procesos o se negocian a la baja sus convenios de referencia”.

Firmado el nuevo Convenio Provincial del Comercio Vario de Pontevedra

Además de insistir nuevamente en puntos muy concretos del preacuerdo, y del texto presentado ahora por Arte, y de a partir de ahí denunciar el perjuicio que a su entender el convenio colectivo estatal va a generar con su aprobación en trabajadores de provincias como La Coruña o Pontevedra, desde la CIG han vuelto a llamar a la Confederación de Empresarios de Galicia (CEG) para que accedan a sentarse a negociar un acuerdo interprofesional gallego del comercio que blinde los convenios provinciales y garantice su prioridad de aplicación frente a convenios estatales como el de Arte. Un acuerdo similar al que como ya hemos señalado en FashionUnited ha llevado a la exclusión del País Vasco del ámbito de aplicación de este convenio de Arte.

En esa firme defensa de la negociación provincial, desde la CIG señalan como un gran éxito la firma que ayer miércoles, 22 de abril, se llevó a cabo del nuevo Convenio Colectivo provincial del Comercio Vario de Pontevedra, de ahí el que se haya “limitado” el alcance en la provincia de esta próxima huelga convocada para el lunes 27. Siendo este un texto ratificado por la Confederación de Empresarios de Pontevedra (CEP) y los sindicatos de la CIG, CCOO y de la UGT, entre cuyas disposiciones adicionales se ha incluido además una mención expresa a su calidad como norma de referencia del “tejido comercial, económico y social de la provincia”. Mientras tanto y a nivel salarial y de condiciones laborales, se han establecido incrementos de sueldo que oscilan entre un +3 y un +12 por ciento para los cinco años de vigencia del convenio (de 2025 a 2029); una cláusula de revisión salarial con carácter retroactivo si el IPC supera el 3 por ciento en cada año de vigencia del convenio; como novedad la homologación salarial y la fijación en 20 minutos de tiempo de descanso efectivo para los trabajadores de los cuatro sectores que integran el ámbito del comercio de la provincia (textil mayorista, comercio minorista, calzado y piel, y bazares); la equiparación del precio de las horas extras en domingos y festivos con aumentos, respectivamente, del +100 y del +125 por ciento; la bonificación del plus de transporte como parte del salario base a partir del año de 2027; o el aumento hasta 18 del número de sábados de descanso al año de los que podrán beneficiarse los trabajadores del sector. Unas mejoras, entre otras, que desde la CIG no obstante desconfían de que realmente vayan a poder repercutir de manera beneficiosa para los trabajadores, si termina por publicarse antes en el BOE el Convenio Colectivo de Arte.

“De ser así no les sería de aplicación, y por lo tanto perderían todas las mejoras conseguidas”, lamentan desde la CIG, al tiempo que censuran cómo “los firmantes del preacuerdo de Arte, CCOO y Fetico, están causando un daño irreparable al sector, porque las condiciones de las personas trabajadoras serán rebajadas, y muchos derechos eliminados”. Frente a esas dinámicas, “haremos todo lo posible por lograr que ese acuerdo” sea efectivo “cuanto antes”, para “preservar las condiciones laborales y los derechos” de los trabajadores, y por otro lado dando cumplimiento a lo acordado entre los firmantes del convenio provincial, que “rechazan cualquier proceso de centralización de la negociación colectiva que implique la homogeneización a la baja de las condiciones laborales, reafirmando el papel del convenio provincial como garantía de derechos y equilibrio del sector”. Una tesis en la que se mantienen instaladas tanto la CIG como la UGT frente a las negociaciones del convenio de Arte, pero que justamente han acusado de vulnerar a CCOO, firmante del preacuerdo de Arte y de este convenio provincial de Pontevedra.

El IED Milano ha introducido la inteligencia artificial en su plan de estudios de moda a través de una nueva colaboración con Modelia, lo que refleja un cambio más amplio en la forma en que las herramientas digitales se están integrando en la formación en diseño.

Esta colaboración supone la incorporación de la plataforma de Modelia en el programa de Diseño de Moda de segundo año, donde los estudiantes utilizan la IA para traducir conceptos creativos en propuestas visuales totalmente materializadas. La iniciativa incluye un seminario de 20 horas centrado en la IA en la moda, que combina herramientas de ideación en fase inicial como ChatGPT y Gemini con las capacidades de producción de Modelia para crear presentaciones de pasarela digitales.

Según la institución, el objetivo es abordar un reto creciente para los diseñadores emergentes: no solo generar ideas, sino presentarlas con un nivel de ejecución visual que cumpla con las expectativas de la industria. Mediante el uso de herramientas de IA, los estudiantes pueden desarrollar y perfeccionar conceptos hasta convertirlos en imágenes de calidad profesional, incluso cuando trabajan con diseños experimentales o poco convencionales.

La IA como herramienta de apoyo

El programa posiciona la IA como una herramienta de apoyo en lugar de un sustituto de la creatividad. Como ha señalado la profesora Paola Pinna, la tecnología permite a los estudiantes materializar ideas complejas de forma más eficaz, sin dejar de depender del pensamiento original y la dirección de diseño.

Para los educadores, la iniciativa pone de manifiesto una tendencia más amplia hacia la integración de la alfabetización en IA en la formación en moda. Dado que la comunicación visual y la velocidad de producción son cada vez más importantes en la industria, herramientas como Modelia se enmarcan como parte del conjunto de habilidades en evolución que se requieren para los futuros diseñadores.

La colaboración también refleja una alineación estratégica entre la educación y la industria, ya que instituciones como el IED Milano —que forma parte de una red internacional más amplia de escuelas de diseño— buscan preparar a los estudiantes para un sector en el que la IA se está convirtiendo en un componente práctico de los flujos de trabajo, desde el desarrollo de conceptos hasta la creación de campañas.

EssilorLuxottica ha anunciado este miércoles que sus ingresos consolidados del primer trimestre de 2026 alcanzaron los 7.127 millones de euros, lo que representa un aumento interanual del +10,8 por ciento a tipos de cambio constantes en comparación con los 6.848 millones de euros del primer trimestre de 2025.

Los ingresos crecieron un +4,1 por ciento a tipos de cambio corrientes.

La división Professional Solutions registró unos ingresos de 3.362 millones de euros, un +10,8 por ciento más en comparación con el primer trimestre de 2025, mientras que la división Direct to Consumer registró unos ingresos de 3.764 millones de euros, un +10,7 por ciento más.

Francesco Milleri, presidente y consejero delegado, y Paul du Saillant, viceconsejero delegado de EssilorLuxottica, han comentado: “Con el tercer trimestre consecutivo de crecimiento de dos dígitos, demostramos una vez más la solidez y la relevancia de nuestra estrategia y nuestra capacidad para cumplirla. Hemos seguido impulsando un sólido momento en todas las regiones y negocios, gracias a la solidez duradera de nuestras actividades de cuidado de la visión y de gafas y a un flujo constante de innovación”.

De cara al futuro, la compañía ha señalado que en los próximos cinco años planea lograr un sólido crecimiento de sus ingresos totales y un crecimiento ampliamente alineado del beneficio operativo ajustado.

La marca española de calzado Flabelus apuesta por una rápida expansión internacional y ha anunciado la apertura de su primera tienda física en los Países Bajos este verano. La tienda estará ubicada en el corazón del cinturón de canales de Ámsterdam. Así lo ha confirmado un responsable de relaciones públicas de la marca a FashionUnited.

La flagship store se ubicará en el número 146 de la calle Kerkstraat y abrirá oficialmente sus puertas a finales de mayo. Esta será la primera tienda propia de la marca en el Benelux; también está prevista una apertura en Amberes.

Flabelus fue fundada en 2020 por Beatriz de los Mozos. Después de que, por razones médicas, solo pudiera llevar calzado plano, decidió crear su propia marca para satisfacer sus necesidades. La colección ofrece interpretaciones modernas de la tradicional alpargata española y se inspira en la tendencia actual de las merceditas. Desde la adquisición de una fábrica española justo después de la pandemia, toda la producción se realiza internamente.

La marca ya está disponible en más de 70 países a través de diversos canales y cuenta con más de 200 puntos de venta. Recientemente, Flabelus también ha abierto tiendas propias en Madrid, París y Londres.

Cantón - En el calor de un inmenso mercado mayorista del sur de China, rodeados de ropa y calzado, los comerciantes esperan que la anunciada visita de Donald Trump alivie los aranceles estadounidenses que penalizan sus exportaciones.

Los fabricantes y las fábricas de la provincia de Guangdong, el corazón manufacturero del país, han sufrido de lleno en los últimos años los aranceles del inquilino de la Casa Blanca.

La guerra comercial mundial lanzada por Trump en 2025 tras su regreso al poder había provocado sobretasas desorbitadas de hasta el 145 por ciento en determinados productos chinos.

Es cierto que en octubre se ha acordado una tregua de un año sobre la mayoría de los aranceles entre el presidente estadounidense y su homólogo chino, Xi Jinping. Pero para los vendedores del mercado de Cantón, los pedidos han mermado.

“Es bastante evidente. Los clientes estadounidenses prácticamente han desaparecido”, afirma Zhou Hua, director de ventas de “1988”, un fabricante de vaqueros.

La provincia de Guangdong representó el año pasado aproximadamente una quinta parte del comercio exterior chino, por un total de 9,490 miles de millones de yuanes (más de 1,186 miles de millones de euros), según las Aduanas chinas.

La Casa Blanca ha anunciado que Trump viajará a China los días 14 y 15 de mayo, tras un aplazamiento de varias semanas debido a la guerra en Oriente Medio. Pekín no ha confirmado estas fechas.

Zhou Hua espera que esta visita suponga una reducción de los aranceles y reactive la demanda de sus vaqueros.

Estados Unidos solo representa alrededor del 10 por ciento de las exportaciones de “1988”, que vende principalmente en China y en otras partes del mundo. Pero es un centro neurálgico de la moda y, por tanto, un mercado estratégico en el que estar presente y tener visibilidad puede generar nuevos contratos.

“No queremos poner todos los huevos en la misma cesta”, explica Zhou.

El Tribunal Supremo de Estados Unidos ha anulado en febrero gran parte de los aranceles mundiales decretados por Trump.

Este último ha establecido a continuación una nueva sobretasa universal del 10 por ciento, válida durante 150 días, que también se aplica a los productos chinos.

Esperanzas de paz

Según Guo Tao, el jefe de “1988”, la visita de Trump ayudará a “romper el hielo”.

“Cuando los dos países se enzarzan en una guerra de aranceles, todo el mundo pierde, nadie gana”, afirma.

También le preocupa el aumento del coste de las materias primas, impulsado por la guerra en Oriente Medio.

“Como comerciantes, lo único que queremos es una economía próspera, un país estable y paz en el mundo”.

En los pasillos del mercado mayorista, compradores chinos y extranjeros regatean. A su lado, los encargados de los puestos promocionan sus productos en directo por internet frente a las pantallas de sus smartphones.

Una vendedora de bolsos, la Sra. Zhuang, explica que su pequeña tienda no se ve directamente afectada por los aranceles estadounidenses, pero que siente “claramente” las repercusiones, ya que los clientes chinos se preocupan más por su presupuesto.

“En cuanto a mis expectativas” sobre la visita del presidente estadounidense, “no tengo ninguna”, sentencia, al considerar a Trump “poco fiable”.

En otro mercado mayorista de Cantón, tiras de color rosa y bolas de discoteca cuelgan del techo de la tienda de Wen Linpeng, que vende jabones de colores, perfumes y productos de maquillaje.

Su negocio no está orientado a Estados Unidos, pero espera que el viaje de Trump fomente la cooperación entre ambos países.

China recibirá al presidente estadounidense con los brazos abiertos si es “realmente sincero”, predice.

“Si no es amable, si exige concesiones a China o nos fuerza a hacer algo, le devolveremos la jugada”, advierte.

“Pero si está dispuesto a cooperar, estaremos encantados de trabajar con él”.

La industria textil y de la confección europea ha experimentado una contracción por tercer año consecutivo en el ejercicio 2025. Así se desprende del informe anual de la organización sectorial Euratex. El informe documenta un continuo descenso de la producción, el empleo y la confianza en el sector.

Del informe se desprende que los volúmenes de producción siguieron disminuyendo en 2025. La producción textil disminuyó un 1,6 por ciento, mientras que la de prendas de vestir registró un descenso más acusado, del 4,5 por ciento, en comparación con el año anterior. En el cuarto trimestre, las ventas se estabilizaron ligeramente en comparación con el tercer trimestre, pero en términos interanuales siguieron registrando un descenso: un -1,1 por ciento para el textil y un -1,9 por ciento para la confección. En la producción textil, los mayores descensos se registraron en España (17 por ciento), Croacia (8,3 por ciento) y Alemania (7 por ciento).

Descenso de las importaciones y reducción del déficit comercial

En el ámbito del comercio internacional, el déficit comercial de la Unión Europea disminuyó, lo que significa que la diferencia entre importaciones y exportaciones se redujo. En el cuarto trimestre, las importaciones procedentes de países no pertenecientes a la UE disminuyeron un 8,1 por ciento en valor. Esto estuvo relacionado con la bajada de los precios de la energía y la debilidad de la demanda interna. La importación de textiles y prendas de vestir de países no pertenecientes a la UE descendió un 11 por ciento y un 7,2 por ciento, respectivamente, en el periodo comprendido entre octubre y diciembre.

El empleo se contrae, con diferencias entre países

La tendencia a la baja también continúa en el ámbito del empleo. En el cuarto trimestre de 2025, el número de puestos de trabajo en el sector textil disminuyó un 4,8 por ciento y en el sector de la confección un 1,0 por ciento en términos interanuales. En comparación con el periodo previo a la pandemia, el empleo ha disminuido un 14 por ciento en el sector textil y un 16 por ciento en el de la confección. Según Euratex, cada semana cierran fábricas en Europa.

La evolución varía según el país. En el sector de la confección, el empleo aumentó en España (+28 por ciento), República Checa (+11 por ciento) y Dinamarca (+6 por ciento), mientras que Croacia, Polonia y Lituania, entre otros, registraron descensos.

La confianza disminuye por la falta de nuevos pedidos

La confianza en el sector sigue siendo baja. En marzo de 2026, el indicador de confianza cayó 2,7 puntos en el sector textil y 0,9 puntos en el de la confección en comparación con el mes anterior.

Según Euratex, las empresas tienen muy pocos pedidos nuevos y las perspectivas de producción están empeorando. La organización insta a la Comisión Europea y a los Estados miembros a tomar medidas antes de finales de 2026, entre ellas la reducción de los costes energéticos y de la carga regulatoria.

H&M refuerza su apuesta por la transformación digital con la incorporación de Diego Teijeiro como nuevo chief information officer (CIO) global del grupo.

Tal y como ha avanzado en exclusiva Modaes, el ejecutivo español, con más de dos décadas de trayectoria en Inditex, asumirá el cargo a partir del próximo 25 de mayo. Desde esta posición, Teijeiro se integrará en el comité ejecutivo de la compañía sueca y reportará directamente a Daniel Ervér, consejero delegado de H&M.

El fichaje se enmarca en una etapa en la que la tecnología ha pasado a ocupar un papel central en la estrategia del grupo con sede en Estocolmo. H&M prevé intensificar sus inversiones en infraestructura tecnológica durante 2026 como parte de su hoja de ruta de transformación, con el objetivo de modernizar sus sistemas y construir una base operativa más flexible para los próximos años. La compañía considera que esta evolución será clave para acelerar procesos, mejorar la gestión del dato y reforzar su capacidad de respuesta en un entorno cada vez más exigente.

Licenciado por la Universidad de Vigo, Teijeiro se incorporó a Inditex en 2007 tras su paso por compañías como Deloitte y Mapfre. Dentro del grupo gallego ocupó distintas responsabilidades en el ámbito tecnológico hasta ser nombrado en 2018 responsable global de data & analytics.

Este movimiento coincide con un contexto financiero marcado por una evolución desigual en el arranque del ejercicio 2025/26. En el primer trimestre, H&M redujo su facturación un -10 por ciento, hasta 49.600 millones de coronas suecas (4.600 millones de euros), lastrada principalmente por el impacto del tipo de cambio, aunque en moneda local el retroceso fue de apenas un -1 por ciento.

Pese a la caída de los ingresos, la compañía logró mejorar su rentabilidad gracias a una menor intensidad promocional y al control de costes, elevando un +26 por ciento su resultado operativo y un +23 por ciento su beneficio neto, una señal de que el grupo busca sostener su transformación apoyándose en una estructura financiera más eficiente.

Madrid – Acompañado de su musa, la modelo, presentadora y empresaria española Nieves Álvarez, y al ritmo de piezas de Manuel de Falla o la Marcha Nupcial de Mendelssohn, el modista francés Stéphane Rolland “embrujaba” Barcelona con el desfile de sus últimas creaciones de moda nupcial y de gala, presentadas en la noche de este miércoles en el marco de la Barcelona Bridal Fashion Week de 2026.

Como una cita especialmente ineludible del calendario oficial del salón internacional de moda nupcial de Barcelona, que desde este miércoles 22 y hasta el viernes 24 de abril celebrará su programa de pasarela, y desde el mismo 24 y hasta el domingo 26 su parte de salón comercial, como ya es tradición se encargaba de coronar la jornada inaugural de esta Barcelona Bridal Fashion Week (BBFW) de 2026 una última convocatoria de su Barcelona Bridal Night. Una velada en esta ocasión especialmente conmemorativa, en la que se puso en manos del diseñador francés Stéphane Rolland el honor de conmemorar la 10ª edición del evento, diseñado ya no solamente para festejar la apertura de cada nueva convocatoria de BBFW, sino el de además hacerlo de la mano de principales y destacadas figuras de la industria, a las que se les cursa la honorífica invitación para protagonizar cada una de estas inigualables noches.

Desde el que además no solo resultaba ser el debut de Rolland dentro del calendario de una BBFW, sino además el del diseñador francés por primera vez en España, la cita congregó a más de un millar de invitados, según han adelantado desde la organización del salón. Asistentes de entre los que ha destacado la presencia de perfiles como el de Athina Onassis; el de las actrices españolas Candela Peña, María Bernardeau y Najwa Khliwa; o el de las modelos Judit Mascó y Verónica Blume, quien no dudaron de este modo en trasladarse hasta el Pabellón 8 del Recito Ferial de Montjuïc para disfrutar, de primera mano, del desfile de debut de Stéphane Rolland en España. Una presentación que arrancaba con un mensaje de bienvenida a todos los asistentes al evento ofrecido por Albasarí Caro, directora de la Barcelona Bridal Fashion Week, y que culminaba con unas declaraciones sobre la pasarela del mismo modista francés, quien con sus palabras se cuidó especialmente de destacar cómo, a través de este desfile, no solamente ha salido a presentar sus últimas creaciones de moda nupcial, sino también a ofrecer una plataforma desde la que contribuir al crecimiento de nuevas promesas de la moda, y también de la música.

“Ha sido un privilegio contar con Stéphane Rolland en esta edición tan especial de Barcelona Bridal Night”, subrayaba al respecto Albasarí Caro, directora de la BBFW, a lo largo de unas declaraciones compartidas por la propia dirección del salón. Y es que resulta justo reconocer “su mirada única y profundamente artesanal”, añadía Caro, “que entiende la moda como una expresión artística y como una experiencia sensorial completa, capaz de integrar creación, emoción y espacio”.

“La moda nupcial habla de esperanza, de alegría y de vida, y por eso hemos querido abrir el desfile al talento joven de la moda y de la música”, ha señalado por su parte el propio modista francés, en relación con este desfile que se ha diseñado, y presentado, bajo el título de “Love for Peace”. “Es un mensaje de transmisión, de positividad, y un sí a la vida, al futuro y al amor”, subraya el mismo Rolland sobre el ánimo que escondía tras de sí el nombre de esta presentación, que él mismo se encargaba de cerrar junto a su “musa española”, la modelo Nieves Álvarez, y de la mano de la misma Albasarí Caro.

Alta Costura y talento novel

Desde una filosofía ciertamente inspiradora, y cargada de tanta poética como la que se descubrió durante la más de hora y media por la que terminó por prolongarse el desfile de Rolland durante esta última y conmemorativa 10ª edición de la Barcelona Bridal Night de BBFW, tres fueron los elementos que protagonizaron realmente esta velada inolvidable vivida este miércoles en la Cuidad Condal. Encontrando así en primer lugar, y como es natural, a las creaciones de Alta Costura del propio modista francés; diseños que Rolland buscó de manera activa poner a dialogar con las nuevas sensibilidades en moda de diseñadores noveles, y como terceras protagonistas de la noche, con las sensibilidades musicales de los mismos talentos emergentes, y locales, de la disciplina. Una combinación que sirvió para poner especialmente de manifiesto durante la noche, primero esa visión creativa del modista francés y su manera de entender la Alta Costura desde una perspectiva holística que va más allá de los límites de la moda; y segundo, cómo Rolland lejos de ser un muro, trata de erigirse en puerta desde la que dar acceso y contribuir a dar soporte a los nuevos creativos, de todas y cuantas distintas disciplinas artísticas terminen por gravitar en torno al universo de su casa de modas.

Ahondando en el papel que ejercieron cada uno de esos tres “actores protagonistas” de esta 10ª edición de la Barcelona Bridal Night, empezando por el campo de esa disciplina musical que contribuyó a aportar esa elevada dosis de dramatismo a toda la presentación, y con ello a los propios diseños de Rolland, marcando los tiempos y los ritmos del desfile estuvo la Joven Orquesta Sinfónica de Barcelona (JOSB). Agrupación integrada por 65 nuevas promesas de la música desde la que, bajo la dirección de Carlos Checa, y entre el recitado de poemas y de letras de canciones de Carlos Gardel o Édith Piaf que realizó la actriz Nathalie Poza, se interpretaron composiciones clásicas de Chopin, Debussy, Bach o Vivaldi, junto a obras de Jules Massenet, Jacques Offenbach, Joaquín Rodrigo y Manuel de Falla, para culminar con la tradicional Marcha Nupcial de Mendelssohn. Una pieza que sirvió para acompañar al momento en el que hizo su gran aparición en escena una gran tarta nupcial de profiteroles; postre creado para la ocasión por la pastelería barcelonesa Lolita Bakery con el que se quiso festejar esta conmemorativa edición de la Bridal Night.

Poniendo ya el foco sobre los diseños que se presentaron sobre la pasarela, encargándose además y justamente de abrir el desfile estuvieron las 23 propuestas creadas para la ocasión por los estudiantes de moda de las escuelas de diseño barcelonesas IED Barcelona, LCI Barcelona y ESDI. Una serie de diseños de moda nupcial que se desarrollaron como parte central del proyecto “Sulpted by Nature”, y bajo la tutoría directa del propio Stéphane Rolland. Una acción de promoción del talento novel, de la que igualmente participó la firma textil catalana Gratacós, responsables de ceder los tejidos que posteriormente se emplearon para la confección de cada uno de los distintos diseños que abrieron el desfile de Rolland en la Bridal Night.

Tras esa “apertura”, que el modista francés cuidó de terminar de dignificar y poner en valor haciendo una referencia expresa a esa colaboración con estudiantes al cierre del desfile, hicieron ya su aparición en escena las mágicas construcciones de moda nupcial del diseñador de Alta Costura. Un Rolland que ejerce como miembro de pleno derecho de cada nueva edición de la Semana de la Alta Costura de París, y quien en esta ocasión escogía Barcelona, y por primera vez también España, para presentar una cuidadísima selección de 80 creaciones. Diseños entre los que se encontraban los de su nueva colección de moda nupcial de prêt-à-porter “Noce de Sang”, así como una selección de vestidos de Alta Costura entendidos como icónicos y especialmente representativos de su trayectoria como modista. Un camino que Rolland comenzó a labrar con tan solo cuatro años, con el dibujo de unos primeros bocetos que daban ya cuenta entonces de su prematura vocación por la moda. Una disciplina en la que terminaría de coronarse con la fundación, en 2007, de su propia casa de Alta Costura.

Encargándose de hacer brillar sus creaciones de moda nupcial y de Alta Costura sobre la pasarela de la Bridal Night de la BBFW, se mantuvo un igualmente brillante cartel de modelos entre las que se encontraban maniquíes como Ariadna Gutiérrez, Laura Sánchez, Davinia Pelegrí, Marta Ortiz, Mercedes Muñoz, Madeleine Hjort, Bárbara García o Nieves Álvarez. La musa española del modista francés, y quien se encargó de cerrar el desfile con un diseño de Alta Costura en negro con detalle de corpiño en blanco. Una construcción volumétrica y de un dramatismo barroco, desde la que ya se de dio paso a esa presentación de la gran “tarta nupcial” y a las declaraciones con las que Caro y Rolland se encargaron de cerrar la velada, la primera dando las gracias a todos los asistentes, a Rolland, y a los estudiantes de diseño que participaron del desfile, por contribuir a esta “noche estupenda para Barcelona” en la que “se hace moda, se hace arte, poesía y música”; y el segundo, haciendo lo propio y dando las gracias a Caro, a los asistentes, a la organización, a la “magnífica” orquesta.

“Hicimos este desfile para hablar del legado, de las nuevas generaciones; y aquí tenéis a las nuevas generaciones en el escenario, con los músicos, y con las nuevas generaciones de diseñadores”, declaraba micro en mano Rolland frente a los invitados al desfile. Y por todo ello es “que estamos muy orgullosos y felices de celebrar esta 10ª edición de la Bridal Night con todos vosotros, muchas gracias”, culminaba el modista francés su intervención al cierre de su desfile en Barcelona. Una presentación, como último diseñador invitado a la Bridal Night de la BBFW, con la que Rolland ha terminado así por tomar el testigo de los igualmente reconocidos diseñadores y casas de moda Houghton (2015), Naeem Khan (2016), Angel Sanchez (2017), Reem Acra (2018), Marchesa (2019), Viktor&Rolf (2022), Elie Saab (2023), Giambattista Valli (2024) y Vivienne Westwood (2025).

Desfile de Stéphane Rolland en la Barcelona Bridal Night 2026

La compañía canadiense de ropa deportiva Lululemon ha anunciado el nombramiento de la veterana del sector Heidi O'Neill como su próxima consejera delegada (CEO). O'Neill, que aporta más de tres décadas de experiencia en los ámbitos de estrategia de marca e innovación de producto, tiene previsto asumir el cargo e incorporarse al consejo de administración el 8 de septiembre de 2026.

Con sede en Vancouver, O'Neill se une a la compañía tras un exhaustivo proceso de selección llevado a cabo por el consejo. El nombramiento llega en un momento crucial para la marca de ropa técnica deportiva, que atraviesa un complejo periodo de transición en su cúpula directiva y afronta presiones externas por parte de inversores activistas.

Liderazgo estratégico y trayectoria en Nike

O'Neill ha desarrollado más de 25 años de su carrera en el gigante estadounidense del sportswear Nike, donde ocupó más recientemente el cargo de presidenta de consumidor, producto y marca. Durante su etapa en Nike, desempeñó un papel fundamental en el crecimiento del negocio, que pasó de facturar 9.000 millones de dólares a convertirse en un líder global con más de 45.000 millones de dólares en ingresos. Su experiencia abarca moda masculina, femenina e infantil, con especial énfasis en la transformación digital y las operaciones de venta directa al consumidor (D2C).

La presidenta ejecutiva de Lululemon, Martha Morfitt, ha descrito a O'Neill como "una estratega de marca orientada al consumidor y de probada eficacia", con capacidad para "imaginar un nuevo futuro para una marca".

Además de su experiencia ejecutiva, O'Neill forma parte de los consejos de administración de Spotify Technology, Hyatt Hotels y Lithia & Driveway.

Tensiones en el consejo y presión de los inversores

El nombramiento se produce tras un periodo de intenso escrutinio sobre el consejo de Lululemon. A finales del año pasado, el inversor activista estadounidense Elliott Investment Management acumuló una participación de aproximadamente 1.000 millones de dólares en la compañía. La firma había señalado inicialmente su intención de respaldar a Jane Nielsen, exdirectora financiera (CFO) de la casa de moda estadounidense Ralph Lauren, para el puesto de máxima responsabilidad.

Paralelamente a la presión de los inversores, el fundador y ex-CEO de Lululemon, Chip Wilson, se ha mantenido como un crítico vocal. Wilson, que posee aproximadamente el 4,3 por ciento de la compañía, ha criticado a la actual dirección por haber perdido el factor cool de la marca. Actualmente mantiene una batalla por el consejo, con el objetivo de colocar a tres candidatos a consejeros en la junta general de accionistas que se celebrará a finales de este año.

En marzo de 2026, la compañía incorporó a su consejo a Chip Bergh, expresidente y CEO de la empresa estadounidense de moda Levi Strauss & Co., en un esfuerzo por reforzar su equipo directivo.

Hacia el crecimiento futuro

Los co-CEO interinos Meghan Frank, que también ejerce como directora financiera, y André Maestrini, director comercial (CCO), continuarán al frente de la organización hasta la llegada de O'Neill en septiembre. Tras la transición, Frank y Maestrini regresarán a sus anteriores puestos de alta dirección.

O'Neill asume el cargo con el mandato de acelerar los avances en producto y profundizar en la relevancia cultural de la marca. Aunque Lululemon sigue siendo rentable, los analistas han señalado que el crecimiento de las ventas se ha moderado desde el auge del athleisure durante la pandemia. "Mi trabajo será construir sobre esa base: acelerar los avances en producto, profundizar en la relevancia cultural de la marca y desbloquear el crecimiento en mercados de todo el mundo", ha declarado O'Neill.

Un soplo de creatividad y marcas independientes ha animado la 42ª edición de la Fashion Week de Riga. Referente de la industria de la moda de los países bálticos, el evento ha acogido a 18 marcas.

La moda letona juega con las superposiciones, quizá también por el clima del país, donde se pasa de los pocos grados de la mañana a los 15 de primera hora de la tarde. Juega también con una historia de raíces lejanas y con una sana creatividad, un bien cada vez más escaso para las firmas multinacionales, que se enfrentan al objetivo de devolver su volumen de negocio al esplendor de antaño y que están atadas, por no decir “encorsetadas”, al ADN de la marca y a su archivo.

Riga ha desarrollado una sensibilidad hacia la moda y una habilidad artesanal que se extendió durante la dominación soviética

Lo que más llama la atención a primera vista en la semana de la moda letona es la alta participación en los desfiles de un público no profesional: los clientes de las marcas. Aunque no sean actores ni personalidades del espectáculo, son invitados por las propias firmas y visten looks muy cuidados, incluso de noche. De hecho, los desfiles en la ciudad letona se celebran desde última hora de la tarde en adelante, mientras que la parte central del día se dedica a visitas a los showrooms, a presentaciones de marcas más pequeñas o a exposiciones en museos.

La ciudad de Riga ha desarrollado desde hace tiempo una sensibilidad hacia la moda y una habilidad artesanal que se extendió para suplir la escasez de oferta de accesorios y ropa en la época de la dominación soviética. Como ha explicado a FashionUnited Agrita Greenwald, comisaria y project manager del Museo de la Moda de Riga, “para satisfacer la necesidad de vestir con elegancia, muchos letones, que antes no encontraban lo que deseaban en las tiendas, tuvieron que ingeniárselas y aprender a confeccionar la ropa con sus propias manos”.

Quizá por eso el gusto por el “buen vestir” ha seguido siendo importante, sobre todo en determinadas ocasiones. Como cuenta Natalya Muzichkina, fundadora y directora del Museo de la Moda de Riga, “se aprecia claramente al ir al teatro, donde la gente ha mantenido el gusto por vestir de forma apropiada”.

La 42ª edición de la Fashion Week de Riga, fundada por Elena Strahova, ha acogido a 18 diseñadores estonios, letones, lituanos e internacionales

Con estas premisas, la 42ª edición de la Fashion Week de Riga, fundada por Elena Strahova, quien también es su CEO, se ha celebrado del 14 al 18 de abril y ha acogido a 18 diseñadores estonios, letones, lituanos e internacionales.

Entre las marcas letonas que han presentado sus colecciones para Otoño/Invierno 2026/2027, figuran Anna Kruz, Baé by Katya Shehurina, Iveta Vecmane, Katya Katya, Natalija Jansone, Studio Mx, Sviests by Sergey Hatanzeisky, Una Berzina y Verens. Entre las otras marcas presentes se encontraban Hannes Rüütel (Estonia), Laura Daili y Lilija Klim-Larionova (Lituania), Paul Williams Atelier (Reino Unido/Nigeria) y A.Cont (España/Perú). El espacio Latvian Design Stories-Butterman, un showroom ubicado en el centro de Riga, ha acogido las presentaciones de Novaliss (España/Letonia), Annaelizabete.Fashion y Lyuiize (Letonia).

Se trata tanto de nombres consolidados en los países bálticos como de marcas más de nicho, independientes, cuyo principal mercado hasta hace unos años era Rusia, pero desde el estallido del conflicto están intentando expandirse más dentro de los países bálticos y, también a través del ecommerce, crecer en el resto de Europa, ha contado Strahova.

Lo que llama la atención de sus propuestas, y que a veces supone un soplo de aire fresco frente a las capitales de la moda europeas más conocidas, es el enfoque en la presentación de las colecciones, capaz de poner la prenda en el centro y de dejar que la marca hable a través de sus creaciones.

Laura Daili, por ejemplo, ha llevado a la pasarela looks impregnados de contrastes de materiales, detalles artísticos, transparencias y siluetas esculturales. El motivo inspirador de la colección, bautizada como “Invisible tension”, es el fragmento de vidrio, que simboliza no solo la vulnerabilidad, sino también el cambio: el fin de lo viejo y el comienzo de lo nuevo. Esta idea se enriquece con la interpretación personal de la diseñadora: el dicho “los cristales rotos traen buena suerte” se ha transformado en un lenguaje visual donde la fragmentación adquiere valor estético. La estética de la colección también está influenciada por el entorno personal de la diseñadora, cuyo marido es un artista del vidrio, lo que convierte el proceso de trabajo de este material en parte integral de la creación de moda. Transparencias, reflejos, líneas nítidas y estructuralidad no son elementos casuales, sino una dirección de diseño desarrollada con coherencia.

“Uno de los acentos más fuertes de la colección son los corsés, los accesorios y los elementos estructurales realizados con vidrio reciclado. El vidrio funciona aquí no solo como un detalle decorativo, sino como un material estructural que define las líneas del cuerpo, creando el efecto de una armadura frágil”, ha explicado la diseñadora Laura Dailidėnienė.

Visualmente, la colección vive de contraposiciones. Siluetas superpuestas y vestidos ligeros y fluidos se alternan con formas rígidas y arquitectónicas, creando un conjunto dinámico. La transparencia se convierte aquí tanto en una elección estética como en un nivel conceptual. En la paleta cromática dominan los tonos menta, los tonos fríos del verde y el rojo intenso, combinados con el blanco y el negro para reforzar la sensación de frescura y delicadeza.

Los fragmentos de vidrio no se ocultan; al contrario, se resaltan deliberadamente.

En resumen, las prendas ready-to-wear son superponibles, transformables y están pensadas para ser llevadas en diferentes ocasiones, desde un look de día hasta atuendos para una boda o la luna de miel. Además de integrar técnicas de upcycling, la colección también propone accesorios realizados en colaboración con la marca Korte Art. “En muchos casos también diseño prendas por encargo; entre mis clientes hay muchos actores de teatro y músicos”, ha subrayado Kasparsone, que se graduó en la Academia de Arte de Letonia y cuenta con una experiencia profesional forjada a través de prácticas en marcas de lujo en Londres y participaciones en estudios y concursos internacionales en Italia, Francia y China.

Prendas por encargo, pero también alta moda y semi-couture: la semana de la moda báltica ha propuesto una variedad de las declinaciones de la industria de la moda. Studio Mx, que ha desfilado el primer día, por ejemplo, es una marca de ropa femenina semi-couture. La firma, también en una óptica de sostenibilidad, realiza cada prenda por encargo y de forma duradera, para que nunca pasen de moda.

