El marketplace online estadounidense Ebay ha nombrado a Saskia Meier-Andrae vicepresidenta (VP) y directora general (GM) para Europa.

Meier-Andrae asume un cargo de nueva creación que unifica la dirección de todo el negocio del marketplace en la UE, según ha comunicado Ebay este viernes. Procedente de la propia empresa, Meier-Andrae ha sido responsable del mercado alemán como directora general desde marzo de 2024 y, según su perfil de LinkedIn, desde septiembre de 2025 también de la región de Europa Central. Anteriormente, trabajó para el minorista de muebles online estadounidense Wayfair, donde su último cargo fue el de responsable para Alemania. En su nuevo puesto, seguirá dirigiendo el mercado alemán y reportará a Oliver Klinck, vicepresidente y director general de Mercados Globales y Consumer-to-Consumer.

“En los últimos dos años y medio, Saskia Meier-Andrae ha sido una figura clave en la configuración de nuestra estrategia de crecimiento. Al mismo tiempo, sabe combinar las ventajas de la escalabilidad con las diversas necesidades de nuestros mercados europeos. Esto la convierte en la persona idónea para unificar nuestros marketplaces en la UE y liderar la siguiente fase de nuestro desarrollo en Europa”, ha declarado Klinck.

Un posicionamiento más fuerte a nivel europeo

Con este nombramiento no solo se busca impulsar el comercio transfronterizo en la UE. Según el comunicado, Ebay también quiere dar más prioridad al ámbito europeo, desarrollar capacidades transversales entre mercados y escalar más rápidamente las soluciones de éxito. El objetivo es que los marketplaces de cada país colaboren más estrechamente. La responsabilidad de cada mercado seguirá recayendo en los equipos locales.

“Para nosotros, la cuestión no es: ¿europeo o local? La cuestión es: ¿dónde aporta más valor la escalabilidad europea y dónde es la proximidad local la ventaja decisiva?”, ha afirmado Meier-Andrae. “La cercanía con nuestra comunidad es una de las grandes fortalezas de Ebay y, por tanto, seguirá siendo una parte esencial de nuestro modelo”.

Un ejemplo de cómo puede ser esta mayor integración es, según Ebay, la verificación de autenticidad para artículos de moda pre-loved y de lujo. Desde agosto, el servicio está disponible para compradores y vendedores de Francia e Italia, además de Alemania, aunque la verificación se sigue realizando en Alemania. Los artículos aprobados obtienen una mayor visibilidad en los tres mercados.

Ebay lleva tiempo expandiendo su negocio de moda. En febrero, la compañía ha anunciado la adquisición del marketplace de reventa Depop a Etsy por aproximadamente 1.200 millones de dólares estadounidenses.

El director ejecutivo del Consejo de Diseñadores de Moda de América, CFDA (por sus siglas en inglés, Council of Fashion Designers of America), Steven Kolb, ha protagonizado un altercado físico con activistas de People for the Ethical Treatment of Animals (PETA) el domingo en el desfile de Cos, de H&M, durante la New York Fashion Week. En vídeos que ya circulan por las redes sociales, se ve a Kolb empujando a un manifestante hacia una ventana, tapándole la boca, y más tarde forcejeando con una manifestante hasta tirarla al suelo y taparle también la boca. Según PETA, ambos activistas van a presentar una denuncia policial y tienen la intención de emprender acciones penales.

Tras el incidente, Kolb ha declarado en sus stories de Instagram que “reaccionó de forma inapropiada”. “No era mi papel hacerlo. Debería haber dejado que el equipo de seguridad se encargara de la situación”, ha escrito.

PETA ha comunicado que los activistas protestaban por la asociación comercial entre H&M Group y una granja certificada por NATIVA, cuyos trabajadores fueron presuntamente grabados “pateando y pisoteando a ovejas aterrorizadas y dejándolas con heridas abiertas tras un esquileo rudimentario”, ha señalado la organización.

“Las acciones de hoy demuestran cómo altos cargos de la moda utilizan la violencia para silenciar a quienes denuncian cómo se golpea, desangra y mata violentamente a las ovejas para fabricar bufandas y jerséis”, ha declarado la fundadora de PETA, Ingrid Newkirk, en un comunicado el domingo. “PETA pide a H&M y a Cos que prohíban la lana en sus colecciones e insta a todo el mundo a comprar en otro sitio hasta que lo hagan”.

Esta ha sido la primera temporada de la NYFW en la que se han prohibido las pieles de animales en las colecciones. “Ya se ven pocas o ninguna piel en la NYFW, pero al adoptar esta postura, la CFDA espera inspirar a los diseñadores estadounidenses a reflexionar más profundamente sobre el impacto de la industria de la moda en los animales. Los consumidores se están alejando de los productos asociados a la crueldad animal, y queremos posicionar la moda estadounidense como líder en esos frentes, al tiempo que impulsamos la innovación en materiales”, declaró Kolb en diciembre de 2025, cuando se anunció la prohibición.

La manera en que la moda anticipa las tendencias está viviendo su mayor transformación en décadas, y la inteligencia artificial está en el centro de ella. La señal más reciente llega desde Francia con la adquisición de la histórica agencia de tendencias NellyRodi por parte de Ifop, el instituto francés de estudios de opinión y análisis sociológico. Esta alianza entre un pilar de la prospectiva creativa y un gigante de los datos confirma un cambio de era, una mutación que se ha convertido en cuestión de supervivencia, como recuerda cruelmente la reciente liquidación judicial de Promostyl, otra agencia pionera del sector. La prospectiva ya no se basa (únicamente) en moodboards, sino en la intersección de los datos, el comportamiento del consumidor y la estrategia de marca.

En un momento en que la inteligencia artificial generativa democratiza el acceso a los datos globales, las agencias de tendencias se enfrentan a una paradoja existencial: dado que todo el mundo utiliza los mismos modelos de IA para analizar el mercado, ¿cómo seguir vendiendo anticipación? Frente a la amenaza de la homogeneización algorítmica, las agencias de tendencias están llevando a cabo una profunda mutación.

La ilusión de la omnisciencia de la IA y la trampa de la estandarización

La llegada de los LLM (GPT, DeepSeek o Claude) ha transformado la fase de investigación. La IA es capaz de escanear y organizar simultáneamente artículos, investigaciones académicas, conversaciones en redes sociales y lanzamientos de productos a una escala sobrehumana. Pero esta potencia de cálculo conlleva un sesgo importante: uniformiza la creatividad.

“El objetivo no es que triunfe quien “habla más alto”, como puede hacer la IA al dar más peso a los contenidos más visibles, sino construir una visión prospectiva colectiva”, afirma Anne Etienne-Reboul, CEO de la agencia Peclers, quien recuerda la diferencia fundamental entre el trend reporting (informar sobre lo que ya existe, algo que la IA hace muy bien) y el trend forecasting (anticipar lo que está por nacer).

La IA genera lo que la agencia Fashion Snoops denomina tendencias baseline, construidas sobre datos comunes. Sin embargo, como subraya la agencia, el valor histórico de la prospectiva siempre ha residido en la divergencia. Peor aún, el algoritmo carece de instinto comercial. Consultada al respecto, la experta en moda Fériel Karoui lo ilustra a la perfección: “La IA puede ayudar a cribar el magma de las redes sociales (...), pero pasa por alto parámetros relacionados con el contexto y lo sensible. Necesitamos analizar la pertinencia de las cifras, distinguir entre un éxito mediático y viral que inunda la red y un futuro éxito comercial”. Y cita la omnipresencia de las faldas en los desfiles masculinos: un fuerte símbolo de deconstrucción en las redes, pero un éxito comercial altamente improbable para todos los actores del mercado.

El nuevo oficio: de prospectivista a curador antirruido

La profusión generada por la IA ha hecho, paradójicamente, que el filtro humano sea indispensable. Las grandes corrientes unificadoras de ayer han saltado por los aires. “Las tendencias están cada vez más fragmentadas”, observa Fériel Karoui, señalando la aparición de microcomunidades de internet (las estéticas “-core” o “-maxxing”).

En este panorama saturado de content slop y fake news, el trabajo de las agencias muta. Ya no se trata de prescribir la moda, sino de saber qué información merece atención. Como resume el equipo de Fashion Snoops, consultado por correo electrónico: “La IA puede detectar mil señales, pero se necesita a una persona que entienda la cultura, que frecuente las ferias, vea los desfiles y viva la industria desde dentro para saber cuáles son las tres señales que importan y por qué”.

Los clientes ya no pagan por saber “lo que se va a llevar”, sino para navegar en el caos. El servicio a medida se convierte en la norma. Frente a tendencias paradójicas y presupuestos ajustados, el papel de la agencia de tendencias es identificar, entre la multitud, el movimiento exacto que resonará con el ADN específico de la marca y su público objetivo.

Sin embargo, a pesar de la digitalización de los insights, el mítico cuaderno de tendencias —ese pesado archivador lleno de muestras de tejido y siluetas para ilustrar los temas de la temporada— no ha muerto. Frente a la generación masiva de imágenes sintéticas, la CEO de Peclers es categórica: “¡En nuestros cuadernos de tendencias no hay IA!”. La agencia reivindica una trazabilidad absoluta con bibliografías precisas de sus fuentes y un retorno consciente a la artesanía pura para contrarrestar a la máquina. La directora precisa además que sus cuadernos siguen siendo consultados hoy en día por los equipos de estilo, diseño, marketing, retail y prospectiva, “que los utilizan como herramientas de inspiración y anticipación”.

El contraataque algorítmico: IA cerrada y a medida

Lejos de rechazar la tecnología, las agencias contraatacan desarrollando sus propios ecosistemas híbridos. Ya no utilizan la IA para rastrear la web abierta, sino para consultar de forma inteligente sus propias bases de datos cerradas e históricas. Peclers ha desarrollado así su propia herramienta interna, mientras que Fashion Snoops despliega herramientas conversacionales como “Ask FS” o “MUSE”.

La revolución reside en esta Living Intelligence. En lugar de entregar un informe estático válido durante 18 meses, las agencias ahora permiten a sus clientes seguir la migración de una señal en tiempo real (del bienestar a la moda, y luego al diseño de retail). Sobre todo, democratizan el acceso a estos insights internamente: con un simple prompt en lenguaje natural, tanto un junior de marketing como un director financiero pueden consultar 25 años de archivos de prospectiva, garantizados sin alucinaciones algorítmicas.

“Las preguntas que nos hacen nuestros clientes están cambiando. Ya no es ‘¿qué está pasando?’, sino ‘¿qué es importante para mi marca?’ y ‘¿cómo podemos diferenciarnos mejor?’”, confirma Fashion Snoops. La herramienta tecnológica se pone al servicio de la personalización absoluta, permitiendo a los creadores declinar una tendencia con sus propias paletas, materiales y siluetas. Si la inteligencia artificial ha hecho que la información sea sobreabundante, también ha hecho que el juicio crítico sea extremadamente raro. Al combinar el rigor de los datos con la sensibilidad humana, las agencias de tendencias demuestran que el algoritmo es solo una brújula; únicamente el analista cultural sabe leer el mapa.

Madrid – Tras su compra en julio de 2025 por parte de la compañía emiratí 2PointZero —en su día conocida como Multiply Group—, la multinacional de la moda española Tendam está llamada a jugar un papel clave dentro de la nueva división de retail de su nueva compañía matriz. Una posición que choca de frente con la política “off-price” en la que se mantienen apostadas sus diferentes marcas en cartera, y desde hace ya un largo tiempo; una naturaleza de la que parece claro que la compañía se prepara para tomar distancia, a través de una estrategia de “generación de valor”.

La marca británica de denim Pepe Jeans, propiedad del grupo de moda madrileño All We Wear Group (AWWG), ha presentado una colección cápsula Selvedge italiano para Otoño/Invierno 2026. El denim ha sido un pilar fundamental para Pepe Jeans desde la fundación de la marca en 1973, y la firma afirma que esta cápsula lleva ese compromiso hacia una dirección más cuidada y artesanal, fusionando técnicas de tejido tradicionales, tejido italiano de primera calidad y las siluetas consolidadas de Pepe Jeans.

Para la colección, Pepe Jeans se ha asociado con Candiani, una tejeduría de denim italiana de propiedad familiar fundada en 1938 que, a lo largo de varias décadas, se ha forjado una reputación como pionera en la producción de denim sostenible. La colaboración combina el legado de Pepe Jeans en el mundo del denim con la experiencia de Candiani en el tejido selvedge italiano, una unión que la marca describe como la confluencia entre diseño y artesanía.

El denim selvedge se teje en telares de lanzadera tradicionales, un proceso más lento que el tejido moderno que produce un borde autoacabado y firmemente rematado, diseñado para no deshilacharse. Según Pepe Jeans, el resultado es un tejido más denso y con más textura que el denim estándar, que desarrolla un desgaste distintivo cuanto más se usa, de modo que cada pieza atesora su propia historia.

La cápsula Selvedge italiano abarca tanto las colecciones de hombre como de mujer. Para hombre, el modelo Dalston, el corte recto de Pepe Jeans, protagoniza la gama de pantalones en tres variantes de selvedge. Estas incluyen un denim rígido de color índigo intenso, un modelo crudo teñido en prenda y confeccionado en sarga de algodón orgánico de trama izquierda, y un lavado en tono medio más suave, pensado para resaltar la textura y la calidad del tejido.

La colección masculina está liderada por la chaqueta Trucker Selvedge italiano, una pieza estructurada con detalles vintage de pliegues en la parte delantera. Está confeccionada en denim rígido de Candiani de 13 onzas y 100 por cien algodón, preencogido en un tono índigo intenso y rematado con un lavado oscuro y limpio. Pepe Jeans posiciona la chaqueta como una prenda de abrigo duradera que combina la auténtica confección selvedge con la silueta de su clásica chaqueta trucker.

Para mujer, el modelo Eden, de talle alto y corte recto, introduce la línea Selvedge italiano en la colección femenina. Confeccionado en denim rígido 100 por cien de color índigo intenso, el modelo presenta lo que la marca describe como un corte atemporal y elegante, dirigido a compradoras que buscan una interpretación cuidada del denim selvedge dentro de un armario moderno.

Pepe Jeans afirma que la cápsula Selvedge italiano refleja la visión más amplia de la marca de que un denim bien confeccionado, elaborado con materiales auténticos y técnicas tradicionales, mejora con el tiempo y el uso. Esa filosofía impregna tanto las piezas masculinas como las femeninas de la gama, desde los tres lavados del modelo Dalston hasta el acabado único en índigo del Eden.

La cápsula Selvedge italiano estará disponible en la web, en las tiendas de Pepe Jeans de todo el mundo y a través de socios mayoristas seleccionados, ofreciendo a los compradores minoristas una incorporación con un enfoque en el legado para la oferta de Otoño/Invierno 2026 de la marca.

Madrid – Encargándose de mantener el foco de la actualidad en la capital de España, tras el sensacional “impasse” a su Semana de la Moda que ha terminado por suponer el primer Gran Premio de España de Fórmula 1 celebrado este fin de semana en el circuito MadridRing, damos ya la bienvenida a una nueva edición de la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFW Madrid). Certamen que, desde una convocatoria especialmente renovada, se va a celebrar desde diferentes localizaciones de la ciudad durante estas próximas jornadas, desde este lunes 14 y hasta el próximo sábado 19 de septiembre.

Tratando de presentar un breve compendio de las diferentes y múltiples novedades que va a traer consigo este nueva y 84ª edición de la pasarela, y que a lo largo de estas semanas han venido ya adelantándose desde su misma dirección, y por parte de FashionUnited, tomando el testigo de los desfiles y presentaciones organizados bajo el paraguas de la iniciativa Madrid es Moda, la Semana de la Moda de Madrid se abre ya a las seis jornadas de activaciones de la pasarela MBFW Madrid. Certamen organizado por Ifema Madrid, con el apoyo, y la financiación, del Ayuntamiento de Madrid, que como principales cambios y atractivos de esta convocatoria presenta un renovado cartel de firmas y diseñadores, que presentarán sus colecciones desde unas igualmente revitalizadas ubicaciones, y todo bajo el paraguas de una edición durante la que, aseguran desde la organización, se terminarán por repartir premios por un total de más de 120 000 euros.

“La moda es mucho más que lo que sucede sobre la pasarela”, descubriéndose como la “suma de visiones, trayectorias, disciplinas creativas y talentos capaces de transformar una colección en un lenguaje cultural con impacto global”. Y desde esa perspectiva, y convicción, “Mercedes-Benz Fashion Week Madrid presenta una nueva edición” desde la que sale a seguir “consolidando un ecosistema de premios que celebra la excelencia en todas sus expresiones”, reforzando “el papel de la pasarela como principal plataforma de impulso a la moda española”. Un universo creativo que “continúa ampliando su proyección”, y frente al que “la pasarela que organiza Ifema Madrid junto al Ayuntamiento de Madrid refuerza su compromiso con el impulso y desarrollo del sector”, así como “su papel como escaparate del talento que define el presente y el futuro de la moda” en esta nueva convocatoria de la pasarela. “Una apuesta que se complementa con los distintos reconocimientos de la edición”, destacan; unos galardones “que suman una dotación global de más de 120 000 euros”.

De los regresos de Adolfo Domínguez y Moises Nieto, al de Alvarno

Empezando por poner el foco precisamente sobre los grandes protagonistas de estas jornadas, los diseñadores y las firmas de moda españolas que van a presentar sus colecciones, de manera preferente para la temporada Primavera/Verano 2027, durante las celebraciones de esta 84ª edición de MBFW Madrid, la pasarela dará cobijo en esta convocatoria a 33 desfiles de pasarela, de 25 firmas de moda consagradas, 6 diseñadores emergentes, y de 2 instituciones académicas. Presentaciones que se terminarán de completar con las que, en formato presentación, realizarán hasta 10 firmas de moda emergentes, desde el espacio EGO Showroom de MBFW Madrid.

Desgranando en un mayor detalle los nombres del calendario de esta edición, se destacan de antemano los regresos al programa oficial de MBFW Madrid de Adolfo Domínguez, que tras no participar del certamen desde 2009 regresaba a la pasarela en la edición de septiembre de 2025, pero para saltarse la última del mes de marzo de este 2026 al cambiar Madrid por Barcelona para la presentación de su última colección; de Moises Nieto, quien no participaba del calendario de MBFW Madrid desde su desfile de enero de 2020; o el de la casa Alvarno, que como bien nos apuntaban desde la entrevista concedida a FashionUnited no participaban de la pasarela desde enero de 2018. Nombres de este modo más que destacados, y esperados, de esta edición, desde la que terminarán por presentar sobre la pasarela madrileña sus últimas propuestas de moda firmas igualmente consagradas como Pedro del Hierro —la casa de modas del grupo Tendam—, Simorra, Ágatha Ruiz de la Prada, Alex Rivière, Ernesto Narnajo, Baro Lucas, Acromatyx, Malne, la siempre bien celebrada Isabel Sanchis, Maison Mesa, Custo Barcelona o Yolancris.

Junto a estos regresos y habituales del circuito madrileño, a destacar igualmente resultan los debuts dentro del calendario de Celia B, la casa de modas de la diseñadora asturiana Celia Bernardo, y el del diseñador andaluz Antonio del Canto, tras pasar por el circuito Ego para diseñadores emergentes de las ediciones de febrero y septiembre de 2025 de MBFW Madrid. Unas nuevas incorporaciones que se suman así a un programa en el que ocupan una posición claramente diferenciada las casas de moda de Juan Vidal, Palomo Spain, Álvaro Calafat, Redondo Brand y Alvarno, con sus desfiles independientes, pero dentro del calendario oficial de MBFW Madrid, y que se encargarán de cerrar los seis diseñadores emergentes seleccionados por la organización para desfilar dentro de ese circuito Ego de esta edición de MBFW Madrid. Desfiles todos ellos concentrados durante la última jornada de presentaciones, y que en esta ocasión, y también como novedad respecto a anteriores ediciones, avanza de una jornada de domingo, a la de este próximo sábado, día 19 de septiembre. Una jornada durante la que también presentarán sus colecciones los estudiantes de moda de la Universidad de Nebrija, junto a la UDIT las dos instituciones académicas que participan del programa oficial de esta 84ª edición de MBFW Madrid.

Una edición en la ciudad, e íntegramente fuera del recinto ferial de Ifema Madrid

Más allá de los nombres del renovado cartel —y de los innumerables eventos y fiestas que se van a encargar de dar color a esta convocatoria de septiembre— sin duda la otra gran protagonista de esta edición de MBFW Madrid, es la propia MBFW Madrid. Pasarela que por primera vez desde 1996, y con la excepción de las ediciones de 2006 y 2007 celebradas en el Paseo de Coches del Retiro, va a contar con una edición celebrada íntegramente fuera del recinto ferial de Ifema Madrid. Instalaciones de las que se aleja la pasarela para dar un paso decisivo en su acercamiento a la ciudad, un movimiento con el que al menos de entrada ya proyectan la imagen de una convocatoria especialmente atractiva y estimulante, y además beneficiosa de cara a sus intereses de afianzarse como el mejor escaparate y como la plataforma de referencia para la proyección y la visibilidad de la moda española, frente a una audiencia tanto nacional como internacional.

Como resultado de esta apuesta, la de esta edición contará con un total de tres sedes principales desde las que se irán sucediendo los diferentes desfiles programados dentro del calendario: el Invernadero del Palacio de Cristal de Arganzuela, desde donde justamente se abrirá el programa concentrando en su interior los desfiles de la jornada inaugural de este lunes 14 de septiembre; la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, desde donde continuarán los desfiles durante toda la jornada del martes día 15 de septiembre; y el Campus de Comunicación y Artes, en el paso de San Francisco de Sales de Madrid, de la Universidad de Nebrija, desde donde se celebrarán los desfiles de las firmas consagradas, y emergentes, que presentarán sus colecciones durante las jornadas de los días 16, 17, 18 y 19 de septiembre.

Lejos de quedar aquí, las celebraciones de esta edición de MBFW Madrid se extenderán igualmente a diferentes emplazamientos emblemáticos de la ciudad de Madrid durante toda esta edición. Una convocatoria desde la que, y completando con ello las informaciones de esos “desfiles independientes” que se destacan dentro del calendario, los estudiantes de la UDIT celebrarán su desfile “coral” desde los salones del Circulo de Bellas Artes; Juan Vidal presentará su nueva colección desde el Hotel Palace; Palmo Spain desde la rosaleda del Parque del Oeste; Álvaro Calafat también desde el Hotel Palace; Redondo Brand desde los jardines del palacio de Vista Alegre; y Alvarno desde un marco tan incomparable como el de la Galería de las Colecciones Reales de Madrid.