La creadora de Mx es Megija Luīze Pudāne. Originaria de Letonia, se licenció en diseño de moda en el IFA París en 2024.

Durante sus estudios, perfeccionó sus habilidades y encontró su propio estilo: una estética de diseños sencillos pero elegantes, centrada en formas y siluetas, y caracterizada por su amor por el color negro. La colección presentada durante el evento letón es un derroche de vestidos fluidos, transparencias y siluetas a veces insinuadas y a veces ceñidas por las prendas.

Una colección fresca, que guiña un ojo a las nuevas generaciones, ha sido la propuesta por Varens. La marca, fundada en 2015 y que nació especializándose en ropa de casa e indoor de alta calidad para mujer, en 2023 emprendió un camino de evolución, introduciendo diseños inclusivos para hombre y mujer, con un enfoque constante en la calidad y el confort.

El objetivo es apoyar la naturaleza creando y produciendo prendas femeninas auténticas y con estilo, realizadas con materiales ecológicos. A través de la producción de colecciones limitadas, la marca pretende reducir el consumo excesivo.

La firma fue fundada por Katerina Varan, una diseñadora con un profundo conocimiento en el campo del patronaje y la confección, mientras esperaba un hijo. El objetivo de la diseñadora es unir una excelencia cualitativa con la accesibilidad, haciendo que prendas elegantes y bien confeccionadas sean asequibles para un público más amplio.

La marca de vaqueros Kuyichi fue fundada en 2001 por Solidaridad, Triodos Bank, la fundación Stichting Stimulans y Oro Blanco, un colectivo de agricultores de algodón peruanos que ya no existe. Tenían un objetivo claro: convertir el algodón orgánico y de comercio justo en la norma.

La marca se convirtió en una precursora del denim sostenible, pero en 2015 se encontró con dificultades debido a los altos costes fijos, la apertura prematura de tiendas propias y un liderazgo inestable. Le siguió una quiebra, pero también un relanzamiento. El director de ventas, Peter Schuitema, se hizo cargo de la marca junto con sus socios Floortje Dessing y Guido Keff. Más tarde, Laurent Safi (director de producto) y Bjorn Baars (director de marca) también adquirieron una participación en la empresa.

Con motivo del aniversario, FashionUnited ha visitado sus instalaciones en Vleuten para conversar con Bjorn Baars, para mirar atrás y hacia adelante. Porque después de 25 años, ya no se es un pionero. ¿Qué le depara el futuro a esta marca de denim genuinamente holandesa?

Un relanzamiento humilde

“Pequeño pero acogedor” describe bien el espacio de oficinas del equipo de Kuyichi: la ubicación a las afueras de Utrecht, su modesto tamaño y la decoración hogareña. Es una mejora, dice Baars, señalando los años posteriores al relanzamiento, cuando tuvieron que trabajar desde el desván de Schuitema. Los primeros prototipos de denim los evaluaban en el jardín trasero. “En el segundo año, teníamos un local diminuto en Ámsterdam donde era casi imposible celebrar reuniones por el tamaño y la acústica”. De eso hace ya ocho años.

Baars nos lleva al piso de arriba, donde un sofá de cuero se encuentra entre los moodboards, las plantas de interior y los diseños de archivo colgados en percheros. Está inmerso en una reflexión sobre lo que ha sucedido exactamente en veinticinco años; ha estado presente casi todos esos años, primero como director de ventas, después de la adquisición como diseñador y ahora como director de marca. “Para nuestro aniversario, estoy recuperando los diseños más notables”, dice mientras acaricia un par de perneras. “Cómo se hicieron y lo que representaban; qué innovaciones tuvimos que hacer para lograrlos. Mucho de lo que cuelga aquí es ahora demasiado llamativo y también requiere demasiado tiempo y dinero, eso ya no funciona”.

Algodón orgánico

La historia de Kuyichi comienza con los planes de Solidaridad, la fundación detrás del sello Max Havelaar, para expandir el cultivo de algodón orgánico de Perú y pagar un salario justo a los agricultores. “Solidaridad había ido a Lima en 1998 para ver qué pasaba en la industria del algodón. Vieron el uso intensivo de pesticidas, lo perjudicial que era para los agricultores y el suelo, y la cantidad de agua que se utilizaba. La tierra se estaba muriendo literalmente; más tarde vi vídeos impactantes de ello”. La fundación quería apoyar a esos agricultores para que trabajaran sin pesticidas, por un salario justo y sin intermediarios. “No era comercio justo certificado, pero se trabajaba según esos principios”.

El problema era que ninguna marca quería comprar ese algodón orgánico. “El algodón orgánico aún no era tendencia y era más caro”, dice Baars. Mientras tanto, las mejores marcas de denim estaban siendo barridas por las cadenas de fast fashion baratas, que compraban algodón a cultivadores no sostenibles y fabricaban vaqueros en países de bajos salarios con mucho stretch sintético. Solidaridad consideró que eso no hacía justicia ni a los productores ni al sector. “Así que pensaron: ‘hagámoslo nosotros mismos’”. Afortunadamente, se contrató a las personas adecuadas, entre ellas Tony Tonnaer (más tarde fundador de Kings of Indigo), Peter Schuitema como director de ventas y el diseñador Jason Denham.

La primera colección consistió en camisetas de algodón orgánico; en 2004 le siguieron los primeros vaqueros de algodón orgánico. “Desde entonces, hemos seguido experimentando para hacerlo aún más sostenible con spare denims, algodón reciclado y algodón de cáñamo. Fue un trabajo de pioneros, y a veces todavía lo es”.

El camino intermedio prémium

En 2007, se lanzó una línea Pure Premium, una especie de laboratorio para la innovación sostenible, pero finalmente se suspendió. “Era una línea con tejidos japoneses caros, selvedge denim, pantalones de 250 a 550 euros. Estuvimos en la (antigua feria de Berlín) Bread & Butter con todos esos pantalones sobre un fondo negro azabache. Todo el mundo quedó impresionado, éramos literalmente la comidilla de la ciudad, pero no conseguimos venderlos”.

“Sabíamos que los diseños podían funcionar, pero tenían que ser más accesibles. Ahora, esos elementos de diseño están en nuestra colección habitual”. Este año, Kuyichi también recuperará la pieza prémium, “pero de forma mucho más limitada, y con la lección de entonces en mente: no nos ganamos la vida con esto”.

Orgánico, pero con una huella de carbono enorme

Producir vaqueros demasiado elaborados fue uno de los escollos con los que tropezó Kuyichi en 2015. “Varias cosas salieron mal”, dice Baars. “Los costes fijos eran demasiado altos. Treinta personas en la oficina, un gran presupuesto de marketing, folletos... no conocíamos límites. Teníamos accionistas que no estaban implicados en la marca, pero que en dos años nombraron a tres directores generales diferentes, lo que dio lugar a colecciones totalmente distintas. Cuando, además, empezamos a abrir tiendas caras, las cosas se torcieron de verdad”.

Kuyichi tuvo que aprender a ser más comercial. Tras la adquisición, la marca se centró en el sistema Never Out of Stock (NOOS) y en colecciones más pequeñas con algodón orgánico exclusivamente certificado. La cadena de producción se reorganizó en Turquía: el cultivo, la producción, los lavados, los acabados, las etiquetas y el embalaje. Cada paso debía estar certificado. Según Baars, esto ha reducido enormemente la huella de carbono. Afortunadamente, porque algo le molestaba de la antigua cadena de producción: “El algodón venía de Perú, tenía que ir a Turquía para la fábrica certificada, y la lavandería estaba en otro lugar. Al final, tenías un vaquero orgánico con una huella de carbono gigantesca”.

Algodón en conversión

Un proyecto exitoso que surgió de esta nueva dirección es el apoyo al algodón en conversión, junto con Bossa, el mayor proveedor de tejidos de Kuyichi. “La idea era guiar a un agricultor de algodón en Turquía en la transición al algodón orgánico. Este proceso dura tres años, porque la tierra debe estar completamente limpia antes de que se pueda llamar orgánica. No hay subvenciones para ello en Turquía, por lo que a los agricultores les da miedo dar ese paso”.

“Junto con Bossa, hemos ayudado a uno de esos agricultores: Cengiz Karadeli. Ahora ha pasado completamente a la producción orgánica y su exitosa cosecha se encuentra en varios estilos de la colección. Nos gustaría expandirnos a un siguiente agricultor”.

Denim circular

Otra innovación exitosa es el denim 100 por cien reciclado posconsumo (PCR). “En 2023, finalmente lo hemos conseguido, junto con Bossa. Ya teníamos una variante con un 20 por ciento de denim PCR. El problema técnico estaba en la urdimbre: debe ser fuerte y para ello se necesitan fibras largas. El denim reciclado casi siempre produce fibras más cortas”.

“Bossa ha logrado adaptar la técnica de hilado. Las fibras cortas se tuercen de tal manera que los hilos pueden ser igualmente resistentes y pesados”. El resultado: el modelo Izabella Old Blue para mujer y el Scott Old Fashion Blue para hombre, que ya está agotado y será reemplazado por un nuevo modelo. También hay una variante baggy para mujer, el Lucy Loose Atlantic Ocean. “Actualmente es nuestro modelo más vendido”.

Rebajas

Lo que no se ha logrado: no volver a participar nunca más en las rebajas. Gran parte de la oferta de Kuyichi se compone de básicos. “¿Por qué un producto así debería valer de repente menos después de una temporada?”, pensaba Baars. Los minoristas también estaban contentos con la política de no rebajas. “No hay nada más molesto que perder margen porque una marca ya está en rebajas en su propia web dos meses después de la entrega. Nuestra colección siempre se podía reponer a un precio justo”. Solo había un problema: Kuyichi no tenía su propio canal de outlet. Lo que no se vendía, se acumulaba. Por eso, después de nueve años sin hacer rebajas, Kuyichi se ha visto obligada a participar en ellas en 2026.

Baars lo lamenta. “Al menos hemos logrado estructurar la colección de tal manera que al final de la temporada estamos bastante saneados: el 70 por ciento es NOOS, y de los artículos de temporada solo producimos lo que ya se ha vendido por adelantado y lo que va a la tienda online”.

La campaña de las perneras

En la época de la reconstrucción, apenas había presupuesto para marketing. Ahora que la marca se ha relanzado, eso tiene que volver, dice Baars, y menciona una campaña muy directa que en su día tuvo un éxito arrollador: ‘Pijpen 10 euro’, ideada por una agencia de relaciones públicas de Ámsterdam. “Fue una acción de reciclaje en la que la gente podía entregar sus vaqueros viejos a cambio de un depósito de 10 euros. Teníamos un taller en el Barrio Rojo de Ámsterdam con gente en máquinas de coser y con tijeras. La idea era que las perneras de un vaquero son más fáciles de reciclar que la parte superior, porque ahí están todos los adornos y piezas metálicas. Las perneras se meten en una trituradora y con eso se hace un pantalón nuevo”.

La campaña generó una enorme atención mediática. “Precisamente porque era muy directa”, piensa Baars, con ciertas dudas sobre si hoy funcionaría igual. “Si comunicas algo así de una manera recatada, nadie le presta atención”.

Algodón regenerativo

Para Baars, el camino a seguir para Kuyichi comienza con el término ‘regenerativo’; que para el cultivo de algodón no se agote el suelo y se permita que el ecosistema se recupere. Así puede volver a haber vida en el suelo y la tierra adquiere resiliencia para cuando el clima se vuelva más extremo. Actualmente, alrededor de un 30 por ciento de la oferta de Kuyichi se compone de algodón regenerativo, que también está certificado, una condición indispensable para los clientes alemanes de Kuyichi.

“La dirección que veo para Kuyichi es una mezcla de algodón regenerativo y denim 100 por cien PCR, con algodón orgánico como complemento cuando sea necesario. Y queremos cerrar el círculo: recoger, reparar, reciclar. Ya colaboramos con Mended para nuestro servicio de reparaciones, pero en última instancia queremos gestionarlo nosotros mismos”.

También resurge con cautela el sueño de tener una pequeña tienda propia en Ámsterdam. “Pequeña y acogedora, no una gran flagship store como antes, con la intención de contar nuestra historia y servir como punto de atención al cliente”.

K25

Si Baars tuviera que señalar un pantalón que muestre hacia dónde debe ir Kuyichi, sería el K25. Es una reinterpretación del primer pantalón que Jason Denham diseñó para la marca: el K100. “En su día, ese pantalón ya era muy moderno, y ahora el estilo Y2K ha vuelto con fuerza. Es el momento perfecto para traerlo de vuelta”.

El pantalón está hecho de algodón 100 por cien regenerativo, sin lavar, y tejido en selvedge al estilo japonés. En realidad, es un modelo bastante simple y sólido. Eso es lo que demanda el mercado. “Tengo en mis manos el pantalón más sostenible que puedo imaginar”, dice Baars.

Storytelling

¿Dónde queda trabajo por hacer? “En el storytelling”. Pero el marketing es caro, dice Baars. “Nuestra directora de RSC dijo una vez: la gran diferencia entre las marcas de fast fashion y las de slow fashion es que las primeras tienen márgenes enormes y los invierten en marketing y storytelling. Las marcas sostenibles invierten todo su dinero en prácticas sostenibles y al final no les queda mucho para el storytelling. Nosotros tenemos pantalones a precios muy razonables y, aun así, nuestro margen todavía no es lo suficientemente alto como para dar a conocer nuestra historia”.

“Pero trabajamos casi en su totalidad con nuestro propio dinero, apenas tenemos préstamos. Como empresa, Kuyichi por fin es saludable. En realidad, nuestros vaqueros básicos también deberían costar 150 euros. Todos son productos prémium si se tiene en cuenta de dónde vienen y cómo se fabrican. Esa es toda la verdad de la producción justa”.

Ivano Cauli ha sido nombrado nuevo consejero delegado de Pitti Immagine, mientras que Raffaello Napoleone, quien ocupaba el cargo de consejero delegado de Pitti Immagine desde 1989 hasta la fecha, ha sido designado consejero delegado para las relaciones internacionales e institucionales.

Hoy ha tomado posesión el nuevo consejo de administración de Pitti Immagine, bajo la presidencia de Antonio De Matteis. El consejo, que ha aumentado en dos miembros con respecto al anterior tras la resolución adoptada la semana pasada por la junta general extraordinaria de accionistas, está compuesto por: Giovanni Basagni (ratificado), Stefano Borsini (ratificado), Laura Bosetti Tonatto (nueva incorporación), Ercole Botto Poala (ratificado), Paolo Carrai (nueva incorporación), Ivano Cauli (nueva incorporación), Antonio De Matteis (ratificado como presidente), Marco Landi (ratificado), Antonella Mansi (ratificada como vicepresidenta), Niccolò Moschini (ratificado), Raffaello Napoleone (ratificado), Lorenzo Nencini (ratificado) y Marco Palmieri (ratificado).

“En primer lugar, quiero agradecer al Centro di Firenze per la Moda Italiana (Cfmi) y a Confindustria Moda la confianza depositada en mí y en el consejo. Nos esperan años complejos, pero estamos preparados para aportar nuestra contribución en apoyo de las iniciativas feriales de Pitti Immagine, que representan una excelencia no solo para Florencia, sino también para los distintos sectores de referencia”, ha declarado Antonio De Matteis en un comunicado.

Raffaello Napoleone, consejero delegado para las relaciones internacionales e institucionales

El consejo ha nombrado a Ivano Cauli, actual director general de la empresa, como consejero delegado y, posteriormente, a Raffaello Napoleone como consejero delegado para las relaciones internacionales e institucionales.

“No hay duda de que esta doble función supone una gran responsabilidad para Ivano Cauli, quien lleva ya cuatro años en la empresa, pero su experiencia empresarial, su capacidad para gestionar la innovación y su conocimiento del funcionamiento interno de la compañía son una amplia garantía”, ha subrayado De Matteis.

Quién es Ivano Cauli

Ivano Cauli, nacido en Milán en 1969, es un directivo y empresario del sector digital con una amplia experiencia en el desarrollo de proyectos innovadores entre Italia y Estados Unidos. Licenciado en Ciencias de la Información, en los años 90 contribuyó al crecimiento de la startup Sapient, iniciando una carrera profesional orientada a la innovación tecnológica.

En 2004 fundó Openmind, una empresa que se convirtió en un referente en el ecommerce para la moda y otros sectores, colaborando con importantes marcas internacionales. Tras su adquisición por parte de Accenture en 2021, ocupó durante dos años el cargo de managing director, liderando la oferta de commerce para el sur de Europa. Desde 2024 es director de innovación de Pitti Immagine y, desde 2025, advisor de la startup Grace Brigade, continuando con la promoción del desarrollo y la innovación en el panorama digital.

“Estoy convencida de que el futuro de Pitti Immagine y del Grupo Cfmi —y me refiero a los próximos 10 o 15 años— se juega ahora, en estos dos o tres años. Aunque queramos dejar atrás todo lo que hemos vivido hasta hoy, estamos inmersos en una transición industrial que, tanto a nivel europeo como en cada país, incluida Italia, debe gestionarse con gran atención y sin riesgos ideológicos”, ha añadido Antonella Mansi.

“Hay una grave crisis del orden internacional que, obviamente, se refleja en la economía y, en particular, en el comercio y la movilidad global; vemos claramente su impacto en el sector de la moda. En el ámbito ferial, todo esto se está traduciendo en un cambio en las formas de participación de los operadores y en la consiguiente reducción de los márgenes operativos, lo que inevitablemente lleva a la necesidad de controlar los costes mientras se buscan nuevas oportunidades”, ha explicado Mansi.

El consejo ha aprobado los nombramientos para los órganos de gobierno de las filiales: Agostino Poletto ha sido ratificado como administrador único de Stazione Leopolda srl, y también se ha ratificado el consejo de administración de la Fondazione Pitti Discovery (con Mansi como presidenta y Cauli, De Matteis, Moschini y Napoleone como consejeros) y a su secretario general (Cianchi).

La próxima edición de Denim Première Vision, que se celebrará en el Superstudio Più de Milán, en via Tortona, los días 20 y 21 de mayo, apuesta por los nuevos talentos gracias a una colaboración con el Istituto Marangoni. El salón, dos meses después del fallecimiento de Adriano Goldschmied, una presencia constante en la feria, rendirá homenaje al “padrino del denim”, quien, además de crear exitosas marcas de vaqueros, innovó la industria del denim y dedicó su talento, esfuerzo y conocimiento para que este sector del mercado fuera cada vez más sostenible.

Pioneer Denim y Soko presentarán tres colecciones creadas por Adriano Goldschmied para Pioneer Denim

En concreto, Pioneer Denim y Soko presentarán tres colecciones diseñadas por Adriano Goldschmied para Pioneer Denim, desarrolladas en estrecha colaboración con la experiencia de Soko en química sostenible. Cada colección es un testimonio de la incesante búsqueda de Adriano Goldschmied de un denim moderno y sostenible, sin concesiones estéticas ni de proceso. Estas creaciones encarnan el legado duradero de un hombre que ha dejado una huella imborrable en el sector.

En el salón se presentarán las tendencias Otoño/Invierno 2027-2028. El Denim trends forum ofrecerá una visión prospectiva para la temporada Otoño/Invierno 2027-2028, posicionando el denim como un lenguaje en constante evolución. El espacio reunirá los avances tecnológicos y los desarrollos responsables de los expositores. El foro sirve como una herramienta práctica para repensar y elevar las próximas colecciones, fomentando un enfoque del denim como un medio vivo y transformador.

Denim Première Vision acoge a más de 60 expositores de todo el mundo

Habrá más de 60 expositores de todo el mundo, con una fuerte representación de Italia y Japón.

Esta edición se caracteriza por una oferta renovada, con un 10 por ciento de nuevos expositores y el regreso de líderes mundiales como el productor estadounidense Cone Denim y la empresa india Arvind Limited. Entre las nuevas incorporaciones se encuentra el productor pakistaní de accesorios Jawaid Bross. El salón presenta una oferta mixta compuesta por un 60 por ciento de tejedurías de denim, un 20 por ciento de empresas de confección y un 20 por ciento de proveedores de accesorios, tecnología y servicios.

Como ya se ha mencionado, el salón refuerza su colaboración con el Istituto Marangoni de Milán para apoyar a la próxima generación de talentos. Cuatro expositores (Isko Luxury by Pg, Advance Denim, Officina39 y Tonello) organizarán sesiones exclusivas dentro de la escuela. Los estudiantes expondrán su investigación creativa en el corazón de la feria.

El 21 de mayo, la estudiante Lolie Bernard presentará su visión, “What if this was enough?”, explorando la autenticidad y la honestidad emocional en el diseño.

El compromiso de Denim Première Vision con la ecorresponsabilidad alcanza una nueva etapa a través de la colaboración con el CBI (agencia gubernamental holandesa). Se destacará el proyecto “Circular apparel Tunisia”, mostrando el apoyo brindado a 18 empresas tunecinas en transición hacia una producción circular conforme a los requisitos del mercado europeo.

Entre las principales iniciativas de colaboración presentadas, también figura Redefining Blue, un proyecto pionero desarrollado en colaboración con Chloris. En esta edición, Chloris y Denim Première Vision desvelarán los últimos avances de Claessen Blue, el colorante de base biológica estrella de Chloris, junto con los primeros resultados de la fase inicial del proyecto. Reuniendo a las principales tejedurías de denim, Redefining Blue sirve como plataforma para la investigación, la validación y la aplicación industrial, apoyando la transición del sector hacia procesos de tintura más responsables.

Esta colaboración única entre una empresa tecnológica innovadora y una feria internacional subraya el papel de Denim Première Vision como motor del progreso colectivo. Chloris presentará sus avances en un stand dedicado; además, Li Li (chief brand and strategic officer de Chloris) expondrá los resultados de la investigación durante una mesa redonda dedicada junto a Fabio Adami Dalla Val, moderada por la periodista Maria Cristina Pavarini.

En el salón también se desvelará el segundo capítulo de Underrated Project, desarrollado en colaboración con el diseñador italiano Kristian Guerra, el equipo de moda de Denim PV y los expositores. Este proyecto presenta un armario denim de vanguardia. Fusionando un heritage auténtico y una visión futurista, explora todo el espectro del material: desde el índigo crudo hasta los acabados revestidos y sobreteñidos. A través de la hibridación del denim con tejidos técnicos, el proyecto abre un diálogo urbano donde la funcionalidad y el estilo interactúan, dando vida a siluetas fluidas en línea con los estilos de vida contemporáneos.

Entre los expositores se encuentran Abm Fashion, Arvind, Azgard Nine, Blue Diamond, Calik Denim, Chloris, Dnm Demim, Cbi, Isko Luxury by Pg, Isko, Ithib, Kilim Denim, Mic, Soko Chimica, Tonello, Toscana Tessuti by Stamperia Toscana, Umberto Lenzi by Lenzi Egisto y Woolmark.

La empresa noruega Helly Hansen ha trasladado su sede para el sur de Europa al centro de Barcelona, ubicándola en pleno Paseo de Gracia. Hasta ahora, la compañía operaba desde Sant Quirze del Vallès, en las afueras de la ciudad.

Según ha avanzado el medio especializado Turiski en un reportaje, el cambio se enmarca en esta nueva etapa de consolidación en el sur de Europa, respondiendo al crecimiento registrado en los últimos años en la región, donde según señalan habría duplicado beneficios, y forma parte de su estrategia de expansión en los mercados mediterráneos y de habla hispana, bajo la propiedad del grupo estadounidense Kontoor Brands desde 2025.

Las nuevas oficinas centralizan las áreas de marketing, ventas, operaciones de cliente y retail para los mercados de España, Francia, Italia, Portugal y Andorra. Con esta reorganización, la firma busca mejorar la coordinación interna y reforzar la relación con sus socios comerciales en el sur de Europa.

Desde la dirección regional, Carlos Bravo ha destacado en la conversación con el medio especializado que esta nueva sede supone un impulso al compromiso con la red de distribución multimarca, al tiempo que acompaña la expansión de la compañía en la zona mediterránea. .

El nuevo espacio incorpora además un showroom destinado a la presentación de las colecciones de Helly Hansen, HH Workwear y Musto, con capacidad para recibir a más de 150 clientes al año. La empresa, adquirida por Kontoor Brands en una operación valorada en 900 millones de dólares en 2025, ha conseguido impulsar la facturación del grupo estadounidense desde su adquisición y ahora busca seguir reforzar su posicionamiento como referente técnico en los sectores de náutica y montaña.

La sinergia entre la moda y el hogar no es nada nuevo. Desde las mantas de Hermès hasta las toallas de Missoni y la cerámica de Versace, las marcas de lujo llevan mucho tiempo extendiendo su identidad más allá de la ropa. Pero en la Semana del Diseño de Milán de este año, que se celebra paralelamente a la 64.ª edición del Salone del Mobile, esa fusión ha alcanzado un nuevo nivel de ambición y visibilidad.

La relación entre la moda y el diseño ya no es un paréntesis o un acontecimiento estacional. Es una presencia estable, ahora arraigada en la propia idea del Fuorisalone, y cada vez es más difícil separarla de él. El resultado es un programa que abarca toda la ciudad en el que las fronteras entre disciplinas prácticamente se han disuelto.

Loro Piana

En Loro Piana, la firma ha presentado “Studies, Chapter I: On the Plaid” en su sede de Milán, en via Moscova. Se han elaborado 24 piezas únicas, diferenciadas por sus técnicas, construcciones y acabados, a partir de las fibras más exquisitas de la maison: vicuña, baby cashmere y cachemira, junto con lino y tejidos innovadores, cada una confeccionada exclusivamente por encargo. Es un recordatorio de que los mismos materiales que componen la colección de punto de una temporada pueden aplicarse con el mismo rigor artesanal a los objetos que amueblan un hogar. Las piezas solo estuvieron disponibles para los clientes de sus boutiques, lo que las mantuvo en un plano de alta exclusividad.

En Prada Home, se ha expuesto una presentación de edición limitada de vasijas de cerámica japonesa, creadas por Taira Kuroki de Kioto, Shion Tabata de Karuizawa, Yuichi Hirano y Koichi Ohara de Tokoname, bajo la curaduría de Theaster Gates. Las obras se inspiran en la tradición del Chawan, el cuenco ceremonial de té japonés, basando la colaboración tanto en la artesanía y el ritual como en la estética.

La presencia más amplia de Prada en el Salone va más allá. En su quinta edición, el simposio anual Prada Frames, comisariado por Formafantasma, se celebra bajo el título In Sight, con conferencias y conversaciones en Santa Maria delle Grazie que exploran la creación de imágenes como una fuerza cultural, política y material.

Moncler x Corso Como 10

Moncler, por su parte, ha adoptado un enfoque más visceral. En el número 10 de Corso Como, un pulpo hinchable gigante envuelve la fachada del edificio, reinterpretando la estética de sus característicos plumíferos en una pop-up inmersiva que difumina los límites entre moda, instalación y retail.

En Issey Miyake, el diseñador Satoshi Kondo ha convertido los residuos en una propuesta arquitectónica. En colaboración con el estudio español Ensamble Studio, el proyecto, titulado The Paper Log: Shell and Core, utiliza los rollos de papel comprimido sobrantes de la producción de prendas plisadas de la casa y encuentra en ellos dos posibilidades distintas: una íntima y conmemorativa, y otra estructural y funcional. El resultado es en parte instalación, en parte prototipo, y es totalmente coherente con la creencia de larga data de Miyake de que el proceso y el material nunca son fortuitos.

Bottega Veneta, bajo la dirección creativa de Louise Trotter, está colaborando con el artista coreano Kwangho Lee en Lightful, una instalación site-specific en la tienda de la marca en Via Sant'Andrea que presenta estructuras tejidas suspendidas y esculturas de luz hechas con las tiras de cuero fettucce de la casa. Gucci, bajo la dirección de Demna, ha presentado Memoria en los Chiostri di San Simpliciano, una exposición inmersiva que recorre los 105 años de historia de la casa a través de 12 tapices y una instalación en el jardín que reimagina el motivo Flora como un entorno tridimensional. Por otra parte, Hermès, Jil Sander, Saint Laurent, Balenciaga, J.W. Anderson, Isabel Marant y Chloé también presentan propuestas de alguna forma por toda la ciudad.

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En el extremo más democrático del espectro, Zara está presentando Calma, una instalación inmersiva en la neoclásica Palazzina Appiani del Parco Sempione, una experiencia relajante y sensorial concebida como un refugio de la energía de la semana. H&M, por su parte, ha anunciado una nueva colaboración con la arquitecta y diseñadora estadounidense Kelly Wearstler, añadiendo otra colaboración de moda e interiorismo a un calendario ya de por sí denso.

Democracia en el diseño

El ambiente en el Salone es notablemente diferente al de la semana de la moda. Mientras que los desfiles son transaccionales y giran en torno a los pedidos, la prensa y el impulso comercial, el Fuorisalone es más relajado y distendido, sin el drama de la moda. La mayoría de los eventos solo requieren un código QR para entrar. Como dijo un director creativo de una casa de lujo: “es más democrático y mucho más divertido”.

Esa apertura es precisamente lo que hace que la semana sea cada vez más central en la forma en que las marcas de moda comunican. Sin objetivos de venta ni críticas especializadas, la Semana del Diseño de Milán se ha convertido en el espacio donde las firmas pueden decir algo sobre cómo piensan, no solo sobre lo que fabrican y venden.

Innovative Eyewear, el desarrollador de gafas inteligentes con sede en Estados Unidos, ha anunciado los resultados preliminares de ventas no auditados para el primer trimestre, finalizado el 31 de marzo de 2026. La compañía, que fabrica productos para las marcas Lucyd, Reebok, Nautica y Eddie Bauer, ha alcanzado unas ventas preliminares en el primer trimestre (Q1) de aproximadamente 0,81 millones de dólares. Esta cifra representa un aumento del +78 por ciento en comparación con el primer trimestre de 2025, lo que supone los ingresos más altos para un primer trimestre en la historia de la compañía.

Este resultado extiende la racha de crecimiento de ingresos trimestrales interanuales (YoY) de la compañía a 11 trimestres consecutivos. La tasa de crecimiento para el primer trimestre de 2026 también indica una aceleración con respecto a la tasa de crecimiento de aproximadamente el +63 por ciento para el conjunto del año 2025.

El director ejecutivo de Innovative Eyewear, Harrison Gross, ha declarado que los resultados representan el comienzo más sólido de cualquier año en la historia de la compañía. “Aunque estos resultados todavía están sujetos a auditoría, estamos muy animados por el rendimiento preliminar de las ventas del primer trimestre de 2026 y por las oportunidades comerciales que estamos viendo en nuestros canales de óptica, seguridad y artículos deportivos”, ha dicho Gross. Ha destacado que la demanda de soluciones de conectividad para el entorno laboral sigue siendo un motor principal para el negocio.

Expansión de mercado y reconocimiento de producto

Lucyd Armor, la línea de productos más popular del grupo, ha recibido recientemente el premio Red Dot Design Award 2026 y el NHPA Retailer’s Choice Award. Los análisis de mercado indican que Lucyd Armor posee aproximadamente el 44 por ciento de la cuota de mercado de gafas de seguridad inteligentes en Amazon.

La dirección de Innovative Eyewear ha afirmado que el producto sigue siendo la única gafa de seguridad inteligente en la plataforma con certificación de seguridad completa en Estados Unidos, Canadá y la Unión Europea. La compañía se ha centrado en construir una mezcla de productos diversa y una presencia internacional para mantener su posición como líder de valor en el sector de las gafas inteligentes.

Para impulsar su crecimiento directo al consumidor (D2C), la compañía está en negociaciones con varios distribuidores para introducir los productos Lucyd Armor y Reebok en tiendas físicas en Estados Unidos y Canadá a lo largo de 2026. Entre los socios objetivo se incluyen grandes superficies, cadenas de óptica tradicionales y distribuidores de ferretería y automoción.

Alianzas industriales y oportunidades de marca blanca

Varias empresas industriales y de logística están probando actualmente los productos de Lucyd para su uso en el entorno laboral; entre estas firmas se encuentran DHL, Do It Best / True Value y Thermo King. Además, la compañía ha lanzado una oferta de marca blanca en la feria más reciente de Vision Expo.

El servicio de marca blanca permite a los distribuidores y a las marcas de gafas tradicionales introducir productos inteligentes en colaboración con Innovative Eyewear. La compañía ha confirmado que ya ha conseguido un compromiso en firme para una línea de gafas de seguridad inteligentes de marca blanca.

Los resultados preliminares también indican una mejora de los márgenes brutos para el periodo. Los márgenes de beneficio bruto del primer trimestre de 2026 han mostrado un aumento significativo con respecto a los márgenes del año completo 2025, lo que la compañía ha atribuido a medidas eficaces de mitigación de aranceles.

La compañía continúa centrándose en su misión de “Upgrade Your Eyewear” a través de monturas con Bluetooth y ChatGPT. Estos productos se ofrecen en cientos de combinaciones para atender a los mercados de gafas de sol, artículos deportivos y gafas de seguridad.

París (Francia), 22 de abril de 2026 (AFP) - El fabricante de material de esquí Rossignol ha mejorado sus ventas en la temporada 2025/2026 gracias a la buena afluencia en las estaciones de esquí, tras dos inviernos difíciles, según ha informado la marca este miércoles.

En su ejercicio fiscal, cerrado el 31 de marzo, el grupo francés ha alcanzado una facturación de 346 millones de euros, frente a los 342 millones del año anterior en la misma fecha.

Sin tener en cuenta los efectos del tipo de cambio, y en particular el debilitamiento del dólar que afecta a las cuentas de Rossignol —que realiza un tercio de sus ventas en Norteamérica—, las ventas han aumentado más de un +4 por ciento interanual.

Un aumento que rompe con la tendencia a la baja de la facturación de los últimos años, aunque se mantiene por debajo del récord histórico de 2022-2023.

Rossignol afirma que se ha beneficiado de un invierno con buenas nevadas en Europa este año, con una tasa de ocupación media en las estaciones de esquí que ha alcanzado un sólido 73 por ciento durante la temporada en Francia, por ejemplo.

El grupo genera tres cuartas partes de sus ventas con el material de esquí, fabricando las fijaciones en Nevers (Nièvre) y los esquís principalmente en el norte de España.

Sin embargo, ante inviernos con nevadas cada vez más irregulares como consecuencia del calentamiento global, la marca aspira a reducir su dependencia de la temporada invernal.

Ahora quiere centrarse en el trail running, una disciplina “cuyo número de practicantes está creciendo exponencialmente”, según ha explicado este miércoles el director del grupo, Vincent Wauters, en una rueda de prensa.

El grupo desarrolla en Italia y fabrica principalmente en Asia ropa y calzado de trail running y senderismo.

En total, su división textil representa actualmente alrededor del 25 por ciento de su facturación y el 35 por ciento en Francia, una cifra que Vincent Wauters prevé que aumente hasta el 50 por ciento en los próximos años.

Este crecimiento se enmarca en una tendencia más amplia de adopción de la ropa técnica en entornos urbanos, impulsada por el éxito fulgurante de competidores como Salomon.

Pero, a diferencia de otras marcas, Rossignol descarta formalmente crear líneas específicas para atraer a estos nuevos consumidores.

Con el objetivo de no “diluir su ADN”, Vincent Wauters prefiere “apostar por el rendimiento y dejar que el consumidor se acerque”.

La empresa de artículos deportivos con sede en Herzogenaurach ha nombrado a Bertrand Blanc para el recién creado puesto de Vice President Global Wholesale.

Blanc asumirá su nuevo cargo con efecto a partir del uno de mayo, según ha comunicado Puma este miércoles. Reportará directamente al Chief Commercial Officer (CCO), Matthias Baeumer, y será responsable del desarrollo y la implementación de las estrategias de distribución. Con ello, Puma busca ganar relevancia entre sus “clientes mayoristas clave”.

“Nuestro negocio wholesale es una parte crucial de nuestra actividad”, ha declarado Baeumer. “Con un nivel directivo propio para este canal, podemos crear un centro de excelencia global que dé soporte a nuestros mercados mundiales”.

El nuevo director de wholesale cuenta con más de 25 años de experiencia en puestos directivos internacionales y ha ocupado altos cargos en las áreas de estrategia, gestión de cuentas clave, planificación y operaciones en la industria deportiva, incluyendo empresas de ropa deportiva como Asics y Nike. Recientemente, ocupó el cargo de Senior Global Commercial Director Racquet Sports en el fabricante estadounidense de artículos deportivos Wilson Sporting Goods y ha asesorado a empresas internacionales.

“Estoy convencido de que Bertrand es la persona adecuada para dirigir a nuestros equipos y expandir el negocio de Puma con mayoristas estratégicamente importantes, tanto a nivel mundial como en nuestros mercados más grandes”, ha añadido Baeumer.

Blanc es el segundo directivo que Puma ha nombrado esta semana. El lunes, la empresa designó a Laurent Fricker como Vice President de la Business Unit Sportstyle.

Costa Rica se ha convertido en el punto de partida del nuevo proyecto internacional de Blue Banana. Bajo el nombre de “Casa Uvita”, la marca ha activado una experiencia inmersiva de varios días que ha acompañado el lanzamiento de su nueva colección de alto verano 2026 en un entorno natural y dinámico para reforzar su vínculo con el mundo del viaje y la aventura.

El proyecto, desarrollado en colaboración con Turismo de Costa Rica, se extendió durante ocho días, del 9 al 16 de abril, y reunió a un grupo de creadores de contenido afines a la marca entre los que se encontraban Gonzalo Montoya, Mikel García, Nuria Blanco y Laura Brunet. Todos ellos participaron en una experiencia concebida como base creativa y espacio de convivencia, desde la que Blue Banana se convirtió en la maestra de ceremonias, combinando producción de contenido y descubrimiento del territorio.

Costa Rica aporta el contexto: un país reconocido por su liderazgo en sostenibilidad y conservación, que alberga el 6,5% de la biodiversidad mundial pese a representar tan solo el 0,03% de superficie terrestre. Bajo la filosofía “Pura Vida”, el destino se convierte en un marco coherente para una propuesta que entiende la naturaleza y la sostenibilidad no como escenarios, sino como partes activas del relato.

La villa “Casa Uvita” funciona como eje central del proyecto y ha sido intervenida con una identidad visual desarrollada específicamente para la ocasión. Al igual que el itinerario del viaje, que combinó producción y agenda experiencial en distintas localizaciones del país. Parques naturales como el Parque Nacional Corcovado, inmersión en la biodiversidad de Isla del Caño o rutas por la costa del Pacífico conviven con experiencias de mayor intensidad como el snorkel entre arrecifes, el parapente, el surf o los recorridos en quad por senderos selváticos. El programa se completó con momentos de conexión con el entorno, como experiencias gastronómicas locales como el gallo pinto, atardeceres frente al océano y jornadas de limpieza de playa junto a comunidades locales costarricenses.

La colección de alto verano 2026 encuentra en este contexto su despliegue natural. Inspirada en el universo del surf y en la estética de los atardeceres frente al mar, la propuesta se construye a partir de estampados solares y formas geométricas, junto a una paleta cromática suavemente desaturada. Además, este lanzamiento se articula en torno a la línea de baño de la marca y se amplía con prendas estivales como camisas, bermudas y nuevas piezas femeninas que consolidan una propuesta más completa y versátil.

Con “Casa Uvita”, Blue Banana refuerza así su apuesta por formatos interactivos que trascienden la presentación tradicional de producto, integrando aventura, comunidad y contenido en una misma experiencia. En paralelo, Turismo de Costa Rica impulsa en Europa una nueva campaña de posicionamiento centrada en redescubrir el bienestar, la aventura y la riqueza cultural del destino a través de experiencias únicas en la naturaleza. Una unión natural que convierte a Costa Rica en el escenario perfecto para inspirar nuevas historias.

Como celebración de la artesanía y la innovación en los materiales, Jimmy Choo presenta una nueva entrega de la serie «From the Atelier», reinterpretando el icónico bolso BON BON de la marca. Ahora en su tercer año, esta edición se centra en el cuero —las anteriores exploraron el bordado y los adornos de cristal— como material esencial, transformado mediante técnicas complejas.

Inspirada en una obra a medida de la artista del papel Helen Musselwhite, que interpreta las cuatro estaciones, la cápsula traduce la intrincada belleza de la naturaleza a través de capas de papel elaboradas a mano en cuatro exquisitos bolsos BON BON. Equilibrando la precisión técnica con la expresión creativa, la colección es un estudio sobre la metamorfosis del material mediante su manipulación artesanal: del papel al cuero, de la escultura al accesorio.

Presentado por primera vez en 2019, el BON BON se ha convertido rápidamente en sinónimo de Jimmy Choo. Difuminando la línea entre accesorio y joya con su distintiva asa tipo pulsera, esta silueta llena de carácter sirve como lienzo para la expresión creativa y, en esta edición limitada, se eleva a la categoría de auténtico objeto de arte.

En los cuatro diseños, cada elemento está moldeado a mano de forma individual, con motivos —desde flores hasta mariposas— que parten de la obra de Musselwhite y se materializan mediante moldes exclusivos y elaboradas técnicas de costura artesanal. Cada diseño es un diálogo celebratorio sobre las cuatro estaciones, capturando la emoción particular que evocan estos sutiles cambios de la naturaleza.

Para la primavera, el BON BON se reinventa en cuero rosa «Peony», un guiño a una de las flores favoritas de la directora creativa Sandra Choi, evocando el optimismo de las nuevas floraciones. El verano se presenta en tonos claros, de efecto desgastado por el sol, que reflejan la ligereza de los largos días estivales. El otoño se expresa a través de detalles superpuestos y una paleta metálica terrosa que recuerda a las hojas caídas, mientras que el invierno se plasma en cuero plateado y acentos metálicos, evocando flores cubiertas de escarcha y los árboles desnudos de la estación. Para completar la cápsula, una selección curada de zapatos estará disponible a través del servicio Made-to-Order de la marca.

La colección cápsula se sustenta en el diálogo creativo entre Sandra Choi y Helen Musselwhite, unidas por una reverencia compartida por la artesanía, la materialidad y la naturaleza como fuentes perdurables de inspiración.

«From the Atelier es una oportunidad para explorar el diseño en su estado más puro. Nos permite experimentar, llevar la artesanía más allá y celebrar la belleza del proceso de creación. La naturaleza siempre ha sido una referencia poderosa en mi mundo; su belleza resiliente y en constante evolución es algo a lo que vuelvo una y otra vez. Con esta colección, quería capturar la emoción de las estaciones, traduciendo esos momentos en piezas que se sientan valiosas y perdurables. Me atrajo profundamente el trabajo de Helen y la forma en que transforma el papel en diseños tan dinámicos y llenos de emoción. Hay una gran precisión y poesía en su proceso, y me encanta que sea completamente analógico, construido lenta y cuidadosamente a mano. Ese sentido de materialidad y atención al detalle se alinea profundamente con nuestro propio enfoque de la artesanía en Jimmy Choo». — Sandra Choi

Como máxima expresión del compromiso de Jimmy Choo con el diseño emocional, la colección cápsula «From the Atelier» está concebida no solo para llevarse, sino para lucirse, coleccionarse y atesorarse.

La exclusiva colección cápsula «From the Atelier» estará disponible en una selección de boutiques a nivel global a partir del 22 de abril.

“Meet Fashion Talent” ha consolidado a la Región de Murcia como plataforma para el talento emergente de la moda tras el éxito de su primera edición, celebrada el 18 de abril en el Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas. Organizado por la Consejería de Turismo, Cultura, Juventud y Deportes de la región a través del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, el evento alcanzó el aforo completo y ofreció una mezcla de moda, música y programación creativa durante toda la tarde.

El programa incluyó desfiles de los finalistas y ganadores de la iniciativa “Meet Fashion Impulsa”, junto con una selección de diseñadores emergentes. Las colecciones abarcaron desde conceptos de inspiración cultural hasta propuestas experimentales, mientras que la música en directo y las actuaciones de DJ contribuyeron a crear ambiente. El desfile de clausura del diseñador Pablo Erroz fue uno de los momentos más destacados, aportando al escenario regional una presencia más habitual de las grandes semanas de la moda.

Más allá de la pasarela, el evento incluyó exposiciones como “Insectum”, una instalación de fotografía de moda y belleza centrada en el upcycling y los materiales biodegradables, así como una muestra de obras de diseñadores españoles consagrados que interpretaban la identidad de la región. El programa concluyó con una ceremonia de entrega de premios en reconocimiento al talento emergente, en la que se concedieron galardones en categorías como mejor colección, plan de comunicación y dosier de presentación.

Con su edición de debut, “Meet Fashion Talent” se posiciona como una iniciativa cultural en crecimiento que apoya la innovación y ofrece visibilidad a las nuevas generaciones de diseñadores en el panorama de la moda española.

En 2026, la atención se ha convertido en el recurso más disputado. Y la compañía catalana de lifestyle Natura —que arrancaba el año con un plan estratégico centrado en consolidar su presencia internacional, optimizar su red comercial en España y renovar su propuesta de producto para conectar con un público más joven— lo ha entendido.

Con motivo de la presentación de su colección de verano, la firma activó este fin de semana una sencilla experiencia en pleno centro de Madrid en la que el bienestar y la meditación actuaron como eje conceptual, funcionando como un puente entre el universo comercial de la marca y la narrativa emocional que busca proyectar: una idea de pausa, introspección y desconexión en medio del ritmo urbano.

Bajo el nombre Urban Retreat, la iniciativa se inscribe en la estrategia de Natura de trasladar su concepto de “Espacio Sagrado” a intervenciones físicas en entornos urbanos.

En esta ocasión, la propuesta consistió en la instalación de un “templo urbano” diseñado por el arquitecto Max Enrich, una estructura de madera de líneas simples concebida como punto de pausa en pleno centro de la ciudad. El espacio, que incorporaba una apertura cenital orientada al cielo y materiales de carácter cálido y aislante, buscaba generar un entorno de recogimiento dentro del flujo habitual de la plaza.

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La experiencia principal se articuló en sesiones breves de meditación guiada de aproximadamente cinco minutos, conducidas por Andrea Klimowitz a través de auriculares individuales. La dinámica invitaba a los participantes a centrar la atención en la respiración y reducir estímulos externos durante su paso por el espacio.

Fundada en 1992, Natura cuenta actualmente con más de 235 tiendas entre España, Italia y Portugal, y una plantilla que supera los 1.500 empleados. La compañía cerró 2025 con un crecimiento cercano al +10 por ciento, alcanzando una facturación de 160 millones de euros y proyecta para 2026 un incremento adicional del +15 por ciento, sustentado en su plan de expansión internacional, en la optimización de sus operaciones y en este tipo de activaciones.

La firma de calzado estadounidense Sperry acelera su estrategia de expansión en Europa con un nuevo movimiento clave que refuerza su presencia internacional a través de una alianza con Dubois, designado como motor regional junto a su matriz Authentic Brands Group.

Este paso marca una nueva fase en el relanzamiento de la marca en el continente tras su reciente reactivación en Reino Unido e Irlanda, con el foco ahora puesto en mercados como Benelux y la región DACH dentro de una estrategia de distribución más estructurada orientada al retail independiente premium y a cuentas clave. Aquí, Dubois, un distribuidor belga recientemente adquirido por la británica Gardiner Bros, llevará a cabo un “despliegue fluido”.

Tanto Gardiner Bros como Dubois supervisarán conjuntamente el relanzamiento regional. Dubois aportará su conocimiento del mercado local, mientras que Gardiner Bros ofrecerá su experiencia en la construcción de marca.

El sell-in oficial de la colección de Sperry comenzará el 1 de mayo. Authentic se centra en establecer una presencia en minoristas independientes premium y en cuentas clave para mantener la identidad aspiracional y accesible de la firma.

Esta fórmula ya se ha aplicado a los productos de Sperry, en los que las versiones premium de su calzado básico, como el náutico Authentic Original, se fusionan con las tendencias contemporáneas del streetstyle en un esfuerzo por mantener la relevancia de la marca.

Sobre este último lanzamiento, Henry Stupp, director de EMEAI en Authentic, ha declarado que la expansión “marca un paso importante en nuestra estrategia de crecimiento europea más amplia”. “Tras el fuerte impulso en el Reino Unido e Irlanda, estamos viendo una clara demanda de marcas que combinan herencia con un punto de vista moderno y vanguardista”, ha añadido.

Mr Porter presenta Ghiaia Cashmere, la distinguida firma de punto que fusiona a la perfección la estética informal y soleada de Los Ángeles con la herencia inigualable y la maestría artesanal de Italia. Esta perspectiva transatlántica única permite a la firma redefinir la moda masculina de lujo, concretamente a través de su compromiso con la creación de lo que se considera uno de los tipos de cachemir más suaves y exquisitos disponibles en la moda contemporánea.

El éxito de Ghiaia Cashmere se basa en un doble pilar: un enfoque meticuloso en la obtención de las mejores materias primas y una devoción por las técnicas de fabricación italianas, tradicionales pero refinadas. La filosofía de diseño de la firma va más allá de las meras tendencias, centrándose en cambio en un estilo perdurable, una comodidad excepcional y una experiencia táctil que solo el cachemir de la más alta calidad puede ofrecer. Cada prenda —desde los jerséis básicos de cuello redondo hasta las sudaderas con capucha de corte relajado— está concebida como una pieza de inversión, destinada a convertirse en un básico duradero en el armario del hombre moderno y exigente.

Madrid – “Querida Marta”, con estas justas palabras arranca la carta que las dependientas de Inditex en Galicia le han enviado a la hija de Amancio Ortega, y actual presidenta no ejecutiva de Inditex, con un objetivo claro: que tome conciencia y contribuya a redirigir las negociaciones del I Convenio Colectivo estatal para grandes cadenas de moda y calzado impulsado por la Asociación Retail Textil España (Arte); pretendido marco laboral frente al que trabajadores del sector de todo el país se levantaron este pasado fin de semana.

Poniéndonos primeramente en contexto, tal y como ya adelantamos desde FashionUnited a comienzos de este mismo mes de abril, plantándose ante el rumbo que habían terminado por tomar las negociaciones, y de manera más concreta frente al preacuerdo del convenio alcanzado por Arte con los sindicatos Comisiones Obreras (CCOO) y Fetico, desde la UGT—con 5 miembros sentados a la mesa de negociación del convenio de Arte el segundo sindicato con mayor representatividad, únicamente por detrás de CCOO— elevaron su oposición a la propuesta organizando una jornada de huelgas y manifestaciones en todo el país, para este pasado viernes día 17 de abril. Protestas convocadas de manera provincial y regional, y que en el caso de Cataluña se adelantaron al jueves día 16, y que el sindicato no descarta ya con escalar a nuevas cotas tras el éxito de las protestas de la pasada semana, y a la vista de cómo, y según sus posiciones, el preacuerdo de Arte, CCOO y Fetico resulta “vergonzoso” por sus efectos sobre las condiciones laborales de los trabajadores del sector. Motivo por el cual justifican el que el sindicato no haya accedido a suscribirlo, y es más, que se haya opuesto de manera pública a través de estas convocatorias de huelgas y concentraciones en todo el país; protestas frente a las que desde la dirección de Arte quisieron responder a pocas horas de que arrancasen matizando lo acordado, y recordando el que las negociaciones para el convenio en cualquier caso siguen abiertas.

Sin recoger ese guante, o al menos hacerlo de manera pública, desde la UGT han salido a valorar esas huelgas y manifestaciones incidiendo en primer lugar en cómo “son la respuesta de UGT ante un acuerdo que fija salarios claramente insuficientes, alejados de la realidad económica actual y del incremento del coste de la vida, y que además introduce mecanismos que permiten a las empresas aumentar la disponibilidad de las plantillas sin una compensación justa”. A partir tanto de esas como de otras consideraciones, el sindicato “ha decidido no firmar este convenio por una razón fundamental”, como lo es el que “no responde a las necesidades reales de las personas trabajadoras ni mejora sus condiciones de vida, consolidando un modelo basado en la precariedad laboral y salarial, además de una clara involución en derechos”. Y es que, y ahondando en mayores detalles, “el convenio firmado por CCOO, Fetico y Arte abre la puerta a una mayor desregulación del tiempo de trabajo, con medidas que afectan a la conciliación y que incrementan la incertidumbre en la organización de la jornada, penalizando especialmente a colectivos ya de por sí vulnerables en el sector, como mujeres y personas con contratos a tiempo parcial”; y eso sin obviar que “el texto pactado supone un retroceso en derechos al consolidar fórmulas de contratación y distribución de jornada que incrementan la precariedad en un sector que históricamente arrastra condiciones laborales muy justitas y con márgenes salariales insuficientes”.

“UGT ni se vende ni vende a los trabajadores y trabajadoras del sector”, defiende ante las críticas y presiones que se han recibido por parte tanto del lado empresarial como sindical Lola Luna, principal responsable del sector Comercio y Grandes Almacenes a nivel estatal de la UGT. “Somos un sindicato que sabe negociar de forma constructiva y de buena fe para llegar a acuerdos, pero que también sabe decir no”, subraya en nombre de la organización sindical, y especialmente, añaden desde la UGT, “cuando lo que se pretende es formalizar en una foto una pantomima para blanquear una cultura empresarial que está demostrando que su visión del diálogo social es puro ‘atrezzo’ para mejorar su imagen ante la sociedad, mientras niega el pan y la sal a quienes sostienen el sector, cada día, con su trabajo y dignidad”.

Huelgas en las cuatro provincias de Galicia, contra el convenio de Arte y en defensa de la negociación provincial

Al igual que ya durante los meses previos habían venido haciendo, y además de la mano de la propia UGT, en el caso concreto de Galicia la oposición al convenio de Arte se encuentran liderándola desde la Confederación Intersindical Galega (CIG). Sindicato que en su caso cuenta, al igual que Fetico y ELA, con 1 representante sentado a la mesa de negociación del Convenio de Arte, y desde el que han secundado estas primeras protestas contra el texto a nivel estatal impulsadas por la UGT convocando por su parte huelgas en las cuatro provincias de Galicia, para el pasado 17 de abril; paros que se extendieron al sábado 18 de abril para el caso concreto de la provincia de La Coruña.

Con un apoyo “casi total” y secundadas por varios miles de trabajadores del sector del gran comercio de textil y calzado, según sostienen desde el mismo sindicato nacionalista gallego en lo que provocó “el cierre de la mayoría de los establecimientos” de las empresas adheridas a Arte en Galicia, con la excepción de algunas tiendas del grupo Inditex, las protestas en las provincias gallegas se desarrollaron bajo un contexto singular. Primero por estar lideradas por la CIG, junto eso sí y nuevamente a la UGT, y segundo por, además de servir para reivindicar al igual que esta un marco laboral estatal que respete la negociación de los convenio provinciales, hacerlo exigiendo que se garanticen las mejores condiciones de trabajo que ya disfrutan frente a los trabajadores de otras provincias españolas, y esa negociación “en proximidad” que las ha permitido. Demanda a la que nuevamente han sumado la de reclamar al empresariado gallego un convenio colectivo interprofesional que blinde los convenios provinciales y garantice su prevalencia frente a convenios estatales como el de Arte, tal y como se hizo en el País Vasco en 2017 y que ha permitido que la comunidad autónoma vasca haya quedado excluida del ámbito de aplicación de este convenio de Arte, tal y como desde el primer minuto reclamaron desde el sindicato nacionalista ELA.

Como principales oposiciones al convenio, y que llegaron para sostener las protestas con “mayor seguimiento en el comercio de todas las huelgas convocadas desde 2008, durante la negociación del convenio colectivo provincial” de La Coruña, la CIG “denuncia que, con respecto a los actuales convenios provinciales, las condiciones recogidas en el preacuerdo de Arte supondrían una rebaja de entre 2 000 a 3 000 euros al año —dependiendo de la categoría— en La Coruña y Pontevedra”, con una contracción de hasta “5 000 euros menos en el caso de las personas trabajadoras que se incorporen a las tiendas de Inditex” en La Coruña. Y eso sin olvidar otras cuestiones, añaden, como “la desaparición del complemento de antigüedad para el personal de Lugo y Orense; la pérdida del complemento de permanencia en La Coruña”; el que además “se establece la obligación de trabajar los domingos y festivos”; que “la planificación de horarios y calendarios se reduce a cinco semanas de antelación”; que “se recupera la categoría de personal ayudante de dependiente durante 15 meses”; el que “se autoriza la contratación fija-discontinua a tiempo parcial”; o que “respecto a la jornada laboral anual acordada”, apuntan, “ a pesar de la propaganda, las horas de trabajo anuales aumentaría en realidad, ya que el tiempo de descanso de cada día (de 15 minutos como mínimo) dejaría de computar como tiempo efectivo de trabajo”.

Lejos de constreñir estas modificaciones a cambios que únicamente vayan a afectar a los trabajadores del sector del comercio de las grandes cadenas de moda y calzado, y de únicamente provincias “privilegiadas” como la de La Coruña, desde la CIG del mismo modo alertan de que “la firma definitiva de este convenio estatal significará la desaparición o reducción al mínimo de las negociaciones provinciales; la congelación durante años de las condiciones laborales y salariales del personal que ya está contratado; y la precarización de aquellas personas que se vayan incorporando al sector, generando” además “condiciones dispares entre personas del mismo centro que realizan las mismas funciones”. “Por lo tanto, el convenio impulsado por Arte no solo afectará al personal de las grandes empresas”, recapitulan desde la CIG, sino que “tendrá consecuencias sobre las condiciones laborales de las personas empleadas por el pequeño comercio, que verán cómo desaparecen poco a poco, o se negocian a la baja, sus convenios de referencia”.

Hablan las dependientas de Inditex

En mitad de este escenario de creciente conflictividad laboral, y coincidiendo además con la última reunión de la mesa de negociación del Convenio de Arte —convocada para este pasado lunes día 20 de abril—, las dependientas de Inditex en Galicia han remitido una carta a Marta Ortega, presidenta no ejecutiva de Inditex, desde la que le trasladan su malestar por el empeoramiento de las condiciones laborales que prevén experimentar —y si no hay nada ni nadie que así lo impida— con la aprobación y entrada en vigor de ese nuevo marco laboral estatal para los trabajadores del comercio de las grandes cadenas de moda y calzado. Empeoramiento del que hacen plenamente responsable a la multinacional de la moda española, a la que señalan directamente desde la CIG como principal impulsora del convenio de Arte, y las dependientas de además estar liderando sus negociaciones, a través y de la mano de Pablo Francesch Huidobro, director corporativo de relaciones laborales de Inditex, y vicepresidente de Arte.

Carta de las dependientas y dependientes de Inditex en Galicia a Marta Ortega

Querida Marta Ortega:

Att : tu dependient@

En el corazón de Mónaco, el sábado 18 de abril, Twinset Milano presentó su visión estilística en la Monte-Carlo Fashion Week, eligiendo el Grimaldi Forum como escenario: una arquitectura suspendida entre el mar y el cielo, donde la elegancia natural de la Riviera francesa encuentra una nueva y luminosa expresión.

La colección Primavera-Verano 2026 celebra una feminidad espontánea y segura de sí misma, sublimando el encanto francés de la Riviera y reinterpretándolo en el sofisticado contexto de Montecarlo, un lugar simbólico de elegancia atemporal capaz de dialogar con el presente. El imaginario toma forma a través de las atmósferas bañadas por el sol de la Costa Azul, la estética de los años sesenta y setenta y los iconos de una libertad elegante y vivida, evocando figuras como Jane Birkin y Brigitte Bardot.

Una elegancia discreta que se revela en los gestos, en los volúmenes, en la atención al detalle y en la manera en que las prendas se mueven con ligereza junto al cuerpo. Sobre la pasarela, 24 looks listos para comprar delinean un vestuario fluido y natural: líneas suaves, volúmenes ligeros y tejidos etéreos. El lino y el algodón, presentados en tonos arena y empolvados, sugieren un estilo luminoso, espontáneo y femenino.

Completan la propuesta siete vestidos de noche: creaciones de sastrería en gasa y crepé de seda, tul point d’esprit y prendas de punto con lurex de reflejos dorados. Una moda de noche luminosa y contemporánea que rechaza el exceso en favor de una sensualidad natural, definida por el movimiento y la ligereza.

La pasarela, abierta y cerrada por la modelo danesa Laila Hasanovic, está acompañada por una banda sonora que define la identidad emocional del desfile: Lana Del Rey, Billie Eilish y Hole. Un cruce inesperado que pone en diálogo el glamour lánguido de la Riviera francesa con la modernidad californiana, creando una nueva tensión estética, refinada y profundamente actual.

El desfile de Twinset en Montecarlo se erige de esta manera como la expresión de una visión: una elegancia que nace de la armonía entre cuerpo, luz y tejido, y que encuentra en el Mediterráneo no una referencia geográfica, sino un estado mental. Una feminidad libre, auténtica y plenamente contemporánea.

El Grupo Moncler ha registrado unos ingresos consolidados de 880,6 millones de euros en los tres primeros meses de 2026, lo que supone un crecimiento del +12 por ciento a tipos de cambio constantes (+6 por ciento a tipos de cambio corrientes). El consejo de administración ha aprobado hoy el informe de gestión intermedio correspondiente al primer trimestre. El año pasado, los tres primeros meses se cerraron con 829 millones de euros.

La empresa se centra en la evolución constante de las marcas, tanto en el producto como en las experiencias

"En un contexto global marcado por los conflictos y la inestabilidad, tanto Moncler como Stone Island han demostrado una gran energía y relevancia cultural. Estos resultados no son fruto de la casualidad. Reflejan un enfoque preciso que valora lo que hace únicas a nuestras marcas, al tiempo que les permite evolucionar constantemente, tanto en el producto como en las experiencias", ha especificado Remo Ruffini, presidente ejecutivo de Moncler spa, a través de una nota.

Los ingresos de Moncler se han situado en 766,5 millones de euros

En cuanto a las marcas individuales, los ingresos de Moncler se han situado en 766,5 millones de euros, un +12 por ciento más a tipos de cambio constantes (+6 por ciento a tipos de cambio corrientes) en comparación con los 721,8 millones de los tres primeros meses de 2025.

El canal de distribución directo al consumidor (direct-to-consumer) ha crecido un +14 por ciento interanual, a pesar de la continua volatilidad del mercado y de una base de comparación elevada, según ha subrayado la dirección. El canal mayorista (wholesale) ha registrado un crecimiento del +3 por ciento interanual, en un contexto de continua racionalización de la red de distribución.

Por áreas geográficas, Moncler ha registrado un sólido rendimiento de la marca en Asia (+22 por ciento a tipos de cambio constantes interanual), con 433 millones de euros, impulsado por las tendencias positivas sobre todo en China y Corea, y en América (+7 por ciento interanual). La región Emea ha tenido un rendimiento inferior (-1 por ciento interanual, con 238,5 millones de euros), debido principalmente a la debilidad de los flujos turísticos en la región.

A 31 de marzo de 2026, la red de tiendas monomarca de Moncler contaba con 295 puntos de venta directos (retail), sin cambios respecto al 31 de diciembre de 2025.

Stone Island ha cerrado el primer trimestre con unos ingresos de 114,1 millones de euros

En cuanto a Stone Island, los ingresos se han situado en 114,1 millones de euros, con un crecimiento del +11 por ciento (+6 por ciento a tipos de cambio corrientes) en comparación con los 107,3 millones de los tres primeros meses de 2025. Continúa el crecimiento de dos dígitos en el canal directo al consumidor (direct-to-consumer) (+17 por ciento interanual), impulsado por un rendimiento orgánico positivo en todas las regiones, con América y Asia por encima de la media.

El canal mayorista (wholesale) ha aumentado un +4 por ciento interanual, respaldado por la excelente acogida de la colección Primavera/Verano 2026. A 31 de marzo, la red de tiendas monomarca de Stone Island contaba con 94 puntos de venta directos (retail), lo que supone una reducción neta de una unidad en comparación con el 31 de diciembre de 2025.

La estrategia para los próximos meses verá al grupo cada vez más centrado en cada una de las marcas. "Ahora que comienza una nueva fase en nuestra trayectoria, con Leo Rongone en el grupo, nuestro enfoque es muy claro: mantenernos fieles a lo que somos, mirando siempre hacia delante y conservando la integridad de nuestras marcas en el centro de cada decisión", ha dicho Ruffini.

Por último, la junta de accionistas de Moncler ha aprobado hoy el balance del ejercicio 2025, cerrado con un beneficio neto de 438,17 millones de euros, y ha acordado asignar un dividendo de 1,4 euros por acción; el dividendo se abonará el lunes 18 de mayo, con fecha de pago a partir del 20 de mayo. El importe total asciende a 380,24 millones de euros.

Además, la junta ha aprobado un nuevo plan de compra y enajenación de acciones propias, hasta un importe máximo equivalente al 10 por ciento del capital. A 21 de abril de 2026, Moncler poseía 2,819,999 acciones propias, equivalentes al 1 por ciento del capital.

En la raíz de la crisis de sostenibilidad en la moda se encuentra una relación opaca entre la marca y el proveedor, consecuencia directa de la deslocalización de la producción a países con salarios bajos. En las últimas décadas, la cadena de suministro se ha fragmentado tanto que se ha perdido la supervisión sobre quién fabrica qué y, sobre todo, cómo. Ahora, la industria quiere hacer las cosas de otra manera: con fábricas ecológicas, salarios dignos y diseños duraderos. ¿Cómo puede revertirse la situación? Según la organización sin ánimo de lucro Fashion Producer Collective (FPC), todo empieza por sanar esa relación.

Dar voz a los productores

FPC defiende los intereses de los fabricantes de prendas de vestir, especialmente en el contexto de la sostenibilidad. La iniciativa surgió en 2020 en torno al podcast Manufactured, en el que la exdirectora de fábrica Kim van der Weerd da voz a los fabricantes del mundo de la moda. Esto incluye compartir sus frustraciones en materia de sostenibilidad, especialmente en relación con las políticas impuestas por las marcas sin consulta ni financiación, y las ideas erróneas sobre lo que la sostenibilidad requiere en la práctica.

“Productores de todos los rincones del mundo conectaron a través de esto”, afirma Gauri Sharma, directora de estrategia y compromiso del colectivo desde 2025. “Empezaron a reunirse en congresos y reuniones online. En 2023, redactaron sus primeros white papers sobre legislación, financiación climática y el papel de las instituciones multipartitas como la Sustainable Apparel Coalition y ACT en la implicación de los productores”. Tras un periodo de voluntariado financiado con subvenciones, FPC se convirtió en un colectivo formal a finales de 2025.

El colectivo cuenta con doce miembros formales: fabricantes de países como Sri Lanka, Hong Kong, India y Pakistán, que representan tanto el principio como el final de la cadena, desde el packaging hasta los accesorios de moda. Cinco de los doce miembros son cofundadores y tienen voz en la dirección del colectivo. Los miembros deciden por sí mismos a qué proyectos unirse, y los no miembros también pueden participar con un recargo.

El equipo central, o lo que Sharma denomina una “sede totalmente remota”, está formado por Van der Weerd (a tiempo completo), complementado por cuatro o cinco trabajadores a tiempo parcial que cubren desde la comunicación hasta las finanzas. Mantienen un Substack, organizan proyectos y facilitan colaboraciones con terceros, como su reciente trabajo con su primera marca de moda, “una gran empresa internacional de ropa”, dice Sharma. Aún no puede revelar el nombre. “Estamos ayudando a su equipo de sostenibilidad a implicar a su base de proveedores en la configuración de su estrategia”.

Un enfoque vertical

Desde el auge del fast fashion, ha surgido una jerarquía en la cadena de suministro en la que se dice a los fabricantes qué deben hacer: en qué condiciones deben producir, qué directrices deben seguir y que deben someterse a inspecciones. Esta misma mentalidad vertical existe en las organizaciones que desarrollan marcos, políticas y programas para los fabricantes. “Rara vez se implica a los fabricantes como socios en igualdad de condiciones”, afirma Sharma, que habla desde su experiencia como directora general de ESG e Innovación en Shahi Exports, uno de los mayores fabricantes de la India. “Como mucho, se les convoca para una breve ronda de comentarios cuando ya es casi demasiado tarde para una aportación valiosa”.

Esa perspectiva también afecta a los esfuerzos de sostenibilidad de la industria, un tema que fue objeto de un intenso escrutinio tras la pandemia. “Ecologizar la cadena de suministro se convirtió en un punto central”, dice Sharma, “pero seguía sin haber cocreación de esos planes. Los equipos de sostenibilidad piden a las fábricas que cumplan objetivos y prueben nuevos materiales, mientras que los equipos de compras siguen negociando precios bajos y no están dispuestos a cubrir esos costes adicionales. Si un fabricante ha investigado y desarrollado una nueva fibra y funciona bien, pero el equipo comercial dice ‘no pagaremos ni un céntimo más por ella’, la innovación se detiene ahí mismo”.

Como ejemplo de este obstáculo recurrente para la sostenibilidad, Sharma cita el deseo de las marcas de dejar de utilizar carbón. “Las fábricas tienen que invertir en nuevas calderas y fuentes de combustible alternativas, lo que cuesta dinero y aumenta los costes operativos. Algunos grandes fabricantes lo consiguen, pero requiere un esfuerzo enorme y es comercialmente insostenible a largo plazo sin apoyo. En cuanto a la descarbonización, la industria tiende a generalizar: todo el mundo debe abandonar el carbón. Pero nadie se pregunta: ¿qué apoyo necesitan los fabricantes para ello?”. Mientras las marcas y los proveedores no se comuniquen en igualdad de condiciones, la sostenibilidad no despegará, razona FPC. “Las estrategias de sostenibilidad se imponen a las partes que deben ejecutarlas, sin que esas partes participen en el diseño y sin apoyo financiero para realizarlas. Esto es lo que queremos abordar como FPC”.

Proyectos liderados por productores

El primer resultado concreto del enfoque liderado por los productores es Bang for Buck, una herramienta de apoyo a la toma de decisiones diseñada para ayudar a las fábricas a identificar y priorizar las inversiones en descarbonización más rentables para sus instalaciones. El proyecto ha sido encargado y dirigido por Elevate Textiles, Epic Group y Shahi Exports, con el apoyo de GIZ FABRIC y el socio técnico Grant Thornton Bharat. Bang for Buck se hará público este mes de abril.

Además, FPC facilita comunidades de práctica: conversaciones entre proveedores sobre temas difíciles. Recientemente, la trazabilidad fue el tema central. Sharma: “Los fabricantes se ven inundados de peticiones de las marcas para que tracen sus procesos de producción, a pesar de que es muy complejo porque casi ninguna empresa habla de ello abiertamente”. En abril, comenzará una serie sobre el estrés térmico, ya que las temperaturas en los países de producción alcanzan máximos históricos y los fabricantes deben equipar sus instalaciones para hacerle frente. “Es un problema grave que actualmente no abordan las marcas desde el punto de vista del riesgo compartido, en lugar de como un requisito de auditoría”.

En cuanto a las prioridades, FPC se guía por lo que ocurre sobre el terreno; Sharma escucha mucho, dice, a través de un grupo de WhatsApp, reuniones y redes sociales. “Solo cuando hay suficiente interés en un proyecto, un grupo de miembros designados se pone a trabajar. No creamos esta organización para guardar las apariencias. No queremos ser burocráticos ni tradicionales; debemos trabajar de forma activa, ágil y, sobre todo, liderada por los productores, porque estamos intentando crear algo que aún no existe”.

Una base de conocimiento

Las marcas también tienen mucho que ganar, cree Sharma. La mayoría no ha producido nada por sí misma desde hace décadas: la producción es cara, arriesgada y requiere mucha mano de obra, de ahí la deslocalización. Con ello, gran parte del conocimiento especializado dentro de las propias marcas desapareció.