Con 13 premios para la promoción de la moda española, y la proyección de la pasarela

Como parte de su compromiso con la promoción de la moda española, y de sus objetivos por continuar impulsando su propia proyección dentro del circuito internacional de las grandes citas del sector, en esta edición serán hasta un total de 13 premios los que están previsto que terminen de entregarse por parte de la pasarela, y de la mano de sus principales patrocinadores. Una cifra que excede a los 12 previstos para la anterior edición de marzo de 2026, de los que terminaron por entregarse hasta un total de 11 premios, tras la creación del nuevo “The Fashion Game Changers Award”, y la sustitución del “Premio a la Mejor Modelo x NARS” por el “Premio El Corte Inglés al Mejor Modelo”, tras la entrada del grupo de grandes almacenes como patrocinador oficial de MBFW Madrid.

Al igual que entonces, tres serán los momentos de estas próximas jornadas en los que se procederán a entregar estos 13 galardones, que a líneas generales se reparten entre los premios dirigidos a las firmas y los diseñadores consagrados, y las menciones reservadas para diseñadores emergentes. Unos galardones que en cualquier caso, y siguiendo con lo ya adelantado, se entregarán durante la cena inaugural de esta edición, patrocinada por Nars y que tendrá lugar este lunes día 14 en el Invernadero del Palacio de Cristal de Arganzuela; durante la fiesta de clausura, patrocinada por El Corte Inglés, y programada para la tarde-noche del viernes día 18, en el Museo Reina Sofía; y durante la jornada del sábado 19 de septiembre, en el marco de las celebraciones del circuito Ego para diseñadores emergentes de MBFW Madrid. Citas, y premios, sobre los que en cualquier caso ya se han confirmado los nombres de Hannibal Laguna como ganador del Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid al Diseñador Nacional; el de la firma colombiana Agua by Agua Bendita como ganadora del Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid al Diseñador Internacional; y el de la plataforma Latin American Fashion Awards (LAFA), como ganadora del nuevo premio The Fashion Game Changers Award. Unas menciones por las que, también como novedad, los premiados recibirán una pieza elaborada por el escultor francés, afincado en Madrid, David Vaamonde.

Atendiendo al orden preestablecido para su entrega, durante la cena inaugural está previsto que se entreguen el “Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid al Diseñador Nacional”, el “Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid al Diseñador Internacional”, y el “The Fashion Game Changers Award”. Mientras que ya durante la fiesta de clausura se terminarían de conocer los nombres de los ganadores del “Premio Mercedes-Benz a la Mejor Colección”, del “Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid a la Mejor Propuesta Creativa Makeup by NARS”, del “Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid – NARS Icon”, y del “Premio El Corte Inglés al Mejor Modelo”. Completándose ya los galardones con los previstos que está pensado que terminen de entregarse en el marco de Ego para diseñadores emergentes, con el “Premio Honorífico EGO”, el “Premio Showroom EGO New Brand”, el “Premio Pyratex en trama”, el “Premio Ego Internacional”, el “Premio Pelonio New Talent” y el “Premio Maison Piramide”. Un galardón este desde el que se premiará a tres diseñadores emergentes con la posibilidad de formar parte del showroom internacional de la plataforma Maison Pyramide en París, durante su Semana de la Moda.

Acompañando a ese respaldo por la internacionalización de la pasarela, MBFW Madrid estrena esta convocatoria un espacio “showroom profesional”, y de un nuevo programa de “buyers” internacionales. Iniciativas ambas enmarcadas dentro del programa de internacionalización que la pasarela ha comenzado a poner en marcha, con la colaboración del ICEX, y con el que se va a facilitar la presencia en esta edición de la pasarela de perfiles y compradores internacionales bien reconocidos dentro del sector, como los de Steff Yotka (I-D Magazine), David Martin (Odda Magazine), India Quinn (Condé Nast), Louise Owen (Aligned Talent), Amelia y Elisa Ochoa Mora (Sisterly Style), Madé Lapuerta (Data, But Make It Fashion), Sophie Goodwin (Tiger’s Eye), Francesca Mapelli (Cabana Magazine), Beka Gvishiani (Style Not Com), María Muñoz y Clare Holdbrook (Maison Pyramide), Helena Boissonnas (Le Bon Marché), Lina Malaika (HIA), Anastasia Encinas (La Samaritaine), Regina Leyba (FWRD), Hebah Baker (Sheerluxe), Diala Bassatne (ELLE Arabia), Caterina Ercoli (Antonioli), Laura Larbalestier (Harvey Nichols Doha), o Marcos Fecchino (MF Studio), protagonista de una de las principales iniciativas puestas en marcha por Inditex durante esta “rentrée” del verano de 2026.

Programa oficial de desfiles de la 84ª edición de MBFW Madrid

Madrid – Estados Unidos se mantiene, o al menos así vienen a asegurarlo desde la dirección de la dueña de Zara, como el primer mercado con mayor facturación de Inditex, únicamente por detrás de España, desde 2021. Una posición sobre la que desde la multinacional de la moda española guardan toda intención de seguir creciendo, con un nuevo “plan de país”, hasta 2027, que se ha encargado de adelantar su consejero delegado, tras la publicación de los últimos resultados de la compañía registrados al cierre del primer semestre de 2026.

El programa público Gran Canaria Moda Cálida, impulsado por el Cabildo de Gran Canaria, reunió el 10 de septiembre en Madrid a cuatro firmas de la isla dentro de la programación de OMODA Madrid es Moda. Aurelia Gil, Ogadenia Couture y Pedro Palmas presentaron sus propuestas de moda nupcial, mientras que la firma Gonzales, de la diseñadora Carmen González, dio a conocer su última colección de lencería.

El objetivo de la convocatoria no es otro que facilitar el contacto directo de las firmas grancanarias con medios de comunicación, compradores y otros profesionales de la industria y, con ello, ampliar sus posibilidades de negocio fuera del mercado insular. La iniciativa se desarrolla en el marco de la colaboración entre Gran Canaria Moda Cálida y la Asociación Creadores de Moda de España (ACME), que desde 2017 mantiene una alianza estratégica con el programa.

Los diseñadores estuvieron acompañados durante la jornada por Minerva Alonso, consejera de Desarrollo Económico, Industria, Comercio y Artesanía del Cabildo de Gran Canaria; Pepa Bueno, directora ejecutiva de ACME; y Juan Duyos, presidente de la asociación.

"Es una actividad empresarial con capacidad para generar empleo, abrir nuevos mercados y crear oportunidades comerciales", destacó Minerva Alonso a través de un comunicado. En este sentido, la consejera subrayó que la iniciativa persigue que los diseñadores de la isla "ganen visibilidad, amplíen sus conexiones profesionales y transformen su creatividad en proyectos sólidos, competitivos y con posibilidades reales de crecimiento".

La búsqueda de oportunidades comerciales ocupa un lugar cada vez más relevante dentro de la estrategia de internacionalización del programa. Durante Gran Canaria Swim Week 2026, las acciones organizadas junto a la Cámara de Comercio de Gran Canaria propiciaron la participación de nueve compradores procedentes de España, Italia, Portugal, Rumanía y Colombia. En total, se celebraron 54 reuniones B2B, de las que se derivaron ocho compras confirmadas, nueve negociaciones en fase avanzada, 10 negociaciones abiertas y 19 oportunidades comerciales activas.

La expansión internacional se apoya también en una red creciente de alianzas con organismos y plataformas del sector. Gran Canaria Moda Cálida ha estrechado vínculos con White Milano, el German Fashion Council y la Fundación Academia de la Moda Española, mientras avanza en una colaboración con Copenhagen Fashion Week. El programa mantiene asimismo conversaciones con el British Fashion Council, Bucharest Fashion Week, ModaLisboa y el Fashion Council de la República Checa.

La presencia en OMODA forma parte, además, de una agenda más amplia de la moda canaria en Madrid durante este mes. El próximo 17 de septiembre, la Universidad Nebrija acogerá un desfile del proyecto Canarias Islas de Moda dentro del calendario de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFWMadrid).

El Cabildo de Gran Canaria destina más de tres millones de euros a Gran Canaria Moda Cálida, con una estrategia centrada en la promoción, profesionalización, comercialización e internacionalización del sector. Actualmente, más de un centenar de empresas y profesionales participan en las distintas líneas de actuación del programa.

Madrid – Como una de las principales citas del calendario de esta segunda mitad del ejercicio, este domingo abre sus puertas una nueva y 102ª edición de Micam. La feria internacional del calzado de Milán desde la que, desde el 13 al 15 de septiembre, las principales firmas del calzado van a venir presentando sus principales novedades y propuestas, para la próxima temporada de Primavera/Verano 2027, con España como el segundo país con más representatividad, solamente por detrás de Italia.

Celebrándose de manera conjunta con el salón Mipel, especializado en bolsos, accesorios y artículos de piel, y paralelamente a las celebraciones de los salones Milano Fashion&Jewels, especializado en joyería (del 12 al 14 de septiembre); The One Milano, de prendas de moda y accesorios (del 12 al 14 de septiembre); y de Lineapelle/SIMAC, de pieles y maquinaria para el calzado y la marroquinería (del 15 al 17 de septiembre), la feria abrirá sus puertas este domingo día 13 en el recinto ferial MIlano-Rho, dando la bienvenida a unas 758 marcas exposiciones. Unas firmas con un peso 50/50 entre marcas nacionales italianas e internacionales, procedentes de 29 países, con Italia como principal país representado por número de expositores, seguido de España, Turquía, Brasil, Alemania y Portugal.

Como a cada nueva edición de un salón comercial, en el ánimo de la organización está la de seguir superando las cifras de las convocatorias anteriores, y en este caso la de una edición de septiembre de 2025 durante la que las ferias Micam y Mipel alcanzaron a registrar la asistencia de unos 20 362 visitantes, procedentes de 126 países. Una afluencia que se repartió en un 43 por ciento de visitantes italianos y un 57 por ciento de visitantes internacionales, poniendo en evidencia así el marcado carácter internacional de esta cita; sin duda uno de los factores que más pesan a ojos de las marcas españolas para seguir apostando por Micam dentro de sus estrategias de internacionalización. Estrategias que, con el apoyo de la Federación de Industrias del Calzado Español (Fice), la patronal del calzado que se encargada de coordinar la participación de la feria de las empresas del sector, y el respaldo del Icex, siguen manteniendo en un completo especialmente desafiante para el sector, como justamente esta semana han sacado a relucir los últimos datos de la evolución de la producción industrial de calzado en España durante el mes de julio.

“El calzado español afronta un escenario internacional complejo, pero lo hace desde una posición de fortaleza”, defiende en este sentido Vicente Pastor, presidente de Fice. “El crecimiento de nuestras exportaciones y la importante presencia española en Micam reflejan la capacidad de nuestras empresas para adaptarse, innovar y competir en los mercados más exigentes”; unas dinámicas frente a las que ahora “nuestro reto”, añade, pasa por “seguir avanzando en internacionalización y consolidar el posicionamiento de ‘Shoes from Spain’ como referente de diseño, calidad, innovación y fabricación de valor añadido”.

Crecimiento de las exportaciones, en valor y volumen, durante el primer semestre del ejercicio

Ajustando en este sentido los datos recogidos en los informes de comercio exterior publicados por el Ministerio de Economía, Comercio y Empresa, elaborados a partir de los datos del Departamento de Aduanas de la Agencia Tributaria, desde Fice defienden que durante el primer semestre de 2026 las exportaciones de calzado español alcanzaron los 1 706 millones de euros, con la exportación de 90 millones de pares de calzado. Cifras que supondrían un crecimiento tanto en valor (+1,5 por ciento) como en volumen (+1,8 por ciento), respecto al mismo periodo del año anterior, de las exportaciones, con Francia, Italia, Alemania, Portugal y Polonia como principales países compradores, junto a Estados Unidos, sexto principal país importador de calzado español, y el primer de fuera de la Unión Europea.

No obstante, desde el Ministerio de Economía se adelantaba ya en el mes de agosto que las exportaciones de calzado al cierre del primer semestre habían crecido muy ligeramente, hasta los 1 799,7 millones de euros (+0,3 por ciento). Un total más alto, pero un crecimiento más moderado, de con respecto a las cifras apuntadas ahora por Fice, desde donde en cualquier caso destacan que “estos datos ponen de manifiesto el peso que mantiene la internacionalización en la estrategia de la industria española del calzado”; así como “la importancia de ferias profesionales como Micam para generar nuevas oportunidades comerciales y consolidar la presencia de las marcas españolas en los mercados exteriores”.

Con 109 marcas, y 88 compañías expositoras españolas

Desde esa ambición, Fice, que ha arrancado “el curso” debutando en la feria de aprovisionamiento Première Vision Paris, se está encargando de coordinar la participación española en esta próxima edición de Micam, en la que el calzado español aterrizará de la mano de las propuestas para la temporada Primavera/Verano de 2027 de 109 marcas, representadas por 88 empresas expositoras. Unas cifras considerables, y que permiten a España seguir presentándose como el segundo país con mayor presencia por número de expositores en la feria, únicamente por detrás de Italia, pero que desinflan ligeramente de con respecto a la edición de septiembre de 2025. Una convocatoria de la que participaron 135 marcas españolas, de manos de 106 compañías expositoras; 26 marcas y 18 empresas expositoras más que en esta edición de septiembre de 2026.

Integrando este “pabellón” nacional, al que desde Fice se van a encargar de dar un “plus” de visibilidad tanto desde su propio stand, operado bajo la marca “Shoes from Spain”, como desde las diferentes iniciativas que se van a poner en marcha durante la celebración de la feria, encontramos a marcas tan reconocidas y valoradas como Hispanitas, Unisa, El Naturalista, Victoria, XTI, Pretty Ballerinas o Castellano. Nombre que, por regiones, llegan liderados por las marcas de la Comunidad Valenciana (origen 50 por ciento del total de los expositores), seguidas de las de La Rioja (17 por ciento), la Región de Murcia (9 por ciento), Cataluña (8 por ciento), Islas Baleares (6 por ciento), Castilla-La Mancha (5 por ciento), La Comunidad de Madrid (2 por ciento) y por Aragón, Galicia y el Principado de Asturias (1 por ciento del total cada una).

Madrid – Entra la serie de cifras e indicadores económicos que hemos podido conocer a lo largo de esta segunda semana del mes de septiembre, han estado los de los índices de producción industrial (IPI) de la industria española. Sector productivo especialmente estratégico de la economía nacional, cuya actividad registró su segundo mejor dato de crecimiento del año durante el mes de julio, con textil y confección contribuyendo de manera positiva a ese crecimiento, y con calzado lastrándolo a la baja.

Después de cuatro intensos días de moda en la capital —del 7 al 10 de septiembre, como antesala de la próxima Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, del 14 al 19—, OMODA Madrid es Moda ha desplegado un total de 35 propuestas por toda la ciudad, combinando desfiles y presentaciones estáticas con charlas, performances y otros formatos expositivos e inmersivos.

Desde el desfile inaugural en los Jardines de Sabatini, a los pies del Palacio Real, hasta la presentación de los alumnos del IED Madrid, esta edición —celebrada una vez más bajo el lema “fan de la moda española”— ha vuelto a reivindicar al diseñador y a los oficios como patrimonio del sector.

Una colección: Dolores Promesas x Duyos

El estreno de la etapa de relanzamiento de Dolores Promesas, con la primera colección firmada para la casa por el diseñador Juan Duyos, era una de las citas más esperadas del calendario. Y cumplió.

Presentada desde las escalinatas del Museo Arqueológico Nacional, la propuesta combina con fluidez el universo rico y ornamental de Duyos —patrones vaporosos, encajes, bordados florales y apliques de plumas y lentejuelas— con prendas de carácter urbano y cotidiano, como vaqueros de corte ancho, chaquetas estructuradas o la camiseta gráfica "I ♥ DP".

Un look: la camisa “estampada” con fajín de Carlota Barrera

Del open day en el que la diseñadora abrió las puertas de su taller, nos llevamos una camisa —que daba la impresión de estar estampada a mano con rodillo— con fajín a juego que combina la elegancia del satén crema con la textura más relajada del pantalón de espiga. Un contraste de acabados, combinando lo pulido y lo desenfadado en un mismo conjunto, que resume bien la manera que tiene Carlota Barrera de trabajar la sastrería.

Una idea: el vestido "Torres Blancas" de Pedro Palmas

Dentro de una presentación-exposición concebida a partir de la arquitectura, Pedro Palmas firmó un vestido que reimagina las Torres Blancas, el emblemático edificio residencial madrileño de Francisco Javier Sáenz de Oíza, considerado una de las obras maestras de la arquitectura organicista española. El vestido traslada ese lenguaje organicista a la moda mediante las solapas redondeadas de la cintura, que evocan los volados y balcones semicirculares del edificio, y unos pliegues verticales rectilíneos que imitan la imponente verticalidad de su estructura de hormigón.

Un detalle: los zapatos de Pilar Dalbat, a juego con el vestido

En su ya habitual desfile en el Colegio Oficial de Arquitectos, Pilar Dalbat presentó una propuesta inspirada en Granada, la obra de Federico García Lorca y el centenario de la Generación del 27.

El detalle que terminó por ganarnos fueron los zapatos en total look con el vestido.

Una fecha: el 40º aniversario de Devota&Lomba

Con un desfile en el Patio Nouvel del Museo Reina Sofía, esta edición se han celebrado cuatro décadas de una de las firmas de referencia de la moda de autor española. Devota & Lomba nació en Vitoria en 1986, cuando el diseñador Modesto Lomba —formado en sastrería y patronaje— y el arquitecto Luis Devota se unieron para fundar la firma y presentar su primera colección, la de Primavera/Verano 1987. Tras la muerte de Devota en 1993, Lomba tomó las riendas en solitario de una casa reconocible por la pureza de líneas, la perfección en el corte, la innovación en el patronaje y un minimalismo sofisticado.

A lo largo de su historia, la marca ha presentado sus colecciones en ciudades como París, Tokio, Milán y Nueva York, y desde 1995 mantiene además una línea de novia. Al frente de la firma sigue Modesto Lomba, presidente de la Asociación Creadores de Moda de España durante más de veinte años y galardonado en 2023 con la Medalla de Oro de las Bellas Artes que otorga el Ministerio de Cultura. Actualmente la presidencia de ACME está en manos de Juan Duyos.

Una expo: "La Otra Mirada. Archivo Sybilla"

Fuera del formato pasarela, una de las paradas imprescindibles fue la muestra dedicada al archivo de Sybilla, una figura fundamental para entender la renovación de la moda española desde los años ochenta, que se pudo visitar junto a ella en el marco del evento.

Abierta desde el pasado 16 de junio dentro de la programación oficial de PHotoESPAÑA 2026 y comisariada por Agustina Covián junto a la propia diseñadora, "La Otra Mirada" desplaza el foco de la prenda a la imagen reuniendo más de medio centenar de fotografías de las campañas de la firma realizadas a lo largo de cuatro décadas por autores como Pepe Lamarca, Miguel Oriola, Ouka Leele, Javier Vallhonrat, Juan Gatti o Félix Valiente..

La muestra se puede recorrer en la Galería Plaza del Gato hasta el 15 de septiembre.

Una colaboración: Eduardo Navarrete x Daniel Chong

Los diseñadores Eduardo Navarrete y Daniel Chong han presentado en el marco de esta edición su primera colaboración, una colección cápsula de treinta complementos que fusiona la identidad de ambas firmas. La propuesta traslada algunos de los estampados más emblemáticos de Navarrete al universo de producto de Chong y reinterpreta el patrón característico de sus accesorios para dar lugar a una serie inédita.

Con ella, ambos diseñadores han querido reivindicar “una moda con menos competitividad y más compañerismo”.

Madrid – La firma española de moda y complementos Bimba y Lola da nuevas muestras del sólido modelo de negocio del que ha logrado terminar por dotarse, tras un más que complicado primer semestre de 2026 que no obstante la compañía gallega parece haber logrado manejar con maestría. Al menos según se desprenden de las principales magnitudes económicas que se han publicado, sobre el desempeño de la compañía a lo largo de la primera mitad de su nuevo ejercicio fiscal.

El gigante del retail low-cost Primark entrará en México a través de una asociación estratégica con el grupo minorista mexicano El Puerto de Liverpool, lo que supone un paso más en la amplia expansión internacional de la firma de moda.

La firma española MarÀvic inaugura hoy su primera tienda en Barcelona, que se convierte en su tercer establecimiento físico tras los de Zaragoza y Madrid.

Madrid – Con sus más de 180 años de historia a sus espaldas, la barcelonesa Santa Eulalia cuenta con un legado ciertamente inigualable dentro del mundo de la moda, tanto a nivel global en términos generales, como de España y de la misma Barcelona de manera particular. Una historia a la que esta semana, y coincidiendo con la “rentrée” del final del verano, desde la misma “boutique” han salido a sacar brillo, conmemorando el centenario de la celebración de su primer desfile como casa de modas.

Para ponernos primeramente en situación, nos basta en primer lugar en poner el foco de atención en cómo era hacia el año 1843 cuando, desde Barcelona, en el céntrico, estrecho y evocador carrer de la Boqueria habría para entonces una pequeña tienda especializada en la venta de tejidos. Pasaban escasamente seis años desde que Thierry Hermès hubiera abierto en París su primer taller de guarnicionería, origen de la casa Hermès, y faltaban todavía tres años para que comenzara andar el taller colectivo al que se retrotraen los orígenes de Loewe, cuando nos encontramos de este modo con los orígenes de Santa Eulalia. De las tres, la única que realmente cuanta con sus orígenes más fielmente vinculados al universo de la moda, un universo en el que desde sus más tempranos comienzos además entró a “coquetear” con propuestas de indumentaria, naturalmente a medida —el prêt-à-porter no nacería hasta finales de la década de 1950—, tanto para hombre como para mujer.

Afianzándose sobre esa naturaleza propia como casa de modas, Santa Eulalia inauguraba y se trasladaba en 1898 a un nuevo edificio de líneas modernistas ubicado en la plaza del pla de la Boqueria, en La Rambla, construido para la tienda por el reconocido arquitecto de la época Pere Falqués. Una “boutique” que, situada sobre el emplazamiento de la antigua puerta de Santa Eulalia, nombre que recibía por según la tradición haber sido el lugar de martirio de la patrona de la ciudad, y decorada con una imagen de la santa en la fachada, es la que terminaría por justamente rebautizar a la tienda como Almacenes Santa Eulalia. Nombre que asumían como propio hacia alrededor del año 1900, y bajo el que desde entonces, y hasta el día de hoy, la histórica casa de modas ha venido desarrollando su actividad. Un histórico de más de 180 años, sobre el que imprimían uno de sus mayores hitos con la celebración en 1926 de su primer desfile de moda. Todo un acontecimiento para la Barcelona, y para la España, de la época, desde el que desde Santa Eulalia salían así a subir sus creaciones propias a una pasarela, del mismo modo que para entonces hacían las grandes casas de moda parisinas del momento. Una iniciativa que terminó por generar tal sensación que, a partir de ahí, las invitaciones para poder acudir a los siguientes desfiles se hicieron de manera nominativa, y con la que la casa de modas se decidía a poner en valor las creaciones de Pere Formosa, un primero aprendiz, y posteriormente maestro del taller de costura, que revolucionó la casa de modas, y que incluso terminaría por entrar a formar parte de la familia Sans, desde hace cuatro generaciones propietarios al frente de Santa Eulalia.