“Gran parte de lo que se ve en una tienda está codiseñado por los fabricantes. Los fabricantes grandes o especializados tienen enormes equipos de diseño, laboratorios de pruebas de calidad, ingenieros de tejidos e ingenieros técnicos de producción. Esa experiencia reside ahora en el fabricante. Si tú, como marca, quieres probar fibras recicladas o averiguar si una fábrica puede electrificarse, tienes que apoyarte en tu fabricante. Mientras no los involucres como socios en igualdad de condiciones, estás dejando sin explotar una enorme base de conocimiento”.

Finalmente, explica lo que FPC quiere cambiar. “Queremos que los fabricantes se conviertan en codiseñadores en lugar de meros ejecutores, que actúen como socios de pensamiento en igualdad de condiciones en las visiones y estrategias de sostenibilidad. Esperamos que esto conduzca a un cambio de mentalidad y, a través de ello, a estrategias que sean prácticas y factibles”.

Cómo sanar la relación con tu proveedor

Basándose en la investigación de la tesis de máster de Sharma en la Universidad de Cambridge y en las prácticas de Fashion Producer Collective, Sharma ofrece cinco consejos para las marcas que buscan mejorar su relación con los proveedores:

1. Involucra a los proveedores antes. “Actualmente, a menudo solo se les convoca una vez que la estrategia ya está fijada. Su ausencia en la fase de diseño suele dar lugar a planes inviables”.
2. Asegura la alineación interna. “Dentro de las marcas, los equipos de sostenibilidad y los de compras a menudo se contradicen. Esto envía señales contradictorias y ralentiza los planes de sostenibilidad”.
3. Céntrate en el qué, no en el cómo. “Como marca, determina el objetivo de sostenibilidad y su razón de ser; deja la ejecución en manos del fabricante. Ellos tienen la experiencia técnica y específica del contexto y saben cómo se puede escalar la sostenibilidad de la forma más eficiente”.
4. Ofrece certidumbre y comparte los beneficios. “Deja de exigir cambios sin dar nada a cambio. Los proveedores solo invertirán en nueva tecnología si hay un caso de negocio claro y una visión a largo plazo detrás”.
5. Construye un diálogo estructural. “Sustituye las auditorías puntuales por una colaboración constructiva y continua, por ejemplo, a través de talleres o plataformas de aprendizaje. Esto genera confianza y desbloquea la experiencia necesaria para la sostenibilidad que actualmente está atascada en la cadena”.

Si hay una profesión en la moda donde la inteligencia emocional es la reina, es esta. Lejos de los clichés, los dependientes y dependientas encarnan el rostro más vivo de esta inmensa industria y, sobre todo, el más humano. Para trazar el retrato polifacético de esta profesión, FashionUnited ha decidido conversar con quienes conciben la venta como un espacio de realización y de gran especialización.

Para inaugurar esta nueva serie de entrevistas, hoy nos reunimos con Léa Siboni, asesora de ventas para la marca de lujo The Row.

Para presentar su profesión, ¿qué término prefiere utilizar y desde cuándo la ejerce?

Léa Siboni: Hoy me presento como asesora de ventas y llevo casi dos años en esta profesión.

¿Cómo fue su primer puesto en ventas?

He pasado por varios puestos en el retail, como responsable de punto de venta y coordinadora global de retail, antes de decidirme a pasar a la venta “pura” como asesora de ventas.

Mi primer trabajo en ventas fue como responsable del espacio de Nodaleto que acababa de abrir en Printemps Haussmann. Fue casi al final de mis estudios en el Institut Français de la Mode; de hecho, entremedias estuve un año trabajando en comunicación.

Antes del IFM, hice un máster en gestión de proyectos culturales en la Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Ser asesora de ventas no entraba en mis planes, pero al final es lo que mejor encajaba con mi personalidad y mi ritmo de vida.

¿Guarda un buen recuerdo de su primera entrevista de trabajo?

Fue una entrevista centrada principalmente en la personalidad y la experiencia del cliente, algo que ha sido muy habitual en mis entrevistas de trabajo. Siempre han sido encuentros agradables que a menudo describo como conversaciones.

¿Cuál es el mejor consejo que le ha dado un mánager o un mentor en sus comienzos?

El mejor consejo que me han dado es que preste atención a todo lo que dice la clienta: dónde vive, su estilo de vida, sus actividades, etc. Cada detalle puede parecer insignificante, pero en realidad es muy importante en nuestra profesión.

Hoy en día, ¿qué es lo que le hace levantarse por la mañana?

El equipo con el que trabajo. Pasamos muy buenos momentos juntos.

¿Podría describir en qué consiste el “placer de la venta”?

En mi caso, es la adrenalina de cerrar una buena venta tras haber conseguido captar exactamente los deseos y las expectativas del cliente. En el día a día, me gusta superarme y combinarlo con la satisfacción del cliente. Me gusta el rendimiento.

¿Cuál es la venta más inesperada o memorable que ha cerrado?

Antes de entrar en The Row, trabajaba para Dover Street Market. Este lugar alternativo me permitió conocer a mucha gente del mundo creativo y también del deportivo. Allí pude cerrar mis primeras ventas memorables y también conocer a personalidades públicas internacionales.

¿Tiene clientes preferidos?

Sí, tengo un vínculo especial con algunas de mis clientas. Como es una profesión de contacto directo, en mi opinión es inevitable que surjan afinidades. Cuando tenemos pasiones en común, como el arte o la moda, el vínculo se fortalece.

¿Cuál es la habilidad técnica que más ha perfeccionado con los años?

Mi conocimiento de los materiales ha mejorado notablemente. Como mis estudios se centraron principalmente en la gestión, no había profundizado en estos aspectos.

¿De qué cualidades o habilidades relacionadas con su profesión se siente más orgullosa?

Diría que la paciencia. Tanto con el cliente como en el propio aprendizaje. No se aprende a ser un buen vendedor de la noche a la mañana; son habilidades que se adquieren y que llevan su tiempo.

¿Cómo se educa el ojo en el día a día para proponer siempre la silueta perfecta a un cliente?

Diría que viendo muchos desfiles. Eso permite seguir educando el ojo a las nuevas tendencias y poder proponer buenas siluetas.

¿Qué es lo que no se suele saber sobre la profesión de vendedor?

Mucha gente considera esta profesión como un trabajo “de paso”. Sin embargo, es una profesión real y clave en el sector de la moda y el lujo. También puede abrir grandes perspectivas de futuro si se quiere evolucionar, y lamentablemente esto no se explica lo suficiente en las escuelas de moda. Lamento que esta profesión siga estando mal vista por muchas personas, incluso dentro de nuestro propio sector.

Entrar en el retail, aunque no fuera algo a lo que estuviera especialmente destinada, ha sido la mejor decisión profesional que he podido tomar. He podido probar diferentes puestos, como responsable de tienda para Nodaleto o Coperni; ser coordinadora global de retail para Jacquemus y participar, entre otras cosas, en la apertura de la primera tienda; formar parte del Retail Leadership Program de Dior; o participar en la apertura del primer Dover Street Market en París como asesora de ventas. No puedo más que recomendar seguir el camino del retail y, en particular, el de asesor de ventas.

Esta entrevista se ha realizado por escrito.

A través de un comunicado emitido a última hora de la tarde, la empresa de óptica Safilo Group ha anunciado la firma de un acuerdo de exclusividad con Bollé Brands para la adquisición de Spy+ y Serengeti, dos marcas estadounidenses activas en los segmentos de deporte y outdoor y de las gafas de alta gama. Spy+, una marca auténtica y consolidada en el mundo del deporte y las gafas de sol, reforzará aún más la presencia de Safilo en los canales de distribución de deporte y outdoor, gracias a su fuerte complementariedad con Smith. Serengeti, con décadas de historia, representará para la empresa dirigida por Angelo Trocchia un activo clave en el segmento de las gafas de alta gama.

En 2025, las dos marcas registraron unas ventas conjuntas de aproximadamente 39 millones de dólares.

La operación se enmarca en la estrategia ya definida por la empresa de óptica con sede en Padua, orientada a adquisiciones selectivas de marcas capaces de reforzar “la presencia del grupo en segmentos con alto potencial de crecimiento, contribuyendo a la revalorización de su cartera de marcas propias, que incluye a Smith, Carrera, Polaroid y Blenders”, especifica el comunicado.

La finalización de la operación propuesta queda sujeta a la finalización de los procedimientos de consulta con los organismos competentes y a las condiciones suspensivas habituales.

Safilo cerró 2025 con unas ventas netas de 983,4 millones, un +1,8 por ciento a tipos de cambio constantes y un rendimiento orgánico del +2,6 por ciento.

En el verano de 2024, Bhavitha Mandava estaba en un andén del metro de Brooklyn terminando su máster en la NYU y no buscaba una carrera como modelo. Fue entonces cuando un ojeador se fijó en ella y, en dos semanas, Matthieu Blazy —por aquel entonces en Bottega Veneta— la fichó para un desfile. Dieciocho meses después, es la primera embajadora india de la Maison Chanel.

La industria de la moda lo calificó de cuento de hadas, pero en realidad fue una estrategia cuidadosamente secuenciada.

De lo macro a lo micro: por qué un rostro desconocido es el nuevo activo estratégico

Mandava creció en Hyderabad, India, en el seno de una familia telugu para la que el éxito académico era el camino a seguir. Se licenció en arquitectura y después se trasladó a Nueva York para cursar un máster en Diseño y Medios Integrados en la NYU. Ser modelo no entraba en sus planes.

Esa historia, y la persona a la que pertenece, es precisamente la razón por la que Blazy la eligió. Bajo su dirección, Chanel se ha alejado del arquetipo pulido e intocable para acercarse a algo con más los pies en la tierra: ropa que parece pertenecer a una mujer con una vida, un trayecto al trabajo, un escritorio, una carrera universitaria. Mandava —una arquitecta convertida en modelo que estudiaba para sus exámenes finales mientras desfilaba en las semanas de la moda— es el rostro de esa visión. Su naturalidad en la pasarela, su formación académica, su desconocimiento de las jerarquías de la industria: todo ello resulta auténtico de una forma que no se puede fabricar.

Lo que Chanel ha ejecutado con ella ha sido una estrategia de marca secuenciada y basada en el microdescubrimiento: identificar talentos desconocidos antes de que tengan un precio y, a continuación, utilizar cada hito público para medir la respuesta de la audiencia antes de comprometerse con el siguiente nivel de inversión.

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Mandava debutó en el desfile SS25 de Bottega Veneta. Y cuando Blazy se trasladó a Chanel, ella le siguió, desfilando en su debut para la colección SS26 en octubre de 2025. Después, en diciembre, abrió el desfile Métiers d'Art en una estación de metro clausurada de Bowery, convirtiéndose en la primera modelo india en abrir un desfile de Chanel. El lugar era un reflejo de su descubrimiento; debutó exactamente en el entorno donde la habían encontrado. El simbolismo fue deliberado e Internet respondió de inmediato.

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Los datos de Google Trends para “Bhavitha Mandava” muestran un interés de búsqueda casi nulo durante toda la primera mitad de 2025. El momento Métiers d'Art produjo el primer pico significativo, alcanzando un índice de 100 en la semana del siete de diciembre. Sus padres publicaron entonces un vídeo que tuvo aproximadamente 26 millones de visualizaciones, y la gente quedó asombrada con el descubrimiento.

Un segundo pico se produjo en enero de 2026, cuando cerró el desfile de Alta Costura de Chanel como la novia, el look tradicionalmente reservado para la musa definitiva del diseñador. El anuncio de su nombramiento como embajadora de la Maison llegó en marzo de 2026, precisamente cuando el interés de búsqueda se había mantenido sostenido a lo largo de tres momentos culturales distintos.

Chanel validó a Mandava de forma gradual, utilizando el sentimiento de la audiencia como señal.

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Qué significa esto si no eres Chanel

El mecanismo es transferible, y el coste de entrada es mucho más bajo que un acuerdo tradicional de embajador.

Las marcas que invierten en colaboraciones con macroinfluencers están pagando por audiencias cuyo valor ya está establecido en el mercado. El microdescubrimiento invierte esta lógica: encuentras el talento antes que el mercado, construyes la relación en torno a una alineación genuina con lo que quieres transmitir y dejas que la respuesta de la comunidad determine hasta dónde llegas.

El caso de Mandava demuestra que un único momento cultural resonante puede generar más earned media que una campaña de pago, siempre que la historia sea genuina y la secuenciación, paciente. Para las marcas que se encuentran en un segmento inferior del mercado, las preguntas prácticas que esto plantea son:

¿Dónde buscas nuevos talentos? Si tu briefing de casting sigue empezando por las agencias y las listas de talentos existentes, estás pagando un sobreprecio por rostros que el mercado ya conoce. Los canales de descubrimiento no tradicionales —campus universitarios, comunidades de nicho, contextos profesionales— son los lugares donde se encuentran las próximas Mandavas.

¿Analizas el sentimiento de la audiencia antes de escalar? Chanel no anunció el nombramiento de su embajadora hasta que tres momentos orgánicos ya habían validado la relación con la audiencia. Antes de escalar cualquier colaboración con un talento, la pregunta debería ser: ¿qué dicen los datos sobre lo que la audiencia ya siente?

¿Es tu historia de marca legible sin necesidad de una nota de prensa? El escenario del metro para el desfile de Métiers d'Art no necesitó explicación. Las marcas que pueden construir ese tipo de coherencia narrativa en sus decisiones de casting y creativas generarán una cobertura que ningún presupuesto puede comprar.

Mandava ahora forma parte de la misma lista de embajadores que Margot Robbie y Timothée Chalamet, pero su camino hasta allí costó una fracción del de ellos y generó más conversación orgánica que ninguno de los dos. La industria del lujo ha pasado décadas pagando por la relevancia cultural, pero Chanel acaba de demostrar que, en lugar de comprarla, se puede ganar. Las marcas que lo entiendan primero tendrán una ventaja significativa sobre las que siguen extendiendo cheques.

Fuentes:
- Artículo de WWD 'Chanel nombra a Bhavitha Mandava embajadora de la Maison' por Joelle Diderich, 6 de marzo de 2026.
- Artículo de NextShark 'Una modelo descubierta en una estación de metro de Nueva York se convierte en la primera india en abrir un desfile de Chanel'. por Ryan General, 10 de diciembre de 2025.
- Artículo de The Free Press Journal 'La modelo desi Bhavitha Mandava protagoniza el último desfile de Alta Costura de Chanel como primera embajadora india de la Maison' por Aanchal Chaudhary, actualizado el 10 de marzo de 2026.
- Página de Wikipedia de Bhavitha Mandava, visitada en abril de 2026.
- Artículo de Hypebae 'Bhavitha Mandava es la nueva embajadora de Chanel' por Navi Ahluwalia, 7 de marzo de 2026.

Atelier Couture ha anunciado la celebración de su 16.ª edición los días 20 y 21 de octubre de 2026 en la Real Fábrica de Tapices de Madrid, consolidándose como una de las citas de referencia de la moda artesanal en España. El encuentro reafirma su compromiso con la puesta en valor de los oficios tradicionales y la producción artesanal dentro del sector de la moda nacional.

El evento se integrará, una vez más, en la Semana de la Moda de Madrid y reunirá a diseñadores procedentes de distintos puntos del país en torno a propuestas vinculadas a la costura, la alta artesanía y la creación contemporánea.

El programa combinará desfiles y espacios expositivos con colecciones de moda nupcial, de ceremonia e invitada, así como propuestas masculinas, todas ellas concebidas específicamente para esta edición. La sala Goya acogerá las presentaciones en formato pasarela, mientras que la sala Teniers estará dedicada a una muestra centrada en los procesos de creación, las técnicas artesanales y los materiales propios de la alta costura.

Las exportaciones de relojes suizos se han contraído un 1 por ciento en marzo, hasta los 2.100 millones de francos suizos (2.300 millones de euros), lastradas por el mercado estadounidense, según los datos publicados el martes por la Federación de la Industria Relojera Suiza (FH).

El mercado estadounidense, a la baja

En marzo, las exportaciones a Estados Unidos, el mayor mercado para los relojeros suizos, han disminuido un -1,6 por ciento en comparación con el mismo periodo del año anterior, según ha indicado la federación en un comunicado.

Por el contrario, los envíos de relojes a China han seguido consolidándose, registrando un aumento del +4,2 por ciento, así como a Hong Kong (+0,5 por ciento).

La sombra del conflicto en Oriente Medio

Por el momento, “el conflicto en Oriente Medio todavía no ha afectado a las exportaciones de relojes a los Emiratos Árabes Unidos”, el principal mercado de la región, ha detallado la FH, precisando que en marzo aumentaron un “+0,7 por ciento”. En cambio, las cifras se han desplomado en Arabia Saudí (-16,8 por ciento) y Catar (-24,8 por ciento).

Oriente Medio representa el 10 por ciento de las exportaciones de relojes suizos, según había indicado la semana pasada el presidente de la FH, Yves Bugmann, durante el salón de relojería de Ginebra. Según él, las tensiones regionales constituyen “un desafío adicional para la relojería”, que se suma a la incertidumbre sobre los aranceles estadounidenses y el consumo en China. “Todo dependerá del rumbo que tome este conflicto”, había insistido.

Marcadas diferencias en Europa

Las exportaciones de relojes no reflejan las ventas finales a los consumidores, sino los inventarios que acumulan los minoristas para sus tiendas. Las firmas más importantes —entre ellas Rolex, Patek Philippe, Audemars Piguet y Vacheron Constantin— han cerrado este lunes una semana de exposición en el salón Watches & Wonders.

En Europa, las tendencias son dispares: mientras que las exportaciones al Reino Unido han aumentado un +3,2 por ciento en marzo, han retrocedido un -8,5 por ciento en Alemania y un -16,8 por ciento en Italia.

En el caso de Francia, han registrado un espectacular aumento del +72,4 por ciento. Sin embargo, la Federación de la Industria Relojera Suiza matiza este resultado, precisando que “no refleja un crecimiento real del mercado, sino reexportaciones hacia otros destinos”.

Aunque el umbral pueda parecer una cuestión técnica, es muy revelador. Al caer por debajo de la barrera de los 490 euros este lunes 20 de abril de 2026, la acción de LVMH ha enviado una señal que los mercados están observando con especial atención: la de una transición hacia un crecimiento más moderado para el segmento del lujo a nivel mundial.

Con una cotización de 488,95 euros durante la sesión del 20 de abril, el título del número uno mundial del lujo ha cedido más de un 2 por ciento, en un mercado parisino que también tendía a la baja, con un CAC 40 que registraba un retroceso del -1,13 por ciento. Más allá de esta variación diaria, es la tendencia de fondo la que dibuja un nuevo panorama: en los últimos tres meses, la acción ha perdido un 16 por ciento. Este reposicionamiento sugiere el fin de un ciclo de expansión excepcional para dar paso a una fase de “normalización”, donde la resiliencia se convierte en el principal indicador.

Un retroceso sectorial global

Este movimiento no se limita a un simple ajuste del calendario bursátil. Se inscribe en una dinámica sectorial más amplia en la que todos los valores del lujo europeo —desde Hermès hasta Kering— están retrocediendo en un contexto de incertidumbre geopolítica y de mayor prudencia por parte de los inversores.

La preocupación por la ralentización de la demanda ya no es meramente teórica, sino que se está reflejando en los resultados operativos. En la presentación de sus últimos resultados, LVMH ha informado de un crecimiento moderado, marcado por un descenso orgánico del -3 por ciento en su división estrella, Moda y Marroquinería.

El lujo, termómetro del consumo discrecional

Si este umbral de los 490 euros actúa como barómetro, es porque el sector del lujo es un indicador avanzado de la salud de la economía mundial. Su sensibilidad es especialmente alta frente a cuatro variables que actualmente se encuentran bajo presión:

• Los flujos turísticos: La ralentización del turismo internacional, especialmente en Asia y Oriente Medio, está afectando a las ventas en los centros estratégicos (aeropuertos y grandes capitales).
• La geopolítica: Las tensiones internacionales alimentan una incertidumbre global, lo que reduce de forma automática el apetito por los gastos no esenciales.
• El mercado chino: China, motor histórico del sector, está experimentando una recuperación del consumo más lenta de lo previsto.
• El coste del capital: En un entorno de tipos de interés elevados, los inversores se decantan más por sectores menos cíclicos.

Un entorno estructuralmente más exigente

Desde el punto de vista técnico, el valor cotiza ahora por debajo de sus medias móviles de 50 días (500,57 euros) y 200 días (543,59 euros). Este desfase ilustra un reposicionamiento de las expectativas del mercado a largo plazo.

Este punto de inflexión en el sector del lujo coincide con una situación económica más general. Mientras que las exportaciones de relojes suizos cayeron un -1 por ciento en marzo de 2026, la economía real francesa muestra signos de agotamiento. En el primer trimestre de 2026, Francia ha registrado un récord de 18,986 quiebras de empresas (+6,4 por ciento), principalmente pymes y micropymes debilitadas por el alargamiento de los plazos de pago y el fin de las ayudas públicas.

El fin de un paréntesis

Más que un simple umbral bursátil, este nivel de 490 euros cristaliza la transición del lujo hacia un entorno más fragmentado. La señal enviada por LVMH ilustra, sobre todo, un cambio de ritmo: el de un sector que se está adaptando a un mercado que se ha vuelto más selectivo.

Lejos de ser una ruptura aislada, este retroceso sugiere una recalibración necesaria entre los éxitos del pasado y las exigencias de un nuevo ciclo económico. En este contexto, el crecimiento ya no depende del impulso natural del mercado, sino de una agilidad operativa renovada. Para el sector, el paréntesis de la expansión fluida parece cerrarse para dar paso a un ciclo de vigilancia estratégica.

Ante un mercado mundial cada vez más complejo, el grupo de François-Henri Pinault ha remodelado su gobernanza. Con la incorporación a su Consejo de Marie-Hélène Chenut (ex-Chanel) y Laurent Kleitman (Mandarin Oriental), Kering ha apostado por la experiencia en el sector y el ultralujo operativo.

El comunicado, publicado este 21 de abril de 2026, no se limita a confirmar un simple baile de sillas, sino que traza la hoja de ruta de un grupo decidido a reforzar su ejecución. En un momento en que el crecimiento del lujo tiende a la “normalización”, Kering ha puesto el foco en dos perfiles con trayectorias de alto valor estratégico.

Consolidar el deseo: la aportación de la “cultura Chanel”

El nombramiento de Marie-Hélène Chenut es, sin duda, una de las señales más potentes que se han enviado a los mercados en los últimos meses. Tras treinta y cinco años en Chanel, de los cuales una década al frente de la Alta Costura, aporta un profundo conocimiento del producto y de la imagen que constituye la esencia misma de la excepcionalidad francesa.

En una era en la que el lujo debe justificar sus precios con una deseabilidad impecable, su llegada al Consejo sugiere una voluntad de proteger y sublimar el patrimonio inmaterial de las firmas del grupo, con Gucci a la cabeza. Su dominio de las expectativas de una clientela internacional de vanguardia es un activo fundamental para desenvolverse en un sector que se ha vuelto más selectivo.

Laurent Kleitman: la convergencia del lujo y la hospitalidad

La otra vertiente de este refuerzo la encarna Laurent Kleitman. El actual director de Mandarin Oriental posee esa doble cultura, excepcional y muy cotizada, que vincula la experiencia del cliente con los imperativos de la rentabilidad. Su trayectoria al frente de Parfums Christian Dior y su experiencia en mercados emergentes (Rusia, Asia) le confieren una visión global de los flujos de consumo.

Este nombramiento subraya una realidad del sector: el lujo ya no solo se compra, se vive. La experiencia del cliente —ámbito de excelencia de la hostelería de prestigio— se convierte en el nuevo campo de diferenciación frente a una competencia cada vez más intensa.

El relevo de Jean-Pierre Denis

Esta renovación marca también el fin de una era. Jean-Pierre Denis, pilar del Consejo desde 2008, se prepara para ceder el testigo tras dieciocho años de servicio. Figura de confianza de la familia Pinault, expresidente del Comité de Auditoría y pionero en los desafíos climáticos, ha acompañado la profunda transformación de Kering, que ha pasado de ser un conglomerado de distribución a un pure-player del lujo mundial. Su marcha cierra un capítulo histórico para abrir otro más técnico y operativo.

Una gobernanza con estándares internacionales

Si la Junta General del 28 de mayo valida estas propuestas, el Consejo de Administración quedará reducido a 13 miembros. Este equipo reducido presenta unos indicadores de transparencia y equilibrio acordes con las máximas exigencias del mercado:

• Independencia: una tasa del 64 por ciento para garantizar la neutralidad en la toma de decisiones.

• Paridad: una proporción del 45 por ciento de mujeres, consolidando la diversidad en la cúpula.

• Internacionalización: cinco nacionalidades para dirigir una cifra de negocio que, en 2025 (14.700 millones de euros), se ha generado en todos los continentes.

La hora de la ejecución

Kering ya no busca solo administradores, sino expertos sobre el terreno capaces de respaldar una estrategia de consolidación. Entre la alta tecnicidad de los talleres de costura y la excelencia de la hostelería de lujo, el grupo se dota de una brújula operativa de primer nivel. En un ciclo económico en el que la expansión “fácil” ha terminado, Kering se propone recuperar la ventaja en el terreno de la imagen y la experiencia.

La marca británica de calzado Clarks ha anunciado su vuelta a los números negros en el ejercicio fiscal finalizado el 31 de diciembre de 2025. La empresa, con sede en Somerset, ha alcanzado un beneficio operativo de 66,30 millones de libras (89,55 millones de dólares), una recuperación significativa frente a la pérdida de 18,10 millones de libras registrada durante el año anterior.

El grupo ha atribuido este resultado a un enfoque riguroso en la optimización de los procesos clave y en la reducción de los costes estructurales. Aunque la facturación oficial disminuyó un -3,33 por ciento hasta los 871,50 millones de libras, la empresa logró mejorar su beneficio antes de impuestos hasta los 44,80 millones de libras. Esto supone una mejora de 84 millones de libras con respecto a la pérdida del año anterior.

Cambios en la dirección y reestructuración

Un momento clave del año fue el nombramiento de Victor Herrero como director ejecutivo (CEO) interino en junio de 2025. Bajo su dirección, la marca se centró en estabilizar la organización mediante un control de costes disciplinado y un mayor enfoque en la relevancia del producto.

Clarks ha llevado a cabo una importante reestructuración, que ha incluido el cierre de su centro de distribución en Venlo (Países Bajos) para mejorar la eficiencia de su red. La compañía también ha optimizado su plantilla y ha implementado una nueva plataforma digital global de recursos humanos, Dayforce, para gestionar la incorporación de personal y las nóminas en todas las regiones.

Expansión estratégica e innovación de producto

A pesar de las condiciones desfavorables del mercado mundial, como los elevados aranceles en Estados Unidos y el aumento de la inflación salarial, Clarks ha registrado resultados de ventas positivos en sus canales de venta directa al consumidor (D2C). El comercio electrónico en el Reino Unido y la República de Irlanda (ROI) y las tiendas outlet en América se destacaron por sus buenos resultados.

La marca ha seguido orientándose hacia la tendencia mundial del athleisure, lanzando tres nuevas franquicias: Clarks Pace, Solevana y Clarks Code. La submarca de lifestyle de la compañía, Cloudsteppers, ha abierto sus primeras tiendas propias en Estados Unidos y Malasia, y tiene prevista una mayor expansión para 2026.

La región de Asia-Pacífico (APAC) ha demostrado ser un mercado de gran crecimiento, con un aumento de las ventas de dos dígitos y precios de venta medios más altos en comparación con las regiones occidentales. La empresa también ha vuelto a entrar en el mercado indio durante el tercer trimestre del ejercicio fiscal (Q3 FY25) para captar una mayor cuota de mercado.

En el Reino Unido, donde la marca ha celebrado su 200 aniversario, la vuelta a la publicidad en televisión en horario de máxima audiencia ha contribuido a impulsar un aumento de la cuota de mercado durante la segunda mitad del año. Sin embargo, el canal mayorista ha seguido presentando desafíos en los mercados del Reino Unido y EMEA, ya que los socios han gestionado el inventario con cautela ante la débil demanda del sector minorista.

Posición financiera y perspectivas de futuro

Clarks ha cerrado el año con una posición de tesorería positiva de 48,40 millones de libras y sin préstamos bancarios. La posición financiera del grupo se ha visto reforzada por la reclasificación de cien millones de libras en acciones preferentes de pasivos financieros a patrimonio neto en diciembre de 2025.

De cara a 2026, la estrategia sigue centrada en impulsar un crecimiento sostenible y rentable. Las prioridades clave incluyen la ampliación de las gamas de productos que no son calzado, la entrada en nuevos mercados y la identificación de nuevas eficiencias operativas.

Barcelona ha vuelto a defender su posición como uno de los hub del diseño independiente más interesantes. La edición número 37 de la 080 Barcelona Fashion, celebrada entre el 14 y el 17 de abril, ha transformado una vez más a la Ciudad Condal en un espacio de convergencia entre la creatividad, la moda y la pluralidad de identidades que la definen.

El traslado del evento desde su tradicional Recinto Modernista de Sant Pau al Port Vell ha reorientado su imaginario hacia el Mediterráneo, reforzando su vínculo con el frente marítimo. Un mar que atraviesa la estética de la ciudad y que, de forma más o menos consciente, sigue funcionando como una fuente constante de inspiración para sus creadores.

En ese contexto, se percibe una moda marcada por la ligereza de las prendas, los tonos neutros y un estilo relajado condicionado por el clima, pero también por una fuerte presencia de la moda internacional y del diseño contemporáneo. Conviven así propuestas de carácter más experimental con otras de corte claramente cosmopolita, en un diálogo continuo entre lo local y lo global.

Esa variedad es precisamente la que se ha visto sobre la pasarela, donde la ropa se convierte en un vehículo de expresión de la apertura global de la ciudad, en la que resulta cada vez más difícil identificar tendencias únicas o repetidas, dada la creciente individualidad de las propuestas.

Desde el momento viral en el que la socialité Carmen Lomana y la rapera Metrika desfilaron juntas durante la presentación de Dominnico, hasta el “orgullo migrante” reivindicado por el diseñador mexicano Ricardo Seco en un contexto de debate social y migratorio, la pasarela ha funcionado también como un espacio de discurso. Un relato que se amplifica con propuestas como la de la diseñadora palestina Sylwia Nazzal, fundadora de Nazzal Studio, que introduce una lectura atravesada por las tensiones geopolíticas que afectan a Oriente Medio.

Detrás de esta consolidación internacional está el trabajo institucional de la Generalitat de Catalunya, a través del CCAM, con el apoyo del Ajuntament de Barcelona. Su apuesta por la internacionalización —especialmente mediante un programa estratégico de invitaciones a prensa global— ha reforzado la presencia de la pasarela en el circuito internacional, situando a Barcelona en el radar de la moda global no solo como escaparate, sino como un nodo creativo con identidad propia.

Un color: el verde lima

El verde lima ácido se consolida como el acento disruptivo de la temporada de invierno, rompiendo la hegemonía de los neutros con una energía vibrante, casi eléctrica.

En la pasarela barcelonesa, su lectura evoluciona desde el minimalismo cromático de Adolfo Domínguez, que lo incorpora en looks monocromáticos de punto o como acento puntual para suavizar su intensidad, hasta las propuestas más futuristas y agresivas de Dominnico, donde se combina con texturas de piel de cocodrilo y detalles metálicos. En el caso de XVStrange, la tendencia adopta un registro más depurado.

Un accesorio: el cinturón

Habitualmente ceñido a la cintura natural para marcar la silueta, en la 080 Barcelona Fashion el cinturón abandona su uso convencional y pasa a integrarse como un elemento de tensión arquitectónica dentro del look.

En las propuestas de Doblas, se observa cómo múltiples cinturones se desplazan hacia el pecho o caen de forma irregular sobre las caderas, fragmentando la prenda y generando nuevas líneas de fuerza en la construcción de la silueta.

Por su parte, Habey Club lo reinterpreta desde una lógica más relajada, colocándolo a baja altura y casi de forma despreocupada, como recurso que acentúa siluetas oversize o faldas globo. En el caso de Adolfo Domínguez, el cinturón se mantiene como un gesto de control, preservando la elegancia de la sastrería tradicional dentro de un contexto de lujo cotidiano y relajado.

Un recurso: el nudo

El nudo actúa como un punto de anclaje que genera caídas asimétricas y drapeados más dramáticos, desplegándose en forma de lazo sobre faldas satinadas o como pañuelo para crear nuevas líneas de fuerza hacer el look más interesante.

Por su parte, Habey Club opta por ceñir vestidos vestidos sin alterar su fluidez. En el caso de Moonsieur, el nudo se reinterpreta como un lazo de tejido en contraste que se cruza sobre la cintura, funcionando como gesto visual y punto focal dentro de la composición de la prenda.

Una silueta: el peplum

La cintura ya no solo se marca, sino que se proyecta hacia fuera con volúmenes exagerados, valiéndose de la silueta peplum que ha regresado con fuerza a las pasarelas de Otoño/Invierno 2026, reflejando el interés actual de la moda por el volumen controlado en las caderas.

En su versión más arquitectónica, Justicia lleva esta idea al extremo optando por una estructura acolchada.

Esta evolución se manifiesta también en versiones más etéreas como la de Rubearth, donde el peplum se descompone en capas de volantes suspendidos, o en la sobriedad técnica de Boulard y Doblas, demostrando que la tendencia ha mutado hacia una herramienta de diseño capaz de esculpir el cuerpo jugando con las proporciones.

Un ornamento: las plumas

Las plumas se consolidan esta temporada como el ornamento definitivo, transformando prendas sencillas en piezas con movimiento.

Mientras algunos diseñadores las incorporaron de manera localizada para añadir una textura inesperada, como en faldas midi de silueta lápiz o como contrapunto a la sastrería más estructurada, otros optaron por el "all-over", convirtiendo vestidos y abrigos en verdaderas esculturas táctiles.

Un detalle romántico: los lacitos

La versatilidad de este elemento quedó patente en las distintas propuestas. Mientras algunos diseñadores incorporaron lazos de manera minimalista para añadir un toque de dulzura, como un pequeño adorno en el cuello de un vestido rosa de mangas abullonadas o como un detalle metálico en un top de encaje blanco, otros optaron por la exuberancia.

Vimos lazos de satén azul adornando el frente de un top de punto acanalado, y una serie de lazos de terciopelo negro creando un intrincado patrón geométrico sobre un vestido de tul negro con volantes rosas. Incluso en accesorios, como unos Mary Janes negros combinados con medias de lunares, el lacito se reafirmó como el adorno definitivo.

Un toque underground

Aportando su toque underground, Reparto Studio ha presentado una colección que recupera códigos del pasado, como los pines de bandas, para recontextualizarlos dentro de su propia narrativa estética que se basa en el sueño como eje conceptual desde su dimensión nocturna y su proyección en el futuro.

La colección toma siluetas de finales del siglo XIX y principios del XX y la cultura underground de finales del siglo XX. Las técnicas como el upcycling, la repetición de objetos y el moulage enfatizan la dimensión experimental de las prendas.

Un animal: la jirafa

El estampado de jirafa emerge esta temporada de la mano de Coconutscankill como una alternativa al tradicional animal print, un diseño poco explotado con mucho potencial, que en esta ocasión han decidido explorar en una muy acertada combinación con lunares rojos.

Un material: la cerámica

Aunque desde un punto de vista funcional la cerámica se sitúa casi como un “anti-accesorio”, SKFK apuesta por piezas de barro cocido y esmaltado que desplazan su uso hacia lo ornamental, invitando a detener la mirada en cierres y botones de gran formato que funcionan como pequeños objetos escultóricos dentro de la prenda. Estas han sido realizadas por Proyecto Hemen.

La Campaña Ropa Limpia (CRL), ha iniciado un proceso judicial contra Levi Strauss & Co. Según la organización, la marca de vaqueros ha engañado a los consumidores con declaraciones sobre las condiciones laborales en su cadena de producción, según se desprende del comunicado de prensa. Cuatro consumidores actúan como codemandantes en el caso.