Un perfume, con “herencia”

Para celebrar y conmemorar ese particular hito de la historia de Santa Eulalia, que ha sabido evolucionar y adaptarse a las nuevas realidades cambiantes de la moda, presentándose a día de hoy como una de las más emblemáticas y reconocidas “boutiques” multimarca de toda Europa, y del mundo, la casa ha presentado esta semana “Heritas”. Nombre, en latín “Herencia”, con el que se ha bautizado a la nueva creación de la familia de fragancias propias de Santa Eulalia, una categoría de producto que la casa incorporaba por primera vez en 1947 con el lanzamiento de su primera “eau de cologne”, y que relanzaban en 2014 con el lanzamiento de una renovada y completa colección propia de fragancias.

Entendida, de manera general, como una línea que pone de manifiesto y contribuye a afianzar la “vocación global de la marca”, con su comercialización no solo de manera interna, sino desde una cuidada selección de perfumerías de Barcelona, de España, y de distintos mercados de Europa, Oriente Medio e internacionales, la familia de creaciones olfativas de Santa Eulalia se ha terminado de completar de este modo con esta última creación. La primera creada para la casa por Chris Maurice, perfumista barcelonés de tercera generación que ha diseñado para Santa Eulalia una fragancia inspirada en aquel primer desfile, valiéndose para ello de sus vínculos con la ciudad, y con la misma casa de modas. Una tienda que conoció siendo niño de la mano de su abuela, clienta habitual de la casa, y a cuya herencia y legado ha rendido tributo con una construcción olfativa “en tres tiempos”, con una nota de salida en flores blancas y flor de frangipani, la gran protagonista de esta fragancia, y con la que además se incorpora un elementos particularmente propio de los motivos decorativos del modernismo catalán; un avance en notas de vainilla e iris; y notas de cierre en sándalo, benjuí y almizcle blanco. Una composición que la casa nos adelantó en exclusiva durante la jornada de este pasado miércoles, 9 de septiembre, desde un taller olfativo organizado en el interior de su misma “boutique” del número 93 del paseo de Gracia de Barcelona, y que ya ha salido a la venta en tamaños de 15 ml (35 euros) y de 75 ml (180 euros).

“Chris conoce Santa Eulalia desde pequeño”, apunta Luis Sans, presidente de Santa Eulalia. “Su abuela era clienta de la casa y él conserva el recuerdo de acompañarla cuando venía a probarse sus vestidos de Alta Costura”, sin olvidar el que además “es barcelonés, pertenece a la tercera generación de una familia de perfumistas y ha vivido de cerca ese universo”. Con todo ese bagaje, “quién mejor que alguien con ese vínculo para crear un verdadero homenaje olfativo a nuestros cien años de Alta Costura”, apunta, dejando al tiempo claro desde sus declaraciones el que, sin ser un requisito o limitación el ser de Barcelona, lo esencial para la hora de desarrollar el proyecto era contar con alguien que contara con las capacidades, y con la sensibilidad, para realmente transmitir desde un aroma la historia de Santa Eulalia como casa de modas, y sus vínculos con ese mismo universo de la moda, y naturalmente también con Barcelona. Porque “nosotros somos Barcelona”, subrayan desde la dirección de la “boutique”.

Una presentación inmersiva

Para celebrar este lanzamiento, y además dar la bienvenida a lo más granado de la sociedad barcelonesa a la ciudad tras el habitual parón del verano, durante la noche del mismo miércoles 9 de septiembre Santa Eulalia celebró la “puesta de largo” de esta nueva fragancia “Heritas”, con una sensacional fiesta organizada en La Paloma. Una sala inaugurada en 1903 que está considerada como la sala de baile más antigua de Europa, y en cuyo interior la casa terminó por ofrecer una cuidadísima experiencia inmersiva, de la que tuvimos igualmente el gusto de poder participar en primera persona, fusionando, en torno a la identidad de la propia fragancia “Heritas”, los universos de la perfumería, la música, la gastronomía, la iluminación y, naturalmente, la moda.

Con cerca de unos 500 invitados, entre los que no faltaron clientes y representantes de medios de comunicación y de la sociedad barcelonesa, vinculados a la propia Santa Eulalia así como a los mundos de la moda y la cultura, pasaron esa noche por La Paloma perfiles como los del interiorista Lázaro Rosa-Violán, la actriz y presentadora Marta Torné, el actor Daniel Horwath, los modelos Lucas Prada, Pau Ramis y Jorge y Edu Román, el fotógrafo Martín Gatti, o el DJ e influencer Gerard Estadella. Nombres todos ellos invitados a una fiesta que arrancó con el interior del espacio tomado por tres “cápsulas olfativas”, desde las que se ofrecía la posibilidad de oler en toda su intensidad las tres notas dominantes de la fragancia: la flor de frangipani, el sándalo, y la vainilla. Una experiencia sensorial que terminó de completarse con el regalo de pañuelos aromatizados con la nueva fragancia “Heritas”, un gesto que terminó por embriagar toda la sala del delicado aroma de este nuevo perfume de Santa Eulalia, y desde la misma carta de bebidas, con cuatro cócteles inspirados, y aromatizados, en notas vinculadas con la misma fragancia, creados por Javier de las Muelas. Una por tanto sucesión de impresiones sensoriales, a las que terminaron por poner la guinda la actuación en directo del grupo norteamericano de los Brothers of Soul, al compás de un juego de luces ambiental que del mismo modo trataba de generar las sensaciones que transmite la construcción olfativa de esta fragancia “Heritas”, y los bombones de Christian Escribà. Unas pequeñas delicias en chocolate blanco y chocolate negro que jugaban con la combinación en blanco y negro que se impuso para el evento como “dress code”, en referencia a su vez al código visual corporativo que emplea Santa Eulalia.

Del mismo modo que para la creación del propio perfume, “hemos querido rodearnos de talento”, y es que todos ellos “son profesionales reconocidos internacionalmente en sus respectivos ámbitos, pero al mismo tiempo profundamente vinculados a Barcelona”, ensalza el mismo Luis Sans. “Ese componente local era muy importante para nosotros porque ‘Heritas’ nace de nuestra historia, pero también de nuestra ciudad”, y de ahí el que justamente se quisiera que “esta celebración tuviera unas raíces profundamente barcelonesas”. Desde esa apuesta, “Santa Eulalia y La Paloma son dos empresas históricas, familiares y estrechamente vinculadas a Barcelona”. “Nos parecía que existían muchas consonancias entre ambas”, y por tanto “que era el lugar perfecto para celebrar estos cien años de Alta Costura”.

Con pañuelos de seda y una colaboración con DeMellier

Lejos de quedar aquí, el lanzamiento de la fragancia y la celebración de esta serie de activaciones inmersivas forman parte de la distinta serie de iniciativas que desde Santa Eulalia han decidido poner en marcha para conmemorar este centenario de la celebración de su primer desfile como casa de modas. Un acontecimiento que celebrarán desde la histórica “boutique” con el lanzamiento de una edición limitada de tres pañuelos de seda natural, estampados con ilustraciones originales extraídas de los carteles históricos de la casa de la década de 1930, elaborados para Santa Eulalia por J. Perajordi, Porta y José Luis Rey Vila.

Tres diseños, concebidos como piezas coleccionables, que se comercializarán durante todo este año conmemorativo, y a los que además se sumará un modelo de bolso exclusivo creado para Santa Eulalia, e inspirado en ese mismo desfile de 1926, por la londinense DeMellier. Firma que se destaca dentro de la actual oferta de Santa Eulalia como una de las nuevas marcas de complementos que han pasado a incorporarse a su cuidada selección de productos, y que a pesar de su naturaleza británica, no hay que olvidar que se encuentra fundada por la española, y además y justamente barcelonesa, Mireia Llusia-Lindh. Creativa y emprendedora en la que desde Santa Eulalia han terminado por encontrar así a la compañera perfecta para, junto a esta fragancia, y esa colección de pañuelos, terminar de sacar brillo a su legado como casa de modas.

Matthias Bäumer, director comercial (CCO) de Puma, abandonará su cargo en el consejo de administración de la firma deportiva con sede en Herzogenaurach a finales de este mes.

Bäumer ha tomado esta decisión “por motivos personales”, según ha comunicado Puma este viernes. Su mandato finalizará el 30 de septiembre. Sus funciones como director de ventas y responsable de las filiales serán asumidas temporalmente por el director ejecutivo (CEO) de Puma, Arthur Hoeld. Su sucesor se anunciará más adelante.

Bäumer ha formado parte del grupo alemán de artículos deportivos durante casi 20 años. Se incorporó a la empresa en 2007 como director de ventas para los mercados de Alemania, Bélgica, Países Bajos y Luxemburgo. Dos años más tarde, asumió la dirección general para la región de habla alemana como director general de Alemania, Austria y Suiza (DACH), un cargo que ocupó durante diez años. Posteriormente, fue responsable de la unidad de negocio global Teamsport. Tras su salida del consejo, continuará vinculado a Puma como asesor y representará a la empresa en el consejo de supervisión del club de fútbol Borussia Dortmund GmbH & Co. KGaA.

“Quiero agradecer a Matthias su dedicación a la marca, que ha demostrado en diversas funciones dentro de la empresa, así como su contribución a nuestro proceso de transformación de tres años”, ha declarado Hoeld. “Estoy muy contento de que haya aceptado seguir apoyándonos como asesor”.

Bäumer había sido nombrado miembro del consejo de administración apenas en abril de 2025. Su salida, después de unos 18 meses, supone el cuarto cambio en el equipo directivo en el plazo de un año y medio, tras el relevo de Arne Freundt por Hoeld al frente del grupo, la incorporación de Andreas Hubert como director de operaciones (COO) en septiembre de 2025 y el cambio de Markus Neubrand por Mark Langer como director financiero (CFO) el pasado 1 de mayo.

A partir de octubre, el consejo de administración de Puma estará compuesto provisionalmente por el CEO Hoeld, el CFO Langer, la directora de marca Maria Valdes y el COO Hubert.

Alvanon, empresa líder en tecnología de tallaje para la industria de la moda, ha nombrado a dos nuevas altas ejecutivas para reforzar su equipo de soporte de producto y consultoría en Estados Unidos y a nivel global. Tabitha Chilton, anteriormente responsable de desarrollo de producto en HanesBrands, se incorpora a Alvanon como directora regional para Canadá y los mercados del Medio Oeste y Sur de Estados Unidos. Por su parte, Laura Berens, fundadora de una marca de moda, emprendedora y especialista en ecommerce, se une como directora regional para los territorios del Oeste de Estados Unidos de la compañía.

Estos nombramientos refuerzan el compromiso de Alvanon de ayudar a las marcas y retailers a aprovechar los estándares de tallas basados en datos y la experiencia en ajuste para acelerar el desarrollo de productos, optimizar la gestión de inventarios, aumentar las conversiones de ventas y reducir las devoluciones y los desperdicios.

Tabitha Chilton aporta más de 20 años de experiencia en diseño técnico de prendas y desarrollo de producto en marcas globales. Se une a Alvanon procedente de HanesBrands, donde lideró iniciativas de Creación Digital de Producto (DPC) y procesamiento de prototipos 3D, mejorando la eficiencia desde la concepción del diseño hasta el ajuste final. Chilton estandarizó el ajuste técnico y el desarrollo de producto en las gamas de ropa deportiva y ropa interior de HanesBrands. En estrecha colaboración con Alvanon, ayudó a desarrollar e implementar el tallaje base, las tablas de crecimiento corporal y el escalado corporal, utilizando los avatares digitales 3D de la Alvanon Body Platform y sus maniquíes físicos “gemelos” AlvaForm.

“Trabajar con Alvanon en Hanes me proporcionó un profundo conocimiento sobre cómo crear consistencia en el ajuste entre las marcas”, ha declarado Chilton. “Estoy entusiasmada por aportar esa experiencia para ayudar a los clientes de Alvanon a identificar las mejores herramientas, procesos y estrategias, tanto digitales como físicas, que puedan ofrecer resultados de negocio medibles”.

Laura Berens cuenta con más de 15 años de experiencia en desarrollo de negocio estratégico, ecommerce basado en datos, marketing digital, comercio agéntico y crecimiento de marca omnicanal. Fundó la exitosa marca DTC de ropa deportiva para maternidad y posparto Love & Fit y, desde 2023, ha asesorado a empresas emprendedoras a través de su consultoría de estrategia de marca y ecommerce, ITSLAURABERENS, sobre cómo lanzar y escalar negocios basados en productos, centrándose en el posicionamiento de marca, la estrategia de lanzamiento al mercado y el crecimiento digital.

“El éxito en la era agéntica implica poner a disposición de los agentes de IA datos de producto precisos y consistentes, y romper los silos heredados entre los equipos”, ha afirmado Berens. “Trabajaré en estrecha colaboración con los equipos técnicos y de ecommerce para crear procesos más colaborativos, asegurando que lo que se produce se represente con precisión en línea y, en última instancia, se entregue al consumidor”. El enfoque de Berens ayudará a las marcas a abordar desafíos clave como las devoluciones del ecommerce, la ineficiencia del inventario y la creciente necesidad de consistencia del producto en todo el ecosistema del comercio digital.

Tabitha Chilton es licenciada en Bellas Artes con especialización en marketing y diseño textil y administración de empresas por la University North Carolina en Greensboro. Laura Berens estudió empresariales en la University of Minnesota y es graduada en estudios liberales por el Santa Monica College.

La compañía de moda estadounidense G-III Apparel Group (G-III) asumirá directamente el control de sus operaciones de marca en España y Portugal a partir del 31 de diciembre de 2026, poniendo así fin a su alianza de distribución con All We Wear Group (AWWG).

Entrevista G.H.Bass celebra dos aniversarios a la vez en 2026: han pasado 150 años desde que George Henry Bass se adentró en el negocio del calzado en Wilton, Maine, en 1876, y 90 años del mocasín Weejuns, presentado en 1936. La marca conmemora ambos hitos con una colección cápsula de edición limitada, lanzada en cantidades seleccionadas y que incluye un penique de aniversario especialmente acuñado.

La firma de lujo Dior —buque insignia del grupo LVMH— ha oficializado una colaboración creativa de dos años con la productora A24. La colaboración abarca los sectores del cine, el teatro y los eventos en directo. Este acuerdo convierte a Dior en el socio principal del Cherry Lane Theatre, situado en Nueva York.

El lanzamiento de esta colaboración tuvo lugar en el Cherry Lane Theatre, con motivo del primer aniversario de su reapertura bajo la dirección de A24. El evento puso de relieve el legado de este emblemático lugar a través de Both Ends, una singular performance interpretada por el artista de cabaret Justin Vivian Bond y dirigida por Zack Winokur. Esta representación se inspira directamente en la poetisa y dramaturga Edna St. Vincent Millay, una de las fundadoras del teatro.

Para la ocasión, el director artístico de Dior, Jonathan Anderson, ha diseñado un vestuario a medida y Justin Vivian Bond lució una pieza de archivo de Paul Poiret, un modisto francés cuyo trabajo sirvió de inspiración para la colección de invierno 2026 de Dior.

En el marco de esta exclusiva, Dior y A24 se comprometen a apoyar el talento creativo, tanto consolidado como emergente, a través de una programación específica dentro y fuera de la pantalla. El objetivo es crear “puentes entre los artistas y el público”, según los términos del comunicado. La casa Dior también especifica que ambas entidades apoyarán los trabajos de estudiantes, “ofreciéndoles la oportunidad de familiarizarse con las dimensiones tanto creativas como técnicas del cine y el teatro”.

La incursión de una casa de moda de esta envergadura no es la primera. En 2023, la marca de lujo francesa Saint Laurent ya había anunciado la creación de una productora cinematográfica, Saint Laurent Productions.

En una entrevista concedida por Jonathan Anderson al Financial Times, el director artístico ha precisado que no se tratará en absoluto de vender bolsos. Y añadió: “Se trata de credibilidad. Para mí, el reto es sobre todo atraer a la generación más joven. Y eso no significa que sea absolutamente necesario poner un bolso en la pantalla para venderlo. Se trata de vender la idea de que una marca es auténtica”.

Nueva York - El célebre revenge dress, o “vestido de la venganza”, que lució la princesa Diana justo después de que el príncipe Carlos confesara públicamente su infidelidad, saldrá a subasta en Sotheby's de Nueva York el 9 de diciembre, según ha anunciado la casa de subastas este jueves.

Este vestido negro de gran escote, firmado por Christina Stambolian, tiene un precio estimado de entre 150.000 y 300.000 dólares (entre 129.000 y 259.000 euros), según ha indicado Sotheby's en un comunicado.

Una parte de la recaudación se destinará al hospital real de Edimburgo, en Escocia, especializado en salud mental.

Antes de la subasta, el vestido se expondrá en Londres del 18 al 24 de septiembre, en Hong Kong (del 1 al 15 de octubre), Ginebra (del 6 al 11 de noviembre) y Nueva York (a partir del 2 de diciembre).

La “princesa de los corazones” lució este atuendo, que rompía con los códigos de la realeza británica, en una gala benéfica en junio de 1994, mientras su marido, del que ya estaba separada, admitía su infidelidad en televisión.

“La princesa Diana transformó este vestido en uno de los mensajes más poderosos que jamás haya transmitido”, señala Morgane Halimi, directora global de bolsos y moda de Sotheby's.

“Lo que se convirtió en un momento viral a escala mundial (...) también dio permiso a todo el mundo, pero especialmente a las mujeres, para utilizar la moda más allá del simple adorno, de una manera mucho más intencionada y cargada de significado: como un escudo, un arma, o ambas cosas a la vez”.

Este vestido ya había sido subastado a beneficio de organizaciones benéficas contra el cáncer y el sida en junio de 1997, poco antes de la muerte de Diana en un accidente de tráfico en París el 31 de agosto, a la edad de 36 años.

La sonada agencia madrileña de comunicación y producción de eventos Pelonio Press inicia una nueva etapa bajo el nombre de AM, con una nueva identidad visual, sede y estructura societaria. El cambio supone también la separación de las actividades que hasta ahora desarrollaban conjuntamente sus tres socios fundadores.

La cadena española Natura ha reabierto este mes de septiembre sus establecimientos de las calles Hortaleza 12 y Conde de Peñalver 22, en Madrid, ambos remodelados con el nuevo concepto de tienda de la compañía.

La firma española Scalpers presentó ayer su colección Otoño/Invierno 2026 en un evento celebrado en el Real Casino de Madrid, con el que la marca asoció su imagen a la llegada de la Fórmula 1 a la capital.

La acción se enmarca en "Off track with Franco Colapinto", su nueva campaña con el piloto argentino, embajador de Scalpers Man, embajador de la noche a pocos días de que se celebre el Gran Premio en la capital.

La colección ya está disponible en las tiendas de la marca y en su canal de e-commerce.

Fundada en 2007 como firma de moda masculina, Scalpers sumó la línea femenina, Scalpers Woman, en 2018, hoy una de sus áreas estratégicas. El grupo integra además Victoria, de moda de invitada; Mim Shoes, de calzado; y Deeply, de moda deportiva de surf.

Los días nueve y 10 de septiembre de 2026, Tranoï Tokyo y Denim Première Vision, ambos gestionados por GL events, unieron fuerzas en el Yoyogi National Stadium (Tokio) para fusionar la creación de productos y el sourcing de materiales.

¿El objetivo? Expandirse en el mercado japonés. Tranoï Tokyo reunió a unas 200 marcas, de las cuales 10 son francesas, mientras que Denim Première Vision puso a prueba una “Edición 0”.

Se trata de la quinta edición de Tranoï Tokyo desde su lanzamiento en 2024. La cita reunió alrededor de 200 marcas (60 por ciento internacionales, 40 por ciento japonesas), representando a 25 países de los sectores de la moda, la belleza y el lifestyle.

La oferta se dividió a partes iguales entre moda femenina y masculina y se compuso de la siguiente manera: un 44 por ciento de prêt-à-porter, un 41 por ciento de accesorios de moda y un cinco por ciento de lifestyle.

Francia fue uno de los dos principales países extranjeros expositores, junto con Corea del Sur. 10 marcas estuvieron presentes: Aïdama, Louise Misha, Jaspär, Mii Collection, Atelier Siméon, MTM Headwear, Diega, LouDotLou, Jamin Puech y Cahu. Su participación contó con el apoyo de Promas, Francéclat, la Fédération de la Chaussure y el CTC.

Première Vision puso a prueba su formato Denim en Japón con una “Edición 0”

En el marco de la edición de septiembre de 2026 de Tranoï Tokyo, Denim Première Vision organizó una “Edición 0”, concebida como un anticipo de su debut en Japón.

Mientras que Tranoï sigue enfocado en marcas y diseñadores, Denim Première Vision aportó una dimensión upstream: sourcing de materiales, componentes, tecnologías e innovación industrial.

Veinte empresas del sector del denim participaron en esta edición, entre ellas fabricantes tradicionales y actores que desarrollan nuevos materiales y soluciones presentadas como “sostenibles” por los organizadores.

Clémence Cahu, fundadora de la marca Cahu y directora artística de Tranoï Tokyo

Una colaboración entre Cahu y Ryoji Yamasawa, un profesional especializado en el upcycling de denim, sirvió como nexo de unión entre las dos ferias. La propuesta estuvo compuesta por los archivos de Ryoji Yamasawa, creados para diferentes marcas y diseñadores.

A esta exposición se sumaron Pioneer Denim × IED Torino, un proyecto realizado con los estudiantes de la escuela de diseño italiana en torno a las posibilidades creativas del denim; Pioneer Denim × Transnomadica, una colaboración en torno a las colecciones de denim vintage de Transnomadica; y una instalación del estudio de escultura francés Leblon Delienne, fundado en Normandía en 1985.

También se celebraron los treinta años de la librería parisina 0fr. a través de una pop-up que reunió ejemplares antiguos de la revista Purple, desde los años 90 hasta principios de los 2000. Además, 0fr. anunció una colaboración especial con Beams con motivo de los cincuenta años de la multimarca japonesa.