El motivo, según CRL, son los abusos en una fábrica de Turquía que produce en exclusiva para Levi's. Allí, en 2023, los trabajadores que participaron en protestas sindicales se habrían enfrentado a la intervención de las autoridades locales y habrían sido despedidos. Desde entonces, un grupo de trabajadores ha estado pidiendo una compensación.

CRL afirma que Levi's, en su comunicación con los consumidores, ha hecho referencia a una producción responsable y al respeto de los derechos laborales, incluida la libertad sindical. La organización se remite a las conclusiones del Worker Rights Consortium y al código de conducta de la marca.

El caso cuenta con el apoyo de la Stichting Onderzoek Multinationale Ondernemingen (SOMO), centro de investigación independiente y sin ánimo de lucro con sede en los Países Bajos, que ha aportado la investigación. Aún no se ha fijado una fecha para la primera audiencia.

Nos hemos puesto en contacto con Levi's para obtener su versión de los hechos; este artículo podría ser actualizado más adelante.

The Fabricant ha lanzado Design Forward 26, un concurso mundial abierto que invita a estudiantes y recién graduados de moda a crear una colección completamente nativa de IA, ofreciendo acceso gratuito a la plataforma a todos los participantes.

El plazo de inscripción está abierto hasta el 29 de abril de 2026.

El concurso se basa en una premisa clara: el acceso a herramientas profesionales no debería determinar quién puede mostrar su trabajo. Cada participante que cumpla los requisitos y presente una carta de motivación recibirá dos semanas de acceso gratuito a la plataforma de The Fabricant, una asignación inicial de créditos, una sesión de iniciación en grupo y una guía de flujo de trabajo adaptada para estudiantes de moda.

Los participantes tienen hasta el 29 de abril para presentar una colección de tres looks generados con IA, tres imágenes de detalle y una declaración de diseñador de 200 palabras, todo ello creado exclusivamente con la plataforma de The Fabricant.

Igualar las condiciones

La IA ya no es una consideración a futuro para la moda. Las grandes marcas ya están integrando la IA en sus flujos de trabajo de diseño, muestreo y desarrollo de producto. Se esperará que los diseñadores que se incorporan hoy a la industria trabajen con estas herramientas desde el primer día, sin embargo, el acceso a ellas sigue estando distribuido de forma desigual. Los estudiantes de instituciones con más recursos o de las principales capitales de la moda tienen oportunidades que otros no tienen.

Design Forward 26 aborda esta cuestión directamente. Al ofrecer a cada participante validado acceso gratuito a la plataforma, el concurso elimina la barrera económica y pone las mismas herramientas a disposición de todos los participantes, independientemente de su institución, ubicación geográfica u origen. El requisito de entrada es una carta de motivación de 200 palabras. La única pregunta que se plantea es: ¿qué quieres crear?

La industria avanza rápidamente. Los estudiantes que se gradúan sin experiencia práctica con herramientas de diseño de IA parten con desventaja antes incluso de haber empezado. Design Forward 26 está diseñado para cerrar esa brecha.

"La industria de la moda ya está siendo transformada por la IA, y los diseñadores que definirán su futuro están estudiando ahora mismo. Merecen tener acceso a las herramientas que serán fundamentales en sus carreras mientras todavía están desarrollando su propia voz. Design Forward existe para hacerlo posible."

— Kerry Murphy, cofundador y CEO de The Fabricant

La IA y el conocimiento del oficio

Uno de los aspectos más importantes de Design Forward 26 es lo que pide a los diseñadores que no abandonen. Las herramientas de IA pueden generar una amplia gama de resultados visuales, pero la moda es, en esencia, una práctica física. Una prenda debe ser cortada, confeccionada y llevada. El conocimiento sobre cómo se comporta un tejido, cómo se sujeta una costura o cómo se construye una silueta no desaparece porque una herramienta pueda representarlo en segundos.

Por eso, la viabilidad de producción es el criterio con más peso en el concurso. Los miembros del jurado evaluarán si cada look presentado podría confeccionarse de forma realista. Las colecciones que sean visualmente atractivas pero estructuralmente imposibles recibirán una puntuación más baja. La intención es clara: la IA debe liberar el proceso creativo, no sustituir la comprensión del diseñador sobre lo que es factible. La industria necesita diseñadores que puedan utilizar estas herramientas para explorar ideas de forma más rápida y libre, sin perder de vista la realidad de la confección. Las colecciones que destacarán —tanto en el concurso como en una carrera profesional— serán aquellas que aúnen una visión creativa con un producto factible.

Quién puede participar

Design Forward 26 está abierto a estudiantes matriculados actualmente en cualquier programa de moda, diseño, textil o tecnología creativa, y a graduados que hayan finalizado sus estudios a partir de 2021. No se requiere presentar un porfolio para inscribirse, solo una breve descripción por escrito del concepto de la colección.

El jurado

• Kerry Murphy — cofundador y CEO de The Fabricant
• Carsten Meijer — SVP de Vice Media
• Alex Høgh Nielsen — Medios Digitales y Marketing de BESTSELLER TECH
• Katrin Ley — directora general de Fashion for Good
• Nicolas Griffioen — consultor de IA
• Gloria Maria — Red-Eye y NABA
• Brigitte Stepputtis — Vivienne Westwood
• Lennard Minderhoud — CEO de FashionUnited

Premios

El ganador recibirá seis meses de acceso gratuito a la plataforma y una entrevista destacada en Digital Weave, el videocast de The Fabricant. Los diez finalistas recibirán 150 créditos para la plataforma cada uno.

Los ganadores se anunciarán el 15 de mayo de 2026.

Cómo participar

Las inscripciones están abiertas en thefabricant.com/designforward26. La fecha límite es el 29 de abril de 2026.

Por cuarto año consecutivo, Lacoste regresa como patrocinador oficial del Mutua Madrid Open, consolidando su presencia en uno de los escenarios clave del tenis internacional.

Más allá de la competición, la marca propone una lectura distinta del torneo - una idea cultural que atraviesa generaciones y se integra de forma natural en la cultura contemporánea. Desde esta mirada, Lacoste despliega una presencia que va más allá de la pista, activando una serie de experiencias donde deporte, estilo y comunidad conviven de forma orgánica.

Team Lacoste

El Mutua Madrid Open vuelve a ser el punto de encuentro del Team Lacoste. Sobre la tierra batida, algunos de los jugadores más importantes del circuito representan la identidad de la marca, donde rendimiento y estilo forman parte del mismo lenguaje.

El torneo reunirá a Alexander Blockx, Arthur Fils, Daniil Medvedev, Eva Lys, Grigor Dimitrov, Ugo Humbert, entre otros embajadores de Lacoste.

Más allá de la competición, todos ellos encarnan una forma de entender el tenis basada en la precisión, la elegancia y la atención al detalle, que se refleja en equipaciones diseñadas para acompañar el movimiento sin renunciar al estilo.

Colección co-branded #MMOPEN 2026

Inspirada en los elementos más reconocibles del tenis, Lacoste presenta una colección cápsula exclusiva para el Mutua Madrid Open.

La gráfica de la red - reinterpretada en clave contemporánea - se convierte en el hilo conductor de la colección, generando un patrón visual que recorre las prendas y aporta dinamismo y textura. Este lenguaje gráfico se combina con una paleta que equilibra distintos tonos de azul con blanco y acentos en terracota, en referencia directa a la tierra batida del torneo.

La colección, desarrollada para hombre, mujer y niño, incluye desde piezas técnicas hasta propuestas de uso diario, pensadas para moverse con naturalidad entre la pista y la ciudad. Parte de esta propuesta técnica estará también presente en pista a través de los uniformes de los recogepelotas del torneo.

Una experiencia dentro de la Caja Mágica

Dentro de la Caja Mágica, las tiendas Lacoste se convierten en puntos clave del recorrido del torneo, donde conviven las equipaciones de los jugadores con la colección co-branded. A esta propuesta se suma una selección de goodies exclusivos, diseñados específicamente para esta edición. En línea con el auge del merch en el deporte, estas piezas funcionan como recuerdo del torneo, integrándose de forma natural en el universo Lacoste.

Las tiendas ofrecen también una selección de piezas icónicas de la marca, desde el polo Lacoste hasta una cuidada edición de must-haves de la colección SS26.

La experiencia se completa con elementos de personalización y piezas exclusivas, desde parches rediseñados para esta edición hasta una selección de objetos pensados como recuerdo del torneo.

En paralelo, el Sky Lounge, ubicado en la parte más alta del recinto, se convierte durante las dos semanas en el punto de encuentro de invitados, amigos de la marca y amantes del tenis. A este entorno se suma el Espacio Lenglen, dedicado al bolso Lenglen, un bolso ya icónico que representa el universo fashion sport de la marca.

Como parte de esta activación, Lacoste organiza además dos sesiones de Tennis Clinic junto a Pablo Andújar, una dirigida a clientes y otra a perfiles invitados, generando experiencias más íntimas que permiten conectar con el tenis desde dentro.

Madrid: más allá de la pista

Fuera del recinto, Lacoste traslada el espíritu del Mutua Madrid Open a la ciudad. Las tiendas de Gran Vía, Serrano y la Terminal 4 del Aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas incorporan activaciones específicas que amplían la experiencia más allá de la pista. En Gran Vía, una máquina de gancho ofrece la posibilidad de obtener desde piezas firmadas por el team Lacoste.

En paralelo, El Corte Inglés de Castellana acoge un Pop-Up Sport dedicado a la colección, acercando el universo del torneo a nuevos públicos en un contexto más amplio.

Club Lacoste Madrid: El aftermatch

La propuesta culmina en Club Lacoste Madrid, una celebración concebida como extensión natural del torneo.

En Madrid, el partido no termina en la pista. Evoluciona hacia algo más social, más instintivo, más ligado a la energía de la ciudad. Club Lacoste Madrid nace de ese momento: el aftermatch. El espacio elegido, SixtyOne, forma parte de la escena madrileña actual, con una estética cuidada, energía nocturna y una combinación natural entre gastronomía, música y personas, dando forma a un entorno donde el tenis se traslada a lo social y refleja la dualidad de la marca: elegancia y espontaneidad, herencia y contemporaneidad.

Más que un evento, Club Lacoste Madrid se consolida como un punto de encuentro donde el tenis se vive desde otro lugar - a través de las personas, la música y la ciudad.

El grupo diversificado británico Associated British Foods (ABF) ha anunciado un plan definitivo para escindir su negocio minorista, Primark, de sus operaciones alimentarias. La decisión se ha tomado tras una exhaustiva revisión estratégica iniciada en noviembre de 2025 y está previsto que se complete antes de que finalice el año 2027. La escisión cuenta con el respaldo del principal accionista de ABF, Wittington Investments, que tiene intención de mantener la participación mayoritaria en ambas entidades.

El consejo de administración considera que la separación permitirá que ambos negocios sean supervisados por consejos directamente alineados con las dinámicas específicas de sus respectivos sectores y sus prioridades estratégicas. Michael McLintock, presidente de ABF, ha declarado que esta operación es la mejor manera de maximizar la rentabilidad a largo plazo para los accionistas, ya que refleja la envergadura actual de Primark y ofrece una propuesta de inversión más clara para el negocio alimentario.

Una vez completada la operación, George Weston ejercerá como consejero delegado de FoodCo, que conservará la denominación Associated British Foods plc, mientras que Eoin Tonge ha sido nombrado consejero delegado de Primark.

ABF anuncia la escisión de Primark junto con los resultados semestrales

El anuncio ha coincidido con la publicación de los resultados del primer semestre, correspondientes a las 24 semanas finalizadas el 28 de febrero de 2026, que han reflejado un periodo complicado para el grupo. Los ingresos del segmento minorista han crecido un +2 por ciento, hasta alcanzar los 4,700 millones de libras (6,350 millones de dólares), aunque el beneficio operativo ajustado ha caído un -14 por ciento a tipo de cambio constante, situándose en 471 millones de libras. El margen operativo ajustado de Primark ha descendido al 10,1 por ciento desde el 12,1 por ciento del ejercicio anterior, debido a la gestión de mayores rebajas y al incremento de la inversión en iniciativas digitales y tecnológicas. Las ventas comparables (like-for-like) han registrado un descenso del -2,7 por ciento a nivel global durante el periodo.

En el Reino Unido, Primark ha demostrado resiliencia en un mercado difícil, logrando un crecimiento de ventas comparables del +1,3 por ciento y aumentando su cuota de mercado hasta el 7 por ciento. Este rendimiento se ha atribuido a una propuesta de valor renovada para el cliente, que incluye la iniciativa "Major Finds" y la expansión del servicio de click and collect a todo el país. Por el contrario, la actividad comercial en Europa continental se ha mantenido débil, con un descenso de las ventas comparables del -5,6 por ciento, afectada por la baja confianza del consumidor y un entorno minorista complicado, especialmente en Alemania. El mercado estadounidense ha seguido siendo un motor de crecimiento, con un aumento de las ventas del +12 por ciento tras la apertura de cinco nuevas tiendas.

A nivel de grupo, los ingresos han disminuido un -2 por ciento a tipo de cambio constante, hasta los 9,500 millones de libras. El beneficio operativo ajustado ha caído un -18 por ciento, situándose en 691 millones de libras, debido principalmente a las importantes pérdidas en el segmento azucarero y al descenso previsto de los márgenes en el negocio minorista. El beneficio por acción ajustado ha retrocedido un -15,4 por ciento, hasta los 70,7 peniques.

Perspectivas e impacto del conflicto en Oriente Medio

De cara a la temporada Primavera/Verano 2026 (SS26), la dirección ha informado de un comienzo alentador en marzo, aunque la actividad comercial se ha debilitado en abril a medida que el impacto del conflicto en Oriente Medio ha comenzado a afectar a los consumidores. El grupo mantiene su objetivo de crecimiento orgánico del +4 al +5 por ciento anual mediante la apertura de nuevas tiendas en el futuro próximo. Para el ejercicio completo, ABF mantiene sus previsiones para Primark, con un margen de beneficio operativo ajustado esperado de aproximadamente el 10 por ciento.

El grupo está gestionando actualmente los efectos del conflicto en Oriente Medio, que ha provocado volatilidad en los precios de la energía y el transporte marítimo. Aunque Weston ha señalado que las consecuencias en costes para 2026 serán asumibles, persiste el riesgo de que las ventas de Primark se vean afectadas si el gasto de los consumidores continúa deteriorándose.

Sebago ha cumplido 80 años, de los cuales casi 10 han transcurrido en la cartera de marcas del grupo turinés BasicNet. De hecho, fue en el verano de 2017 cuando la empresa, que hoy controla, entre otras, Robe di Kappa, K-Way, Superga, Sundek y Woolrich, adquirió la marca Sebago al grupo estadounidense Wolverine World Wide.

Hace 80 años, Daniel J. Wellehan fundó su propia marca junto a sus amigos y socios Joe y Will, unidos por una visión compartida: transformar el profundo vínculo con su tierra en productos auténticos y atemporales. Así comenzó la producción de mocasines clásicos, que fueron inmediatamente apreciados por la calidad de su manufactura.

Para celebrar su 80 aniversario, la empresa ha puesto en marcha una serie de iniciativas, como un tour en barco que estos días hace escala en Milán durante el Salone del Mobile, y ha inaugurado una tienda en Florencia, en la Via della Vigna Nuova. Con esta apertura, la marca continúa su expansión: actualmente está presente en Italia con nueve tiendas monomarca y un total de 23 puntos de venta en toda Europa.

En este escenario, Europa se perfila como un área estratégica, caracterizada por una presencia capilar y una red de tiendas monomarca que, partiendo de Italia, se extiende hoy a los principales mercados europeos.

Es precisamente en este contexto de desarrollo y continuidad donde toma forma el tour en barco de Sebago, un proyecto que lleva la marca a varias ciudades europeas de una manera innovadora. El protagonista de la iniciativa es un barco con la forma del náutico Docksides, el modelo fundacional que sentó las bases de la identidad de la marca y marcó su inicio. Icono atemporal de la vida en el muelle y de un estilo de vida relajado pero elegante, el Docksides se reinventa transformándose en una embarcación que navegará por las principales vías fluviales europeas haciendo "escala" en Florencia, Ámsterdam, Londres y París, en momentos clave del calendario cultural de cada ciudad que coincidirá con activaciones "a cada paso".

Entre otras iniciativas, se encuentra la colección cápsula “Made in Usa”, un proyecto especial que se presenta como una declaración de identidad.

La protagonista vuelve a ser la Docksides, propuesta para hombre en dos colores y confeccionada en piel de plena flor. Esta versión se fabrica íntegramente en Estados Unidos, convirtiendo este icono en un homenaje a los orígenes de la marca, a su visión y a la excelencia artesanal que la ha definido durante 80 años como símbolo de calidad y durabilidad.

Junto al calzado, la colección cápsula se completa con una selección de accesorios de piel, como posavasos, una funda para agenda, un llavero y un vaciabolsillos, también fabricados en piel en Estados Unidos siguiendo procesos artesanales tradicionales.

La línea “Made in Usa” se ofrecerá en edición limitada online y en una selección de tiendas monomarca de Italia, Francia y España. Los accesorios también estarán disponibles en exclusiva en la tienda de Londres.

La empresa también ha desarrollado el Sebago YearBook, un proyecto editorial diseñado para contar y preservar la cultura de la marca, ofreciendo una herramienta narrativa para recorrer los 80 años de historia de la firma.

Un relato visual y textual que transporta a la auténtica atmósfera de Maine, entre historias ligadas a las tradiciones locales y evocadoras descripciones de los lugares icónicos que han contribuido a forjar la identidad de la marca. A través de imágenes, testimonios y narraciones, el YearBook se consolida como un archivo vivo, capaz de transmitir los valores, la visión y el espíritu de la firma.

Ahora en su tercer volumen, el proyecto se consolida como un objeto de coleccionista.

La artista y diseñadora finlandesa Vuokko Nurmesniemi, conocida por haber creado varios estampados emblemáticos que se convirtieron en clásicos de la marca Marimekko, ha fallecido a los 96 años, según anunció su sobrina a la AFP ayer lunes.

La arquitecta de la renovación textil

Se unió a esta empresa de moda, textiles y decoración de interiores en 1953 y estuvo al frente de la dirección artística de la casa junto a Maija Isola. Su huella conjunta definió el ADN de la marca: motivos sencillos y coloridos, que realzaban grandes flores o rayas gráficas.

Vuokko Nurmesniemi permaneció seis años en la casa antes de fundar, en 1960, su propia marca homónima, “Vuokko”, donde ejerció su talento durante seis décadas. Para Marimekko, diseñó la célebre camisa de rayas unisex “Jokapoika”, confeccionada con el tejido Piccolo, un modelo icónico que sigue comercializándose hoy en día.

Ha fallecido el domingo en la residencia de ancianos de Helsinki donde vivía, según ha precisado a la AFP su sobrina Mere Eskolin. “Era una persona realmente extraordinaria y nunca hizo concesiones en su trabajo. Siempre siguió su propio camino sin preocuparse por las tendencias, siendo los colores y los estampados su máxima prioridad”, relata.

La emancipación a través del corte y el color

Las prendas de Marimekko, y en particular sus vestidos amplios de corte trapecio, marcaron una ruptura histórica con las siluetas encorsetadas y sobrias de la posguerra. Este estilo liberado sedujo incluso a Jacqueline Kennedy-Onassis, que lo convirtió en una de sus señas de identidad.

“Estaba embarazada, así que era muy agradable llevar ese tipo de vestido. Pero no era algo habitual en la época”, explica la sobrina de la artista en referencia a la campaña presidencial estadounidense de 1960.

Tras la Segunda Guerra Mundial, el diseño finlandés salió de la monotonía gracias a su impulso. “Todo era muy apagado, gris y negro, y entonces Marimekko y Vuokko trajeron el color (...). Fue una revolución visual”, recuerda Mere Eskolin.

Un legado sin concesiones

El legado artístico de Vuokko Nurmesniemi es considerado “inmenso” por sus coetáneos. “Sé que es una responsabilidad enorme y que debo cuidarlo mucho”, subraya Mere Eskolin, que trabajó como asistente de la diseñadora durante veintisiete años.

De su tía, dice haber aprendido “muchísimo sobre la vida, la honestidad y la confianza en uno mismo”, quedándose sobre todo con un principio que guio la vida de la diseñadora: “Seguir siempre el propio camino y el corazón”.

El grupo belga de lencería Van de Velde ha fichado a un nuevo consejero delegado. Marc Dambremez llega a Van de Velde procedente del especialista en denim Levi Strauss & Co. Es el sexto CEO en diez años. FashionUnited analiza los cambios en la cúpula directiva de los últimos diez años.

La estrategia para cubrir los altos cargos ha sido errática en la última década. Mientras que los ascensos internos solían traer estabilidad y crecimiento, los fichajes externos a la industria de la lencería no han garantizado el éxito a largo plazo.

De 2004 a 2016 - Ignace Doorselaere: El fin de una era que termina en disputa

Tras años de estabilidad en la cúpula, Ignace van Doorselaere dejó su cargo en febrero de 2016. En ese momento, llevaba 12 años como CEO de la empresa belga, que registraba una facturación consolidada de 209 millones de euros. El motivo de su marcha no se detalló en el comunicado oficial. Más tarde se supo que había surgido una disputa entre Van Doorselaere y el presidente Herman van de Velde, que se hizo pública cuando Van Doorselaere publicó un artículo de opinión en el periódico belga De Tijd.

De 2016 a 2018 - Erwin van Laethem: Inversiones en la transformación digital

A los pocos meses se encontró un nuevo CEO: Erwin van Laethem fue el elegido. Van Laethem no tenía experiencia en la industria de la lencería, algo que tampoco tenía el directivo saliente, Van Doorselaere. Anteriormente, Van Laethem había trabajado en la empresa energética Essent y en la petrolera Shell.

Durante su etapa en Van de Velde, la facturación se mantuvo relativamente estable, pero los beneficios disminuyeron. Esto se atribuyó principalmente a las inversiones destinadas al crecimiento futuro. Así, se actualizaron las infraestructuras de TIC y e-commerce.

De 2018 a 2022 - Marleen Vaesen: Navegando en tiempos de incertidumbre

Sin embargo, Van Laethem no duró mucho. Después de dos años y medio, en 2018, cedió el puesto a Marleen Vaesen. A Van Laethem se le agradeció su contribución a la digitalización de la empresa y la mejora de los procesos. “El cambio anunciado es un paso más para situar la experiencia y a nuestros clientes en el centro de nuestra empresa”.

Vaesen formaba parte del consejo de administración de Van de Velde desde 2012, por lo que no era una desconocida. Debido a su trayectoria en la dirección, su nombramiento fue considerado una “buena elección”. Dejó el cargo en 2022, después de cuatro años.

Durante su mandato al frente del especialista belga en lencería, tuvo que hacer frente a muchos desafíos. Cuando asumió el cargo de CEO, tanto la facturación como el ebitda estaban disminuyendo, había malestar entre los socios de retail y poco después comenzó la pandemia. Al inicio de su etapa, la facturación del grupo era de 205,6 millones de euros; en 2020, cayó considerablemente hasta los 152,3 millones de euros, pero en el momento de su salida logró recuperarla hasta los 195,3 millones de euros.

2022 - Peter Corijn: Un desencuentro

Con la marcha de Marleen Vaesen en mayo de 2022, Peter Corijn asumió la dirección de Van de Velde. Anteriormente, había trabajado más de 25 años en Procter & Gamble. “Convertirme en CEO de Van de Velde es el trabajo de mis sueños”, declaró Corijn en el comunicado de prensa de entonces. Sin embargo, su mandato fue breve. Su salida se anunció en noviembre de ese mismo año. “Peter y el Consejo de Administración han llegado a la conclusión conjunta de que las expectativas de Peter no se corresponden con las expectativas y deseos internos de Van de Velde. Por lo tanto, se ha decidido aclarar rápidamente la situación dentro de la empresa”, comunicó Herman van de Velde en aquel momento.

De 2022 a 2026 - Karel Verlinde: El director financiero que logró un pico de facturación

Karel Verlinde fue nombrado para el cargo en noviembre de 2022. En ese momento era el director financiero (CFO) de la empresa y asumió el puesto de CEO. Ya había trabajado estrechamente con la ex-CEO Marleen Vaesen, y se le atribuye haber guiado con éxito a la empresa junto a ella en tiempos difíciles. Bajo su dirección, la facturación alcanzó su nivel más alto en más de diez años, llegando a los 211,4 millones de euros en el ejercicio de 2022. Tras este pico, la facturación descendió ligeramente hasta los 202,4 millones de euros en el ejercicio de 2025.

Agosto de 2026 - Marc Dambremez: Del denim a la lencería

Ahora, Verlinde también deja la empresa. Su salida será efectiva el 31 de agosto, fecha en la que Marc Dambremez tomará el relevo. Verlinde será el responsable de garantizar “una transición estructurada”, según el comunicado de prensa. Dambremez procede de Levi Strauss & Co, donde ha desarrollado una larga carrera y recientemente ocupaba el cargo de director general para la región de Asia-Pacífico Oriental, además del de vicepresidente de retail, real estate y franquicias.

Dambremez tiene la misión de acelerar la próxima fase de crecimiento de la empresa. Con más de quince años de experiencia internacional en la industria de la moda, aporta su pericia en crecimiento impulsado por la marca, retail internacional y engagement del consumidor. Además, deberá impulsar un mayor crecimiento preservando el legado de artesanía y calidad de la empresa.

El presidente Yvan Jansen explica el nombramiento: “Marc aporta una sólida experiencia en moda y una mentalidad claramente orientada al consumidor para fortalecer y expandir nuestras marcas en un momento en que la relevancia global de la marca y la rapidez para llegar al consumidor son cruciales”. Según Jansen, Dambremez guiará a Van de Velde hacia “un crecimiento sostenible y la creación de valor a largo plazo”.

Sin embargo, Dambremez no es un fichaje externo en el sentido clásico. Mientras que nombramientos externos anteriores provenían del sector energético o del de bienes de consumo (FMCG), Dambremez, con sus años de experiencia en Levi's, aporta un profundo conocimiento del mundo de la moda. En un mercado donde la relevancia de la marca y la expansión internacional son cruciales, esto le da una ventaja sobre sus predecesores. La gran pregunta para los accionistas es si esta experiencia en el sector será la clave para la tan esperada estabilidad en la cúpula directiva belga, o si se repetirá la historia del rápido baile de sillas.

El FC Barcelona ha anunciado la entrada de su Barça Innovation Hub (BIHUB) en el accionariado de Drelife, una empresa tecnológica también barcelonesa especializada en soluciones de economía circular aplicada al retail.

Con esta operación, Drelife se convierte en la decimoquinta startup del portafolio del Hub – junto a Visualfy, OLIVER, Onalabs, CeleBreak, Made of Genes, Fyxbody, Rimbarlat, Genomcore, Omniscope, Riterz, Metrica Sports, Admefy y AdSpective– asentando las bases para internalizar un mercado que hasta ahora operaba de forma externa y fragmentada.

El movimiento se apoya en la infraestructura de Barça Licensing & Merchandising —la sociedad que gestiona directamente las tiendas oficiales y el e-commerce del club— para articular un canal oficial de reventa de equipaciones verificadas.

"Esta colaboración nos dará la oportunidad de convertir nuestro ecosistema de retail en un modelo más eficiente y rentable, generando ingresos recurrentes a partir de productos existentes y reforzando al mismo tiempo el vínculo con nuestra afición", han dicho desde BIHUB en el comunicado difundido por el FC. Barcelona.

El objetivo es claro, capturar el valor residual de sus productos a lo largo de todo su ciclo de vida, convirtiendo piezas que antes se consideraban obsoletas en activos estratégicos avalados por la propia entidad emisora.

Al centralizar este flujo bajo la marca, el club retiene la propiedad de la información generada por coleccionistas y usuarios interesados en piezas históricas, lo que ofrece un conocimiento del consumidor significativamente más preciso que el de las plataformas de reventa C2C convencionales.

"Para Drelife, esta colaboración con el FC Barcelona representa mucho más que un acuerdo estratégico", ha dicho Beto Miralles, fundador y CEO de Drelife.

"Es la oportunidad de construir un modelo pionero que puede redefinir la relación entre los clubes y sus activos de retail. En mi caso, además, tiene un componente especialmente personal después de haber formado parte del Club durante diez años como jugador de balonmano."

En menos de dos meses comenzará uno de los mayores acontecimientos deportivos del mundo, el Mundial de Fútbol masculino. El torneo, que esta vez se celebrará en Canadá, México y Estados Unidos, no es solo el evento deportivo del verano, sino también la culminación de una colaboración histórica: la de Adidas como proveedor oficial de la selección alemana de fútbol. A partir del próximo año, la Federación Alemana de Fútbol (DFB) colaborará con su competidor directo, Nike.

Para la marca deportiva de Herzogenaurach, sin embargo, el foco está puesto por ahora en este verano, para el que ya ha empezado a calentar motores con varias acciones, como el reciente mercado de camisetas vintage en Shanghái. Y la publicidad para la actual camiseta de la segunda equipación de la DFB parece estar funcionando bien. El lanzamiento ha sido “muy exitoso”, según ha destacado el portavoz de Adidas, Oliver Brüggen. “La demanda durante los primeros días ha sido incluso mayor que la de la camiseta de la segunda equipación de la Eurocopa 2024”.

FashionUnited ha aprovechado la ocasión para hablar con Mateo Kossmann sobre la última camiseta de la DFB, la colaboración con un total de 26 selecciones, y las tendencias actuales del fútbol y la influencia del mercado de segunda mano. Kossmann, que acaba de regresar de un viaje de negocios a México, es el Global Category Director – Licensed Football Apparel (Federations) de Adidas, responsable de la colaboración con las selecciones nacionales. El momento perfecto para poner el balón en juego.

Empecemos por el principio: ¿cómo se crea la camiseta de una selección nacional?

El proceso de creación de una camiseta es largo y colaborativo, y dura entre 18 y 24 meses. No es que Adidas o la federación impongan las condiciones; es un proceso conjunto con diferentes hitos. Juntos definimos las historias que queremos contar, los colores que queremos explorar y los elementos que son importantes para las camisetas.

En Adidas también analizamos a los consumidores y a los aficionados para entender qué les atrae y qué historias conectan con sus emociones. Combinamos las ideas de los aficionados, la perspectiva de la federación y la identidad de temporada de Adidas Football, y luego desarrollamos la equipación en varias rondas de feedback.

Este año marca, por ahora, el final de la colaboración con la DFB. ¿Con qué sensación afrontaron el proyecto?

La colaboración y la trayectoria conjunta con la DFB y la selección alemana son largas y especiales para Adidas. Con la vista puesta en el Mundial de 2026, sabíamos que no podíamos defraudar.

Hemos invertido mucho amor y esmero en el desarrollo de una colección muy potente para el equipo. Tenemos una historia conjunta muy importante, con muchos altibajos, y aunque echamos la vista atrás a lo que hemos vivido, también nos centramos en cómo queremos que la selección alemana se presente en 2026 en el mayor Mundial de todos los tiempos.

Mientras que la camiseta de la primera equipación se inspira en la victoria del Mundial de 1990, la de la segunda es un homenaje a varias épocas de su historia en común. ¿Podría guiarnos a través del proceso de diseño de una equipación como esta, usando este ejemplo?

Para Alemania 2026, la camiseta de la primera equipación celebra los éxitos pasados de una forma única. Recupera elementos de camisetas de campeonatos, pero los reinterpreta para que los aficionados sientan algo familiar y, al mismo tiempo, vean algo nuevo y emocionante que puedan lucir en Estados Unidos, México y Canadá.

Con las camisetas de la segunda equipación hay más flexibilidad. Mientras que una camiseta de la primera equipación —como la blanca de Alemania o la roja de España— es tradicional, las de la segunda nos permiten cumplir otras expectativas. Alemania ya ha tenido camisetas verdes, negras e incluso rosas. Para 2026, hemos elegido el azul. Este color recupera varios elementos históricos: una camiseta azul utilizada en un partido amistoso, el azul oscuro del primer chándal de Adidas de Franz Beckenbauer y la ropa de entrenamiento azul que nuestro fundador y el equipo solían llevar en los años 90.

Hemos integrado estos guiños en la equipación, manteniendo una conexión en forma de estructura de rombos entre el diseño de la primera y la segunda equipación. El material especialmente desarrollado para la camiseta Authentic juega con tonos de azul claro y oscuro para crear un efecto denim según el ángulo desde el que se mire. Este tono de azul es muy ponible tanto dentro como fuera del campo, y su ejecución ha sido un enorme esfuerzo por parte de los equipos de Adidas y la DFB.

Hace 36 años fue la última vez que el logotipo del trébol adornó la camiseta de una selección nacional. ¿Ha sido su regreso la guinda del pastel para celebrar esta colaboración?

Para Alemania, sin duda. Adidas siempre da lo mejor de sí en estos grandes eventos. Durante la planificación, decidimos utilizar tanto el logotipo Performance en la primera equipación como el Trefoil en la segunda para celebrar la marca de diferentes maneras. En la primera equipación, nuestro enfoque fue “nuestra vida, nuestros colores”, enfatizando la bandera nacional y la identidad.

La camiseta de la segunda equipación se centra más en el elemento cultural. Para nosotros, el Trefoil no solo significa “retro” o “nostalgia”, sino que representa la cultura, algo que se puede interpretar de muchas maneras. Aunque el diseño pueda tener guiños nostálgicos, el material y la tecnología ofrecen a los jugadores el máximo rendimiento.

Hemos aplicado este storytelling cultural a varias selecciones: una historia de “desierto florido” para Chile, la historia de los rombos azules para Alemania y una elegante equipación inspirada en las portadas de los libros españoles para España. El éxito solo se consigue si se colabora estrechamente con los equipos y federaciones locales para garantizar que el diseño realmente responda a los deseos de la gente.

En total, trabajan actualmente con 26 selecciones. Aparte de que cada país tiene su propia historia, ¿cuáles son las mayores diferencias?

Con 26 socios de diferentes partes del mundo, no hay forma de estandarizar completamente el proceso. Cada cultura es diferente. Algunos socios tienen opiniones muy firmes y se involucran mucho, mientras que otros nos dan más libertad. Hemos tenido reuniones en las que los diseños han sido recibidos con ovaciones y otras en las que hemos debatido cada detalle, desde la estructura de los puños de las mangas hasta el tono Pantone exacto de la bandera. Al final, es una asociación; ambas partes deben estar satisfechas con la dirección, de lo contrario no sería sostenible a largo plazo.

¿Hay alguna historia especial detrás de algún detalle de una camiseta que le haya inspirado especialmente?

Japón siempre es especial. La federación tiene una visión muy clara. Querían visualizar el concepto de “ir más allá del horizonte”. En la primera equipación, visualizamos ese horizonte, y en la segunda, las posibilidades que hay más allá. Querían doce colores en la camiseta para representar a los once jugadores y a los aficionados. Decidimos que el color de los aficionados debía ser el rojo —el color de la bandera y de la pasión— y colocamos una franja roja en el centro de la camiseta. Incluso integramos una cremallera roja en la chaqueta del himno como un guiño sutil a esta historia.

Otro ejemplo es Curazao. Se clasificaron tarde, así que tuvimos que actuar con rapidez. En lugar de una camiseta blanca estándar para la segunda equipación, hablamos con la gente de la isla sobre su cultura. Describieron olas azules, playas y los colores vivos de una ciudad especial. Optamos por un color amarillo único y ponible con detalles de marca que destacan y crean un look fresco para el verano, sin exagerar.

Hoy en día, el logotipo del trébol se asocia especialmente con la marca de lifestyle Originals. ¿Sirve esto también de puente hacia el fútbol como tendencia?

El fútbol es un deporte global que influye en el lifestyle y la moda mucho más allá del terreno de juego. Cuando diseñamos una equipación, la apariencia durante el partido es la prioridad, pero también sabemos que tiene un profundo significado simbólico para la cultura. Para 2026, nos hemos asegurado de que los aficionados puedan representar a sus equipos de múltiples maneras: con versiones de manga larga, versiones Authentic y réplica, camisetas crop e incluso remezclas “de vuelta al pasado” con cortes oversize y a la moda.

Cuando lanzas una equipación, la gente habla. El mundo de la moda se inspira en épocas icónicas como los años 90 o los 2000, y vemos cómo cada vez más marcas no tradicionales entran en el terreno del fútbol. Nos parece genial, porque ofrece lo mejor a los aficionados.

Ha mencionado los años 90 y 2000, dos décadas que también han marcado las tendencias de la moda en los últimos años. ¿En qué era throwback se encuentra la cultura del fútbol en este momento?

Los años 90 dieron lugar a diseños muy singulares e icónicos que todavía nos inspiran. Sin embargo, estamos viendo un cambio gradual hacia las tendencias de los años 2000, a medida que la Generación Z gana relevancia. Como seres humanos, somos nostálgicos por naturaleza, pero eso no significa que debamos simplemente recrear lo que ya existe. Debemos utilizar hábilmente los guiños al pasado para crear algo reinterpretado.

La primera equipación de Argentina es un ejemplo perfecto. Para celebrar sus tres Mundiales, nos fijamos en las camisetas de 1978, 1986 y 2022. Hemos combinado sus tres tonos diferentes de azul claro en un nuevo diseño degradado en las rayas. Además, hemos añadido un escudo con efecto holográfico que muestra los años de las victorias. Para los actuales campeones del mundo, resulta familiar y, a la vez, novedoso.

Las camisetas más antiguas también son artículos muy codiciados en el mercado de segunda mano. ¿Hasta qué punto es esto relevante para Adidas?

Es otra forma de celebrar el fútbol. Tanto si la gente quiere la última equipación de alto rendimiento como un corte retro holgado con un patrocinador concreto, celebramos ese entusiasmo.

Nuestro programa “Bringbacks” adopta un enfoque “arqueológico” para crear réplicas fieles de las camisetas. Replicamos los tejidos específicos, los escudos y los efectos de ante; solo cambiamos pequeñas etiquetas internas para cumplir con las normativas modernas. Estarán disponibles en 2026 para muchas federaciones.

Para terminar: ¿cuál es su camiseta de selección nacional favorita?

Soy de Uruguay, así que tengo varias camisetas de mi juventud de las que nunca me desprenderé. Pero si tuviera que elegir un diseño icónico, sería la primera equipación de la DFB de 1990. Ese look —los colores, el contraste y la combinación de sencillez y “audacia”— todavía me entusiasma mucho.

Esta entrevista se realizó en inglés y ha sido traducida con la ayuda de herramientas digitales.

La marca danesa de moda y lifestyle Aiayu ha registrado un aumento del 22 por ciento en su beneficio bruto en 2025, según un comunicado de prensa. El beneficio bruto aumentó de 3,8 millones de euros en 2024 a 4,64 millones de euros en 2025. El beneficio neto después de impuestos aumentó en el mismo periodo de 740,000 euros a 970,000 euros.

El patrimonio neto creció de 3,7 millones de euros a 4,2 millones de euros y la liquidez aumentó de 1,4 millones de euros a 2,38 millones de euros. El número medio de empleados aumentó de 31 a 36. No se han comunicado las cifras de facturación.

La empresa, fundada por Maria Høgh Heilmann, se centra en prendas y productos de estilo de vida elaborados con materiales naturales y trabaja con dos colecciones al año. En 2025, Aiayu invirtió en sus relaciones de venta al por mayor (wholesale), en su rendimiento digital y en el desarrollo de su propia plataforma de e-commerce, según el comunicado.

Aiayu se fundó en 2005 y tiene su sede en Copenhague. La marca cuenta con tres tiendas en Copenhague y una en Aarhus y se vende a nivel internacional a través de socios minoristas seleccionados.

Nike y el centro de arquitectura Dropcity han lanzado en Milán el “Air Lab”, un nuevo espacio de innovación y experimentación para la escena creativa.

En el marco de la Milan Design Week, el gigante de la ropa deportiva ha ofrecido un primer vistazo al proyecto, que estará abierto al público a partir de otoño como parte permanente de Dropcity, según ha anunciado Nike este domingo. El laboratorio ofrece a los diseñadores acceso a tecnología de vanguardia, incluyendo brazos robóticos y máquinas de termoformado, para explorar la aplicación del “aire” como elemento de diseño en el desarrollo de productos. La inauguración se complementa con una exposición que muestra alrededor de cien prototipos y muestras de materiales inéditos, haciendo tangible la evolución de la tecnología Nike Air.

“Nike siempre ha tenido una cultura experimental y práctica de la creación”, explica Golnaz Armin, vicepresidenta de Design Studio Excellence. En Nike, el prototipado es una práctica diaria: “un impulso instintivo para desarrollar, probar y perfeccionar cosas en tiempo real”. Andrea Caputo, fundador de Dropcity, añade que la iniciativa establece un nuevo modelo de colaboración entre empresas e instituciones de investigación: “El laboratorio demuestra que el diseño y la producción pueden dejar un legado tangible para la ciudad de Milán”.

El “Air Lab” se puede visitar en el marco de la Milan Design Week del 20 al 26 de abril en Via Sammartini 72, en Milán.

Este artículo ha sido redactado con la ayuda de inteligencia artificial.

Roma - La casa de moda italiana Loro Piana, propiedad del gigante francés del lujo LVMH, ha anunciado este viernes el levantamiento anticipado de su administración judicial por parte del Tribunal de Milán.

Según las investigaciones realizadas por el Grupo para la Protección del Trabajo de Milán, la empresa habría sido incapaz de prevenir y contener los fenómenos de explotación laboral en el ámbito del ciclo productivo, ya que no habría implementado medidas adecuadas para la verificación de las condiciones reales de trabajo, en particular, no habría supervisado las capacidades técnicas de las empresas contratistas.

Ahora “Loro Piana ha tomado nota de la conclusión anticipada del procedimiento de administración judicial del Tribunal de Milán, antes del vencimiento del plazo de doce meses previsto inicialmente”, ha indicado la marca italiana especialista en cachemir en un comunicado.

Según la firma, el tribunal ha destacado “el camino virtuoso emprendido y completado con éxito” por Loro Piana, que “demuestra claramente el compromiso de la empresa para continuar con los esfuerzos ya iniciados” para preservar “la salud y el bienestar de todos los trabajadores, incluidos los indirectos”.

En julio de 2025, Loro Piana había sido puesta bajo administración judicial por haber “facilitado por negligencia” la explotación de trabajadores en subcontratas, debido a una “falta generalizada de modelos de organización y a un sistema de auditoría interna deficiente”, según la decisión del tribunal.

Según los investigadores, la firma, conocida por sus diseños de cachemir, encargaba la confección de prendas a una empresa sin capacidad de producción propia, que a su vez recurría a otra sociedad, la cual, a su vez, contrataba a talleres que empleaban a trabajadores chinos en Italia para reducir costes.

En estos talleres se explotaba a trabajadores en situación irregular, sin respetar la legislación sobre salud y seguridad en el lugar de trabajo, especialmente en lo relativo a “los salarios, los horarios de trabajo, las pausas y las vacaciones”, según habían indicado los jueces.

“Desde la aplicación de la medida (de administración judicial), Loro Piana ha reforzado sus funciones internas dedicadas a la supervisión de los proveedores (...). La Maison también ha implementado procedimientos reforzados para la incorporación de proveedores y su seguimiento continuo”, añade la casa de lujo.

La marca italiana precisa que, desde 2024, ha realizado “2,400 auditorías” que la han llevado a cesar su colaboración “con más de cien proveedores y subcontratistas que no cumplían los requisitos de la Maison”.

A otros grandes nombres del lujo, también puestos temporalmente bajo administración judicial desde 2024 por casos similares, se les ha levantado esta medida desde entonces, como es el caso de Dior (LVMH), una filial de Armani o, más recientemente, de Valentino Bags Lab.

Loro Piana, la marca italiana especialista en cachemir, vicuña y lana extrafina, fue comprada por LVMH en 2013.

Futurmoda, la plataforma nacional que conecta a fabricantes, proveedores y compradores de componentes para calzado y marroquinería, ha anunciado la apertura del plazo de inscripción para expositores de su edición número 56, que se celebrará los días 14 y 15 de octubre de 2026 en IFA-Fira Alacant, en Elche (Alicante).

La convocatoria, organizada por la Asociación Española de Empresas de Componentes para el Calzado (AEC), mantiene su periodicidad semestral y su enfoque especializado en componentes, curtidos, textiles, maquinaria y servicios asociados.

La edición anterior, celebrada en marzo de 2026, reunió a más de 4.100 visitantes profesionales y a 236 empresas expositoras procedentes de seis países, con representación destacada de España e Italia.

Por sectores, participaron firmas de curtidos y pieles, componentes, maquinaria, textiles, accesorios y productos químicos, consolidando la diversidad de la oferta presente en el certamen. El programa paralelo incluyó conferencias centradas en sostenibilidad, economía circular, pasaporte digital de producto y tecnología aplicada.

Con estos datos como referencia, la edición de octubre se presenta como una nueva oportunidad de encuentro para los profesionales del sector, ya está abierto el proceso de inscripción para aquellas empresas que deseen participar como expositoras en esta próxima convocatoria.

Parfois ha inaugurado este fin de semana una nueva tienda en la Rua de Santa Catarina, en Oporto, una de las principales arterias comerciales de la ciudad. La apertura se enmarca en la estrategia de la compañía orientada a la expansión en ubicaciones de alta afluencia y relevancia comercial.

La firma portuguesa de accesorios ya cuenta con una amplia red en su mercado nacional, con más de 80 tiendas distribuidas por todo el país. Su presencia es especialmente significativa en las áreas metropolitanas de Lisboa y Oporto, así como en ciudades medianas y regiones costeras.

El nuevo establecimiento, con una superficie de 250 metros cuadrados distribuidos en dos plantas, se integra en la renovación del concepto comercial de la marca, orientado a crear espacios más funcionales y alineados con las nuevas exigencias del retail. En este sentido, la tienda ha sido concebida para ofrecer un recorrido más intuitivo, con una disposición de producto organizada por categorías —moda, accesorios, calzado y bisutería— que facilita la experiencia de compra y mejora la visibilidad de las colecciones.

Junto a esta evolución del espacio comercial, Parfois continúa avanzando en la incorporación de tecnología en sus puntos de venta. La nueva tienda incorpora sistemas de identificación por radiofrecuencia (RFID) y soluciones de autopago, herramientas con las que la compañía busca optimizar la gestión del inventario, mejorar la operativa diaria y reducir los tiempos de espera en tienda. Esta integración tecnológica forma parte de una estrategia más amplia con la que la empresa pretende acercar cada vez más la experiencia del canal físico a la del entorno digital.

La apertura de Oporto se suma así al proceso de expansión internacional que la compañía viene desarrollando en los últimos meses. Actualmente, Parfois opera en 24 mercados a través de su canal online y cuenta con presencia en cerca de 75 países mediante una red de alrededor de 1.100 tiendas entre establecimientos propios y franquiciados.

En paralelo, la empresa ha puesto en marcha nuevas operaciones en Chile y Perú, mientras refuerza su actividad en mercados considerados estratégicos como México, Polonia y Grecia. Al mismo tiempo, mantiene su apuesta por ubicaciones premium en Europa, con recientes aperturas en la Rua do Carmo de Lisboa y próximos desarrollos previstos en la Via Vittorio Emanuele de Milán, en línea con una hoja de ruta que combina crecimiento internacional y renovación de marca.

La firma española Cold Culture, fundada en Madrid en 2021 por Andrés Varela y Martina Merry, abrirá el próximo 24 de abril su primera tienda permanente en Italia.

El establecimiento estará ubicado en el número 75 de Corso di Porta Ticinese, en Milán, a escasos metros de su anterior pop up, y contará con una superficie de 113 metros cuadrados. Esta apertura forma parte de la estrategia de expansión internacional de la compañía, que sitúa el retail físico como eje clave para reforzar notoriedad de marca y conversión.

Retail como palanca de crecimiento y expansión internacional

La apertura en Milán se integra en el plan de crecimiento físico de la empresa, que combina tiendas permanentes con formatos efímeros bajo una estrategia que internamente denominan "Cold Tour". Este modelo articula aperturas escalonadas en distintas ciudades europeas como activaciones de marca amplificadas a través de redes sociales.

Tras su primer test en Milán en octubre con un pop up ya cerrado, la compañía consolida ahora su presencia en la ciudad y estudia nuevas aperturas en Italia, incluyendo posibles formatos temporales en Roma a lo largo de 2026.

En paralelo, la marca ha reforzado su presencia en retail con siete nuevas tiendas en el último año en mercados como Madrid –donde reubicó su flagship en Fuencarral 41–, Barcelona, Valencia, Ámsterdam y Londres, además de activaciones en París y Berlín.

En el plano organizativo, la compañía ha reforzado su estructura con la incorporación de Elena Alarcón como responsable de ecommerce, un movimiento que apunta a consolidar su canal digital en paralelo al crecimiento del retail físico. Sin embargo, en materia de transparencia, la firma ha obtenido un “suspenso” por parte de Bcome.

Si tu marca de moda ya cuenta con una presencia consolidada en su mercado local, la expansión internacional a través de marketplaces de e-commerce puede abrir grandes oportunidades de crecimiento. Plataformas como Macy’s, Saks Fifth Avenue, ASOS y Zalando pueden conectar tus productos con nuevos clientes, aumentando la visibilidad de marca en los mercados globales.

Sin embargo, muchos asumen que el acceso a estos marketplaces está limitado a empresas grandes y consolidadas. Este ya no es el caso. Ya seas una startup en rápido crecimiento o una marca de moda de tamaño medio, los marketplaces de e-commerce nunca han sido tan accesibles para empresas de todos los tamaños. Sigue leyendo para aprender cómo estas plataformas pueden impulsar tu expansión global.

¿Qué es un marketplace de e-commerce?

Un marketplace de e-commerce o mercado de comercio electrónico es una plataforma online que vende productos de múltiples marcas, ofreciendo a los compradores un punto de venta único y conveniente en lugar de tener que visitar los sitios web individuales de sus marcas favoritas. En la industria de la moda, estas plataformas actúan como "grandes almacenes digitales", ofreciendo una amplia selección de ropa, accesorios y otros artículos.

“Además de ser convenientes para los compradores online, los marketplaces ofrecen a las marcas una plataforma para mostrar sus productos a una audiencia mucho más amplia”, afirma Maxim Sion, Director Global de Ventas y Desarrollo de Negocio en Bleckmann. “Aunque antes estaban dominados por las grandes firmas de moda, ahora existen soluciones logísticas escalables que abren estas plataformas a un abanico mucho más amplio de marcas. Esto puede ser una palanca poderosa para impulsar el crecimiento internacional”.

Una herramienta clave para generar confianza entre los compradores internacionales

Uno de los principales beneficios de vender a través de marketplaces de e-commerce es que tu marca gana credibilidad en regiones donde todavía puede ser relativamente desconocida. La mayoría de los marketplaces evalúan cuidadosamente a las marcas y sus productos antes de permitirles vender, lo que garantiza que solo se muestren marcas de prestigio y alta calidad.

“Para los consumidores que no conocen tu marca, ver tus productos en un marketplace reconocido es una señal de fiabilidad y calidad”, explica Maxim. “De esta forma, los marketplaces no solo amplían tu alcance, sino que también mejoran la reputación de tu marca en nuevos mercados, ayudando a convertir a los nuevos compradores en clientes leales”.

Entrada más rápida en nuevos mercados internacionales de la moda

Una ventaja fundamental de unirse a los marketplaces de e-commerce es su capacidad para agilizar la expansión internacional sin necesidad de establecer entidades físicas en nuevas regiones. Por ejemplo, si una marca europea quisiera vender en EE. UU., normalmente necesitaría establecer una entidad legal y alquilar un almacén, además de gestionar aduanas, envíos y otros costes. Sin embargo, vender a través de marketplaces con el apoyo de un proveedor logístico de terceros (3PL) permite dejar todo el trabajo pesado en manos de profesionales.

“Además de requerir una inversión significativa, establecer operaciones en un nuevo país consume mucho tiempo”, continúa Maxim. “Sin embargo, el proveedor de logística de moda adecuado puede hacer que la expansión internacional sea más fluida, rápida y rentable al ofrecer, por ejemplo, tarifas de envío por volumen y una gestión aduanera optimizada. Esta accesibilidad permite que muchas más marcas se expandan globalmente y lleguen a audiencias mucho más amplias sin los altos costes y los largos plazos asociados habitualmente al crecimiento internacional”.

Historia de éxito: Expansión ágil mediante marketplaces

Un gran ejemplo de integración rápida en marketplaces es Bright Swimwear, una marca de moda europea que utilizó estas plataformas para entrar en el mercado estadounidense. La incorporación a un solo marketplace premium suele ser un proceso largo; solo la integración informática suele tardar hasta seis meses. Sin embargo, gracias a la alianza de Bleckmann con el especialista B2B transfronterizo Global Bridge, Bright Swimwear se lanzó en cinco de los principales marketplaces de e-commerce de EE. UU. —incluidos Nordstrom y Bloomingdale’s— en solo cuatro meses.

¿Cómo pueden los marketplaces de e-commerce mejorar el reconocimiento de marca?

Los marketplaces de e-commerce suelen atraer a millones de visitantes al día, ofreciendo a tu marca una mayor exposición sin el elevado coste de las campañas publicitarias tradicionales. Tan pronto como tus productos aparecen listados, pueden ser vistos por una audiencia masiva. Incluso si no conviertes a cada visitante en un cliente, esta visibilidad ayuda a construir el reconocimiento de marca (brand awareness) en nuevos mercados. Esta familiaridad con tu marca es un paso crucial para impulsar el crecimiento internacional y no debe pasarse por alto.

Expanda su marca con Bleckmann y Global Bridge

Como hemos visto, los marketplaces de e-commerce son un motor de crecimiento internacional para las marcas. No obstante, las marcas de ropa más pequeñas han tenido dificultades históricamente para acceder a estas plataformas debido a los altos costes y las barreras logísticas. Gracias a la alianza de Bleckmann con Global Bridge, más marcas de moda pequeñas y medianas pueden ahora aprovechar el potencial de los marketplaces de moda regionales e internacionales.

Esta colaboración única ofrece una solución plug-and-play simplificada que facilita la integración en marketplaces. Al eliminar barreras comunes como las complejidades legales, la integración IT y otros retos logísticos, la expansión internacional es ahora mucho más alcanzable. Como resultado, entrar en nuevos mercados ya no es una tarea imposible, sino una oportunidad de crecimiento asequible y realista.

¿Quieres saber más sobre cómo los marketplaces de e-commerce pueden impulsar la expansión internacional de tu marca? Lee más sobre la alianza de Bleckmann con Global Bridge aquí, o ¡ponte en contacto hoy mismo para una consulta gratuita con uno de nuestros expertos en logística!

La firma británica de estilo de vida Mulberry ha registrado un sólido desempeño comercial en la segunda mitad del ejercicio fiscal 2026, respaldado por una estrategia de relanzamiento centrada en la revitalización de la marca y la disciplina de precios completos.

El grupo ha comunicado un crecimiento de ventas a tipo de cambio constante del +13,6 por ciento durante el segundo semestre (H2) de las 52 semanas finalizadas el 28 de marzo de 2026. Este impulso se ha traducido en un crecimiento de los ingresos totales del ejercicio (FY26) del +5,7 por ciento a tipo de cambio constante. Los resultados indican que la estrategia "Back to Mulberry Spirit" está ganando tracción en todas las regiones globales. Todos los mercados finales han registrado un crecimiento positivo de ventas comparables (like-for-like, LFL) en el segundo semestre, con la UE (excluyendo Reino Unido) liderando la expansión con un +37,8 por ciento.

El giro estratégico impulsa el crecimiento regional

Los canales retail y digitales del grupo han experimentado una recuperación generalizada tras un primer semestre (H1) más complicado. En Reino Unido, las ventas retail y digitales han aumentado un +13,7 por ciento en el segundo semestre, mientras que Estados Unidos y Asia-Pacífico han crecido un +20,1 por ciento y un +20,8 por ciento respectivamente.

Andrea Baldo, consejero delegado de Mulberry, ha señalado que los resultados demuestran que el proceso de transformación está firmemente en marcha a pesar de un entorno económico y geopolítico desafiante. El grupo se ha mantenido enfocado en reconectar con su base de clientes existente mientras atrae a nuevos compradores mediante una oferta de producto más definida y una mejor disponibilidad. Este crecimiento se ha logrado junto con un enfoque disciplinado en las ventas a precio completo y una reducción de los descuentos.

Estas medidas han contribuido a mejorar el margen bruto del ejercicio fiscal 2026, continuando el progreso observado en el informe del primer semestre, donde el margen bruto alcanzó el 69 por ciento.

Liderazgo creativo y relanzamiento del prêt-à-porter

Un pilar fundamental de la renovación de la marca ha sido el nombramiento del diseñador británico Christopher Kane como director creativo de ready-to-wear (RTW). Kane, quien había cerrado su marca homónima en 2023, liderará el regreso a una categoría que Mulberry no ocupaba desde que finalizó su acuerdo de licencia con Onward Luxury Group en 2020.

La primera colección bajo la dirección de Kane está prevista para presentarse en septiembre de 2026, y las piezas estarán disponibles en tiendas y online a partir de enero de 2027. Baldo ha afirmado que la llegada de Kane supone un paso importante para restablecer el liderazgo creativo mientras la marca evoluciona su lenguaje creativo más allá de los accesorios. El interés del sector por el relanzamiento ha sido elevado, con socios que van desde Selfridges en Reino Unido hasta The Webster en Estados Unidos.

Iniciativas de producto recientes, como la campaña "Rooted in Craft" y el lanzamiento de edición limitada del Bayswater, que se agotó en minutos, ya han comenzado a elevar la notoriedad de marca. Aunque el grupo sigue centrado en el trabajo que queda por delante, Baldo ha expresado su confianza en la capacidad de construir un negocio sostenible y rentable a largo plazo.

Mientras los gigantes del CAC 40 publican sus resultados trimestrales, un análisis exclusivo publicado en Reuters ha revelado la magnitud del seísmo que está sacudiendo Oriente Medio. Considerado durante mucho tiempo como el último motor de crecimiento del sector, el Golfo ha visto cómo sus ventas se desploman por efecto de las tensiones geopolíticas con Irán.

Hasta ahora, el discurso de los grandes grupos de lujo (LVMH, Kering, Hermès) consistía en presentar Oriente Medio como una zona de resiliencia frente a la desaceleración de China. Esta interpretación ha quedado hoy obsoleta. Según informaciones de Reuters, las ventas de las mayores casas de moda europeas cayeron entre un 30 y un 50 por ciento en marzo en el Mall of the Emirates de Dubái. Más sorprendente aún, la afluencia al Dubai Mall, auténtico barómetro mundial de las compras de lujo, habría descendido un 50 por ciento.

El fin del “refugio” emiratí

Dubái no es solo un mercado local; es un centro de reexportación y un destino masivo de turismo de compras para clientes rusos, indios y europeos. La inestabilidad regional, marcada por las tensiones entre Irán, Israel y Estados Unidos, rompe la imagen de “burbuja de seguridad” de los Emiratos Árabes Unidos.

Aunque Oriente Medio solo representa el 5 por ciento del consumo mundial de lujo, su contribución al crecimiento marginal era crucial. Carole Madjo, analista de Barclays, recuerda que era uno de los pocos focos de crecimiento de dos cifras en los últimos años. Verlo estancarse hoy significa privar a los grupos de su “plan B” ante una China que no termina de recuperarse.

Un riesgo de contagio a Estados Unidos

El análisis trasciende las fronteras del Golfo. Como subraya Reuters, los analistas de Bernstein temen ahora un efecto dominó. La inestabilidad en Oriente Medio no solo afecta a las boutiques de Dubái:

• El precio de la energía: una subida sostenida del petróleo afecta a la confianza de los consumidores, incluso en Estados Unidos.

• La inflación en los viajes: el coste de los billetes de avión y la inseguridad en las rutas aéreas frenan el Travel Retail a nivel mundial.

• El efecto riqueza: un crash bursátil o una mayor volatilidad reducen inmediatamente el gasto de los clientes denominados “aspiracionales”.

Un calendario de alta tensión

Esta revelación llega en un momento delicado para Kering, que organiza este jueves su Capital Markets Day en Florencia. Luca de Meo tendrá que responder sin duda a preguntas mucho más sombrías de lo previsto sobre la diversificación geográfica del grupo. En cuanto a LVMH, aunque el grupo ha logrado limitar los daños este trimestre, la perspectiva de una vuelta a la normalidad que “tardará meses” —según los expertos citados por Reuters— enfría las esperanzas de una recuperación sólida en 2026.

El sector del lujo ya no se enfrenta únicamente a un ciclo económico de desaceleración, sino a una reorganización forzosa de su geografía de beneficios.

El grupo belga de lencería Van de Velde ha nombrado a Marc Dambremez como Director Ejecutivo (CEO). Asumirá su cargo el 31 de agosto de 2026, sucediendo a Karel Verlinde, quien deja la organización después de siete años, según se ha informado en un comunicado de prensa.

Dambremez tendrá la misión de acelerar la próxima fase de crecimiento de la empresa. Con más de 15 años de experiencia internacional en la industria de la moda, aporta su pericia en crecimiento impulsado por la marca, retail internacional y compromiso con el consumidor. Su objetivo será lograr un mayor crecimiento preservando el legado de artesanía y calidad de la firma.

El presidente Yvan Jansen ha explicado el nombramiento: “Marc aporta una sólida experiencia en moda y una mentalidad marcadamente orientada al consumidor para fortalecer y expandir nuestras marcas en un momento en que la relevancia global de la marca y la rapidez para llegar al consumidor son cruciales”. Según Jansen, Dambremez llevará a Van de Velde hacia un “crecimiento sostenible y la creación de valor a largo plazo”.

Dambremez ha calificado el cambio como “especialmente atractivo”: “La fortaleza de las marcas y las oportunidades que se presentan son especialmente atractivas, y estoy deseando construir una cultura de alto rendimiento en la que el consumidor sea el centro de la estrategia. Mi objetivo será acelerar el impulso en nuestros mercados principales”.

De Levi Strauss & Co. a Van de Velde

Después de más de 16 años, Dambremez deja Levi Strauss & Co. Allí ocupó diversos cargos directivos internacionales, como Director General para Asia-Pacífico y Director General de Retail Outlets para EMEA. También fue Vicepresidente Global de Retail, Real Estate y Franquicias.

Van de Velde engloba marcas como PrimaDonna, Marie Jo y Sarda. La empresa colabora con miles de retailers en todo el mundo.

Bleckmann, especialista en gestión de la cadena de suministro para marcas de moda y estilo de vida, amplía su presencia en el Reino Unido con la inauguración de un nuevo megacentro de distribución (DC) en Lutterworth. Esta nueva apertura se suma a su ya amplia presencia operativa en este mercado tan codiciado. El nuevo megacentro de distribución, situado en el corazón del «triángulo dorado» logístico del Reino Unido, en la región de Midlands, goza de una ubicación ideal para ayudar a los clientes a reducir los plazos de entrega y mejorar la calidad del servicio. El espacio multi-cliente, que mide 761 932 pies cuadrados (70 786 metros cuadrados), estará plenamente operativo a partir de julio de 2026.

Apoyamos el crecimiento de marcas ambiciosas de moda y estilo de vida

El centro de distribución es uno de los más grandes de la cartera de Bleckmann en el Reino Unido, que incluye otras instalaciones en Lutterworth, además de las ubicadas en Swindon, Bury St Edmunds, Burton-on-Trent, Crick y Corby. La empresa presta servicio a una amplia gama de clientes en el Reino Unido, entre los que se incluyen marcas de moda y estilo de vida de todo el mundo.

En particular, la puesta en marcha supone un hito significativo para la creciente oferta logística de Bleckmann en el sector del estilo de vida. Capaz de albergar categorías como belleza, cuidado del cabello, deportes y accesorios, además de ropa de moda, el nuevo almacén permitirá a Bleckmann ofrecer soluciones de cadena de suministro aún más especializadas y adaptadas a las necesidades operativas específicas de sus clientes de moda y estilo de vida, garantizando flexibilidad y escalabilidad al tiempo que se prioriza la experiencia del cliente. La ampliación de su presencia en el sector del almacenamiento le permitirá, por lo tanto, seguir consolidando su exitosa trayectoria de colaboraciones con marcas líderes en estos sectores.

Reducir la complejidad de los trámites aduaneros y facilitar el crecimiento

Tanto los clientes con sede en el Reino Unido como las marcas de toda la UE y de otros países están bien representados en su red británica, atraídos por la flexibilidad estratégica que ofrece. Un ejemplo es la complejidad añadida que suponen las devoluciones transfronterizas para las marcas con sede en la UE, que puede eliminarse repartiendo el stock entre el Reino Unido y un centro logístico europeo, como la región del Benelux.

«Más que un proveedor de servicios, nuestros clientes nos ven como un catalizador para la expansión de sus operaciones en el Reino Unido», explicó Tony Brito, director de cluster de Bleckmann en el Reino Unido. «Desde la gestión aduanera hasta las devoluciones, trabajamos para eliminar los obstáculos al crecimiento, de modo que tengan una mayor eficiencia operativa y más margen para crecer».

Experiencia integral para marcas de moda y estilo de vida

La continua expansión de la red de almacenes de Bleckmann en el Reino Unido y otros lugares refleja la creciente demanda de servicios logísticos especializados en el sector de la moda y el estilo de vida. Desde marcas globales de primer nivel hasta empresas emergentes de nicho, la experiencia del cliente sigue desempeñando un papel esencial a la hora de mantener la fidelidad y aumentar los ingresos. Al combinar su experiencia especializada en logística de moda y estilo de vida con una distribución optimizada de principio a fin y servicios personalizados de valor añadido, Bleckmann permite a las marcas cumplir sus promesas de forma constante. «Esperamos poder ofrecer a aún más marcas el apoyo específico y escalable que necesitan para alcanzar sus objetivos de crecimiento», añadió Tony Brito. «Este nuevo megacentro de distribución refleja nuestras ambiciones de seguir desarrollando nuestra oferta especializada».

Primark ha reabierto este jueves su local en el centro comercial Miramar tras haber llevado a cabo una reforma orientada a la modernización total del espacio, incluyendo la incorporación de su nuevo logo e imagen corporativa. La marca ha mantenido su ubicación en la planta alta.

Con la mejora de la experiencia del consumidor como principal foco de la reforma, la cadena irlandesa ha actualizado sus sistemas de pago con la implementación de las cajas autocobro, las cuales agilizan los procesos de transacción. Además, se han incluido dos probadores adaptados y uno familiar con mayor amplitud, así como una serie de mejoras de iluminación en los ya existentes.

En relación con la estética del local, la firma ha creado nuevos espacios seccionados por paredes para facilitar la visibilidad de los diversos productos, incluyendo nuevo mobiliario. Las paredes han cambiado su color de negro a blanco para aprovechar las nuevas luces integradas, y al mismo tiempo se han renovado los expositores y maniquíes para realzar la nueva propuesta visual del espacio.

La tienda también ha renovado su fachada para incluir su logotipo actualizado y, paralelamente, ha reorganizado sus oficinas y ‘back of house’ en línea con una optimización de su funcionamiento diario.

Según ha explicado Sandra Iglesias, responsable de marketing de Miramar, “la reforma del local de Primark es una prueba fehaciente de la apuesta de las marcas más punteras por nuestros espacios, al contar con un cliente local activo y una potente oferta turística que resultan muy atractivos”. Además, ha recordado que “este nuevo concepto de local moderno, accesible y adaptado a las últimas tendencias del mercado se traduce directamente en un alto grado de satisfacción del consumidor”.

Gracias a su ubicación estratégica en puntos como el centro comercial Miramar, en pleno corazón de Fuengirola, Primark se ha consolidado como uno de los líderes del sector textil no solo en la provincia, sino en todo el país. La enseña cuenta con 55 años de recorrido y posee más de 470 tiendas repartidas por todo el globo, con expectativas de continuar ampliándose por Europa, Oriente Medio y Estados Unidos.

La firma francesa Jacquemus ha anunciado este lunes el nombramiento de Laetitia Manfredi como directora de producto y merchandising, un nombramiento que se hará efectivo a partir del 20 de abril de 2026.

Según ha precisado la casa en un comunicado, el nombramiento de Laetitia Manfredi marca un hito importante en el desarrollo continuo y la expansión internacional de Jacquemus. Tras la inauguración de su primera tienda permanente en la avenida Montaigne de París en 2022, la red se ha expandido rápidamente a ciudades clave a nivel internacional, con aperturas en Dubái, Seúl, Nueva York, Los Ángeles y Londres. Actualmente, la empresa cuenta con más de 300 empleados.

Como parte de sus nuevas responsabilidades, Laetitia Manfredi reportará directamente a la CEO de la empresa, Sarah Benady, y trabajará en estrecha colaboración con el fundador, Simon Porte Jacquemus. Sus funciones incluirán la elaboración de estrategias de crecimiento y el desarrollo de la oferta de productos para acompañar a la marca en su nueva fase de expansión. También tendrá la tarea de guiar al estudio y a los equipos de merchandising hacia este nuevo capítulo estratégico, al tiempo que se asegura de reforzar la visión creativa de la firma.

Con más de 20 años de experiencia en los sectores de la moda y el lujo, la nueva directora comenzó su carrera en las empresas L'Oréal y Cartier antes de incorporarse a Louis Vuitton, la marca insignia del gigante del lujo LVMH. En esta última, ocupó cargos relacionados con la imagen y el merchandising visual antes de pasar al área de producto, con una marcada especialización en accesorios. Posteriormente, participó en el lanzamiento de la marca de moda de Rihanna, Fenty, antes de unirse a Saint Laurent para trabajar en los segmentos de prêt-à-porter y accesorios.

Antes de su llegada a Jacquemus, ocupaba el cargo de directora de la unidad de negocio de accesorios femeninos en Christian Dior Couture. En este puesto, contribuyó al crecimiento de la casa perteneciente al grupo LVMH, trabajando bajo la dirección artística de Maria Grazia Chiuri y, posteriormente, de Jonathan Anderson.

En marzo de 2026, FashionUnited tuvo conocimiento de que Simon Porte Jacquemus ha cedido aproximadamente un 5 por ciento de su casa a Sandbridge Capital, un fondo californiano experto en lujo, belleza y bienestar, según una información publicada por Modaes.

La guerra en Oriente Medio ha sumido a los relojeros suizos en la incertidumbre, poniendo a prueba la resiliencia de una icónica industria nacional ya sacudida por varias crisis.

Tras los opulentos expositores de la feria Watches and Wonders de Ginebra, el mayor escaparate anual del sector, el conflicto está en boca de todos. La guerra no es la primera crisis a la que se ha enfrentado la relojería en los últimos años, ha afirmado Elie Bernheim, director ejecutivo de Raymond Weil, una empresa familiar fundada por su abuelo que genera aproximadamente el 10 por ciento de sus ingresos en Oriente Medio.

"Hubo la crisis de las hipotecas subprime en 2008", luego la llegada del smartwatch, cuando "se vaticinó lo peor para la industria relojera"; la pandemia de Covid-19 y "los aranceles de Estados Unidos el año pasado", ha dicho Bernheim. Y, sin embargo, a largo plazo, "la industria relojera ha demostrado una resiliencia considerable", ha añadido.

En los últimos 20 años, las exportaciones de relojes suizos se han más que duplicado, a pesar de todos los desafíos. El aspecto insólito de los acontecimientos actuales en Oriente Medio —una guerra en la que Teherán ha atacado a los países del Golfo en represalia por los ataques de Estados Unidos e Israel contra Irán— es que "no se puede anticipar nada", ha dicho Bernheim. "Todo puede cambiar de un día para otro, no tenemos el control, y creo que eso es lo más desestabilizador", ha afirmado.