Novedad: charlas y un desfile dinamizaron esta doble edición de septiembre de 2026

Tranoï Tokyo organizó dos charlas que reunieron a ponentes internacionales y a personalidades de la industria japonesa.

El nueve de septiembre se celebró “When Japan Became a Style”, dedicada a las influencias recíprocas entre Japón y Occidente, con la participación de Hirofumi Kurino, Maurizio Donadi y Sue Barrett, entre otros.

El 10 de septiembre tuvo lugar “How Do We Know What's Cool?”, en torno a la cuestión de quién determina hoy lo que es relevante en la moda, con Amy Leverton, Alex Thumerelle (cofundador de 0fr.) y Kaname Murakami, redactor jefe de WWD Japan.

Por último, el plato fuerte de la programación: Tranoï Tokyo celebró su primer desfile el nueve de septiembre a las 16 horas. En él participaron nueve diseñadores rumanos junto a Pioneer Denim.

Entrevista

My Jewellery celebra su 15 aniversario, y España se perfila como uno de los próximos capítulos en su historia de crecimiento. La marca de joyería y estilo de vida, fundada por Sharon Hilgers en 2011, ha pasado de ser una tienda online a convertirse en un actor internacional con 65 boutiques en los Países Bajos, Bélgica, Alemania y Francia, más de 1.000 empleados y más de 650 socios minoristas premium en toda Europa. “Los sueños se hacen realidad”, como demuestra la historia de Hilgers: lo que empezó como una pequeña idea ha crecido hasta convertirse en una marca fundada por una mujer y construida sobre la creatividad, la ambición y el empoderamiento.

Para conmemorar este hito, FashionUnited ha hablado con Lisanne Vuik, coordinadora de relaciones públicas e influencers, y Thom Timmer, director de desarrollo de negocio, sobre el crecimiento de la marca, sus planes para España y el camino que tiene por delante.

España, la próxima parada

My Jewellery todavía no tiene tiendas propias en España, pero el mercado no es en absoluto un territorio desconocido para la marca. La firma ya cuenta con una presencia consolidada a través de socios mayoristas, marketplaces y su propia tienda online, una base que le da la confianza necesaria para seguir creciendo. “España es un mercado estratégico para nosotros”, afirma Timmer. “Planeamos abrir tiendas allí a principios del año que viene, si todo va bien”.

Los compradores españoles ya pueden descubrir la marca a través de estos canales, y la tienda online de My Jewellery está disponible en más de 40 idiomas, incluido el español. Timmer confía en que el concepto funcionará bien una vez que lleguen las tiendas: “El concepto del Benelux es muy escalable y se adapta fácilmente al mercado internacional. La gente entiende los productos, nuestra forma de comunicar en redes sociales y cómo lanzamos las cosas al mercado, hasta el más mínimo detalle del packaging”. Esa confianza no es solo palabrería: cuando My Jewellery abrió su primera tienda fuera de los Países Bajos, en Amberes, el concepto tuvo la misma buena acogida entre un nuevo público, y la marca aplicó más tarde la misma fórmula en Alemania y Francia.

Del taller a marca global

Hilgers empezó vendiendo sus primeros diseños en talleres y mercados, y recurrió pronto a las redes sociales para ganar visibilidad mucho antes de que la marca abriera su primera tienda física en Bolduque. “Empecé My Jewellery sin nada más que pasión, fuerza y el impulso de construir algo con sentido”, dice. “Construir esta empresa desde cero y verla crecer hasta convertirse en una marca internacional ha sido un sueño hecho realidad”.

La joyería como parte de un estilo de vida más amplio

My Jewellery no quiere ser vista únicamente como una marca de joyas, subraya Timmer. “La joyería es el núcleo de lo que hacemos, pero le añadimos una capa de lifestyle para potenciar la experiencia de marca, y eso es algo único en el mercado europeo”, afirma. Aunque la marca empezó como un actor puramente digital, ahora está creciendo de manera uniforme en todos los canales, desde sus propias boutiques hasta grandes almacenes y el travel retail.

La elección de los socios minoristas adecuados depende en gran medida de lo que Timmer denomina “socios de referencia”: colaboradores que prestan tanta atención a la presentación como la propia marca, un criterio que probablemente también será importante para cualquier futuro socio en España. “Cuidamos cada detalle, desde el mobiliario hasta los colores de la tienda. Buscamos socios con la misma pasión por presentar la historia y el producto al consumidor”. El cliente principal se ha mantenido constante a lo largo de la expansión de la marca: los millennials y la generación Z forman el núcleo, con una atención creciente ahora hacia la generación Alfa.

La comunidad como pilar fundamental

Una comunidad fiel no se crea de la nada, subraya Vuik. “Invertimos mucho tiempo en la comunidad y organizamos eventos presenciales para conocer a los clientes en persona”. Las colaboraciones de la marca con influencers siguen la misma filosofía: una mezcla de prescriptores remunerados y embajadores no remunerados que reflejan el mismo ADN “chispeante” de la marca.

Timmer también atribuye el crecimiento de la marca a su fuerte representación femenina: el 85 por ciento del equipo y el 75 por ciento de los puestos de liderazgo están ocupados por mujeres, lo que él considera el resultado del crecimiento orgánico, el trabajo duro y el espíritu emprendedor. Para Hilgers, el aniversario tiene un significado que va más allá de la propia marca. “Para mí, no se trata solo de mi propio viaje”, afirma. “Es la prueba de lo que el emprendimiento femenino puede lograr cuando te comprometes plenamente, y espero que inspire a más mujeres a construir algo propio”.

Semana de aniversario, colección icónica y planes de futuro

El 15 aniversario se celebra con una semana completa de festejos centrados en la comunidad. Además de los eventos presenciales, My Jewellery ha lanzado el “Icon Creator”, una herramienta que permite a los clientes diseñar su propia joya. El diseño más votado entrará en producción y se unirá a la colección. Hilgers también protagoniza un vídeo en el que repasa sus 15 años de trayectoria empresarial.

La marca también lanza una colección icónica con sus bestsellers históricos: el collar “Candy Couture” ha sido un básico en el top ten durante años, junto con la línea “Forever Connected” y la pulsera “Mother & Daughter”.

De cara al futuro, My Jewellery aspira a alcanzar las cien tiendas en toda Europa, con el crecimiento continuo en el travel retail y las alianzas premium como pilares clave, y con España entre los mercados que se beneficiarán de esa próxima fase. La organización, desde el almacén y la infraestructura informática hasta la sede central, ya está preparada para afrontar esa nueva etapa, según Timmer. Para Vuik, la comunidad debe seguir siendo la base sobre la que se construya la marca, y la historia de Hilgers debe continuar inspirando a una nueva generación de emprendedores.

La empresa de materiales reciclados Recover ha nombrado a Enes Adak y Fehmi Yüksel codirectores ejecutivos, marcando así la siguiente etapa de desarrollo en la evolución de la compañía.

Adak continuará desempeñando el cargo de director de producto, supervisando las funciones de producto, comerciales y de operaciones de Recover, mientras que Yüksel mantendrá el cargo de director financiero, liderando la dirección estratégica y el compromiso con las partes interesadas.

En su doble cargo de CEO, a Adak y Yüksel se les ha encomendado liderar la trayectoria de crecimiento de Recover, centrada en fortalecer el servicio al cliente, el apoyo a los socios en toda la cadena de valor textil, mejorar la entrega operativa y expandir su plataforma global.

Adak ha ocupado anteriormente altos cargos directivos en Li & Fung y Forever 21, aportando casi 20 años de experiencia a su nuevo puesto en Recover. Por su parte, Yüksel cuenta con más de 15 años de experiencia en liderazgo, incluida la adquirida en sus anteriores puestos en McKinsey & Company, donde formó parte de los equipos de transformación y sostenibilidad de la firma.

El presidente ejecutivo de Recover, Hans Ploos van Amstel, ha declarado que la estructura de codirección ejecutiva tiene como objetivo combinar el liderazgo de Adak en operaciones y producto con la experiencia de Yüksel en estrategia, finanzas y transformación empresarial. Ploos van Amstel ha añadido: “Juntos, aportan capacidades complementarias que ayudarán a acelerar la ejecución, fortalecer nuestras alianzas y continuar escalando el negocio a nivel mundial”.

Adak ha señalado que el enfoque se centrará en convertir la “sólida base” que Recover ha construido en “una mayor escala e impacto comercial”, mientras que Yüksel ha destacado que Recover se posiciona con confianza en un periodo en el que la industria textil está acelerando su transición circular.

Yüksel ha añadido: “Nuestra prioridad es fortalecer las alianzas en toda la industria, acelerar la adopción de algodón reciclado a gran escala, expandir nuestra plataforma global y continuar construyendo un negocio que cree valor a largo plazo para clientes, accionistas y socios”.

En septiembre de 2026, la junta general de accionistas de Manifattura Mario Colombo & C. SpA ha ratificado la composición de su nuevo consejo de administración. Esta reorganización del grupo propietario de la marca Colmar se produce tras el fallecimiento del anterior presidente, Mario Colombo, ocurrido en el mes de abril.

Una continuidad directiva estructurada

La nueva cúpula directiva está diseñada para dar continuidad a la visión estratégica iniciada por la anterior dirección. Los puestos clave del consejo se distribuyen de la siguiente manera:

• Giulio Colombo asume ahora el cargo de presidente.
• Laura Colombo ha sido nombrada vicepresidenta.
• Carlo Colombo y Stefano Colombo ocupan los cargos de consejeros.

Para dirigir la estrategia empresarial, Giulio, Carlo y Stefano Colombo también han sido designados directores generales. Cada uno de ellos ha recibido responsabilidades específicas para agilizar la gestión operativa del grupo.

El nuevo presidente, Giulio Colombo, ha detallado en un comunicado enviado a FashionUnited las ambiciones del grupo con motivo de su nombramiento: “A través de la renovación de su estructura de gobierno, Manifattura Mario Colombo & C. SpA reafirma su compromiso con un crecimiento sostenible y a largo plazo, preservando al mismo tiempo sus sólidas raíces familiares y reforzando aún más su enfoque en la innovación y el desarrollo internacional”.

Este artículo ha sido redactado en parte con el apoyo de una herramienta de inteligencia artificial antes de ser completado y editado por un periodista de FashionUnited.

Theory, la marca estadounidense de moda contemporánea especializada en prendas de diseño minimalista y de inspiración neoyorquina, ha anunciado el nombramiento de James Kelly como nuevo director ejecutivo global (CEO). La compañía, que forma parte del grupo japonés Fast Retailing, propietario también de Uniqlo, encuadra el cambio en una reorganización de su cúpula directiva destinada a impulsar el crecimiento internacional.

Kelly sucederá a Dinesh Tandon, quien dejará el puesto de CEO global para asumir el cargo de codirector de operaciones globales de Theory y volver a dirigir como CEO la división de la marca en China, una de las regiones de mayor crecimiento para la marca.

Para Kelly, por su parte, este nuevo cargo amplía su trayectoria dentro del porfolio de Fast Retailing, del que forma parte desde hace 13 años. Tras contribuir a la expansión de Uniqlo en Estados Unidos y liderar su crecimiento en el mercado canadiense, Kelly se incorporó a Theory en 2022 como director financiero y, más tarde, como codirector de operaciones global.

A él se le atribuye haber contribuido a la estabilización del negocio D2C de Theory, además de supervisar la transformación empresarial en Estados Unidos, Reino Unido y Europa. Como CEO global, cargo que compagina con la dirección de la marca hermana Helmut Lang, Kelly supervisará las funciones de la sede mundial, las operaciones comerciales y las iniciativas de crecimiento.

En un comunicado, Kelly ha declarado: “Es un honor dirigir Theory, una marca con un legado perdurable de diseño atemporal, calidad excepcional y creatividad neoyorquina. Junto a nuestros talentosos equipos, seguiremos construyendo sobre esa base para ofrecer productos y experiencias excepcionales a nuestros clientes de todo el mundo”.

Parece una broma, pero no lo es: la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (Euipo) también ha advertido a los usuarios que permanezcan atentos a los sitios web fraudulentos que intentan replicar su portal oficial.

“Terceros no autorizados han creado sitios web falsificados que replican la apariencia visual, los logotipos y el diseño de las páginas web oficiales de la Euipo. Estos sitios de imitación están diseñados para engañar a los visitantes, haciéndoles creer que están utilizando los servicios auténticos de la Euipo, con el objetivo de inducirles a realizar acciones no autorizadas o a descargar software malicioso”, se lee en una nota, en la que la Euipo también confirma que sus sistemas y bases de datos oficiales no se han visto comprometidos.

Los controles de seguridad legítimos nunca piden ejecutar comandos del sistema, especifica la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea. Los procedimientos de verificación oficiales (como los Captcha) nunca solicitarán abrir la línea de comandos del sistema operativo, PowerShell, el Terminal o la ventana “Ejecutar”, ni pedirán que se copie y pegue código en el dispositivo. La Euipo añade también que siempre se debe verificar el dominio: los sitios fraudulentos están alojados en dominios externos, fuera de la infraestructura de la Euipo. Comprobar la barra de direcciones, no ejecutar nunca peticiones inesperadas y denunciar los sitios sospechosos son otras recomendaciones útiles.

El conglomerado británico Associated British Foods (ABF) ha publicado una actualización comercial correspondiente al cuarto trimestre del ejercicio fiscal 2026, cerrado el 12 de septiembre de 2026, en la que revela que el beneficio operativo ajustado del grupo se situará en línea con las previsiones anteriores, mientras que el beneficio por acción ajustado superará las estimaciones previas.

Primark ha unificado su línea de activewear bajo el nuevo nombre Primark Form, con la que busca consolidar una oferta más técnica en el segmento de precios bajos.

La actual colección Otoño/Invierno es la primera que se lanza bajo este nuevo nombre, según ha comunicado Primark este lunes. La línea da continuidad a la que, según la empresa, ha sido su mayor colección de activewear hasta la fecha, presentada por el minorista a principios de año. Primark Form estará disponible durante todo el año e incluye prendas para mujer, hombre y niño.

La línea se divide en varios grupos de productos. Smooth Support se centra en un tejido transpirable que expulsa la humedad y cuenta con elasticidad en cuatro direcciones; Buttery Soft está diseñada para yoga y pilates; la gama Running combina materiales repelentes al agua con detalles reflectantes, y Seam Free presenta un acabado sin costuras.

En la sección masculina, se añaden una chaqueta acolchada y un chaleco con relleno Thermolite, así como camisetas Seam-Free de material Airdinamics. Para los niños, la línea incluye, entre otras prendas, chándales elásticos, camisetas técnicas, tops y leggings. Según Primark, los precios oscilan entre cinco y 30 euros.

“Con Primark Form queremos demostrar que el activewear atractivo, funcional y con un buen ajuste no tiene por qué ser caro”, ha declarado Steve Lawton, director de producto de Primark.

Primark se fundó en 1969 en Irlanda y, según datos de la propia empresa, opera más de 480 tiendas en 19 países de Europa, Estados Unidos y Oriente Medio. En Alemania, el minorista de moda emplea a más de 4.000 personas en 28 establecimientos.

Este artículo ha sido creado con la ayuda de IA.

Por segundo año consecutivo, la Escuela de Moda del IED Madrid presentó el desfile de sus graduadas y graduados en el marco de Omoda Madrid es Moda.

La pasarela, que en su primera edición inauguró esta fórmula dentro del calendario madrileño, refuerza el vínculo entre formación y mundo profesional al convertir los Proyectos de Fin de Carrera en la carta de presentación de una nueva generación de diseñadores.

De entre todas las propuestas, un jurado profesional seleccionó doce colecciones para llegar a la pasarela, que se dieron cita ayer en el Espacio Jorge Juan, dando forma a una muestra colectiva deliberadamente heterogénea que la dirección de la escuela reivindica como “uno de los principales valores de la convocatoria”.

"La heterogeneidad de las colecciones que hoy veremos sobre la pasarela representa nuestro mayor logro: haber contribuido a formar diseñadoras y diseñadores capaces de construir una mirada propia", señaló Federico Antelo Granero, director de la Escuela de Moda del IED Madrid, quien enmarcó el trabajo de la escuela en la combinación de "la tradición artesanal con la innovación tecnológica".

El galardón de esta edición recayó en Peio Santiesteban y su colección Flores para un Monstruo, uno de cuyos looks había desfilado ya en el desfile de apertura de la Semana de la Moda de Madrid, celebrado hace unos días desde los Jardines de Sabatini.

Más allá de su acabado estético, la propuesta delataba una elaboración exigente, capaz de levantar estructuras arquitectónicas complejas y del trabajo por capas de tejido. En sus palabras, la colección se pensó para explorar "la delgada línea entre la violencia y la belleza para cuestionar quién decide que es un monstruo".

El nivel y la diversidad, sin embargo, se repartieron por toda la presentación.

Alejandra Coco Bassey Oubiña, por ejemplo, partió de la identidad contemporánea y de los códigos heredados del pasado para, tomando la sastrería como punto de arranque, presentar un denim intervenido y estructuras cargadas de detalles de confección, con los botones que no se limitaban a cumplir su función, robándose además algo de protagonismo.

También en denim trabajó Sabela Yilmaz Peinó, que presentó un dos piezas deshilachado con una forma muy interesante como parte de su propuesta.

Penélope García, por su parte, trasladó al cuerpo el fileteado porteño, lenguaje ornamental del espacio urbano. Con esta idea como trasfondo, curvas, espirales y formas orgánicas dieron forma a una lúdica propuesta de ready to wear.

En un registro más performático, Álvaro Blanco presentó "Una tarde con amigos", una colección que, en palabras del creativo, "convierte la imaginación en un refugio frente al rechazo y la soledad".

Y en esa misma línea desenfadada, alejándose por completo del ready-to-wear, Joane de la Quintana Urrutxurtu apostó por incluir una colorida bola de punto como parte de su propuesta "Desastre".

Nueva York - El legendario diseñador estadounidense Ralph Lauren inauguró el miércoles la Semana de la Moda de Nueva York con la colección Primavera/Verano 2027, dando inicio al famoso evento que este año ha prohibido por primera vez el uso de pieles en la pasarela.

El diseñador de 86 años, cuya estética "preppy" ha influido en el estilo estadounidense durante décadas, presentó looks en los que destacaban sus colores distintivos, azul marino y blanco. Toques de dorado, beige y rosa empolvado completaron la paleta.

La marca afirmó que la colección busca dar un giro a las "nociones tradicionales de la elegancia" y reinterpretar siluetas históricas.

Los pantalones de traje se combinaron con una chaqueta de cuero, un sombrero canotier y zapatillas de ballet. También hubo vestidos que las máximas estrellas de Hollywood podrían lucir en la alfombra roja.

La fiesta de Coach

La casa de moda estadounidense Coach, conocida por sus bolsos y accesorios de cuero, organizó el otro desfile del miércoles.

Fue una noche tranquila antes de que el frenesí de la moda cobre ritmo, comenzando en Nueva York antes de dirigirse a Londres, Milán y París.

Ambas marcas han tenido éxito este año a pesar de la desaceleración del mercado de lujo gracias a un posicionamiento más accesible, y cada una ha registrado un crecimiento de ingresos de dos dígitos en el último trimestre.

En diciembre, el Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos (CFDA), organizador de la Semana de la Moda de Nueva York, anunció que prohibiría el uso de pieles de animales en sus eventos oficiales a partir de este mes.

En imágenes En las últimas temporadas, el 100 por cien de las 20 principales marcas de lujo del mundo han integrado a modelos de más de 50 años en sus desfiles, con Bottega Veneta y Tom Ford incluyendo habitualmente unas nueve modelos maduras por desfile. La industria ha dejado atrás la novedad de los efímeros cameos de celebridades de Hollywood para volver a sus raíces: la modelo profesional y experimentada.

Un cambio decisivo se produjo a finales de enero de 2026, cuando el director creativo Matthieu Blazy eligió a Stephanie Cavalli, de 50 años, para abrir su desfile de debut de Alta Costura para Chanel en París.

Contratar a modelos maduras para los desfiles de prêt-à-porter (R-T-W) tiene un inmenso sentido comercial y económico. Mientras que la alta costura se ha basado históricamente en la juventud como una fantasía, el mercado del lujo actual se basa en la usabilidad realista, los cambios demográficos y el poder adquisitivo. La realidad comercial más importante es que los consumidores de más de 50 años poseen la gran mayoría de la riqueza mundial.

Al elegir a modelos como Laura Ponte o Cecilia Chancellor, las marcas apelan directamente a mujeres con poder adquisitivo que buscan activamente comprar colecciones de alta gama.

Con la temporada de prêt-à-porter SS27 de las “cuatro grandes” a la vuelta de la esquina, ¿seguirán los diseñadores contratando a mujeres de 50, 60 y más años para sus desfiles? A juzgar por el atractivo perdurable de estas once visionarias, la respuesta es un rotundo sí.

Stephanie Cavalli (50)

Después de que sus primeros trabajos como modelo disminuyeran en la treintena, Cavalli se mudó al norte del estado de Nueva York para abrir su boutique vintage, La Garçonne. Fichó por la agencia de modelos Iconic Focus —especializada en talentos de más de 40 años— solo después de aceptar por completo su pelo gris natural, sin teñir. Aunque trabajó como modelo de forma intermitente en proyectos comerciales a lo largo de su vida, su verdadero gran momento en la pasarela de alta moda llegó con la presentación de Tibi SS24, culminando con su apertura del desfile de Alta Costura Primavera/Verano 2026 de Chanel. “A los 50, ya no tengo que interpretar un papel”, comparte Cavalli. “Desfilo con mi edad, mi historia y mi pelo canoso”.

Amalia Vairelli (~70)

Vairelli es una icónica modelo de pruebas de la época dorada de Yves Saint Laurent, que trabajó estrechamente con la maison desde finales de los 70 hasta finales de los 90. Saint Laurent declaró célebremente que poseía el “cuerpo más perfecto” para inspirar sus diseños creativos. Vairelli regresó triunfalmente a la pasarela en 2019 para Marine Serre, una firma que ha contado con ella de forma constante desde entonces.

Christina Chung (Finales de los 50)

Chung consiguió su primer trabajo como modelo a los 56 años, tras una exitosa carrera en la banca y después de criar a siete hijas. Cuando una de sus hijas, ya modelo consolidada, invitó a Christina a unirse a ella para una campaña del Día de la Madre, la industria se fijó inmediatamente en su imponente presencia, lanzando su carrera como modelo independiente.