Un clima de consumo incierto

Al igual que muchos relojeros, Bertrand Meylan, copropietario de la marca H. Moser, cree que la guerra podría tener un impacto en el clima de consumo mundial. "Cuanto más dure el conflicto, mayor será el riesgo de que la ansiedad se extienda al resto de la economía", ha declarado a AFP, señalando que "la gente no compra en tiempos de ansiedad".

Sobre el terreno, "las marcas que dependen del turismo están sufriendo enormemente", ha dicho el empresario afincado en Dubái. Pero con los clientes locales, el negocio sigue prosperando, "un poco como durante el periodo de la Covid", cuando los consumidores, al no poder viajar, tenían más tiempo y renta disponible para comprar un reloj. Su marca genera el seis por ciento de sus ingresos en Oriente Medio.

El 10 por ciento de las exportaciones

La feria de relojería de Ginebra, que se celebra hasta el 20 de abril, acoge a 65 grandes marcas de relojería, entre ellas Rolex, Patek Philippe y Cartier, que exponen sus últimas creaciones.

La edición de este año de Watches and Wonders llega después de dos años difíciles para el sector, con una caída de la demanda en China seguida de los aranceles estadounidenses. Las exportaciones de relojes suizos cayeron primero un -2,8 por ciento en 2024 y luego un -1,7 por ciento en 2025, hasta los 25,6 mil millones de francos suizos (32,5 mil millones de dólares). El año pasado, Oriente Medio en su conjunto representó alrededor del 10 por ciento de las exportaciones del sector, lo que "ya es mucho", ha declarado a AFP Yves Bugmann, presidente de la Federación de la Industria Relojera Suiza.

A modo de comparación, Estados Unidos, el principal mercado para los relojeros suizos, representa el 17 por ciento de las exportaciones, ha explicado. Japón ocupa el segundo lugar, por delante de China continental, Hong Kong, Gran Bretaña y luego Singapur. Emiratos Árabes Unidos es el mayor mercado de Oriente Medio, ocupando el octavo lugar entre los 10 principales países de destino, situado entre los vecinos de Suiza, Francia y Alemania. Arabia Saudí ocupa el puesto 15, Qatar el 21, Kuwait el 25 y Bahréin el 27.

A principios de año, Bugmann se mostraba "relativamente confiado" en las perspectivas del sector para 2026. Sin embargo, "la guerra en Oriente Medio cambia las reglas del juego", y es "demasiado pronto para hacer predicciones" sobre su impacto, ha dicho. Todo, ha dicho, dependerá de "cómo se desarrolle el conflicto".

El sector de la moda atraviesa un periodo de turbulencias, con tensiones geopolíticas que están levantando nuevas barreras que impactan primero en los proveedores y, en última instancia, en las marcas. La pregunta es si el universo del denim sigue el mismo patrón. Todo apunta a que sí, según confirman diseñadores, responsables de desarrollo de negocio, expertos en I+D e incluso comerciales que, en teoría, deberían transmitir una imagen de estabilidad y optimismo.

Sin embargo, en la edición de primavera de la feria de denim Kingpins, celebrada en Países Bajos la semana pasada, también se han podido ver a entusiastas del denim, vestidos de azul de pies a cabeza. Sus estilismos, cuidadosamente pensados, funcionan como una tarjeta de visita en la feria. Y es que Kingpins es también el lugar donde los profesionales se reencuentran dos veces al año para celebrar y hacer avanzar su tema predilecto: el denim, ya sea en su versión cruda y excesiva, comercial o digna de un museo.

Un ambiente extraño

En Kingpins se ha respirado el mismo ambiente extraño que en otras grandes ferias de moda y en LinkedIn. Tras los aranceles de importación, Estados Unidos ha puesto aún más en jaque las cadenas de suministro al iniciar un conflicto con Irán. La situación se ha agravado esta semana cuando, después de Irán, Estados Unidos también ha comenzado a bloquear activamente la importante ruta marítima del Estrecho de Ormuz. Casi ningún barco con origen o destino en Irán puede atravesarlo.

No todos en la feria se atreven a hablar con sinceridad sobre las consecuencias del conflicto en Oriente Medio. En conversaciones con FashionUnited, algunos profesionales de ventas han pronosticado una rápida recuperación que desembocará en un nuevo periodo de innovación para el denim. La variada oferta en la feria parece confirmarlo, pero en las conversaciones se percibe que algo no encaja.

Incertidumbre

Alberto De Conti, responsable de desarrollo de negocio de Officina39, pone el dedo en la llaga: “Es una obviedad que la situación geopolítica no ayuda. Empieza a ser agotador, si piensas que primero tuvimos la pandemia, con sus consecuencias económicas, y ahora este conflicto. Las empresas están constantemente apagando fuegos, lo que incluye cambios estratégicos en la producción. Y eso distrae del negocio”.

En su opinión, la incertidumbre general es la principal culpable. “Ante las malas noticias puedes anticiparte con un plan B, pero sin una perspectiva a corto plazo, es imposible planificar y la parálisis se apodera de todo”.

El conflicto en el Golfo Pérsico ya está empezando a afectar a Officina39, admite De Conti, porque parte de la producción del proveedor de productos químicos se encuentra cerca de Dubái. Ahora no pueden recibir nuevos suministros allí; la producción se ha detenido temporalmente. “Por ahora, tenemos que trasladarlo todo de vuelta a Italia. Esperemos que esto no dure mucho más”. La diseñadora de denim freelance Sina Steidinger también percibe esa incertidumbre en un ambiente cargado en la feria. “Se habla mucho de lo que nos espera, y no es nada bueno. La gente está muy preocupada por las consecuencias económicas”. Según Steidinger, por eso el sector está optando por ir a lo seguro. “Muchas marcas ya no se atreven a arriesgar. En cuanto a los diseños, eligen el copy-paste”.

Sobre la sostenibilidad —un término de moda que lleva años dominando la feria— no oye nada, ni siquiera durante las presentaciones de tendencias en el escenario principal. “Me parece triste. Hace diez años, todo el mundo decía que la sostenibilidad era una tendencia, mientras que yo pensaba que era el futuro. Quizá, después de todo, tenían razón”. Pero Kingpins es también un evento social, un lugar donde la gente puede reencontrarse. La diseñadora Maria Gunnarsson percibe esa cordialidad en medio del pánico: “Me siento bien y disfruto sobre todo del contacto. Como esta vez no tengo que presentar nada, tengo todo el tiempo del mundo para ver a amigos y volver a inspirarme”.

De lo rígido a lo fluido

A pesar de la incertidumbre, los proveedores siguen innovando. Al fin y al cabo, hay nuevas tendencias de pasarela a las que hay que dar respuesta. Entre ellas surgen tensiones que exigen interpretaciones únicas: ahora mismo, es el auge del denim japonés sin tratar frente a la estética Y2K de los 2000. Esta última tendencia exige metamorfosis extremas del tejido, como el flocking (textura aterciopelada) o los mud washes (aspecto desgastado).

¿Qué buscan los compradores? “Hace tres años, los vaqueros se hacían con performance denim: tejidos stretch”, explica Carolina Wilches, del productor de fibras Naia. “Ahora, el tejido vaquero vuelve a su versión original: el denim japonés de algodón, más rígido”. Wilches describe el dry denim como una estación de paso y observa que la moda ya se mueve hacia lo que ella llama “calidades fluidas”: siluetas que se alejan mucho del clásico vaquero rígido. Estas variantes necesitan menos elastano. Al trabajar con mezclas naturales de lino o viscosa más sostenible, el tejido también es más fácil de reciclar.

Para las blusas vaqueras, Wilches ve surgir otra tendencia: el fake denim, un tejido vaquero con un brillo sedoso que parece más bien viscosa. En cuanto a los acabados, el cliente es insaciable. La experta en sourcing recibe muchas solicitudes de tratamientos a medida, como técnicas de pintura o estampados láser. Los estampados florales y el efecto de salpicaduras de pintura (splatter) también han vuelto.

Aspecto vintage 2.0

En Isko, uno de los mayores productores de tejido de Turquía, observan sobre todo cómo la estética Y2K alcanza la madurez. Si en temporadas anteriores bastaba con un stone wash intenso, ahora las marcas piden recrear ese aspecto desgastado con detalles más técnicos. Eso solo se consigue con un buen rope dye, explica la experta en I+D Asli Can. Gracias a esta técnica de teñido, el núcleo del hilo permanece blanco. Con el desgaste o los tratamientos artificiales (como el stone wash), ese núcleo blanco queda al descubierto, creando el marcado contraste que buscan sobre todo los consumidores jóvenes. Además del núcleo blanco, Isko utiliza ahora tonos base marrones bajo el índigo. Con los lavados, estas capas se desgastan, dejando que la capa inferior se transparente a través del azul para crear un tipo diferente de falso aspecto vintage.

También contribuyen a ese aspecto los ring slubs: hilos con zonas de desgaste blancas, gruesas y finas, que crean un efecto granulado. Sin embargo, el auténtico aspecto vintage sigue siendo difícil de imitar; las marcas tendrán que tener en cuenta el enorme auge que está experimentando el mercado de segunda mano, opina Can. “Vemos en la moda muchos modelos muy usados, los antiguos Levi's y Wrangler. Las mejores piezas cobran vida con los años; el simple hecho de llevarlo puesto le da al raw denim un contraste natural de altos y bajos. El desgaste natural tiene su propia naturalidad”.

Movimiento en el tejido

Según Can, tras un periodo de denim de aspecto limpio, vuelve a haber movimiento en la textura del tejido. Ese movimiento también lo puede mostrar De Conti en Officina39. Entre los nuevos acabados, destaca un estampado láser de pintura roja que se puede grabar con precisión. El resto se elimina durante el lavado.

Con productos químicos también se puede modificar el tacto (handfeel) del tejido. De Conti señala dos polos opuestos: los tratamientos con geles dan como resultado un aspecto de denim liso, típicamente californiano, mientras que el uso de polvos le confiere al tejido una textura áspera y vivida.

Añade que no todas las marcas están abiertas a este tipo de innovaciones. Los diseñadores describen su showroom como una “tienda de golosinas”, pero traducir eso en proyectos comerciales sigue siendo difícil. De Conti suspira: “Cuando miro las tiendas, veo poca innovación en la estética”.

Cuando los grandes presupuestos de innovación están en suspenso, el foco se desplaza a los detalles, como los bucklebacks, unas hebillas de ajuste que vuelven a la parte trasera de la cintura para sustituir al cinturón de cuero. Steidinger hace una observación interesante sobre los bolsillos: se vuelven grandes y llamativos. Según ella, los tamaños habituales ya no encajan en la nueva silueta baggy.

Arte

El futuro tiene que ser prometedor; para eso están pensadas ferias como Kingpins. Para ofrecer inspiración, se organizan proyectos artísticos que tranquilizan un poco al visitante, como un taller de creación para la comunidad del denim en la planta superior; quien quiera puede crear su rostro con retales de tela y confirmar su pertenencia colgándolo en un tablón de corcho.

En el pasillo que conduce al pabellón blanco, se exponen estilismos creativos de las fábricas participantes, inspirados en artistas. Sharabati ha rendido homenaje a Pablo Picasso con un conjunto loose fit muy trabajado, rociado con mucho color. La composición del tejido incluye algodón regenerativo y cáñamo. Artistic Fabric Mills ha elegido a Banksy como musa. Su propuesta es en tonos grises, con una cazadora bomber en la parte superior y un estampado de los ladrillos sobre los que siempre ha expuesto su obra.

Piezas de archivo sobre cuero

Y luego está el proyecto de la recién graduada diseñadora de denim Layla-Rose Stone, que ha venido desde Londres para la feria. Allí estudió moda en el curso BA Fashion de Ravensbourne, con especialización en menswear, cuero y diseño de estampados. Orgullosa, se encuentra junto a un perchero con prendas ponibles de pernera ancha (wide legs) y corte recto (straight fits), y creaciones con engañosos estampados de denim sobre cuero, siguiendo la tendencia de la última temporada: el trompe-l'œil.

Su colección, “Thought Puppet”, es una colaboración con The Vintage Showroom de Londres. Stone ha utilizado su archivo, que incluye prendas de workwear de los años 40, como base para sus estampados. Los ha escalado a sus propios patrones y ha desarrollado una técnica para transferir ese mismo aspecto de denim desgastado a cuero deadstock. Stone ve su futuro con optimismo, en parte porque la tendencia de archivo es buena para el denim. “Veo el denim como la columna vertebral de la moda. Es esencial seguir haciendo referencia a esa historia”.

Las mejores colecciones no se crean detrás de una pantalla. Nacen del movimiento, de la interacción dinámica y frenética entre diseño, ventas y marketing.

Surgen de conversaciones inacabadas, dudas persistentes y energía que fluye. La industria de la moda siempre ha estado fragmentada: los equipos de ventas de viaje, el marketing en la oficina y el diseño a menudo internacional. Sin embargo, donde antes la distancia se salvaba con más presencia física, ahora la colaboración se desplaza cada vez más al ámbito digital.

La cuestión no es solo qué ganamos en flexibilidad. La verdadera pregunta es qué perdemos por el camino, pues esto tiene implicaciones importantes para la conexión entre personas y para la confianza que sostiene a los equipos, esa base que les permite atreverse a crear, alzar la voz y también equivocarse.

El silencioso ascenso de los silos

Donde antes las ideas surgían entre pausas para el café y almuerzos, ahora la colaboración está fragmentada. Los diseñadores trabajan desde sus propias burbujas, los equipos de ventas se mueven entre citas y el marketing existe en línea. Lo que desaparece son las señales sutiles.

Una mirada que añade matices. Un saludo rápido que alivia la tensión. Una corazonada que dice: algo no va bien aquí.

La comunicación se vuelve más eficiente a través del correo electrónico y las redes sociales, pero también más plana y directa. A veces, incluso más cortante de lo previsto. El feedback pierde sus matices. Sin que nos demos cuenta, empiezan a formarse silos. Los equipos siguen funcionando, pero la conexión entre ellos se debilita. Lo que antes era colaboración se está convirtiendo cada vez más en coordinación a distancia. Es precisamente aquí donde se ve afectada la seguridad psicológica: a medida que las señales se desvanecen, resulta más difícil percibir cuándo alguien se está conteniendo.

Dónde reside realmente la fricción

En la moda, la relación entre diseño, ventas y marketing no es un mero extra; es el núcleo de la relevancia. El equipo de ventas percibe el mercado, el de diseño traduce esa energía en formas y el de marketing le da un significado. En cuanto estos tres se desincronizan, se genera ruido. En la moda, el ruido no es un problema menor: afecta al timing, al sentimiento y a la agudeza. El trabajo híbrido hace que esta alineación sea más vulnerable. Las reuniones se vuelven más cortas y orientadas a objetivos, pero también más funcionales. Hay menos espacio para explorar ideas, para el concepto a medio formular que encierra un verdadero potencial.

Al mismo tiempo, la seguridad psicológica pasa de ser algo tangible a algo abstracto. No todo el mundo se siente igual de libre para expresarse en un entorno digital. Esto es especialmente cierto a medida que las relaciones se vuelven más superficiales y desaparecen los momentos informales. ¿Quién dice todavía espontáneamente: “Creo que nos falta algo”? ¿Quién es el que guarda silencio?

El riesgo que no se ve

El mayor peligro del trabajo híbrido es invisible. Es la fricción que pasa desapercibida. El burnout que no se menciona. Los compañeros que se desconectan lentamente sin que nadie se dé cuenta de verdad.

En una industria de alta presión y con plazos ajustados, esto puede escalar rápidamente. La comunicación digital amplifica este efecto. Sin lenguaje corporal, un comentario puede resultar más duro de lo previsto. Lo que falta es contexto. Sin contexto, desaparecen los matices, que es precisamente lo que necesita la colaboración creativa. La seguridad psicológica se encuentra a menudo en las pequeñas cosas: atreverse a dudar, compartir algo inacabado, dar una opinión crítica sin que haya repercusiones. Este mismo espacio se ve presionado cuando la interacción es principalmente digital.

El trabajo híbrido requiere dirección

El trabajo híbrido no es un rompecabezas práctico, sino un rediseño cultural. La conexión y la seguridad psicológica ya no surgen espontáneamente; hay que organizarlas activamente. Esto empieza con decisiones conscientes: ¿cuándo nos reunimos, por qué y con qué propósito? Los momentos presenciales adquieren más valor cuando se centran en lo que no se puede hacer digitalmente: generar confianza, debatir las tensiones y permitir que surjan ideas.

También requiere una comunicación más explícita. Donde los matices no surgen de forma natural, hay que añadirlos con palabras, tono e intención. Esto también se aplica al liderazgo: dejar claro qué constituye un comportamiento normal. ¿Qué significa la transparencia? ¿Cuándo es algo lo suficientemente seguro como para decirlo en voz alta?

¿Qué funciona en la práctica?

• Ritmo en lugar de aleatoriedad. Planificar reuniones presenciales fijas en torno a las fases cruciales del proceso de la colección, desde el concepto hasta el lanzamiento al mercado (go-to-market).
• Dejar espacio para lo inacabado. Reservar conscientemente tiempo para ideas que aún no están del todo formadas. Aquí es donde nacen la confianza y la innovación.
• Sondear el ambiente. Empezar las reuniones no solo con los objetivos, sino con las personas. ¿Cómo está todo el mundo? Esto reduce las barreras para expresarse más tarde.
• Hacer explícito el feedback. Expresar la intención y el tono. Especialmente en un contexto digital, esto evita malentendidos y fricciones innecesarias.
• Garantizar la misma visibilidad. El trabajo a distancia no debe crear una desventaja. Ser visto y escuchado es esencial para la seguridad psicológica.
• Liderar con sentimiento y resultados. Prestar atención no solo a los resultados, sino también a la dinámica del equipo. ¿Quién está callado? ¿Dónde está la tensión?
• Organizar lo informal. La confianza rara vez se construye en reuniones con una agenda apretada. Crear conscientemente espacio para la interacción espontánea, aunque parezca paradójico.

La tecnología está cambiando nuestra forma de trabajar, pero no lo que hace que el trabajo sea significativo. La moda sigue siendo una industria de sentimientos, interacción e intuición. Por ello, aconsejamos un trabajo híbrido consciente, ¡porque las personas no prosperan en silos!

Madrid – Ofreciendo una última actualización sobre el curso, complicado curso, en el que se mantienen las negociaciones para la aprobación del nuevo Convenio Colectivo para los trabajadores de las Industrias del Calzado, desde la Federación de Industrias del Calzado Español (Fice) han hecho un llamamiento apelando a que se mantengan en una “negociación honesta y responsable”. Una llamada al “realismo”, con la que están tratando de encarrilar las conversaciones, después de que del lado sindical haya comenzando ya a hablarse abiertamente de la posibilidad de convocar movilizaciones en el sector.

Tratando de hacer una breve recapitulación de lo acontecido hasta la fecha, a pesar del enfrentamiento en el que se mantenían patronales y sindicatos tras no alcanzar un acuerdo para fijar las tablas salariales para 2026 —cuestión que la parte social ha terminado por llevar ante la Audiencia Nacional—, el pasado 16 de febrero se constituía la mesa de negociación del Convenio Colectivo del Calzado. Órgano de negociación que terminaba por constituirse con miembros de la Asociación Española de Componentes para el Calzado (Aec) y de la Federación de Industrias del Calzado Español (Fice), representando a la parte empresarial, y con los de UGT, con 6 representantes, y CCOO, con 7 representantes, haciendo lo propio en nombre de los representantes del sector.

Con una afección estimada por CCOO, sindicato con mayoría en estas negociaciones, sobre cerca de algo más de 30 000 personas trabajadoras en el conjunto de todo el país, tras ese primer encuentro las partes se citaron a una primera reunión de trabajo, fijada para el pasado 23 de marzo. Un primer encuentro durante el que la parte sindical presentó una plataforma conjunta desde la que, entre otros puntos, proponían un convenio con vigencia a tres años (de 2026 a 2028), con subidas salariales anuales de un +5 por ciento. Propuesta que recibió una fría respuesta, por no decir que un claro rechazo, por parte del lado empresarial, desde donde fue tildada de “inasumible”, al tiempo que se señalaba a los sindicatos por demandar unas condiciones que se alejaban del actual y complejo momento por el que atraviesa el sector. Unas posturas alejadas, que se confiaba con que fueran a poder acercándose durante la segunda mesa de negociación del convenio, fijada entonces para el pasado 8 de abril.

A pesar de esas “buenas” intenciones, lejos de apaciguarse los ánimos estos terminaron de caldearse durante aquella reunión, tras la cual, y a la vista de las manifestaciones hechas por la parte sindical, desde FashionUnited ya advertíamos de las intenciones de los sindicatos de empezar a tomar “acciones” ante la falta de avances en las negociaciones. Y es que si podían asumir que se rechazase su propuesta de máximos, no fue no obstante bien recibida la decisión del lado empresarial de proponer una negociación por bloques, relegando además al final de las negociaciones las materias sobre salarios y jornadas. Un planteamiento al que los sindicatos respondieron exigiendo que antes de la siguiente reunión, programada para este viernes 17 de abril, las patronales del calzado debían remitirles una propuesta “realista” de incremento salarial y reducción de jornada. Y es que de no ser así, señalaban entonces desde UGT, “la representación sindical se verá obligada a replantear sus acciones en la negociación”.

Ultimátum sindical: un convenio firmado el 30 de mayo

Desde ese ya tenso clima de las negociaciones, calentando la reunión programada para hoy, ayer jueves día 16 de abril el sindicado CCOO celebró una rueda de prensa desde la que señaló directa y abiertamente a que, a la vista del curso de las conversaciones con las patronales del sector, el sindicato no descartaba que se convocaran movilizaciones en los próximos meses. Una advertencia que lanzaban siguiendo con lo ya expresado al cierre de la reunión del pasado 8 de abril, apoyándose en los nulos avances logrados hasta la fecha, y en la propuesta que finalmente les han hecho llegar las organizaciones empresariales a los representantes de los trabajadores.

Sobre esta, y según las informaciones dadas en esa rueda de prensa, recogidas por la agencia Europa Press, desde CCOO señalaban que las patronales del calzado han presentado una propuesta en la que, frente a los tres años de vigencia planteada por los sindicatos, plantean un convenio para cuatro años; en la que niegan entrar a acordar una reducción de la jornada, dejándola a expensas de lo que se apruebe por Ley; y en la que, entre el resto de sus puntos, plantean una subida de salarios de un +5 por ciento, pero a diferencia de lo planteado por los sindicatos no anual, sino para el conjunto de los cuatro años de vigencia que proponen para el convenio. Una propuesta que en respuesta ha sido catalogada por CCOO como de mínimos, y con la que desde el lado empresarial estarían abocando a “la conflictividad”. Extremo que únicamente se podría evitar, advertían ahora de una manera aún más clara desde el sindicato, si se logran acordar las principales materias en discusión, se acuerda además incorporar una cláusula de revisión salarial que evite la pérdida de poder adquisitivo, y si además todo eso se logra trasladar a un Convenio que se firme antes del próximo 30 de mayo.

Las patronales llaman al “realismo”, y a acercar posturas

Frente a esas demandas y a ese “ultimátum”, y por primera vez desde que se iniciasen las negociaciones, desde la parte empresarial, y en su nombre desde Fice, han salido a públicamente llamar a los sindicatos a la responsabilidad y al realismo, para la hora de enfrentar las negociaciones del Convenio. Una llamada que han lanzado al tiempo en el que, primero, aseguran ser conscientes del aumento del coste de la vida que está afectando a los trabajadores del sector; pero y segundo, advierten a los sindicatos que no pueden tratar de exigir unas condiciones laborales que vayan a terminar por afectar a la propia supervivencia del sector y de las empresas, afectadas actualmente por un momento especialmente complicado. Un contexto ante el que aseguran que tratarán de estar a la altura, pero mediante medidas que puedan repercutir sin generar costes sobredimensionados directamente sobre “el bolsillo del trabajador”.

“Las empresas son plenamente conscientes de la preocupación existente entre los trabajadores por la evolución del coste de la vida y por la presión que esto provoca en las economías familiares”, señalan desde Fice. “Esa realidad existe y forma parte del contexto de esta negociación”, pero resulta igualmente “cierto que el calzado atraviesa una situación compleja, marcada por la caída de actividad en muchas empresas, la fuerte competencia internacional, la dificultad para repercutir costes al mercado” y por “un entorno general de gran incertidumbre”. Ante este escenario, “la parte empresarial considera que esta negociación debe abordarse con realismo”, y no mediante “propuestas llamativas”.

En ese compromiso, “la representación empresarial está aportando propuestas” desde el objetivo de lograr “compatibilizar mejoras para los trabajadores con la competitividad de las empresas”. “Nuestra obligación en esta mesa es buscar acuerdos posibles, equilibrados y útiles”, desde los que “queremos que cualquier mejora llegue de verdad al bolsillo del trabajador”, pero al tiempo en el que cada una de ellas resulte además “asumible para las empresas y compatible con el mantenimiento del empleo y de la actividad industrial en nuestras comarcas productoras”. Desde esas intenciones, apostillan desde Fice en tono conciliador, “estamos convencidos que ambas partes acercaremos posturas para lograr este objetivo en el marco de una negociación honesta y responsable”.

En la Conferencia de París sobre el estrecho de Ormuz, los cerca de 50 países participantes han exigido una reapertura inmediata, incondicional y completa del estrecho por parte de todas las partes implicadas en el conflicto de Irán. “Exigimos el restablecimiento de las condiciones de libre paso vigentes antes de la guerra y el respeto sin restricciones del derecho marítimo”, ha declarado el presidente francés, Emmanuel Macron, tras la reunión. “Rechazamos cualquier restricción, cualquier acuerdo que de facto equivalga a un intento de privatizar el estrecho y, por supuesto, cualquier sistema de peajes”.

Francia quiere organizar, junto con el Reino Unido, una operación naval neutral, claramente diferenciada de las partes en conflicto, para escoltar y proteger a los buques mercantes que atraviesan el Golfo por la costa iraní. La próxima semana tendrá lugar en Londres una reunión de planificación a tal efecto, que deberá ir acompañada de una estrecha coordinación con los estadounidenses e Israel.

Un mensaje de unidad

“El mensaje de hoy es un mensaje de esperanza. Es, al mismo tiempo, un mensaje de preparación y un mensaje de unidad”, ha dicho Macron. Los europeos están al lado de los países de la región del Golfo, Asia, el continente africano, América Latina y la región del Pacífico.

Tras semanas de bloqueo debido al conflicto de Irán, el Gobierno de Teherán había declarado, poco después del inicio de la Conferencia de París, su intención de reabrir el estrecho de Ormuz al paso de petroleros y buques mercantes. Por su parte, Estados Unidos quiere mantener su propio bloqueo marítimo, que solo afecta a los buques con puerto de origen o destino en Irán, según ha subrayado el presidente Donald Trump.

Madrid – Tras el sentido homenaje dedicado al martes a Adolfo Domínguez, la 080 Barcelona Fashion volvía a vestirse este jueves de emotividad con motivo del desfile de presentación de la última colección del diseñador mexicano Ricardo Seco. Una propuesta comprometida y reivindicativa, siguiendo por otro lado con los códigos creativos del modista, con la que Seco ha aterrizado en Barcelona para de un lado firmar su debut dentro del circuito barcelonés, y del otro celebrar sus 25 años de trayectoria dentro de la industria de la moda.

Estrella por sorpresa de esta 37ª edición de la 080, en la que ha pasado a ocupar el puesto honorífico de diseñador internacional invitado que en un primer momento se le había reservado al creativo estadounidense, de origen dominicano, Raúl López, fundador y director creativo de Luar, siguiendo con lo programado Ricardo Seco realizaba su debut sobre la renovada pasarela barcelonesa este jueves día 16 de abril, tercera jornada de presentaciones oficiales de esta edición de la 080 Barcelona Fashion. Certamen que tocará hoy a su fin tras el desfile del diseñador español David Catalán, igualmente ya bien reconocido a nivel internacional y nombre cada vez más consagrado dentro del calendario oficial de la Semana de la Moda Masculina de París.

Para el caso de Seco, una de las voces más aplaudidas y reconocidas de la escena de la moda mexicana y latinoamericana, desde esa consideración como diseñador internacional invitado de esta edición el mexicano se ha encargado de poner el broche de oro a esta pasada tercera jornada de presentaciones en 080. Una convocatoria bajo cuyo paraguas ha presentado su colección reivindicativa “Orgullo Migrante”, construida a partir tanto de piezas de nueva creación, como de reediciones y actualizaciones de diseños considerados por el modista como de icónicos y especialmente representativos de sus 25 años ya de trayectoria dentro del mundo de la moda. Una combinación, entre diseños de nuevo cuño y piezas extraídas de anteriores colecciones, que ha contribuido a dar profundidad tanto a la propuesta, como a los mensajes que a través de ella Seco ha querido nuevamente presentar ante el público. Unas proclamas más que contestatarias, desde las que el diseñador ha salido a ahondar, inspirándose para ello y en buena parte en la obra “Borders” de la fotógrafa mexicano-americana Mónica Lozano, de la migración y de cómo ese proceso puede llegar a afectar a la propia consideración que nos tenemos, y nos tienen, como personas.

Pese a presentarla en un primer momento como una colección retrospectiva, Seco advierte ahora de que “Orgullo Migrante” realmente “más que una colección retrospectiva es un manifiesto, una narrativa de identidad, resistencia y visibilidad”, apunta el diseñador a lo largo de unas declaraciones que nos hacen llegar desde la dirección de su propia casa de modas. Combinando piezas de nuevo cuño con otras “provenientes de diversas colecciones donde he sostenido un compromiso constante por compartir este orgullo”, la colección, que “nace también del diálogo con la obra ‘Borders’ de Mónica Lozano”, y que se ha empleado para ilustrar no pocos de los diseños, “habla de migrar; pero también de lo que obliga a migrar”, así como de “fronteras que dividen, de sistemas que excluyen” y “de etiquetas que intentan definir quién pertenece y quién no” a un determinado lugar. Y desde esa perspectiva, y desde un discurso plenamente íntimo, también “habla de lo que significa ser mexicano, ser latino”, y de tener que “cargar con ese significado en territorios donde muchas veces no eres bienvenido”.

Entre “capas marianas” y mensajes reivindicativos

Desde esa identidad discursiva, todo y cuando conforma la propuesta se ha puesto por Seco al servicio de ese mensaje reivindicativo y de concienciación. Y cuando señalamos que todo, es todo, desde la propia colorimetría que se ha empleado para dar forma a la propuesta, a la propia naturaleza de unos patrones que entroncan con la estética urbana que bien impera en las calles de los países de Latinoamérica o que se ha estereotipado como “uniforme” de los emigrantes latinos, y hasta llegar a unas prendas que, más allá de imágenes extraídas directamente de la obra de Mónica Lozano, se han decorado con mensajes de reivindicación de ese “orgullo migrante” que da nombre a la colección.

Profundizando en cada uno de estos elementos, en lo que respecta a color, la colección se presenta sostenida sobre una sinfonía cromática dominada por el verde, el blanco y el rojo que tiñen la bandera de México. Tonalidades a las que Seco ha sumado ese “rosa mexicano” que contribuyó entre otros a asimilar con el país el arquitecto Luis Barragán durante el siglo XX; un naranja que además de conectar también con la obra de Barragán para Seco se presenta como transmisor de “energía”; y un negro que por su parte asimila como un símbolo de “fuerza, sofisticación e intensidad urbana”.

En cuanto a las prendas y diseños en sí, de naturaleza “genderless”, para su confección el diseñador ha recurrido al uso de materiales como algodones, sedas, lanas y sobre todo al uso de un cuero que ha sido utilizado para dar forma a cerca del 70 por ciento de las piezas de la colección. Diseños entre los que no faltan chaquetas, capas, camisas, crop-tops o distintos modelos de shorts, y con los que Seco ha salido a reinterpretar la indumentaria tanto urbana como tradicional y estereotipada de los países latinoamericanos, y algunos de los elementos culturales más vinculados a esa misma indumentaria. Un ejercicio que ha cristalizado en piezas y diseños tan potentes como esas capas y chaquetas cuyos cortes parecen imitar mantos como el de la virgen de Guadalupe —que justamente ilustra una de las prendas clave de esta colección “Orgullo Migrante”—, o esos bolsos que se presentan como reinterpretaciones de los fardos que llevan consigo los migrantes, y sobre los que se han marcado mensajes con palabras como “identidad”, “dignidad” o “libertad”.

Una “dimensión conceptual” la que toda esta serie de elementos han terminado por aportar a la propuesta, que es justamente la que ha allanado el camino para que distintas de las piezas que se presentaron este jueves sobre la pasarela de la 080, vayan a terminar por incorporarse a los fondos del Museo Franz Mayer de México. Centro desde el que además se prevé que pasen a ser curadas y presentadas por el Museo FIT de Nueva York, como parte de una programación cultural sobre la que en cualquier caso, y por ahora, no se han adelantado mayores detalles.

Presentada por primera vez y en exclusiva en 080, cada prenda de esta colección “es una declaración”; del mismo modo que “cada look es una forma de ocupar” un espacio negado en muchas ocasiones al migrante. Desde esa reivindicación, señala el diseñador mexicano, las siluetas sin género “nos invitan a reflexionar en un espacio donde la libertad no se negocia” como es el de la calle, que “representan las verdaderas pasarelas del mundo” y que “no entienden de reglas impuestas, solo de identidad”. Desde esa perspectiva, “el color no es estética” sino que se reivindica como “símbolo”, en este caso con el “verde, blanco y rojo como raíz”, el “rosa mexicano y naranja como energía viva”, y “el negro como la dureza de la ciudad” y “como la sombra que también nos construye”. “Esta colección no busca encajar. Busca cuestionar” y “no pide permiso”, y no lo hace “porque ser migrante no es una debilidad. Es una identidad que se defiende, se honra y se lleva con orgullo”.

La firma de lujo belga Delvaux aligera su balance. Su empresa matriz, Richemont, ha condonado 100,6 millones de euros de deuda, según informa De Tijd. La deuda se ha convertido en acciones.

Con esta operación, se ha reforzado el balance de Delvaux. No es la primera vez que la marca belga recibe ayuda de su matriz suiza. En 2022, ya se le concedió un préstamo de 90 millones de euros. Esto ocurrió poco después de que Richemont comprara Delvaux en 2021.

Delvaux fue fundada en 1829 y está considerada la empresa de marroquinería de lujo más antigua del mundo.

En el momento de la publicación de este artículo, ni Richemont ni Delvaux se han pronunciado sobre la reestructuración de la deuda.

Madrid – La multinacional de la moda española el grupo Inditex ha salido a dar la bienvenida a la nueva temporada de Primavera/Verano 2026, ya no solo con la renovación de su oferta, sino también con la puesta en marcha de nuevos puntos de venta en formato pop-up. Unas activaciones que sin ser de una modalidad ni mucho menos nueva dentro del “universo” de la compañía, sí parece que han pasado a arraigar y a empezar a consolidarse como nuevo puntal desde el que sostener su estrategia comercial.

Como última muestra de ese “cambio de cartas” con el que desde Inditex parecen haber salido a dinamizar todavía más “su juego” dentro de la escena minorista global, nos encontramos con la apertura que se efectuó el pasado 8 de abril de una pop-up exclusiva de Zara Man en Nueva York, y con la que se va a llevar a cabo este mismo viernes, 17 de abril, de una pop-up de Massimo Dutti en París. Dos puntos de venta efímeros, con los que desde Inditex se estarían mostrando más que dispuestos y abiertos a seguir explorando distintas modalidades comerciales desde las que continuar brindando una experiencia de compra singular a su creciente comunidad de clientes. Aspiraciones que por otro lado no dejan de ir en la línea de la estrategia de Inditex para seguir fortaleciendo su modelo de negocio durante este 2026, y cuyas claves ya se encargó de adelantar el propio consejero delegado de la compañía, Óscar García Maceiras, durante la rueda de prensa celebrada el pasado 11 de marzo con motivo de la presentación de los resultados anuales del ejercicio de 2025 de Inditex. Una comparecencia la de entonces desde la que Maceiras señalaba, de manera destacada, a cómo durante este nuevo ejercicio “vamos a seguir ideando nuevas maneras de interactuar con nuestros clientes”, mediante la apertura de diferentes espacios comerciales de distinta naturaleza, entre ellos y en una posición destacada “espacios exclusivos de moda masculina”, y todo como parte de esas iniciativas que se van a ejecutar con el objetivo de “seguir fortaleciendo algunos de los elementos claves de nuestro modelo de negocio”.