Romae Gordon (50s)

Gordon pausó su carrera como modelo durante aproximadamente 30 años para ejercer como directora general de Moda y Estilo de Vida en Pulse Investments, la principal agencia de modelos y entretenimiento del Caribe. Regresó a la alta moda en septiembre de 2025, desfilando en la aclamada colección debut de Dario Vitale para Versace durante la Fashion Week de Milán, seguido unos meses más tarde por una aparición en la pasarela de Alta Costura de Chanel en París.

Suzy de Givenchy (Finales de los 50)

La nuera, de origen estadounidense, del hermano de Hubert de Givenchy, Suzy, entró en el mundo de la moda a los 51 años. Con profundas conexiones en la industria y una apariencia llamativa y elegante, se ha convertido en una presencia habitual en las pasarelas tanto de firmas de vanguardia como de lujo, incluyendo Off-White, Zegna y Louis Gabriel Nouchi.

Marie-Sophie Wilson (60s)

Una legendaria modelo francesa descubierta en la década de 1980, Wilson fue una musa histórica de Azzedine Alaïa y Helmut Lang. Se alejó de la industria durante la obsesión de la moda por la ultrajuventud, pero desde entonces ha protagonizado un inmenso regreso. Sigue siendo una de las favoritas de las casas de lujo conceptuales, y recientemente ha desfilado para Valentino Haute Couture, Schiaparelli y Marine Serre.

Cecilia Chancellor (60)

Un rostro definitivo del minimalismo británico de finales de los 80 y los 90, Chancellor fue una de las musas originales en la pasarela para Helmut Lang y Marc Jacobs. Al entrar en la sesentena, ha transitado sin problemas hacia una carrera comercial a largo plazo con agencias especializadas como The Model CoOp. Su estética atemporal y refinada le asegura habitualmente un lugar en los desfiles de marcas de lujo direccionales, incluyendo Miu Miu, Simone Rocha y Fendi.

Alva Chinn (70s)

Una icónica pionera de la moda estadounidense, Chinn fue una de las históricas modelos negras que dominaron el legendario desfile de la “Batalla de Versalles” de 1973. Ahora, a sus 70 años y fichada por Iconic Focus Models, Chinn ha vuelto a las principales alineaciones de lujo, aportando su histórico aplomo en la pasarela a casas como Pierre Cardin.

Hannelore Knuts (50)

La célebre modelo de moda belga es conocida mundialmente por su forma de desfilar intensa, muy estructural y arquitectónica. Su marcada presencia es una de las favoritas de los diseñadores que buscan vender colecciones muy conceptuales y vanguardistas, lo que la convierte en un elemento básico para firmas como Dilara Findikoglu y Jean Paul Gaultier.

Benedetta Barzini (80s)

Descubierta por primera vez en la década de 1960 por la legendaria editora Diana Vreeland, el icono italiano pasó varias décadas trabajando como una destacada periodista y académica antes de reincorporarse a la alta moda a sus 70 años. Ahora, a sus 80 años, la presencia elegante y rompedora de Barzini sigue adornando las pasarelas de Gucci, Simone Rocha y Antonio Marras.

Laura Ponte (50s)

Ponte fue una de las modelos más destacadas de la década de 1990. Ahora, a sus 50 años, el icono español ha vuelto a los desfiles de las principales firmas de lujo, consiguiendo prestigiosas apariciones consecutivas en las presentaciones de Alta Costura y prêt-à-porter Otoño/Invierno de Chanel en el Grand Palais, así como en la presentación Crucero de la casa en Biarritz.

Las empresas francesas de software de gestión empresarial Cegid y Silae han hecho pública, el 9 de septiembre de 2026, su intención de fusionarse. Esta operación estratégica da lugar a una entidad valorada en más de 10,000 millones de euros. El objetivo de esta alianza es construir una plataforma tecnológica europea unificada que cubra todas las necesidades de contabilidad, fiscalidad, recursos humanos y gestión de nóminas.

Aunque ahora tenemos los ojos puestos en la Semana de la Moda de Madrid, la semana pasada todas las miradas estaban en Ámsterdam. La Fashion Week de la ciudad reunió a una nueva generación de firmas, como Dolly Sports y Studio NK, junto a nombres ya consolidados de la escena neerlandesa, como Camiel Fortgens y Tess van Zalinge. A lo largo de la ciudad, distintos espacios acogieron sus nuevas colecciones en un programa que, más allá de los desfiles, también incluyó presentaciones, charlas y otros encuentros.

El movimiento, protagonista

La Fashion Week de Ámsterdam ha demostrado que una colección puede presentarse de muchas más maneras que en una pasarela clásica. Mientras que otras pasarelas se aferran a los desfiles en los que las modelos caminan una a una por la pasarela, las firmas de Ámsterdam buscan formas alternativas de presentar sus colecciones. Así, la firma de streetwear de Ámsterdam The New Originals, antes de la proyección del cortometraje Home Is Where the Heart Is, contó con bailarines que se movían por el espacio del Nxt Museum en Amsterdam-Noord, acompañados por un saxofonista. La presentación se convirtió así más en una performance que en un desfile de moda clásico.

Lo mismo ha ocurrido con Dolly Sports, fundada por Eline Starink y que se estrenaba este año en el calendario de la Fashion Week de Ámsterdam. En lugar de una pasarela tradicional, en la que las modelos desfilan una tras otra, la marca hizo que las modelos, que también eran animadoras, se movieran por una alfombra azul. Esta recordaba además a una pista de atletismo , más que a una pasarela al uso, con el característico café ‘t Blauwe Theehuis del Vondelpark, el "Central Park" de la ciudad– como telón de fondo. Las bailarinas sostenían pompones de animadora y también participó un bailarín de danza moderna. Este enfoque deportivo se trasladó a la colección FW26, que incluía materiales metalizados, cortavientos y siluetas deportivas.

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Un tercer ejemplo ha sido el de la debutante Fortanier, la firma de Eva Korsten, quien anteriormente fue cofundadora de la marca de calzado Yume Yume. Para la presentación, Korsten optó por un decorado lúdico de plataformas bajas de color rosa pálido, repartidas por el espacio y acabadas con tela plisada. Las modelos no solo se movían entre las plataformas, sino que también las integraron en la presentación, caminando y posando sobre ellas. De este modo, también aquí se abandonó el recorrido fijo de una pasarela clásica para convertirlo en parte del propio espectáculo.

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De molinos de viento a supermercados: la ciudad como escenario

Las influencias neerlandesas también se reflejaron en las localizaciones donde se presentaron las colecciones. Así, para el diseñador Ruben Jurriën, los molinos de viento constituyeron un escenario reconocible. Las referencias a los Países Bajos fueron más allá de la localización: textos como ‘Wees lief’ y ‘I Love Gezellig’ eran claros guiños a la cultura neerlandesa. No es casualidad que la colección se titulara ‘Maak Nederland weer Gezellig!’.

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Camiel Fortgens ha presentado su colección SS27 en el supermercado Albert Heijn en el sur de Ámsterdam, tras la hora de cierre. Los miembros del equipo de la firma neerlandesa iban vestidos con el reconocible uniforme de Albert Heijn, mientras que durante el desfile se podían oír los característicos pitidos de las cajas. Las modelos dieron varias vueltas por el supermercado, y a mitad de camino se añadía una capa extra a los looks, como un abrigo. Al finalizar, la voz de Fortgens sonó por el interfono para dar las gracias a los asistentes e indicarles la salida. La poco convencional localización recordaba al desfile Fall Ready-to-Wear de Chanel de 2014, cuando Karl Lagerfeld también presentó su colección en un supermercado.

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La vigésima edición de la gala de talentos Lichting tuvo lugar en el Pasaje del Rijksmuseum, en la Museumplein. La plataforma de talentos, que desde 2007 ofrece un escenario a los jóvenes diseñadores neerlandeses, celebraba así una edición de aniversario en una de las localizaciones culturales más destacadas de los Países Bajos.

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La Fashion Week de Ámsterdam se convierte en una plataforma más amplia para la industria

También fuera de la pasarela, durante la Fashion Week de Ámsterdam se han presentado colaboraciones que iban más allá de la tradicional presentación de una colección. Por ejemplo, la marca de accesorios neerlandesa Wandler, fundada por Elza Wandler, ha colaborado con la plataforma de moda británica Puss Puss Magazine en una revista de edición limitada sobre la colección cápsula Otoño/Invierno 2026 ‘A Study in Glaze’ de Wandler. La colección se compone de modelos como el Hortensia, el Penelope y el Ida en piel de becerro con un acabado brillante. Puss Puss, que se publica desde Londres como una revista bianual y plataforma digital desde 2014, reunió la colección en un contexto editorial con su propia red creativa internacional.

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La colaboración demuestra cómo las marcas pueden aprovechar una semana de la moda para dar a conocer una colección no solo a través de un desfile, sino también mediante otros medios y colaboraciones. Para Wandler, Ámsterdam era una localización lógica: la marca se fundó en la ciudad y optó por presentar la revista de edición limitada durante la semana de la moda local.

Además, el evento de United Repair Academy y Levi’s no se centró en el lanzamiento de una nueva colección, sino en prolongar la vida útil de la ropa existente. En el marco de la Fashion Week de Ámsterdam, la colaboración giró en torno a la reparación y la artesanía, prestando atención al papel de los reparadores en una industria de la moda que cada vez más apuesta por la circularidad.

La Fashion Week de Ámsterdam tuvo lugar del martes 1 al sábado 5 de septiembre de 2026.

Durante mucho tiempo, Pinterest fue considerada una plataforma donde principalmente las mujeres buscaban inspiración. Pero parece que esta idea se está desmoronando. Los hombres están conquistando cada vez más la plataforma para sí mismos, y ya no solo para encontrar ideas sobre qué ponerse. Deporte, viajes, aficiones, decoración, cuidado personal... son solo algunos de los segmentos que forman parte de un abanico de intereses masculinos en la plataforma, más amplio que nunca

La evolución es especialmente dinámica entre los usuarios más jóvenes. Las búsquedas de la Generación Z han aumentado un +17 por ciento en comparación con el año anterior. Actualmente, más del 62 por ciento de las búsquedas mensuales de usuarios masculinos provienen de este grupo de edad.

Lo que llama la atención no es tanto una única tendencia, sino la enorme diversidad de intereses. Los hombres buscan formas de disfrutar su tiempo libre de manera más consciente, crear espacios para veladas compartidas o descubrir nuevas aficiones. La demanda de “hobbies offline” ha aumentado un +551 por ciento, y las “ideas sin móvil” han crecido incluso un +581 por ciento. Las actividades en grupo también ganan terreno. “Running Clubs” ha registrado un aumento del +749 por ciento, “Hyrox” un +193 por ciento y “torneo de pádel” un +103 por ciento.

Lo que a primera vista parece una simple tendencia de estilo de vida, también tiene una vertiente marcadamente de moda. A medida que crece el interés por cómo debe ser y sentirse el día a día, la cuestión de la propia apariencia cobra mayor protagonismo. En consecuencia, los datos de Pinterest muestran un claro impacto en las búsquedas de workwear, cuero, accesorios, color y cuidado personal.

El workwear se convierte en el nuevo uniforme diario

Uno de los movimientos más llamativos gira en torno a la ropa funcional. Las búsquedas de “outfit workwear hombre” han aumentado un +314 por ciento, y las de “outfit workwear vintage hombre” han crecido aún más, un +442 por ciento.

También ganan protagonismo prendas concretas de origen funcional. La chaqueta de campo M-65 se busca un 148 por ciento más, el “estilo workwear americano” un 143 por ciento más, y la chaqueta de trabajo francesa o chore coat un 41 por ciento más.

El workwear se desliga así cada vez más de su propósito original, ligado a la ropa de trabajo, como indica su traducción directa del inglés. Las chaquetas de campo, las cazadoras robustas y las chore coats —distintas versiones de la sobrecamisa o chaqueta de trabajo— se consolidan como básicos de moda que se usan en ocasiones de todo tipo. A esto se suman otras tendencias en los datos de búsqueda. “Outfit con gorra de camionero para hombre” ha subido un +159 por ciento, y “zapatillas retro para hombre” un +31 por ciento.

Destaca la combinación de funcionalidad y nostalgia. En lugar del techwear más futurista, prendas cuya estética remite a la artesanía, el trabajo y los referentes históricos, están recobrando protagonismo. La moda masculina adopta así un look que busca parecer auténtico y práctico.

El cuero se convierte en un recurso de estilo versátil

Un patrón similar se observa con el cuero. Este material no solo celebra su regreso a través de la clásica chaqueta de cuero, sino que aparece en cada vez más áreas del armario masculino.

Las búsquedas de “cartera de cuero hecha a mano” (un aumento del +290 por ciento) y “bolso tote de cuero para hombre” (un aumento del +176 por ciento) han crecido de forma especialmente notable. “Bolso de cuero para hombre” también ha subido un +112 por ciento. En cuanto a los accesorios, las pulseras de cuero han registrado un aumento del +106 por ciento, y los dijes de cuero para bolsos, un +174 por ciento.

El cuero también se diversifica en la propia ropa. La búsqueda de una chaqueta de cuero rojo cereza ha aumentado un +117 por ciento, y la de una chaqueta de cuero de motorista, un +97 por ciento. En cuanto al calzado, las botas altas de cuero han crecido un +113 por ciento y los mocasines de cuero, un +64 por ciento.

De este modo, el cuero se aleja un poco de su clásica codificación motera. Además de las chaquetas negras, ahora cobran protagonismo los bolsos, los zapatos y las variantes de color. El material se convierte en el elemento de conexión de un armario que puede transitar sin esfuerzo entre lo robusto, lo prémium y lo moderno.

El rosa se convierte en el toque de acento en la moda masculina

También en los colores se observa una mayor audacia para experimentar, y el rosa es uno de los ejemplos más llamativos.

Las búsquedas de “outfit estético con camisa rosa para hombre” han aumentado un +338 por ciento, mientras que para “outfit con camisa rosa empolvado para hombre” el incremento es del +283 por ciento. También se buscan más chaquetas rosas (un aumento del +70 por ciento), zapatos rosas (un aumento del +67 por ciento) y bufandas rosas (un aumento del +39 por ciento).

Basta con añadir un toque de este color a cualquier look para romper con la sobriedad del conjunto sin apenas esfuerzo.

El mismo patrón se observa en el sector de la belleza. La búsqueda de “mechas rosas para hombre” ha aumentado un +68 por ciento. Así, el color no solo forma parte de la ropa, sino que se integra cada vez más en el look personal a través del cabello y el peinado.

Los accesorios ganan peso

Mientras que en la ropa todo gira en torno a piezas funcionales o clásicas, los accesorios ofrecen mucho más espacio para la personalización. Esto es especialmente evidente en la joyería. Las búsquedas de “collar de cadena para hombre” han aumentado un +351 por ciento, y las de “brazalete de plata para hombre”, un +194 por ciento. La joyería se convierte así en un componente independiente de los looks masculinos y ya no es solo un complemento para ocasiones especiales.

Los bolsos también se están convirtiendo en un importante elemento de estilo. “Bolsa de viaje para hombre” ha crecido un +311 por ciento, “bolsa de gimnasio para hombre” un +129 por ciento y “bandolera de cuero para hombre” un +71 por ciento.

Esto encaja con la creciente importancia del utilitywear. Productos que en su origen debían ser principalmente prácticos se convierten, a través del material, la forma y el estilismo, en componentes visibles y deliberadamente utilizados del outfit.

El pelo y la barba se integran en el "look" general

La mayor atención a la propia apariencia también se refleja en el cabello y la barba. Crece especialmente el interés por los cortes de pelo modernos, inspirados en parte por looks de Asia oriental y subculturales.

“Corte wolf cut suave para hombre” ha registrado un aumento del +1.154 por ciento, y “corte wolf cut moderno para hombre” del +553 por ciento. También han crecido notablemente “corte wolf cut rizado para hombre” (un aumento del +245 por ciento), “mullet moderno para hombre” (un aumento del +223 por ciento) y “corte de pelo coreano en dos bloques para hombre” (un aumento del +212 por ciento). El crecimiento es aún mayor en ciertos estilos de barba. La búsqueda de “barba degradada para hombre” ha aumentado un +764 por ciento, y la de “barba degradada italiana”, un +725 por ciento.

El estilismo se concibe así cada vez más de forma independiente a la ropa. Un corte de pelo o una barba pueden definir el carácter de un outfit por lo demás sencillo con la misma fuerza que una chaqueta o un par de zapatos.

Una nueva mirada al consumidor masculino

Los datos de Pinterest no revelan una única gran tendencia, sino una interacción de diferentes evoluciones. La ropa funcional se encuentra con un mayor interés por los materiales y los accesorios, los looks masculinos clásicos reciben toques de color y el cuidado personal se convierte en una parte natural de la apariencia.

Además, estas evoluciones no están desvinculadas de otros intereses. El fuerte crecimiento de las actividades al aire libre, la artesanía, los viajes y las formas de ocio en grupo crea un contexto en el que el workwear y el utilitywear encajan especialmente bien. El cuero, los bolsos robustos o las chaquetas funcionales se adaptan tanto a este estilo de vida como a la vida urbana.

Para las marcas y los distribuidores, esto significa que la moda masculina debe concebirse cada vez más a través del estilo de vida y las combinaciones. Los datos de búsqueda de Pinterest no son un indicador directo de las ventas, sino que muestran qué temas y estéticas están ganando atención en este momento. No obstante, de ellos se pueden derivar señales claras para la moda masculina.

París - El número de visitantes de las páginas web de Temu y AliExpress ha disminuido significativamente en el segundo trimestre en Francia, incluso antes de la entrada en vigor del impuesto europeo de tres euros que grava los paquetes pequeños, según han desvelado este miércoles la Fevad y Médiamétrie.

La marca de denim fundada en Londres, Pepe Jeans London, y el equipo de Fórmula 1 Oracle Red Bull Racing, con sede en Milton Keynes, Inglaterra, han organizado una activación de cuatro días en Madrid, del jueves 10 al domingo 13 de septiembre. Las activaciones giran en torno a su colección colaborativa Oracle Red Bull Racing x Pepe Jeans para Otoño/Invierno 2026 y coinciden con el Gran Premio de España, celebrado por primera vez en el recién construido circuito Madring de la ciudad.

La colección FW26 presenta el logotipo de Oracle Red Bull Racing en camisetas, sudaderas y chaquetas, junto al estilo denim característico de Pepe Jeans, en una paleta de azul marino y azul eléctrico, con toques de rojo y blanco. Por su parte, una colección cápsula dedicada a Madrid se inspira en la propia ciudad, con gráficos que hacen referencia a la Puerta de Alcalá, la Puerta del Sol y la fuente de Cibeles.

La activación en la ciudad comenzará el 10 de septiembre con un evento público en la pop-up de Oracle Red Bull Racing x Pepe Jeans, en la calle Fuencarral, 10, en el centro de Madrid. Allí se presentará la colección FW26 junto con una mesa redonda y una sesión de preguntas y respuestas moderada por Melissa Jiménez, en la que participarán el director ejecutivo y jefe de equipo de Oracle Red Bull Racing, Laurent Mekies, y el atleta de Red Bull, Pepe Martí. La velada también incluirá encuentros con los fans y presentaciones de producto.

En el circuito de Madring, Pepe Jeans gestionará un Custom Studio dentro del Paddock Club, donde los invitados podrán personalizar prendas de denim y otros artículos con los gráficos de Oracle Red Bull Racing x Pepe Jeans. Una segunda tienda pop-up estará ubicada dentro del espacio de hospitality Burladero de Red Bull en el circuito.

La colaboración también se extiende a la red de distribución de Pepe Jeans, con espacios dedicados en tres centros de El Corte Inglés en Madrid: Preciados, Goya y Sanchinarro. Cada uno de ellos contará con objetos de colección exclusivos de los pilotos de Fórmula 1 junto con la colección. En el canal online, la colaboración cuenta con landing pages dedicadas tanto en la página web de Pepe Jeans como en Zalando.

Pepe Jeans ampliará el alcance de la campaña más allá de Madrid a través de un grupo de influencers de moda, estilo de vida y Fórmula 1, invitados a los espacios del Paddock Club y Burladero durante el fin de semana de la carrera. Ellos compartirán contenido que irá desde estilismos a pie de pista hasta la cobertura del día de la carrera en los canales de Instagram y TikTok de la marca.

La colección Oracle Red Bull Racing x Pepe Jeans está disponible a través de la tienda online de Pepe Jeans, la pop-up de la calle Fuencarral, 10, y en una selección de tiendas Pepe Jeans y grandes almacenes.

París (Francia) - No importa el lugar, no importa dónde... ni el zapato. Cada aparición de Céline Dion en París antes de su regreso a los escenarios el sábado ha generado una avalancha de entusiastas comentarios de moda. La cantante canadiense, que llevaba años alejada de los escenarios por motivos de salud, ha vuelto a acaparar todas las miradas en la capital francesa, no solo por la expectación que rodea su posible actuación, sino también por sus elecciones de moda.

Todo comenzó a finales de agosto con un trench, un poco adelantado a la temporada. Una pieza de Alaïa con corte paracaídas, gruesa, de color beis oscuro y anudada a la cintura de la estrella, que causó sensación en vísperas de la rentrée y se convirtió en “el uniforme de la it-girl parisina”, según apunta el periodista de moda Matthieu Bobard Delière.

Esta primera aparición, con un moño tirante, inauguró la primera parte de su estancia en Francia: una sucesión de miniencuentros improvisados con sus seguidores frente al hotel, llenos de humor, sorpresas y vocalizaciones.

Cada día ha dado la impresión de ser parte de una Fashion Week, como lo demostró con una silueta de Tom Ford compuesta por una perfecto de cocodrilo y unas bermudas, una prenda que ha vuelto con fuerza desde la primavera, tanto en su versión informal entre los estudiantes como en las alfombras rojas.

El uno de septiembre, la superestrella optó esta vez por un escultural vestido negro de cuero arrugado con cola, de la firma española Loewe. Al día siguiente, lució unos sencillos leggings negros y un top asimétrico, y más tarde, unos vaqueros y una chaqueta péplum negra entallada de Givenchy por Sarah Burton.

“Es un acierto total que presenta a una Céline completamente actual. Ni demasiado, ni demasiado poco, con una constante: la estructura”, valora la estilista y consultora de televisión Anne Tourneux.

“Para mí, es una forma de encarnar una renovación tras una larga enfermedad que la dejó debilitada. La ropa se convierte en esqueleto y armadura. Se percibe fuerza, lucha y determinación”, añade.

“Me recuerda a aquella época en 2016, cuando asistía a las Fashion Weeks y era un festival de estilos, un espectáculo para el armario”, se entusiasma Matthieu Bobard Delière. A la vanguardia de las tendencias hoy, Céline Dion, sin embargo, ha recorrido un largo camino en cuanto a estilo se refiere.