Desde una perspectiva algo más amplia, la apuesta de Inditex por esta modalidad de espacios/experiencias en formato pop-up no podríamos desligarla de dos factores clave, a la vista de los hechos parece que determinantes para la hora de abonar estas estrategias para la comercialización de su oferta. El primero, de una naturaleza endógena, respondería y sería consecuencia directa de la propia “corrección” que a lo largo de estos últimos años la multinacional de la moda española ha realizado de sus propias estructuras de venta, en lo que ha llevado a la compañía a pasar de las 7 490 tiendas con las que contaba al cierre de su ejercicio de 2018, a las 5 460 que sumaba al cierre de su último año fiscal de 2025. Una pérdida de 2 030 puntos de venta (una contracción del -27,10 por ciento de su red comercial en número de tiendas), que se ha traducido en una pérdida para el mismo periodo de 241 378 metros cuadrados de superficie comercial (-4,86 por ciento), que ha pasado de los 4 962 081 metros cuadrados de 2018 a los 4 720 703 metros cuadrados de 2025, así como y sobre todo en una correspondiente concentración de la red comercial de Inditex.

Como consecuencia de ese mismo ejercicio, la compañía ha pasado a operar con tiendas más grandes y con una mayor superficie de venta, y que a su vez ejercen a través de sus propios almacenes como una suerte de pequeños centros logísticos en proximidad. Un cambio de modelo no exento ni mucho menos de riesgos, entre ellos el de la pérdida de capilaridad y el de ahuyentar a un perfil de consumidor que no se sienta atraído por espacios de esas dimensiones, y que además ya estaba familiarizado con las sensaciones que se les brindaban desde esas otras tiendas de tamaño medio sobre las que habían venido operando desde Inditex. Tensiones hacia con su audiencia que desde Inditex confiarían en poder corregir a través primero de su canal online, y segundo mediante aperturas de tiendas nuevamente más curadas, como las que se están abriendo de nuevo de Zara Man, y experienciales, como las que se están poniendo en marcha en este formato pop-up, cada vez más popular entre las marcas del grupo.

Como segundo factor clave que estaría potenciando esta modalidad de tiendas efímeras, nos encontramos ya con un factor tan exógeno, como el del creciente auge de las nuevas firmas de moda urbana que están surgiendo en mercados clave para la compañía, como lo es España. Marcas que además ya han comenzado a internacionalizarse, apostando para ello justamente por estrategias apuntaladas sobre la apertura de pop-ups experienciales que, primero, les están permitiendo ofrecer experiencias de compra disruptivas y descaradamente dinámicas, y segundo, testar el potencial para llegar a desembarcar en esos distintos mercados internacionales de manera ya definitiva. Unas tácticas con las que tanto su propio público como los profesionales del sector están reconociendo y aplaudiendo su capacidad para haber logrado entrar a redibujar las reglas del comercio minorista de moda, logrando con ello plantar batalla frente a los grandes gigantes del sector, como justamente Inditex. Compañía desde la que queda claro que han pasado ya a tomar sus propias cartas para jugar a este nuevo juego que han pasado a poner ya sobre la mesa las nuevas firmas de moda urbana, que hay que reconocer que están generando auténtico furor entre las nuevas generaciones de consumidores de moda.

Zara Man: pop-up en Nueva York, hasta finales de junio

Poniendo ya el foco sobre las últimas acciones emprendidas a este respecto por Inditex, la principal cadena del grupo por volumen de facturación, Zara, inauguraba el pasado 8 de abril una tienda en formato pop-up en Nueva York dedicada en exclusiva a su oferta de moda masculina. Un espacio con el que, desde el número 73 de Spring Street, en el corazón del SoHo neoyorquino, Zara e Inditex han pasado a profundizar en su estrategia de segmentación en moda masculina en los Estados Unidos, tras la inauguración el pasado noviembre de su primera tienda Zara Man en el país, en el centro comercial South Coast Plaza de Costa Mesa, en California.

A diferencia de esa tienda, permanente, el espacio inaugurado este mes en Nueva York se contempla que permanezca abierta hasta solamente finales de junio, tal y como se encargaban de adelantar hace una semana desde el medio estadounidense de noticias Wwd. Un tiempo el de aquí y hasta entonces durante el que la pop-up —sobre la que ni desde Zara ni desde Inditex han remitido información de manera oficial— ofrecerá una oferta exclusiva y curada de las colecciones de hombre de Zara, tal y como había estado haciendo durante las semanas previas a su puesta en marcha, cuando la tienda abrió sus puertas dedicada entonces a una pop-up exclusiva de la colección cápsula “Vatisimo” diseñada para Zara por el diseñador estadounidense Willy Chavarria. Una propuesta que a partir del pasado 8 de abril se terminó de completar con una oferta más amplia de prendas de las colecciones de Zara, y que los clientes encontrarán repartidas entre los cerca de 200 metros cuadrados con los que cuenta esta pop-up de la cadena en Nueva York.

Con su apertura y puesta en marcha, parece claro que desde Zara, tras ese “cambio de cartas” al que venimos señalando, están entrando de testar el potencial para llegar a abrir la que sería la segunda tienda, permanente, de Zara Man en los Estados Unidos. Un país que se mantiene desde 2021 como el mayor mercado para Inditex por detrás de España, y en el que al cierre del ejercicio de 2025 operaba con 103 tiendas, 102 de Zara y una de Massimo Dutti. Una red comercial que se contempla seguir ampliando durante este 2026, con entre otras la apertura de las dos primeras tiendas de Bershka, y las de otras dos de Massimo Dutti.

Massimo Dutti: pop-up en París, del 17 al 26 de abril

Mucho más efímera va a resultar la nueva pop-up que ha abierto hoy en París la firma Massimo Dutti, la marca “premium” del grupo Inditex. Una tienda efímera que permanecerá instalada del 17 al 26 de abril en el número 7 de la Rue Froissart de la capital del Sena, en pleno corazón del mismo barrio de Le Marais desde el que compartirá escena minorista, por unos días, junto a marcas como Isabel Marant, American Vintage o Ami Paris, y en el que acaba de instalar justamente, y a escasamente unos pocos pasos de esta de Massimo Dutti, su pop-up la también firma de moda española Scuffers. Firma con la que en este caso Massimo Dutti, al menos de entrada, no comparte un mismo público objetivo, aunque sí queda claro que estrategia, tal y como ya señalábamos al comienzo de esta publicación.

Según concretan al respecto desde la dirección de Massimo Dutti, la apertura de esta pop-up se ha llevado a cabo con motivo del lanzamiento esta semana de sus nuevas colecciones “Limited Edition” de hombre y mujer, para la temporada Primavera/Verano 2026. Unas propuestas que se caracterizan por reunir algunos de los códigos más propios de la firma, como lo son el uso de materiales como la piel, el ante, la seda o el lino, y su construcción a partir de patrones marcados por líneas puras que beben de la sastrería tradicional, y que se van a comercializar bajo una cuidadísima atmósfera experiencial. Un ambiente para el que, nutriéndose de esa misma esencia bohemia que exhalan las calles de esta parte concreta del barrio de Le Marais, plagada de galerías de arte, cafés y estilosas boutiques, desde Massimo Dutti han establecido una serie de distintas colaboraciones, con entre otros la Librería Yvon Lambert, la chef Rose Chalalai, la fotógrafa Saskia Lawaks, las galerías de arte Jacques Lacoste y Laffanour, la florista Nina Charles y con Café Nuances, responsables de operar el pequeño espacio de café que se ha instalado en el interior de la pop-up.

Massimo Dutti ha planteado esta experiencia pop-up como “una extensión natural de una manera de entender el producto”, y de hacerlo “no solo como objeto de diseño, sino como punto de encuentro entre ‘savoir-faire’, curaduría y afinidades creativas”, destacan desde la dirección de la firma de moda. Desde esa perspectiva, “la activación en París subraya así una visión en la que la colección se expande a través de colaboraciones seleccionadas con precisión, capaces de aportar contexto, profundidad y valor cultural a la experiencia de marca”; todo enmarcado bajo el paraguas de esta activación, con la que Massimo Dutti “consolida una forma de ‘construir colecciones’ en la que el producto ocupa el centro, pero se enriquece a través del intercambio con otras miradas creativas”. De esta forma, y como un referente que habrá que estar atentos para ver cómo sigue evolucionando a partir de esta activación, “la pop-up de París se convierte así en la expresión de una edición especial” de sus colecciones “Limited Edition”, “pensada desde la colaboración, la sensibilidad estética y la vocación de permanencia”.

Impulsada por el entusiasmo en torno al trail, la marca Kiprun (experta en el sector y parte de la cartera de la firma Decathlon) busca consolidar su posición entre los principales actores de la escena internacional. Para ello, la compañía ha anunciado este 17 de abril la firma de una colaboración de tres años con el atleta especializado en trail Mathieu Blanchard.

La colaboración destaca por el perfil específico del atleta. Mathieu Blanchard, ingeniero de formación, se incorpora a los procesos de diseño de la marca. Su palmarés incluye una victoria en la Diagonale des Fous en 2024, así como podios en la UTMB y en la Hardrock 100. El atleta participará en el desarrollo de futuros equipamientos, utilizando las carreras extremas como un laboratorio para probar y validar los productos en condiciones reales.

Los puntos clave de esta nueva colaboración estratégica:

• Mathieu Blanchard se compromete por tres años para reforzar el equipo de atletas de la marca.

• El atleta aportará su experiencia como ingeniero al diseño de los productos del futuro.

• Los equipamientos desarrollados tendrán como objetivo responder a las exigencias del alto nivel sin dejar de ser accesibles para los consumidores.

• La marca de Decathlon se apoyará en esta colaboración para continuar su crecimiento, ya que actualmente está presente en 70 países.

“Lo que me convenció de Kiprun es la oportunidad de conectar todo lo que me apasiona: el rendimiento, la aventura y la innovación”, explica Mathieu Blanchard en un comunicado. El atleta añade que su objetivo es transformar lo que le funciona en las carreras exigentes en soluciones accesibles para todos los corredores.

Al asociarse con un perfil híbrido como el de Mathieu Blanchard, Kiprun demuestra una clara voluntad de posicionarse en una gama más alta y de estructurar su capacidad de innovación frente a los actores históricos del sector. Anthony Dulieu, director general de Kiprun, precisa que esta incorporación se inscribe en la continuidad de una estrategia global orientada a diseñar productos capaces de competir al más alto nivel.

Este artículo ha sido redactado en parte con el apoyo de una herramienta de inteligencia artificial antes de ser completado y editado por un periodista de FashionUnited.

La colección Primavera/Verano 2026 de GAS se arraiga en la esencia más auténtica de la marca: el denim. Como elemento fundamental de la identidad de GAS, el denim impulsa la construcción de todo el guardarropa, complementado por básicos actualizados y cápsulas estacionales que interpretan las tendencias contemporáneas manteniendo un enfoque constante en la herencia de la marca.

El resultado es una oferta versátil, basada en el núcleo del denim, cortes icónicos, lavados auténticos y reinterpretaciones de piezas históricas, tomando forma a través de tres grandes mundos temáticos: Sport Heritage, Racing y Workwear. Tres universos distintos pero complementarios que definen la identidad visual y conceptual de la temporada.

El corazón del denim: Performance, Authentics y Specials

El corazón de la colección está representado por tres grandes áreas de denim:

• Performance: tejidos técnicos elásticos de alto rendimiento diseñados para garantizar comodidad, recuperación y un ajuste perfecto en estilos skinny y slim.
• Authentics: denim rígido o elástico de confort en acabados stone-washed y vintage, con cortes que van desde el slim y regular hasta el ancho, evocando una estética atemporal.
• Specials: cápsulas estacionales que introducen nuevos cortes, tonos de tinte frescos y pesos de tejido actualizados alineados con las tendencias actuales.

Sport Heritage: icónico, urbano y funcional

Como uno de los temas más representativos de la temporada, Sport Heritage reinterpreta la estética de las históricas colaboraciones deportivas de GAS con un toque urbano. Cortes fluidos, tejidos ligeros y detalles funcionales definen looks deportivos y versátiles. Los gráficos de archivo y los logotipos de los años 90 regresan como elementos clave en sudaderas, chaquetas y camisetas, en una paleta que alterna tonos neutros y neón, reflejando la energía de la pista.

Racing: la adrenalina cambia de marcha

El tema Racing evoluciona a lo largo de la temporada, interpretando las carreras como una metáfora de la transformación. En una primera fase, la estética es audaz y urbana, con chaquetas de piel tratada, punto técnico, prendas de exterior de nailon y gráficos multitecnológicos. En la fase más veraniega, el discurso cambia: inspirado en las carreras del desierto, el tema adopta tonos más neutros combinados con materiales naturales, ligeros y transpirables. Surgen bordados, crochet, flecos y motivos paisley, especialmente en la colección femenina, explorando una feminidad más libre, solar y bohemia, siempre con el toque distintivo de la marca.

Workwear: utilidad evolucionada

GAS Workwear evoluciona hacia una elegancia funcional, presentando conjuntos de denim oscuro (rinse) y a rayas, chalecos utilitarios, chinos estructurados y camisas en nuevos pesos de tejido. Las siluetas son definidas pero nunca rígidas. Se introduce el punto con nuevas texturas de nido de abeja (waffle), rayas en contraste y cortes relajados diseñados para un juego de capas práctico pero refinado. Un nuevo sistema de etiquetado con parches de cuero realza el espíritu utilitario y la atención al detalle.

Una paleta equilibrada

La paleta de colores abarca todos los tonos de índigo, enriquecida con acentos de azul eléctrico, rojo amapola y amarillo. Estos avanzan hacia tonos cálidos y terrosos como el avellana y el marrón, junto con neutros elegantes como el gris melange, el blanco roto y el negro. El resultado es un lenguaje visual perfectamente equilibrado, adecuado tanto para estilos audaces como minimalistas.

Materiales, detalles y estilo

Toda la colección se define por una fuerte atención al detalle: costuras de cadeneta en contraste, cintas de orillo (selvedge), forros ribeteados y parches de cuero. Cada elemento contribuye a narrar una identidad sólida, reconocible y coherente. Desde los éxitos de ventas revisitados hasta las nuevas piezas icónicas, cada prenda está diseñada para durar, evolucionar y destacar.

GAS SS26 es una colección con visión de futuro que nunca pierde de vista sus raíces. Una propuesta limpia y contemporánea diseñada para satisfacer las necesidades cotidianas con estilo, personalidad y funcionalidad.

Madrid – Lejos de conformarse con las acciones que se están impulsando a nivel europeo para reforzar su sistema aduanero, y en especial frente a las plataformas chinas de comercio online, desde el Consejo Intertextil Español (CIE), la gran patronal española de la industria textil, han salido esta semana a reclamar el “refuerzo urgente” de los controles en frontera. Una medida que estiman como más que necesaria, frente a tanto el aumento de las importaciones vinculadas al comercio online, como a la lentitud de los plazos con los que desde Europa se aspira a completar esa reforma completa de su marco aduanero.

Como base de sus reclamaciones, que no dejan de ir en la misma dirección de las demandadas por otras organizaciones empresariales sectoriales españolas como Arte y La Distribución - Anged(las patronales de las grandes cadenas y la de El Corte Inglés) o las de las empresas del calzado y de la marroquinería Fice, Asefma, Ancc y Aecc, desde el CIE sacan a relucir en primer lugar los 4 600 millones de envíos de bajo valor comercial que se estima que llegaron a entrar en la Unión Europa en 2024. Una cifra que se contempla que haya aumentado un +28,26 por ciento, hasta los 5 900 millones, durante 2025, reflejando un flujo tan masivo como creciente de importaciones hacia Europa de bajo valor, en gran medida procedentes de manera mayoritaria de plataformas asiáticas de comercio online, y con moda y textil y calzado como principales categorías.

Ante ese volumen de importaciones, desde el CIE advierten de que los actuales controles en frontera se mostrarían ineficaces y con serias dificultades para la ahora de realizar las necesarias comprobaciones de los envíos, hasta ahora además ya mínimas para esos envíos de bajo valor y ajustados a esa ya en vías de desaparición —con la entrada del nuevo arancel de 3 euros a partir del próximo 1 de julio— categoría “de minimis” para envíos con un valor inferior a los 150 euros. Unas dificultades que entrañan el potencial riesgo de que buena parte de los productos se introduzcan en el mercado sin las exigencias mínimas que sí se aplican y demandan a las empresas europeas, creando con ello un marco de competencia desleal que, para lo que atañe a la industria textil, supone una amenaza directa para un sector el de la industria textil europea que genera ingresos por cerca de 170 000 millones de euros anuales, unos 1,3 millones de puestos de trabajo, y de la que participan alrededor de 192 000 empresas, más del 99 por ciento de ellas pymes. Pero además, y mirando más allá de los potenciales efectos para la industria, inciden también desde el CIE en cómo esa falta de controles también implican potenciales riesgos para los consumidores, ante la falta de controles que comprueben el que efectivamente los productos que llegan a Europa cumplen con las normativas de seguridad correspondientes que la UE sí exige en todo momento a las empresas radicadas en sus Estados miembros.

Se tratan todos estos de unos peligros que ya han sido reconocidos por el propio Gobierno de España, desde donde se ha empezado a trabajar en un plan estratégico para el Refuerzo de la Vigilancia de Mercado (Plan Revime), que entre sus principales puntos contempla diferentes medidas para reforzar el “control en frontera” de las importaciones; también para los envíos de importe inferior a 150 euros. Unas medidas que van en la línea de las que se reclaman por parte de patronales como el CIE, pero que en cualquier caso no se contempla que terminen por ejecutarse de manera separada a esa reforma aduanera de la UE, que se espera que se complete en 2028.

Ante esta situación, “la industria textil española, a través del Consejo Intertextil Español (CIE), reclama un refuerzo urgente de los controles en frontera ante el fuerte aumento de las importaciones vinculadas al comercio electrónico y el volumen creciente de envíos de bajo valor que acceden al mercado europeo”, señalan desde el CIE. Además de ese refuerzo, la patronal textil considera igualmente “prioritario” el “mejorar la coordinación entre aduanas y autoridades competentes y adaptar el sistema al nuevo volumen de importaciones ligado al comercio electrónico”. Y si bien “valora positivamente que la Unión Europea haya empezado a reformar su marco aduanero”, se “advierte de que los plazos previstos siguen siendo lentos frente a la velocidad a la que crecen estas importaciones”, si se tiene en cuenta que “la aplicación completa del nuevo sistema no se espera hasta 2028”. Unos tiempos frente a los que en cualquier caso “la industria considera necesario avanzar más rápido en todas aquellas medidas que puedan ponerse en marcha antes”.

“La frontera no puede convertirse en un punto ciego”, advierte José María Mestres, presidente del CIE, sino que “debe ser una garantía para el consumidor y para las empresas que sí cumplen”. “Si no corregimos estas desigualdades, seguiremos debilitando la base industrial europea”, denuncia, al tiempo en el que señala además que con estas demandas no se pretende “poner trabas al comercio”, sino “garantizar que todos los productos que se venden en Europa compitan con las mismas reglas”; y “si esa exigencia no se aplica de forma efectiva en frontera, la industria europea pierde capacidad para competir y sostener el empleo”.

Competencia desleal y riesgos para los consumidores

Ahondando en esa doble naturaleza que se ha identificado de los potenciales riesgos que implica la “laxitud” de los controles fronterizos en la UE, desde el CIE se señala a concretamente dos ámbitos “especialmente sensibles”, tanto para lo que atañe a esa presunta “competencia desleal”, como a sus riesgos para los consumidores. Peligros que además se dan no de manera independiente sino conjunta, para el caso de los primeros contando como principal “punto crítico” con el de la verificación del origen declarado de los productos importados; y de los segundos, con el de su composición química. Riesgos ante a los que inciden desde el CIE aplaudiendo la reforma que se está impulsando del marco aduanero de la UE, y advirtiendo de cómo mientras se completa, la realidad sigue siendo la de una industria textil que tiene que hacer frente, si no se toman las medidas necesarias con urgencia, a una competencia desleal que compromete inversiones y puestos de trabajo.

“La reciente reforma del Código Aduanero de la Unión supone un paso relevante” y “apunta en la dirección correcta”, al asentar el principio de que “vender en Europa debe implicar también asumir plenamente la responsabilidad sobre el cumplimiento de sus normas”. Pero mientras se completa, la realidad es que “la industria europea asume costes regulatorios, fiscales, laborales y medioambientales cada vez más exigentes”, mientras “parte de los productos importados entra en condiciones más laxas”, denuncian desde el CIE. Y “esa diferencia crea una desventaja competitiva que reduce márgenes, frena la inversión y compromete el futuro del sector”.

1.- La cuestión del “origen declarado”

Ahondando en esos dos principales “puntos críticos” que se han identificado para cada una de esas dos principales áreas de afección, en lo relativo a esa “competencia desleal” el CIE señala que el refuerzo del control en frontera debería de ir especialmente dirigido a solventar la “verificación del origen declarado” de los productos importados. Y es que ese origen es el que termina por determinar los aranceles a los que deberá de hacer frente esa importación, y las condiciones en las que realmente entra a competir con los productos de las empresas europeas. Un apunte con el que desde el CIE de lo que vienen a advertir es de que puede haber empresas importadoras que traten de recurrir a terceros países para, desde ahí, introducir sus envíos en Europa, beneficiándose de aranceles más bajo y/o de condiciones comerciales más ventajosas.

“Determinar correctamente de dónde procede un producto no es un detalle menor”, sino que “puede afectar a los aranceles, a la aplicación de medidas comerciales y a las condiciones en las que ese producto compite en el mercado europeo”. Por eso “cuando el origen no se verifica con rigor, aumenta el riesgo de que algunos productos entren con ventajas indebidas”. Para el CIE, señalan, el “garantizar una verificación rigurosa del origen es una cuestión de equidad de mercado”, porque “las empresas que producen con transparencia no pueden competir en inferioridad frente a operadores que se benefician de controles insuficientes o de interpretaciones laxas”.

2.- Los riesgos para los consumidores: la composición química

En lo que respecta a los riesgos para los consumidores, desde el CIE demandan que ese refuerzo del control en frontera de las importaciones debería por su parte dirigirse de manera preferente a comprobar la composición química de los productos importados. Unas composiciones que señalan que representan el origen de cerca del 50 por ciento de las alertas notificadas a los sistemas europeos de seguridad de producto, con además la categoría de textiles y moda entre sus productos más afectados. Y es que pasando desapercibidas a ojos del consumidor común, las prendas y los textiles pueden contener sustancias químicas nocivas y potencialmente tóxicas, que se controlan a nivel europeo pero frente a las que otros países pueden contar con regulaciones igualmente mucho más laxas. De ahí el que desde el CIE demanden que se refuercen las verificaciones de los textiles y prendas importadas mediante inspecciones, muestreos e incluso análisis de laboratorio, y sobre todo para las categorías de “mayor riesgo”, como lo serían las de ropa infantil.

“Los productos textiles comercializados en la Unión Europea deben cumplir la normativa vigente y no incorporar sustancias restringidas o prohibidas por encima de los límites permitidos”, y “si ese control no se aplica con el mismo rigor a los productos importados, se genera una doble consecuencia”, porque primero “se castiga a las empresas que sí cumplen”, y segundo “se introduce un riesgo real para el consumidor”, apuntan al respecto desde el CIE. Y “no es una advertencia abstracta”, añaden, puesto que lo que significa es que “una prenda puede contener sustancias que el consumidor no ve, pero que pueden estar relacionadas con irritaciones cutáneas, alergias o exposición continuada a compuestos potencialmente tóxicos”. “El riesgo es especialmente sensible en ropa infantil o en prendas de uso intensivo”, para las que el CIE “considera necesario reforzar las verificaciones mediante inspecciones, muestreo y análisis de laboratorio”.

El papel de los consumidores

Como último apunte, y no por ello menor, desde el CIE abogan a la responsabilidad propia que deben mostrar y que tienen los consumidores, al ejercer libremente sus decisiones de compra. Una libertad ante la que no obstante les invitan, nos invitan, a ser conscientes de los riesgos que entraña el adquirir productos procedentes de fuera de la Unión Europea sin garantías de control, atraídos en la mayoría de los casos por sus irresistibles bajos precios. Un apunte desde el que no obstante nos vuelven a redirigir a a esas palabras de su presidente, puesto que ¿no debería ser la UE, junto a sus Estados miembros, la que se encargase de impedir que esos artículos sin “garantías de control” pudieran introducirse en el mercado y llegar hasta el consumidor europeo?

Frente a esa falta de control, en cualquier caso el CIE subraya “la importancia de que el consumidor sea consciente de lo que implica comprar productos procedentes de fuera de la Unión Europea cuando no existen garantías equivalentes de control”; y es que “no se trata solo del precio”, sino que con esas decisiones se ponen “en juego la seguridad del producto, el empleo, la actividad industrial y la capacidad de Europa para seguir produciendo bajo sus propios estándares”. En cualquier caso, y “a juicio del CIE, vender en Europa debe implicar el cumplimiento efectivo de unas mismas reglas para todos”, y “cuando eso no ocurre, pierde la industria, pierde el consumidor y pierde el conjunto de la economía productiva europea”.

A pesar de la guerra con Irán, los buques alemanes que operan en la región del Golfo podrán seguir contando con un seguro. Así lo ha comunicado la Asociación Alemana de Seguros (GDV).

“Las aseguradoras están ajustando las condiciones y los precios, pero no se están retirando”, ha declarado Jörg Asmussen, director general de la GDV. Según la asociación, las aseguradoras también siguen ofreciendo las llamadas pólizas de riesgo de guerra, que suelen cubrir daños causados por minas, por ejemplo.

Según la Asociación de Armadores Alemanes (VDR), las navieras contratan sistemáticamente seguros de riesgo de guerra para las travesías y estancias en zonas de riesgo. La VDR también representa a navieras cuyos buques están atrapados en el Golfo Pérsico, donde el tráfico en el Estrecho de Ormuz se encuentra prácticamente paralizado. Según la asociación, al menos 50 buques de navieras alemanas están inmovilizados en el Golfo.

Las aseguradoras ejercieron su derecho de rescisión

A principios de marzo, poco después del inicio de la guerra con Irán a finales de febrero, la GDV había comunicado que las aseguradoras de buques estaban ejerciendo su derecho a rescindir las pólizas de riesgo de guerra. Según la VDR, las aseguradoras ofrecieron posteriormente la cobertura a precios considerablemente más altos.

Se trata de “un procedimiento habitual cuando la situación de riesgo cambia a corto plazo”, ha comunicado la VDR. La consecuencia son unos costes adicionales elevados para los armadores. En el caso de los grandes buques mercantes, es necesario pagar sumas de seis o siete cifras para asegurar los barcos contra daños de guerra.

Corredores de seguros: los precios se han multiplicado

Raik Becker, que trabaja en la correduría de seguros Marsh Risk y negocia con las aseguradoras en nombre de las navieras, ha declarado este miércoles a la agencia de noticias alemana Deutsche Presse-Agentur que los precios de los seguros de riesgo de guerra se han multiplicado desde el estallido del conflicto. Según su experiencia, son, de media, entre cinco y seis veces más altos que antes.

Las navieras tienen que pagar aproximadamente entre el tres y el siete por ciento del valor del buque por una travesía asegurada a través de una zona de alto riesgo como el Golfo, ha añadido Becker. También existen seguros de riesgo de guerra para los buques atrapados en el Golfo. En tal caso, se acuerda un periodo de tiempo durante el cual el seguro es válido.

El Estrecho de Ormuz es un paso marítimo al sur de Irán y una de las rutas más importantes para el comercio de petróleo y gas. Irán amenaza la libre navegación en el estrecho y ha paralizado en gran medida el tráfico. Estados Unidos estableció un bloqueo naval el lunes.

Nueva York - Victoria Beckham, a quien su hijo mayor acusa de querer “controlar” su vida y de haber intentado “arruinar” su matrimonio, ha respondido que ella y su marido David siempre han intentado “proteger” a sus hijos, en una entrevista concedida el jueves al Wall Street Journal.

En un largo mensaje publicado en enero en las redes sociales, Brooklyn Beckham, de 27 años, reprochó a sus famosos padres, entre otras cosas, dar más importancia a la “marca Beckham” que a cualquier otra cosa.

Según él, en las semanas previas a su boda en 2022 con la actriz estadounidense Nicola Peltz, intentaron convencerle de que “abandonara” sus derechos sobre su nombre.

Al ser preguntada por el periódico estadounidense sobre estas acusaciones, Victoria Beckham, la ex-Spice Girl convertida en una exitosa diseñadora de moda y empresaria, se ha defendido, al igual que su marido, el excapitán de la selección inglesa de fútbol, sin nombrar directamente a su primogénito.

“Siempre hemos intentado ser los mejores padres posibles. Sabe, llevamos más de treinta años en el punto de mira, y todo lo que hemos intentado hacer es proteger a nuestros hijos y quererlos”, ha asegurado.

“Ser padres de jóvenes y adultos, Dios mío, es muy diferente a tener niños pequeños. Creo que lo hacemos lo mejor que podemos”. Los Beckham cultivan en las redes sociales y en los medios de comunicación una imagen de pareja glamurosa y cómplice, a la que todo le sale bien, muy unida a sus otros tres hijos.

“Desde el momento en que empecé a oponerme a mi familia, he sufrido innumerables ataques de mis padres, tanto en privado como en público, transmitidos a la prensa bajo sus instrucciones”, les reprocha también Brooklyn.

David Beckham, por su parte, no ha respondido directamente a las preguntas sobre las tensiones con su hijo, pero, durante un programa de la CNBC sobre el uso de las redes sociales por parte de los niños, estimó que estos últimos tenían “derecho a cometer errores”.

El auge bursátil de la antigua firma de calzado Allbirds, tras su sorprendente giro hacia el negocio de la inteligencia artificial (IA), ha perdido impulso. Las acciones cayeron el jueves más de un -35 por ciento, después de que su valor se hubiera multiplicado previamente por 7.

Allbirds fue en su día una marca de calzado popular, también en los círculos tecnológicos, que tuvo sus orígenes en Nueva Zelanda. Tras su salida a bolsa en 2021, Allbirds llegó a estar valorada en unos 4.000 millones de dólares, pero hace unas semanas su valoración cayó por debajo de los 40 millones de dólares y la empresa se encontraba al borde del cierre.

¿Un nuevo comienzo como especialista en IA?

Pero entonces, la compañía anunció de repente un nuevo comienzo como proveedor de infraestructura para inteligencia artificial bajo el nombre de NewBird AI. Un inversor, cuya identidad no ha sido revelada, anunció que inyectaría hasta 50 millones de dólares en la empresa. A raíz de esto, el precio de la acción se disparó temporalmente de unos 3 a cerca de 21 dólares. El jueves, volvió a caer hasta la marca de los 10 dólares.

Los analistas atribuyeron la subida, entre otras cosas, a la tendencia de los inversores a apostar por cualquier cosa relacionada con la IA. Esta situación recuerda a la de hace unos años, cuando bastaba con anunciar cualquier proyecto relacionado con monedas digitales como el Bitcoin para que las acciones subieran. Gene Munster, de la firma Deepwater Asset Management, declaró al servicio financiero Bloomberg que, aunque el anuncio de Allbirds carece de sustancia, para los inversores son suficientes el entusiasmo y el potencial. Además, añadió que los planes tienen una “sana dosis de absurdo”.

All Conditions Gear (ACG) está redefiniendo lo que es posible en la ruta con el lanzamiento de las Zegama Hike, unas botas de senderismo de alto rendimiento diseñadas para difuminar los límites entre el calzado de running y el de senderismo.

Diseñadas para avanzar con seguridad sobre terrenos abruptos, al tiempo que ofrecen ligereza, capacidad de respuesta y comodidad durante todo el día, las Zegama Hike incorporan las innovaciones de rendimiento más avanzadas de ACG al calzado de senderismo, dando respuesta a los deportistas outdoor que exigen estabilidad, protección y amortiguación, sin importar las condiciones o el terreno.

Las Zegama Hike son la primera propuesta de senderismo dentro de la línea de calzado de rendimiento de ACG tras el relanzamiento de la marca en febrero. La bota combina el ADN ligero y reactivo de la zapatilla de trail running Zegama Trail con la durabilidad y la sujeción necesarias para rutas más largas y exigentes, creando un nuevo estándar para el calzado moderno de senderismo.

“Zegama Hike rompe esquemas por las razones adecuadas, al llevar lo mejor de la innovación de Nike al senderismo y ofrecer un sistema integral que sitúa las necesidades del deportista en el centro”, afirma Brenden McAleese, director de calzado de ACG. “ACG está haciendo lo que mejor sabe hacer la marca: imaginar equipamiento de alto rendimiento envuelto en la magia única de ACG”.

En la base de las Zegama Hike se encuentra una horma específica para trail con mayor espacio en el antepié y en la puntera, lo que proporciona un ajuste cómodo para largas jornadas en el sendero. Una construcción de espuma apilada refuerza esa comodidad, con una capa mullida y reactiva de espuma ZoomX ajustada para trail situada directamente bajo el pie, envuelta por una espuma más protectora y rígida diseñada para mejorar la durabilidad y la estabilidad en terrenos irregulares.

Para mantener a los deportistas bien sujetos en senderos técnicos, las Zegama Hike de caña media incorporan un sistema de ajuste de referencia diseñado para ofrecer una sujeción segura y confianza en cada paso, estabilizando el talón y el tobillo en subidas pronunciadas y descensos. La durabilidad está integrada en cada elemento de la parte superior, con refuerzos engomados, protecciones reforzadas en la puntera y el talón, y una polaina precisa en el tobillo que ayuda a evitar la entrada de suciedad, al tiempo que mantiene la comodidad durante un uso prolongado.

En la parte inferior, las Zegama Hike están equipadas con tecnología Vibram Megagrip, que proporciona una tracción fiable tanto en superficies mojadas como secas. Diseñadas para mejorar la estabilidad y el control en los descensos, una base más ancha y una sólida cobertura de goma aportan a los deportistas outdoor la confianza necesaria para moverse con eficacia por senderos empinados y rocosos con la mochila completamente cargada.

Además, la silueta presenta una estética atrevida que va más allá de la de una bota de senderismo tradicional, al contrastar las líneas sencillas propias del calzado de trekking con nuevos elementos de diseño de ACG y combinaciones de color llamativas que destacan en cualquier sendero. ACG desarrolló las Zegama Hike escuchando de cerca las necesidades cambiantes de los deportistas outdoor que buscan un calzado de senderismo más ligero, capaz de ofrecer comodidad y protección durante todo el día en terrenos abruptos. ACG probó ampliamente los prototipos en senderos de todo el mundo, desde largas caminatas en Oregón hasta travesías en los Alpes, realizando pruebas de ajuste con un club local de running en Corea, colaborando con un grupo de senderismo urbano en Los Ángeles y trabajando junto a deportistas universitarios en Utah. Al mismo tiempo, los innovadores de ACG sometieron la silueta a caminatas de entre 8 y 10 horas con mochilas completas para garantizar un rendimiento constante en condiciones reales.

Las Zegama Hike representan la evolución continua de la línea de calzado de ACG, creada para que a los deportistas outdoor les resulte más fácil encontrar la capacidad de respuesta, la comodidad y la durabilidad que necesitan para correr, caminar y explorar. Diseñado con aportaciones directas de deportistas outdoor y probado en todo tipo de superficies y estaciones, el calzado de ACG está hecho para rendir, resistir y destacar, allí donde lleve el sendero.

Las ACG Zegama Hike estarán disponibles en julio de 2026 en el sitio web y en tiendas seleccionadas.