“Mujer camaleónica”

Los inicios de su carrera, hasta finales de los años noventa, estuvieron marcados por un estilo convencional. Prueba de ello es la sencilla camiseta blanca con cuello de pico que lució en su actuación de apertura de los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996.

El contraste es aún más llamativo cuando, casi 30 años después, para los de París en 2024, Céline Dion apareció en el balcón de la Torre Eiffel con un imponente vestido tubo brillante, también blanco, de Dior para su interpretación del “Hymne à l'amour”.

El punto de inflexión llegó en 1999, cuando Céline Dion deslumbró en la ceremonia de los Óscar con un esmoquin de John Galliano llevado al revés, con el escote en la espalda.

“Siempre me ha gustado ese aire masculino/femenino. Lleva tanto vestidos de Alta Costura como chaquetas, camisas, corbatas. (...) Me encanta cuando esta mujer un tanto camaleónica se viste con ropa de hombre”, afirma en Paris Match Alexandre Mattiussi, fundador de AMI Paris y admirador desde el principio.

Un icono de la moda

Fue el estilista más cotizado de Los Ángeles, Law Roach, quien consolidó a la cantante en el universo de la moda al más alto nivel, alejándola de los fáciles atuendos con pedrería y convirtiéndola en un icono de estilo.

La artista posee cerca de 10.000 pares de zapatos y guarda su vestuario en un almacén del tamaño de un supermercado cerca de Las Vegas. “Céline Dion afirma que la ayudé a recuperar la confianza en sí misma tras el fallecimiento de su marido”, René Angélil, había confesado Roach a la prensa.

Con él, Céline Dion experimentó una transformación y asumió su lado excéntrico, incluso paródico, como cuando la intérprete de “My heart will go on” apareció con una sudadera con capucha con la imagen del Titanic.

Tras la era de Law Roach, para su regreso a los escenarios, la canadiense se ha rodeado de dos asesoras de imagen, Annie Horth y la experiodista de moda del New York Times Malina Joseph Gilchris.

Aunque no ha trascendido ningún nombre de las firmas elegidas para los atuendos que lucirá en el escenario, y a pesar de que el de Alaïa suena con frecuencia, su estilista solo ha utilizado un adjetivo para describir el esperado resultado: “grandioso”.

The Wall Street Journal ha publicado un revelador reportaje que analiza el mercado global del denim japonés de lujo, un nicho de mercado en el que las prendas alcanzan habitualmente los 500 dólares o más. De gran interés para estudiantes de moda, diseñadores y profesionales de la cadena de suministro, el informe ofrece una visión completa de cómo Japón pasó de reutilizar los retales de denim estadounidense de la posguerra de la Segunda Guerra Mundial a convertirse en el epicentro de la fabricación artesanal de selvedge.

El vídeo destaca la intensa dedicación a la artesanía tradicional que distingue a la producción textil japonesa. Mientras que muchos fabricantes estadounidenses optaron por la deslocalización y la producción en masa a finales del siglo XX para obtener beneficios inmediatos, las fábricas japonesas preservaron las técnicas tradicionales. El reportaje detalla los meticulosos procesos de teñido en cuerda y el uso continuado de singulares telares de lanzadera vintage —en concreto, antiguos modelos de Toyota— que crean los tejidos resistentes y de alto gramaje tan apreciados por la industria de la moda actual.

Un aspecto central del análisis es el seguimiento de culto que generan marcas de alta gama como Iron Heart. El artículo profundiza en la psicología del consumidor de los “denimheads”, un grupo demográfico mayoritariamente masculino que concibe la ropa desde una perspectiva de aficionado y casi de ingeniería. Estos consumidores buscan el denim crudo y sin lavar para crear patrones de desgaste muy personalizados, conocidos como “fades”, que registran físicamente el estilo de vida del usuario a lo largo del tiempo.

Un punto crucial para los profesionales del sector B2B es que el vídeo también aborda los actuales cuellos de botella en la cadena de suministro textil. Debido al aumento de la demanda mundial, las grandes marcas estadounidenses están compitiendo de forma agresiva por hacerse un hueco en las mismas fábricas japonesas, de capacidad limitada, que antes ignoraban. Esta mayor competencia por la auténtica capacidad de fabricación ha alargado los plazos de producción de un solo par de vaqueros de 12 a 24 meses, lo que supone un claro caso de estudio sobre las complejas realidades de escalar la artesanía del slow fashion.

Puma ha nombrado a Steve Cecchini vicepresidente sénior de Marketing Deportivo. Asumirá su nuevo cargo el uno de octubre de 2026 y reportará directamente al CEO, Arthur Höld, según ha comunicado este miércoles el fabricante de artículos deportivos de Herzogenaurach.

En su nuevo puesto, Cecchini se encargará de desarrollar la organización de marketing deportivo de la empresa, así como de crear y gestionar de forma proactiva alianzas que reflejen la identidad de la marca, según el comunicado. A través de estas alianzas y de la colaboración con los atletas, se reforzará la posición de la empresa como marca deportiva líder a nivel mundial.

“Las alianzas con nuestros atletas, equipos y federaciones son cruciales para definir quiénes somos como marca”, ha declarado Arthur Höld, CEO de Puma. “Estoy firmemente convencido de que Steve es la persona adecuada para dirigir nuestro equipo de forma proactiva y estratégica y para gestionar la cartera de marketing deportivo de Puma. Nos ayudará a conseguir una gran visibilidad para Puma y sus productos de alto rendimiento, y a posicionarnos claramente como una de las tres principales marcas deportivas del mundo”.

El mundo del deporte no es ajeno a Cecchini. El recién nombrado vicepresidente sénior de Marketing Deportivo llega a Puma procedente de Nike. En la empresa deportiva estadounidense, ocupaba el cargo de director general de Clubes de Fútbol, Federaciones, Ligas y Alianzas Globales. En este puesto, fue responsable de alianzas complejas y a largo plazo, y también desarrolló e implementó una estrategia de producto, marketing y mercado para esta área de negocio. Anteriormente, trabajó en diversos puestos en las áreas de estrategia y desarrollo de negocio dentro de Nike, así como en PVH Corp., la empresa matriz de Hilfiger.

Kiev (Ucrania) - En un rincón de una inmensa sala de ladrillo visto, varios modelos se visten en silencio con prendas de lino. Solo resuena el chasquido metálico de una prótesis: Iaroslav Charkiï, veterano ucraniano, también se prepara para desfilar en la Fashion Week de Kiev.

Desde la invasión rusa de 2022, entre 50.000 y 100.000 soldados han regresado del frente con amputaciones, según las ONG. Iaroslav es uno de ellos. "Tengo un pie en el Donbás y el otro en la pasarela", bromea el joven veterano, de apenas treinta años.

Médico de combate en las fuerzas especiales, perdió una pierna en el infierno de los enfrentamientos del este de Ucrania. Pero, desde hace dos años, ha "pasado de un universo a otro" y, lejos de las explosiones, se prepara para enfrentarse a los flashes de los fotógrafos con un poco de miedo escénico.

A pesar de las bromas de sus compañeros de armas, ha elegido las pasarelas para defender las creaciones del diseñador ucraniano Igor Sidletskiy, pensadas para quienes viven con una prótesis.

Apartado, junto a otros cuatro veteranos, desliza su pierna de metal en un pantalón corto y ancho de color negro. Amputado por debajo de la rodilla, normalmente tiene que quitarse el pantalón por completo para ajustar la prótesis, lo que le provoca "una cierta incomodidad" en público.

"Veo que la gente a mi alrededor a veces también se siente incómoda", dice. Pero las creaciones de Igor Sidletskiy son anchas y fáciles de poner. "¡Es práctico y, al mismo tiempo, tiene estilo!", asegura Iaroslav. Se sube el cuello y se pone las gafas de sol. Al otro lado de la sala, la voz del diseñador rompe el silencio: "¡Estad listos en diez minutos!". "Recibido", responde Iaroslav con tono marcial.

Destruir y crear

En un bosque de interminables piernas esbeltas, las extremidades de metal de Mykola Kovalyov se afanan junto al perchero. El joven se pone una camisa fluida, se echa hacia atrás su larga melena negra y esboza algunas poses mientras ríe. Sin embargo, insiste: no es "ni una estrella, ni un bailarín, ni un actor". Es un soldado.

Se alistó en los primeros días de la invasión rusa y, cuatro años después, perdió ambas piernas en la región de Sumy, en el noreste. Desde entonces, este joven de 22 años se siente perdido. "Todavía no sé quién soy ni en qué quiero convertirme", confiesa.

Por eso, cuando surgió la oportunidad de subirse a la pasarela para defender la moda inclusiva, no lo dudó, "porque es arte; algo que aporta los recursos que la guerra nos quita". "Allí había que destruir. Aquí creamos", resume, a pocos minutos de su primer desfile.

Últimos retoques. Mykola busca desesperadamente sus gafas de sol. Detrás de él, el murmullo crece poco a poco mientras los primeros invitados toman asiento. Entre el público, se adivinan algunas prótesis bajo los vestidos y pantalones. Risas sonoras, atuendos extravagantes, ráfagas de flashes: el desfile está a punto de comenzar.

La necesidad de la inclusión

Un solemne minuto de silencio en memoria de los caídos desde el inicio de la invasión rusa, seguido de unas notas de piano: avanzan los primeros modelos.

Entre dos cascadas de pelo rizado, aparece la cabeza rapada de un soldado de complexión ancha. Estalla una ronda de aplausos. Al llegar al final de la alfombra roja, junta los talones instintivamente en un gesto marcial antes de dar la vuelta, bajo una lluvia de flashes de los teléfonos.

Tras él, Mykola y Iaroslav caminan con paso seguro. Los tejidos blancos y los tonos carne contrastan con el brillo cromado de sus prótesis. Cuando pasa el último modelo, toda la sala se pone en pie en medio de un atronador aplauso.

El diseñador Igor Sidletskiy aparece entonces en la pasarela, sin aliento y con una sonrisa de oreja a oreja. De vuelta en el backstage, Olga Dolga, de 30 años, apenas puede contener las lágrimas. Única civil en desfilar con una prótesis, esta residente de Dobropillia, en el corazón de los combates del Donbás, perdió una pierna durante el bombardeo ruso de una tienda.

"Ahora más que nunca, es necesario visibilizar la necesidad de inclusión, porque demasiados chicos y chicas han perdido alguna extremidad", declara a la AFP.

Iaroslav comparte la misma batalla y le gustaría lanzar su propia marca de ropa.

"Para que las personas con amputaciones ya no tengan que preguntarse dónde encontrar un pantalón cómodo", explica, antes de concluir con una sonrisa: "Pero con estilo. Porque para mí, el estilo es importante".

La marca direct-to-consumer Teveo, originaria de Alemania y con presencia online en España a través de su página web, ha confirmado la apertura de su primer espacio de venta físico. La inauguración, prevista para finales de 2026 en Colonia, una de las principales ciudades del oeste de Alemania, marcará el inicio de su presencia en el sector retail y supone un nuevo paso en la expansión de la marca, que ha escogido su mercado local para dar el salto al comercio físico.

El grupo suizo de lujo Compagnie Financière Richemont (Richemont) ha nombrado a Anton Rupert covicepresidente no ejecutivo del consejo de administración.

Rupert ejercerá el cargo junto a Bram Schot, quien fue designado vicepresidente no ejecutivo en 2024 y continuará en sus funciones como covicepresidente no ejecutivo. Ambos covicepresidentes no ejecutivos mantendrán ámbitos de responsabilidad complementarios dentro de la compañía.

Rupert se encargará de supervisar los asuntos relacionados con el Comité Estratégico de Producto y Comunicación (SPCC) de las Maisons, con el foco puesto en la continuidad de la dirección creativa y comercial del grupo. Por su parte, Schot asumirá la responsabilidad de los asuntos de gobernanza vinculados al consejo y sus comités, incluida la coordinación de los comités del consejo y el marco de gobierno corporativo.

Según el grupo, el reparto de responsabilidades refleja el compromiso del consejo con la gobernanza, al tiempo que garantiza que las prioridades estratégicas reciban una atención específica a nivel de covicepresidencia no ejecutiva.

"Este nombramiento supone un paso importante en la planificación de la sucesión a largo plazo del consejo", ha declarado Johann Rupert, presidente de Richemont. "La fortaleza de Richemont siempre ha residido en la continuidad que aporta la estrecha implicación familiar, en una gobernanza rigurosa y en un compromiso inquebrantable con la creatividad y la artesanía."

Rupert añadió: "Contar con Anton y Bram como covicepresidentes no ejecutivos garantiza que cada uno de estos pilares reciba la atención que merece: Anton seguirá velando por las prioridades creativas y de producto que definen a nuestras Maisons, mientras que Bram se asegurará de que nuestra gobernanza se mantenga en el más alto nivel."

Richemont opera en tres grandes divisiones de negocio: Maisons de Joyería, entre las que se encuentran Cartier y Van Cleef & Arpels; Relojería Especializada, con firmas como IWC Schaffhausen y Jaeger-LeCoultre; y Maisons de Moda y Accesorios, que incluye Chloé, Montblanc y Dunhill.

Más productos, más canales, más formatos: las marcas de moda y lifestyle necesitan hoy mucho más contenido que hace solo unos años. SCAYLE Commerce Engine, junto con el retailer de moda y lifestyle ABOUT YOU, con sede en Hamburgo, ha convertido este reto en un producto independiente: SCAYLE STUDIOS. Esta herramienta de autoservicio impulsada por IA digitaliza todo el proceso de una sesión de fotos de moda clásica, desde la carga de la imagen del producto hasta la aprobación final. A través de scaylestudios.ai, se crean imágenes y vídeos profesionales para páginas de producto, redes sociales y campañas en cuestión de minutos en lugar de semanas.

Del estudio al flujo de trabajo digital

Las producciones de moda clásicas dependen de la disponibilidad del estudio, de los modelos, de los equipos y de largos ciclos de producción, independientemente de la cantidad de productos, mercados y canales que se necesiten cubrir. SCAYLE STUDIOS convierte este proceso en un flujo de trabajo digital, reduciendo la dependencia de la infraestructura física y de los ciclos de producción manuales. Los grandes catálogos se pueden procesar más rápido, se pueden crear más variantes por producto y el contenido se puede adaptar con mayor flexibilidad a las tendencias, campañas, mercados y públicos objetivo. Las marcas más pequeñas pueden empezar sin tener un estudio propio, los actores del direct-to-consumer en crecimiento pueden producir más contenido por producto, y los equipos de grandes empresas pueden seguir automáticamente sus directrices de marca individuales, como paletas de colores, ubicación de logotipos o estilo visual, incluso con grandes volúmenes.

“Teníamos claro que no queríamos usar la tecnología solo para ABOUT YOU, sino desarrollarla como un producto B2B. Hemos vivido exactamente la misma transformación a la que se enfrentan muchas marcas actualmente”, ha declarado Julian Jansen, vicepresidente de SCAYLE STUDIOS. “Al diseñar la plataforma como una herramienta de autoservicio intuitiva, ahora permitimos que otras marcas y retailers trasladen de forma flexible su producción de imágenes a flujos de trabajo digitales con IA”.

Un solo producto se convierte en un completo set de contenidos con imágenes frontales, traseras, de detalle y de ángulo, imágenes con modelo y de lifestyle, vídeos, recursos para redes sociales y visuales de campaña. La selección, generación, variación, retoque y aprobación se unen en un único proceso de producción continuo, de modo que los modelos, el estilismo, las poses y el estilo visual se pueden adaptar con flexibilidad a la identidad de la marca y al contexto, sin comprometer la calidad constante y el control de la marca.

Pruebas de concepto: eficiencia y velocidad desde el primer día

Como el caso de uso más grande y complejo de SCAYLE hasta la fecha, ABOUT YOU, con más de 15 millones de clientes activos en 26 mercados, proporciona un campo de pruebas real para grandes catálogos, altos volúmenes y diversos requisitos locales. La plataforma de e-commerce fue desarrollada y perfeccionada originalmente para ABOUT YOU. Como resultado, SCAYLE STUDIOS también se basa en 12 años de experiencia en contenido de moda y venta online, así como en la experiencia tecnológica y de producto de SCAYLE. La herramienta nació como una solución interna para un problema de producción muy específico, y se desarrolló hasta convertirse en una oferta SaaS independiente para marcas y retailers.

Como resultado, ABOUT YOU ha logrado reducir los costes de producción en aproximadamente un 90 por ciento y el tiempo de lanzamiento al mercado en más de un 95 por ciento. Esto ha supuesto un ahorro anual de más de ocho millones de euros en costes de estudio y editorial hasta la fecha. Alrededor del 90 por ciento de la producción de e-commerce de ABOUT YOU se realiza ahora a través de los flujos de trabajo basados en IA de SCAYLE STUDIOS. La configuración es sencilla: una vez creada la cuenta de usuario, se puede generar contenido el mismo día.

Impacto en los ingresos

El efecto no solo se refleja en el coste y la velocidad, sino también en el comportamiento de compra. En una prueba A/B en ABOUT YOU, las imágenes generadas por IA lograron un volumen bruto de mercancía un +9,2 por ciento mayor y un +5,1 por ciento más de eventos de “añadir a la cesta” que la producción de estudio clásica. Dado que se pueden probar y comparar diferentes conjuntos de imágenes para el mismo producto basándose en datos, el llamado multi-set routing muestra un potencial de hasta un +20 por ciento más de valor bruto de mercancía. Por lo tanto, lo que importa ya no es solo escalar la producción de contenido, sino qué contenido resuena más con los clientes y convierte mejor.

Arquitectura de sistema flexible para el cambio en la IA

Al igual que con su plataforma de e-commerce, SCAYLE apuesta por la flexibilidad para SCAYLE STUDIOS. La herramienta de IA está construida sobre una arquitectura agnóstica al modelo. Esto significa que se pueden integrar diferentes modelos de IA y pasos de automatización en el backend, y se pueden añadir o reemplazar nuevas generaciones de modelos, sin tener que reconstruir todo el flujo de trabajo. Por lo tanto, las marcas pueden confiar en procesos de producción estables y repetibles, mientras el producto sigue evolucionando junto con el rápido desarrollo de la IA generativa; una clara ventaja que es especialmente valiosa para grandes catálogos, muchos mercados y universos de marca consistentes.

De ABOUT YOU a una solución para toda la industria

Además de ABOUT YOU, muchas otras empresas ya se cuentan entre los clientes empresariales de SCAYLE STUDIOS. Más de cien marcas de pago, incluyendo s.Oliver Group, Betty Barclay Group y Goldner Fashion, utilizan la herramienta en modalidad de empresa o de pago por uso. En los últimos 30 días se han generado más de 140.000 outfits. Las cifras de uso demuestran que el enfoque desarrollado por SCAYLE puede aplicarse a una amplia gama de empresas de moda y lifestyle. SCAYLE STUDIOS forma parte de la estrategia de IA más amplia de SCAYLE, que se centra en la capacidad de descubrimiento, la diferenciación y la eficiencia para la moda, el lifestyle y el retail.

SCAYLE STUDIOS está disponible como un software-as-a-service en Europa y Estados Unidos. Los usuarios pueden crear una cuenta directamente, subir su propio producto y generar sus primeros looks de inmediato. Regístrate en tres clics y prueba SCAYLE STUDIOS con 50 créditos gratuitos: scaylestudios.ai

Madrid – La multinacional de la moda española el grupo Inditex, compañía matriz de cadenas de moda tan populares como Bershka, Massimo Dutti o Zara, su buque insignia y cadena “estrella”, ha informado a primera hora de hoy de las cuentas registradas al cierre del primer semestre de su actual ejercicio fiscal de 2026. Periodo comprendido entre el 1 de febrero al 31 de julio, durante el que la compañía volvió a registrar nuevos máximos históricos, tanto en ventas como en beneficios.

La New York Fashion Week inaugura la temporada Primavera/Verano 2027 del 10 al 15 de septiembre, con un calendario oficial cuidadosamente seleccionado de aproximadamente 70 desfiles y presentaciones que pone el foco en los debuts, los regresos de alto perfil y una política de prohibición de pieles que ya está en pleno vigor.

El Council of Fashion Designers of America (CFDA) ha consolidado el calendario oficial en torno a diseñadores con una clara posición comercial o editorial, lo que ha dado como resultado una semana más disciplinada pero igualmente repleta de estrellas. Junto a casas de legado como Calvin Klein, Carolina Herrera, Michael Kors y Tory Burch, el cartel de la SS27 también destaca a una nueva guardia: Khaite, Diotima, LaQuan Smith, Collina Strada, Proenza Schouler, Ulla Johnson, Altuzarra y Prabal Gurung.

La temporada llega con dos cambios estructurales: la política de prohibición de pieles del CFDA es ahora obligatoria para todas las marcas del calendario oficial, y la programación del viernes respeta el 25 aniversario del 11-S sin desfiles antes de las 10 de la mañana.

Diseñadores que debutan esta temporada

Diez diseñadores harán su debut en la NYFW, entre ellos Conner Ives, que se hizo viral en 2025 con su camiseta “Protect the Dolls”; Magda Butrym, que presentó en la Fashion Week de París el año pasado y colaboró con H&M en una colección global; y el diseñador de Alta Costura indio Sabyasachi Mukherjee, que recientemente ha lanzado una colaboración de joyería de inspiración bizantina con el Metropolitan Museum of Art.

La firma de inspiración surrealista Bad Binch TongTong, fundada por el diseñador Terrence Zhou, así como Jamie Haller, Milamore Benjamin Seidler, Grey’s de Emily Grey, High Sport de Alissa Zachary, Hikari no Yami de Jakarie Whitaker, Max Esmail, Patrick Taylor y Zaldy también hacen sus primeras apariciones en el calendario oficial en formato de desfile y presentación.

Hitos y regresos de diseñadores

Más allá de los debuts, la SS27 presenta hitos, regresos y aniversarios. Diane von Furstenberg volverá a la pasarela de la NYFW con la colección debut de Henry Zankov, lo que supone el primer desfile oficial de la casa en casi una década. Tommy Hilfiger se reincorpora al calendario oficial tras varias temporadas de espectáculos independientes. Monse, la firma creada por los antiguos directores creativos de Oscar de la Renta, Laura Kim y Fernando Garcia, regresa tras un breve paréntesis. El miércoles, antes del inicio del calendario oficial, Coach celebrará 85 años con un desfile especial.

Momentos culturales

La influencia de la Fashion Week se extiende más allá de la pasarela, con exposiciones públicas y subastas que convierten el centro de la ciudad en un epicentro de la cultura de la moda. “El diablo viste de Prada 2” en Christie’s (del 8 al 13 de septiembre, Rockefeller Center) exhibirá trajes y accesorios de la secuela, junto con una subasta benéfica en línea (del 1 al 15 de septiembre) a beneficio del Committee to Protect Journalists y el CFDA. “Bill Blass: American Elegance” en Christie’s (del 8 al 13 de septiembre) destacará a la leyenda del sportswear estadounidense de mediados de siglo, uniendo la fantasía de la cultura pop con la historia real del diseño. Y la presencia del CFDA/Vogue Fashion Fund exhibirá a los siete finalistas del CVFF de esta temporada, de los cuales tres debutarán en el calendario oficial, reforzando el papel del Fondo como cantera para la próxima generación de marcas estadounidenses.

Prohibición de pieles

A partir de esta temporada, el CFDA ya no permite el uso de pieles de animales en las colecciones del calendario oficial de la NYFW. No se permiten las pieles de granja o de captura de animales sacrificados específicamente por su pelaje, como visón, zorro, conejo, cordero de karakul, chinchilla, coyote y perro mapache, con la única exención de las pieles obtenidas por comunidades indígenas mediante prácticas tradicionales de caza de subsistencia. La decisión se ha tomado en colaboración con Humane World for Animals y Collective Fashion Justice, y convierte a Nueva York en la segunda gran semana de la moda que pone fin a la promoción de pieles de animales, después de que Londres lo hiciera en 2023.

NYFW SS27: Calendario oficial del CFDA

Los horarios y los participantes pueden cambiar; a continuación se muestra el calendario oficial preliminar y los desfiles clave.

Miércoles, 9 de septiembre (predesfiles)

• Ralph Lauren – presentación fuera de calendario (como en las últimas temporadas)
• Coach – desfile del 85 aniversario
• Rachel Comey – presentación del 25 aniversario
• Presentaciones adicionales previas a la semana: Cult Gaia, J. Press, Libertine

Jueves, 10 de septiembre

• 9:30 a.m. – Diane von Furstenberg (debut de Henry Zankov)
• 12:00 p.m. – Bad Binch TongTong; Proenza Schouler
• 2:00 p.m. – Tommy Hilfiger (regreso)
• 5:00 p.m. – Tory Burch
• 6:00 p.m. – Christian Siriano
• Presentaciones: Bugatchi, Mel Usine, Patrick Taylor, New York Men’s Day, Rùadh, Alice + Olivia, LoveShackFancy

Viernes, 11 de septiembre (no hay desfiles antes de las 10 de la mañana en conmemoración del 11-S)

• 11:00 a.m. – Michael Kors Collection
• 1:00 p.m. – Wiederhoeft; 2:00 p.m. – Jane Wade
• 3:00 p.m. – Calvin Klein Collection
• 4:00 p.m. – Christian Cowan
• 5:00 p.m. – Monse (regreso)
• 6:00 p.m. – Kim Shui; 7:00 p.m. – Simkhai; 8:00 p.m. – Eckhaus Latta; 9:00 p.m. – Rio
• Presentaciones: Grey’s, Attersee, Milamore

Sábado, 12 de septiembre

• 10:00 a.m. – Altuzarra; 11:00 a.m. – Kate Barton
• 12:30 p.m. – Conner Ives (debut en la NYFW)
• 2:00 p.m. – Anna Sui; 3:00 p.m. – 7 For All Mankind; 4:00 p.m. – Ashlyn
• 5:00 p.m. – Prabal Gurung; 6:00 p.m. – Bach Mai; 7:00 p.m. – Khaite
• 8:00 p.m. – threeASFOUR (regreso); 9:00 p.m. – Elena Velez
• Presentaciones: Max Esmail, Hikari No Yami

Domingo, 13 de septiembre

• 11:00 a.m. – Area; 12:00 p.m. – Zoe Gustavia Anna Whalen; 1:00 p.m. – COS
• 2:00 p.m. – Sandy Liang; 3:00 p.m. – Magda Butrym (debut en la NYFW)
• 4:00 p.m. – Campillo; 5:00 p.m. – Sergio Hudson, Todd Snyder
• 8:00 p.m. – Grace Ling; 9:00 p.m. – Private Policy
• Presentaciones: Ossou, Dwarmis, LeBlancStudios

Lunes, 14 de septiembre

• 10:00 a.m. – Ulla Johnson; 12:00 p.m. – Fforme, LII
• 2:00 p.m. – Zankov; 3:00 p.m. – Bibhu Mohapatra, Zaldy (debut)
• 4:00 p.m. – Diotima
• 6:00 p.m. – Carolina Herrera; 7:30 p.m. – Luar; 9:00 p.m. – LaQuan Smith
• Presentaciones: Adeam, Aisling Camps, Benjamin Seidler, Colleen Allen, Don’t Let Disco, Norma Kamali, Tanner Fletcher, TTSWTRS, Caroline Zimbalist

Martes, 15 de septiembre (día de clausura)

• 10:00 a.m. – Heirlome; 12:00 p.m. – Collina Strada; 1:00 p.m. – Andrew Kwon
• 2:00 p.m. – 6397; 3:00 p.m. – Frederick Anderson
• 4:00 p.m. – Sabyasachi (debut en la NYFW)
• 5:00 p.m. – Thom Browne (desfile de clausura)
• Presentaciones: Kozaburo, Meruert Tolegen

Entrevista

Con el Acuerdo de Libre Comercio (FTA, por sus siglas en inglés), la India ha obtenido una ventaja arancelaria considerable para reforzar su presencia en el mercado textil europeo. ¿Cómo piensa transformar su industria y su oferta para aprovecharlo? FashionUnited le ha planteado esta cuestión a Neelam Shami Rao, secretaria del Ministerio de Textiles de la India, con motivo de su visita a la feria Texworld.

¿Qué estrategia industrial impulsa la India con el Acuerdo de Libre Comercio?

Neelam Shami Rao: Toda la industria textil india está entusiasmada con este acuerdo de libre comercio. Esperamos con gran interés su ratificación y puesta en marcha. Esta es también la sensación que nos transmiten los profesionales del sourcing.

En la India, nos estamos preparando para suministrar más prendas, tejidos y productos de valor añadido a Europa. Contamos con una base sólida en fibras naturales, pero también nos estamos diversificando hacia las fibras artificiales. Combinando estas dos fortalezas, deberíamos ser capaces de satisfacer la demanda del mercado europeo.

Europa representa para nosotros un mercado muy importante, que consideramos un mercado único. Nuestro objetivo es reforzar esta cooperación combinando la sensibilidad europea en materia de diseño y moda con el savoir-faire de los artesanos y la capacidad de producción de las fábricas indias, para responder a las expectativas de los consumidores europeos.

¿Cómo piensa adaptar la industria textil india su oferta al mercado europeo?

Debemos actuar en varios frentes.

En primer lugar, invertir en líneas de productos que no hemos desarrollado hasta ahora, o que no hemos promocionado lo suficiente en los mercados europeos.

En segundo lugar, tener más en cuenta las expectativas del mercado europeo en cuanto a diseño y desarrollar más productos destinados específicamente a él. Se trata de superar la imagen tradicional asociada a los productos indios. La India cuenta con numerosas bazas que aún son poco conocidas en Europa y en las que debemos apoyarnos.

¿Cómo apoya el Gobierno indio este crecimiento de la industria textil?

La industria textil india es una industria con un uso intensivo de mano de obra. Genera mucho empleo y da trabajo a un gran número de mujeres.

Ahora queremos aumentar nuestra capacidad de producción. El Gobierno indio ya apoya a la industria manufacturera a través de numerosos programas, tanto a nivel del Gobierno central como de los estados, en materia de infraestructuras y logística.

También estamos desarrollando programas de educación y formación, en particular a través del National Institute of Fashion Technology y de muchas otras escuelas de diseño, de las que cada año salen cerca de 4.000 jóvenes diseñadores de moda.

¿Qué segmentos de mercado desea desarrollar la India especialmente en Europa?

Hasta ahora, los productos indios se han asociado principalmente con el algodón. Pero sabemos que el mercado europeo utiliza más fibras artificiales. La India ya es el segundo productor mundial. Por lo tanto, deseamos desarrollar más esta oferta y diversificarla en productos y diseños adaptados al mercado europeo.

Además, durante mucho tiempo se ha considerado a la India como un país especializado en productos de verano. Ahora queremos proponer una oferta que cubra todas las estaciones, en particular con productos dedicados al otoño y al layering (productos adaptados al otoño y a la superposición de prendas, N. del T.). Vemos un gran potencial en ello.

¿Como el bordado?

Sí, especialmente el bordado y otros conocimientos artesanales, en los que queremos apoyarnos más.

También nos gustaría poner más en valor las materias de alta gama, como la lana pashmina, así como ciertas materias muy finas y raras que son difíciles de encontrar en otros lugares. Creemos que tienen un gran potencial en el mercado europeo.

Hubo un tiempo en que las escuelas de moda formaban principalmente para diseñar. Hoy, el mercado exige comprensión: de un precio, un margen, un conjunto de datos, una cadena de suministro, una normativa medioambiental y de las herramientas digitales que ya están transformando profesiones concretas.

Jean-Baptiste Andreani dirige la escuela de moda parisina IFA Paris desde 2015 y ha basado su concepto de formación precisamente en esta observación. La creatividad sigue siendo la base, pero ya no puede enseñarse de forma aislada de la economía, la tecnología y las limitaciones industriales que hoy rodean a cualquier producto.

El cambio no se manifiesta en la pasarela, sino en los perfiles profesionales que están surgiendo, en las competencias que buscan las empresas y en el tipo de candidatos que solicitan plaza en las escuelas de moda. Quien estudia diseño debe entender cuánto cuesta una colección y a qué precio se puede vender. Quien aspira a trabajar en merchandising debe saber leer datos y reconocer tanto lo que revelan como lo que ocultan. En marketing, ya nadie puede ignorar la trazabilidad, el impacto medioambiental y las nuevas obligaciones de etiquetado.

En la práctica, para el mercado de habla alemana, esto se traduce principalmente en la regulación europea. El Reglamento sobre diseño ecológico para productos sostenibles y el pasaporte digital de productos están trasladando las cuestiones de sostenibilidad del marketing al desarrollo de producto, las compras y la gestión de datos, es decir, exactamente a las áreas donde empiezan a trabajar los graduados de las escuelas de moda.

Bajo la dirección de Andreani, IFA Paris ha crecido en una década de unos 150 a aproximadamente 1,200 estudiantes, de los cuales el 70 por ciento son internacionales y proceden de 111 nacionalidades. La colaboración con la universidad estadounidense Kent State es un buen ejemplo de ello: cada año, unos 120 estudiantes estadounidenses llegan a París. Así, la internacionalización no fue una consecuencia del crecimiento, sino que se ha convertido en su eje central.

De un desvío a una carrera profesional

El camino de Andreani no parecía predestinado a dirigir una escuela de moda internacional. Tras sus estudios preparatorios en ciencias económicas para la elitista escuela parisina HEC y una licenciatura en la escuela de negocios SKEMA, su carrera parecía encaminada hacia una gran corporación. Entonces llegó lo que su madre describió amablemente como una “crisis de adolescencia a los 24 años”: un billete a Asia y una partida improvisada.

En Bangkok, empezó enseñando inglés a niños en un monasterio. El episodio apenas duró seis meses, pero cambió para siempre su perspectiva sobre la enseñanza. Descubrió una carencia que se convertiría en el hilo conductor de su carrera: es posible transmitir conocimientos de manera impecable y, aun así, preparar mal a alguien para utilizarlos. Un curso puede estar bien fundamentado y estructurado, y sin embargo, permanecer muy alejado de las exigencias reales del mundo profesional.

El desvío se convirtió en una carrera. Andreani se unió al grupo educativo singapurense Raffles, donde enseñó marketing, fue director de programas y, más tarde, director académico en Bangkok. Llegó a dirigir centros con más de 2,500 estudiantes en Bangkok y Shanghái antes de trasladarse a París en 2015.

Él mismo subraya que no se considera un experto en moda. “Siempre parto de la base de que no soy un entendido en moda. A cambio, soy muy curioso por naturaleza”, afirma. En lugar de pontificar, observa y pregunta, trae a profesionales del sector a la escuela y confronta las certezas con la realidad de la industria. Hablar de su propia trayectoria durante la entrevista le parece excesivo: “Es un poco presuntuoso, ¿no cree?”.

Los creativos deben entender la empresa

Durante mucho tiempo, las funciones en las empresas de moda se podían delimitar con bastante claridad. Los departamentos trabajaban en silos: el diseño pertenecía a los creativos, las cifras a los de control de gestión, los consumidores al marketing y las ventas al merchandising.

Esta división es cada vez menos sostenible. La rentabilidad de una colección depende de los diseños, pero también de las cantidades, el precio, los materiales y la distribución. Una decisión de merchandising se basa en datos, pero requiere comprender el producto. Una normativa medioambiental puede alterar el sourcing, y con ello, los costes de producción y, en última instancia, el precio de venta.

Para Andreani, esta complejidad debe llevarse al aula. Por eso, en IFA Paris, las finanzas, la contabilidad, la planificación de negocio y la gestión del flujo de caja no son materias reservadas a los estudiantes de gestión. “Comprender el potencial comercial de una colección, captar las necesidades del mercado, fijar un precio... todo eso es muy importante”, afirma.

No se trata de convertir a los diseñadores en controllers. El objetivo es proporcionarles una formación económica suficiente para que entiendan que un diseño existe dentro de un sistema de limitaciones y que estas limitaciones definen en parte el producto. Los creativos ya no trabajan solos frente a un boceto o una pantalla, sino en diálogo con los equipos de merchandising, sourcing, finanzas, producción, análisis de datos y, a veces, con equipos que miden el impacto medioambiental de su diseño.

En el ámbito tecnológico, la escuela colabora con socios de la industria, entre otros, a través de alianzas con la feria especializada parisina Avantex, y ofrece un Fashion Tech Lab donde los estudiantes pueden experimentar con nuevas herramientas. El objetivo no es que un creativo se convierta en ingeniero, sino en alguien que comprenda las tecnologías que están transformando su profesión.

Aprender a dudar antes que a decidir

La sostenibilidad es un claro ejemplo de esta pedagogía. En IFA Paris, no se limita a unos cuantos cursos sobre upcycling, materiales reciclados o tintes naturales. La trazabilidad, la evaluación del ciclo de vida, las ecoetiquetas y la regulación forman parte del plan de estudios porque modifican de manera concreta el diseño, la producción y la comercialización.

Andreani no pretende sustituir una ortodoxia por otra. Quiere que sus estudiantes cuestionen lo que se les presenta como una verdad absoluta. ¿Una promesa medioambiental se basa en datos fiables? ¿Un material presentado como superior lo es realmente si se considera todo su ciclo de vida? ¿Y qué hacer cuando un objetivo medioambiental choca con una exigencia industrial o económica?

“La sostenibilidad es importante, pero no es algo absoluto e inmutable”, afirma. Esta frase resume lo que él llama la duda constructiva. No se trata de relativizarlo todo, sino de no confundir una norma con una verdad, un indicador con la realidad o una innovación con un progreso. En una industria que acumula datos, etiquetas, estándares y promesas tecnológicas, esta capacidad de discernimiento se convierte en una cualificación profesional en sí misma.

Cuando los datos entran en la creación

Este mismo cambio se observa en el uso de los datos, de forma más evidente en el merchandising. Las ventas, el inventario, el comportamiento del consumidor y el rendimiento del producto alimentan ahora las decisiones sobre previsiones, surtidos, descuentos y volúmenes de producción. Competencias que durante mucho tiempo estuvieron reservadas a las escuelas de negocios e ingeniería forman ya parte del día a día de las profesiones de la moda.

Sin embargo, Andreani no quiere sustituir la intuición por los datos. Se trata de trabajar con ellos sin delegarles el propio juicio. Con la inteligencia artificial (IA), esta distinción cobra aún más importancia. Una IA puede producir, acelerar, comparar y resumir, pero no conoce necesariamente la historia de una casa, sus códigos, sus referencias o el motivo por el que una imagen funciona en el universo de una marca concreta.

Cuanto más rápido se puedan generar propuestas, más valiosa será la capacidad de seleccionar, editar, contextualizar y dar sentido. La tecnología acelera la producción, pero no sustituye el criterio. Los estudiantes deben dominar las nuevas herramientas y, al mismo tiempo, comprender qué pueden hacer, qué no, y cómo podrían transformar su profesión.

“Hay un mundo más allá del diseño”

Con la ampliación de los contenidos, también se expande el abanico de salidas profesionales, lo que ya se refleja en las aspiraciones de los estudiantes. El sueño de trabajar en una gran casa de moda persiste, pero ya no es el único objetivo.

Andreani anima a sus estudiantes a mirar más allá de las profesiones clásicas. El diseño de producto, el interiorismo, la industria automotriz y la aeronáutica, la tecnología textil, los nuevos materiales o el análisis de datos son campos en los que casi nadie piensa al matricularse en una escuela de moda. Hoy, una formación en moda puede conducir al diseño de espacios y mobiliario, a la ergonomía de interiores de vehículos y aviones, a la investigación de biomateriales o al análisis de datos de ventas. Quien siente pasión por los materiales puede acabar en un laboratorio; quien viene del producto, en el merchandising predictivo.

“No teman tomar desvíos”, aconseja, una fórmula que resuena claramente con su propia trayectoria. La moda se convierte así menos en una profesión y más en un campo profesional con conexiones a otras industrias. A este respecto, le gusta citar a Karl Lagerfeld y su máxima de que la moda no consiste en imponer, sino en proponer. En ese sentido, una escuela no debe dictar una carrera, sino proporcionar la formación y la confianza suficientes para poder cambiar de rumbo.

Por qué Estados Unidos es tan importante

Esta mentalidad abierta también define la estrategia internacional. Estados Unidos es hoy el mercado de captación más importante para la escuela, seguido de la India. A Andreani no le interesa acumular el mayor número posible de colaboraciones en el mapa, sino la afinidad entre los programas y las convicciones pedagógicas.

Atraer a estudiantes de Estados Unidos, la India o China no solo internacionaliza una promoción, sino que confronta a todos los implicados con otras perspectivas sobre el producto, los consumidores, el mercado y la empresa. El proyecto con Kent State en el marco de la New York Fashion Week es un buen ejemplo: allí, los estudiantes deben vestir robots, entre otras tareas, fusionando tecnología, diseño y experimentación. Quien solo ha conocido una forma de producir, vender y pensar la moda, tiende a darla por sentada y llega a las mismas soluciones que los demás.

Salir de la escuela antes de tener el diploma

Para Andreani, preparar para el mundo laboral no significa hablar de él, sino hacer que los estudiantes se enfrenten a él, con sus códigos, sus rechazos y sus silencios. Por eso, en IFA Paris se anima a los estudiantes de primer año a que vayan directamente a las empresas, se presenten y entreguen su currículum. En una época en la que gran parte de las candidaturas se gestionan a través de portales, formularios en línea y software de selección, este ejercicio parece de otra era.

Y precisamente ahí reside su propósito. Es mejor practicar cómo encajar un rechazo antes de que venga de un departamento de recursos humanos. Se aprende a reformular la propia propuesta, a entender por qué un currículum no funciona y a darse cuenta de que las empresas no contratan un título, sino a alguien que comprende su entorno.

Para él, los profesores que vienen de la industria cumplen el mismo propósito. No solo dominan una técnica, sino que saben en qué se convierte cuando entran en juego el presupuesto, los plazos, los clientes y la organización. Andreani cuenta el caso de una profesora de finanzas y merchandising especialmente exigente, cuyas clases no estaban entre las más populares. Años más tarde, algunos exalumnos volvieron para darle las gracias tras haber empezado a trabajar en grandes casas de moda. Una buena escuela profesional no debe ofrecer lo que los estudiantes quieren oír, sino a veces aquello cuya necesidad solo descubrirán más adelante.

Formar menos para una profesión y más para el cambio

Ninguna escuela puede saber cómo serán las profesiones de la moda dentro de diez años. Pero sí puede preparar a sus estudiantes para que no se sientan indefensos cuando esas profesiones cambien. La trazabilidad, los datos, la regulación medioambiental, los nuevos materiales, la IA y un consumo diferente pueden dar lugar a nuevas funciones o transformar profundamente las existentes.

La moda seguirá necesitando diseñadores, pero serán diseñadores capaces de dialogar con los departamentos de control de gestión, ingeniería, análisis de datos, los equipos de la cadena de suministro y los responsables de sostenibilidad. Saber lo que uno quiere ser es, por tanto, el primer paso. Aprender a convertirse en otra cosa es el paso decisivo.

REPORTAJE El cielo está azul cuando los asistentes a la Semana de la Moda de Noruega se reúnen el 31 de agosto para la inauguración oficial. Sobre las mesas de roble oscuro los esperan pescado fresco y vino blanco. Desde allí se disfruta de unas vistas al jardín de esculturas del moderno Museo Kistefos, a una hora en coche de la capital. “Resulta agridulce reunirse precisamente ahora en un lugar tan espléndido”, comenta Elin Carlsen, CEO de Oslo Runway.

Y es que Noruega está de luto desde el viernes (28 de agosto, nota del editor): el rey Harald V ha fallecido a los 89 años de edad. “Era muy querido porque no se callaba y defendía a las minorías cuando los políticos no lo hacían”, explica Carlsen. “A quienes le escribían, les respondía con una carta de su puño y letra”. Tras un respetuoso minuto de silencio, Carlsen va al grano: la moda noruega atraviesa un buen momento y, aunque se han cancelado las fiestas posteriores, es un logro que merece celebrarse.

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Plan decenal

Anualmente, la industria noruega de la moda y el textil genera mil millones de coronas noruegas (NOK) y da empleo a unas 52.000 personas. Según el clúster industrial Norwegian Fashion Hub, la exportación de textiles, prendas de vestir y artículos de piel ha aumentado de forma constante en los diez años posteriores a 2016. Oslo, junto con ciudades de la costa oeste (la Noruega de los fiordos) como Bergen, se está consolidando como un destino de lujo para los turistas, pues es un lugar tranquilo, con una amplia oferta de hoteles de lujo y marcas sorprendentes. Mientras tanto, las marcas internacionales están llegando a la ciudad. El pasado noviembre, Prada inauguró una boutique en Nedre Slottsgate 17, la más grande de Escandinavia.

“Antes dedicaba mucho tiempo a explicar la moda noruega, ahora la gente viene a nosotros por iniciativa propia”, afirma Carlsen. Desde 2019, dirige el rumbo de Oslo Runway, fundada en 2015 como una alternativa contemporánea a la Oslo Fashion Week. Desde entonces, la semana de la moda ha crecido cada año. El programa de la edición de 2026 ha estado repleto, con 60 diseñadores y una presencia notablemente mayor de prensa, agentes y compradores internacionales que el año pasado, un mérito del Norwegian Fashion Hub, el clúster que promueve el networking internacional en la moda y que, por tanto, también se encarga de la captación activa para la semana de la moda.

“Podríamos acoger al doble de invitados si tuviéramos presupuesto para ello”, asegura Carlsen. Lo que más le preocupa es que el paquete de ayudas de la iniciativa nacional de exportación, del que la semana de la moda formó parte durante tres años, va a finalizar. “Estamos presionando intensamente para conseguir más, porque las misiones comerciales a Milán y Londres, por ejemplo, han demostrado ser especialmente eficaces para las marcas. Tenemos planes para Canadá y también estamos mirando hacia Corea del Sur, Japón, Alemania, el Benelux, el Reino Unido y Estados Unidos. Pero estamos en guerra, son otros tiempos. Ya veremos”.

El plan para los próximos diez años se basa en cuatro pilares. Oslo Runway continuará en verano, donde también se entregarán tres premios a la mejor marca, este año Aks Label; al profesional de la moda, Jens Olav Dankertsen, fundador de Livid; y al talento emergente, Lars Math Henrichsen. Para mantener la red de contactos, se ha creado una cumbre de negocios que se celebró por primera vez en mayo, reunió a doscientos profesionales y ha resultado ser un éxito. Finalmente, el programa de desarrollo de talento ayuda a los jóvenes diseñadores a abrirse camino, con el apoyo de la organización textil NF&TA (Norwegian Fashion & Textile Agenda), que recientemente ha puesto en marcha una incubadora con el respaldo de Innovation Norway.

En 2026, las beneficiarias son Anna Ringstad y las hermanas Johanna y Zandra Lundell (Wilhelmina). Cada una recibirá 50.000 NOK (unos 4.400 euros) para invertir en su presentación en Oslo Runway, y contarán con la tutoría de mentores de la industria durante un año.

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Sin padres fundadores

Lo cierto es que Noruega, y Oslo en particular, nunca ha tenido una casa de moda que haya hecho historia, tampoco un Inditex. Para levantar una industria sin “padres fundadores” desde cero, hay que tener paciencia, afirma Carlsen. Calcula que se necesitarán unos veinte años para que todo el sistema de la moda noruega pueda sostenerse por sí mismo, y el crecimiento de las marcas individuales también lleva su tiempo. Un ejemplo es Holzweiler, una de las marcas más exitosas de Noruega: en 2024, diez años después de su fundación, alcanzó una facturación de más de 278 millones de NOK. De la misma época data la marca comercial femenina Ella&Il, con una facturación de 80 millones de coronas. Este año, la marca entra en el mercado sueco junto con la firma de cabello y belleza Eleni & Chris. Carlsen comenta: “Ya hemos visto en el pasado que este tipo de lanzamientos conjuntos funciona”.

La ambición para los próximos años es colaborar más generosamente como industria y actuar con más confianza. “Noruega tiene conocimientos de moda y de cultura deportiva. Tradicionalmente, hemos sido algo reacios a entrelazar esos dos mundos, pero marcas como Adidas y The North Face demuestran que se puede destacar en ambos mercados: están profundamente arraigadas en el deporte, pero son igual de grandes en la moda. Espero con ilusión que nuestras marcas hagan lo mismo”.

Práctico, pero sin duda moda

Del 31 de agosto al 5 de septiembre se pudo admirar la moda noruega en toda su diversidad, con sólidas presentaciones de punto, outdoor, Alta Costura, deporte, lifestyle y accesorios. Christian Aks ha rebautizado su firma como Aks Label y ha presentado la que quizás sea su colección más sólida hasta la fecha, con una gama de conjuntos coordinados y, sobre ellos, todo tipo de prendas de punto con detalles. Otras marcas de punto ya consolidadas en el mercado son Woodling, fundada por Siv Elise Seland, y ESP (por las iniciales de la diseñadora Elisabeth Stray Pedersen). En esta edición, demostró que los abrigos de lana que hicieron grande a la marca también son ponibles, con una presentación accesible en el parque. Las modelos desfilaron con perritos con correa y bebés en brazos al son de canciones populares. Con esa ubicación, Pedersen hizo publicidad encubierta de su primera tienda, inaugurada en agosto a la vuelta de la esquina, en Stensgata 2.

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Despertaron un interés especial Pearl Octopuss.y, que además de ropa vende broches brillantes y pendientes reciclados con perlas gruesas; la moda unisex de Selah 1313, popular en las categorías de nightlife y streetwear; y Envelope1976, la consolidada firma del icono de estilo Celine Aagaard. Ella fue la encargada de presentar su colección la primera noche en el parque del museo en Jevnaker, en el edificio en espiral The Twist. La marca mantiene un estilo coherente, minimalista y centrado en los tejidos, en el que el cuero se ha convertido en su seña de identidad. Por sexta vez, ha presentado un gran desfile. Aagaard comenta: “Cada vez tiene que ser mejor que la anterior, sobre todo cuando tienes la oportunidad de desfilar en un lugar tan fantástico y en el contexto del fallecimiento del rey. Por eso, esta colección ha estado cargada de emociones”. El próximo otoño, la marca se lanzará en Printemps en París, y recientemente ha cerrado un acuerdo con la agencia New Look Fashion para los mercados del Benelux.

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Para la recién llegada MCB Sportswear, Oslo Runway es un trampolín para adentrarse aún más en el creciente mercado deportivo. En la boutique, situada en el exterior de los grandes almacenes Steen & Strøm, cuelgan, además de leggings de yoga, cómodos jerséis de forro polar, tops de canalé y camisetas cortas para llevar después de hacer deporte. Según Eirik Frøyland, CEO de la marca, en Noruega hay una tienda de deportes en cada esquina, pero el consumidor ahora busca algo diferente: moda deportiva con una estética definida. Se trata de ropa deportiva de alto rendimiento que se puede llevar todo el día, también conocida como athleisure. “Nos inspiramos en el ambiente de Los Ángeles, donde la gente va a reuniones de negocios en ropa deportiva. En Noruega, eso también está empezando a pasar”. Por eso es aún más importante no posicionar la marca en esas omnipresentes tiendas de deporte, sino en tiendas de moda como Moniker, para la que Frøyland también realiza las compras. “Ese posicionamiento nos funciona muy bien”.

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En los grandes almacenes Steen & Strøm también se puede visitar una pop-up con espacio para nuevos talentos, como Ali Gallefoss, fundador de la joven marca de joyería A Soft Grind. Para su plan de crecimiento, cuenta con la floreciente escena cultural de la ciudad. “Hemos visto en otras ciudades pequeñas cómo puede surgir una industria de la moda fuerte. ¿Por qué Noruega, con todas nuestras cualidades, no iba a ser buena en esto? En Oslo ahora tenemos una oferta culinaria y artística fantástica. El clima cultural simplemente ha mejorado mucho. Además, la generación más joven que está ahora en las escuelas nos ve como un referente. Nosotros no tuvimos eso”.

Dale tiempo

Desde el Benelux, la agencia The Aesthetic (representante de, entre otras, Melisa, Skall, Humanoid) ha acudido para descubrir nuevas marcas. La copropietaria, Alexandra Brands, comenta: “Estoy impresionada por la dedicación de la organización y la energía apasionada que se respira. Todo el ecosistema de la moda apoya este evento, y todos se ayudan mutuamente para posicionar la moda noruega en el mapa internacional. La marca Envelope1976 destacó para nosotros por su trabajo con el cuero y su estilo, el equilibrio perfecto entre femenino, atrevido y sexi”.

También hay interés desde los países asiáticos, especialmente Japón, en lo escandinavo, afirma Rico Iriyama, propietaria de la agencia Ode Tokyo. “Marcas como Holzweiler y ESP se venden muy bien allí, pero no todas las firmas encajan sin más en nuestro mercado. El yen está actualmente muy débil, lo que hace que la ropa importada sea el doble de cara que la oferta local. Por lo tanto, tiene que haber una conexión muy fuerte. Japón también es un mercado difícil de penetrar, requiere paciencia y un plan estratégico a cinco años”.

En 2008, Iriyama cambió la capital de la moda japonesa por Oslo. Desde entonces, ha visto madurar la moda noruega. “Los diseñadores tienen una formación más internacional, saben más sobre buen marketing y sobre cómo construir colecciones. Por eso se les toma más en serio. Algunas marcas llevan su colección a París y la presentan allí en showrooms. Si esto sigue así, los diseñadores noruegos pronto seguirán los pasos de Copenhague. Mi consejo para ellos sería: dadle tiempo”.

Madrid – Nude Project sigue dando claras muestras de la apuesta permanente en la que se mantiene por los Estados Unidos, en esta ocasión mediante la apertura de una pop-up en el sofisticado barrio del SoHo de Nueva York. El primer punto de venta físico que la firma de moda española se dispone a abrir en la Gran Manzana, desde su fundación en Barcelona en 2019 por la pareja de emprendedores formada por Alex Benlloch y Bruno Casanova.

Madrid – Destacada entre la serie de principales iniciativas puestas en marcha por las distintas cadenas que integran la cartera del grupo Inditex en este arranque de la temporada Otoño/Invierno 2026/2027, pasamos ahora a profundizar en los detalles de la colección cápsula diseñada por el cineasta Luca Guadagnino y el diseñador industrial Stefano Baisi, para Zara y Zara Home. Una propuesta de artículos para el hogar y de prendas de moda, que se pondrá a la venta a partir del próximo 26 de septiembre.

Si de este modo, y hace escasamente menos de 24 horas, desde FashionUnited ya destacábamos cómo la colaboración entre la pareja de creativos italianos y la principal cadena de la multinacional de la moda española se descubría como una de las grandes iniciativas que se disponían a ejecutar desde Inditex de cara al inicio del siempre estratégico segundo semestre del año, ante el interés que ha terminado por despertar la inusual activación, pasamos ahora a profundizar en sus principales detalles. Aspectos sobre los que a este respecto, y tras las informaciones adelantadas por el Financial Times, tras la pieza publicada por FashionUnited desde Zara han querido matizar y señalar, en primer lugar, que la colección diseñada por Luca Guadagnino y Stefano Baisi para Zara y Zara Home llegará integrada por más de 200 referencias, entre piezas de mobiliario, de iluminación, menaje, textiles, alfombras, espejos, velas… y sí, también prendas de indumentaria.

Más allá de ahí, lo segundo necesario a remarcar pasa por señalar al hecho de que, en esta ocasión, queda claro que la colaboración se ha emprendido desde el “microcosmos” de propuestas para el hogar de Zara Home, para desde ahí terminar por extenderse a la realidad de prendas de indumentaria que se mantiene como principal línea de negocio de Zara. Aspecto que vuelve a sacar a relucir la transversalidad desde la que trabajan los equipos de ambas cadenas, en esta ocasión para alumbrar junto a Guadagnino y Baisi las primeras propuestas que ambos creativos alcanzan a desarrollar para el día a día de un hogar, abarcando desde el mobiliario y el menaje, hasta la indumentaria de nuestra vida más cotidiana.

“Stefano Baisi y Luca Guadagnino conocen bien ese lenguaje” con el que, a partir de una “cosmología íntima” cada uno de nosotros va construyendo la intimidad de su propio hogar, subrayan desde la dirección de Zara Home. “Un universo organizado en torno a la aspiración”, y para el que cada cual “elige una silla del mismo modo que elige la semilla de una flor”, por “razones que nunca llegará a comprender del todo”, partiendo de unas dinámicas imposibles de analizar, pero para las que “production designer y cineasta, llevan casi una década creando universos compartidos en la intersección entre la arquitectura de interiores, el cine y la moda”. Un histórico sobre el que ahora dan un paso más con esta alianza junto a Zara y Zara Home, con la que “por primera vez” permiten que “ese imaginario cinematográfico” pueda “trasladarse al espacio de la casa”.

Entre sofás, alfombras y prendas de indumentaria

Como bien ya adelantábamos desde FashionUnited, desde sus líneas generales la colección se descubre como una serie de delicadísimas y elevadísimas piezas de diseño, modeladas a partir de las tensiones e influencias creativas de titanes de la arquitectura y del diseño como Gio Ponti, Lina Bo Bardi o Ettore Sottsass. Unas referencias, naturalmente, especialmente apreciables en la línea de artículos para el hogar, mientras que en lo referente a las propuestas de moda, se ha mantenido esa misma naturaleza multifacética y multicultural, para dar paso a prendas que navegan entre oriente y occidente, y entre las influencias del armario masculino y femenino más tradicional.

De este modo, y de manera más detallada, “la colección para el hogar propone encuentros inesperados entre distintas corrientes del diseño”, con una colección de piezas que recorren “libremente épocas y geografías, reinterpretando con sensibilidad las geometrías de la Secesión vienesa, las curvas del Art Déco francés, la calidez del modernismo brasileño y la sensualidad del diseño radical italiano”. Unas influencias que “dialogan, se mezclan y evolucionan para dar lugar a objetos de volúmenes curvos, envolventes y generosos” que, más allá de su función, forman parte este “atlas del deseo” diseñado por Baisi y Guadagnino para que, a partir de sus piezas, también podamos revelar nuestra identidad, “quiénes somos y qué anhelamos”.

Mientras tanto y en lo referente a la línea de prendas de indumentaria, “la colección de moda imagina un vestuario que trasciende las categorías tradicionales de género”, y que “parte del traje masculino para redefinirlo mediante volúmenes amplificados, patrones más fluidos y proporciones renovadas”, con un tweed y una lana que “abandonan su rigidez formal para adaptarse a una forma de vida en constante movimiento”. Igualmente en cuestión de patrones, “sin pertenecer a ningún lugar concreto, adopta una filosofía en la que la funcionalidad se pone al servicio de la sensualidad”, especialmente a través de “una serie de vestidos depurados y escultóricos” que completan la colección “celebrando la figura humana”. Una por tanto nueva estética, con la que, en suma y conjunto, “la colección imagina el armario de un lugar todavía por definir”.

Con un cortometraje y una pop-up en Milán

La colección se lanzará a partir del próximo 26 de septiembre de 2026, a través de las plataformas de comercio online tanto de Zara como de Zara Home, y de una selección de tiendas de ambas cadenas repartidas por las distintas partes del mundo. Un lanzamiento por tanto global, pero en el que Italia jugará un lugar preferente, con la presentación de la colaboración durante los días 26 y 27 de septiembre, coincidiendo con las últimas jornadas de esta próxima edición de la Semana de la Moda de Milán, en una pop-up abierta al público, desde el espacio La Pelota Jai Alai de la capital de la Lombardía. Un espacio de venta efímero que se integrará dentro de la instalación inmersiva que para la ocasión han diseñado los mismos Baisi y Guadagnino.

Además de con esta activación física e inmersiva, la colaboración de la pareja de creativos con Zara y Zara Home se completará con la implementación del concepto de espacio que los mismos Baisi y Guadagnino han diseñado para completar la experiencia de compra de la cápsula desde el medio física, así como con el lanzamiento de un corto dirigido por el mismo Luca Guadagnino. Una pieza de cuyo desarrollo ha participado Scott Z. Burns, guionista de cintas como Contagion, El ultimátum de Bourne o The Report, y que se adelante que, rodada en Europa bajo la dirección artística de Stefano Baisi, está protagonizada por Jamie Bell, Chase Sui Wonders, Michael Stuhlbarg y por Patricia Arquette.

La Cátedra Internacional de Moda Flamenca Flamentex, del Centro de Enseñanzas Artísticas Superiores de Diseño de Sevilla (ESSDM), prepara una nueva acción de proyección internacional en Estados Unidos con dos desfiles coincidiendo con la Semana de la Moda de Nueva York. Las citas tendrán lugar en septiembre de 2026 y febrero de 2027 y estarán acompañadas de la grabación de varios fashion films en distintos enclaves de la ciudad.

El próximo desfile se celebrará el domingo 13 de septiembre de 2026 y forma parte de una estrategia con la que la institución busca reforzar la presencia del diseño flamenco en el mercado estadounidense y dar visibilidad al talento creativo y artesanal andaluz.

La iniciativa ampliará la presencia habitual en paralelo a la Semana de la Moda de la ciudad con una producción audiovisual vinculada a algunos de los lugares más reconocibles de Nueva York. Times Square, la Quinta Avenida, la Hispanic Society y el Puente de Brooklyn serán algunos de los escenarios elegidos para la grabación de los fashion films, concebidos como una herramienta adicional para proyectar el diseño flamenco ante públicos internacionales.

El proyecto cuenta con el respaldo del Ayuntamiento de Sevilla. Su alcalde, José Luis Sanz, destacó el papel de la iniciativa para trasladar el talento de la ciudad más allá de las fronteras españolas y subrayó la dimensión cultural de la moda como vehículo de proyección exterior. “Nuestros diseñadores son embajadores de una cultura viva y en constante evolución”, señaló.

Desde ESSDM, el foco también se sitúa en las oportunidades empresariales que puede generar esta presencia en Estados Unidos. Su consejero delegado, Francisco Valderrama, explicó que la experiencia acumulada en Nueva York ha contribuido a generar una agenda de contactos orientada al desarrollo de marcas y nuevas alianzas.

“La acogida que la ciudad de Nueva York ha tenido hacia la moda flamenca ha sido un revulsivo institucional de cara a la promoción internacional de una de nuestras más claras señas de identidad, y ha propiciado una agenda muy intensa de acciones empresariales y acuerdos estratégicos de marca”, indicó Valderrama.

Esta apuesta internacional se conecta además con la evolución de la oferta académica de ESSDM. El centro prepara la puesta en marcha de la Academia de la Moda Hispanoamericana, un nuevo proyecto con el que prevé participar en la conmemoración del centenario de la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 2029.

Tras gastar millones de euros en artículos de lujo en la tienda de Louis Vuitton de los Campos Elíseos, un pródigo cliente chino se habría beneficiado de devoluciones de impuestos indebidas. Ahora cinco personas, entre ellas exdirectivos de la empresa, están siendo juzgadas desde el lunes por el tribunal correccional de París por estafa en banda organizada.

La firma de la celebrity Kim Kardashian y el empresario Jens Grede, Skims ha fichado a Natalie Buchberger, exdirectora sénior de Tapestry, como su nueva directora de franquicias para los mercados internacionales.

Buchberger liderará el negocio de franquicias de Skims en Europa, Oriente Medio, África y Asia-Pacífico.

“Después de ocho increíbles años en Tapestry, es hora de cerrar un capítulo muy especial y empezar uno nuevo y emocionante”, ha compartido Buchberger en su perfil de LinkedIn. “Muchas gracias a todos los que han formado parte de mi trayectoria en Tapestry. Estoy deseando empezar este nuevo capítulo y todo lo que conlleva”.

Buchberger comenzó su carrera en Tapestry como ejecutiva de cuentas de ventas sénior para Europa Central en 2018. Más tarde, en 2020, fue ascendida a directora de cuentas clave y, en 2022, a directora de ventas para Europa Continental y mercados emergentes. Dos años después, pasó a ser directora de ventas de Coach y Kate Spade para las regiones de EMEAI.

El equipo directivo de Skims ha experimentado varios cambios recientemente. En agosto, la marca cofundada por Kim Kardashian y Jens Grede nombró a Jasmine Sevan vicepresidenta de comunicación; ascendió a Kim Schraub a directora de marca y nombró a Erin Magee directora de diseño.

Madrid – Firmando un nuevo hito dentro del histórico de Ecoalf, la firma de moda española pionera en la defensa del diseño de moda sostenible, la marca fundada por Javier Goyeneche ha aterrizado en Portugal con la apertura de su primer punto de venta de marca. Un espacio comercial que, más allá de ahí, se destaca además como el 20º que la compañía pone en marcha a nivel internacional y fuera de las fronteras españolas.

Abanico en mano, los invitados (más precavidos) fueron llegando ayer a los Jardines de Sabatini para el desfile inaugural de Madrid es Moda, recibidos por el último modelo de Omoda, la firma de automóviles que este año se ha estrenado como patrocinadora de la cita, hasta llegar bautizarla.

En los alrededores de la localización muchos curiosos también iban encontrando su hueco en una suerte de palco improvisado que aprovechaba la infraestructura en alto del propio parque mientras el Palacio Real brillaba, literalmente, como telón de fondo, bañado por un sol de septiembre que empujaba los termómetros hacia los 36 grados que advertían los teléfonos.

Antes incluso de que arrancara la pasarela los focos de los muchos fotógrafos ya estaban encendidos, listos para un primer desfile en el que los asistentes, con sus mejores galas veraniegas, se mezclaban con los propios diseñadores entre saludos, camino de sus asientos para ver desfilar prendas de su anterior colección en un desfile colectivo en el que buena parte de la diversión estuvo en ir adivinando el autor de cada look.

Así, Omoda Madrid es Moda, iniciativa en defensa de la moda de autor española impulsada por la Asociación Creadores de Moda de España (Acme) con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid, dio el pistoletazo de salida no ya solo a su propio calendario, sino al del conjunto de una nueva edición de la Semana de la Moda de Madrid, que pone la moda española en el foco.

Unas celebraciones que, como viene siendo tradición desde septiembre de 2015, vuelven a articularse en torno a dos plataformas independientes, aunque de algún modocomplementarias. En primer término la propia Omoda Madrid es Moda, que se prolongará hasta el jueves 10 de septiembre; y, tomando su relevo a partir del lunes 14 y como plato principal de la cita, una nueva convocatoria de la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFW Madrid), organizada por Ifema Madrid, del mismo modo con el respaldo del consistorio.

Una edición, la de este septiembre de 2026, que llega especialmente cargada de novedades, y para la que el Ayuntamiento de Madrid ha vuelto a duplicar la partida de subvenciones destinada a los diseñadores y firmas participantes, hasta repartir un total de 1,3 millones de euros entre los creativos de las distintas iniciativas de su Semana de la Moda. Un respaldo institucional al que se suma, en el capítulo de patrocinios, la entrada de dos nuevos nombres al ecosistema de colaboradores de MBFW Madrid. Por un lado, El Corte Inglés, que se incorpora como patrocinador oficial —y estrena su Premio El Corte Inglés al Mejor Modelo, heredero del que hasta ahora otorgaba L’Oréal Paris—, y la plataforma Substack, que pasa a ejercer como socio institucional de la pasarela.

Omoda Madrid es Moda, del 7 al 10 de septiembre

Ejerciendo un año más como primer plato de la Semana de la Moda de Madrid, la edición de septiembre de Omoda Madrid es Moda —rebautizada así por cuestiones de patrocinio, de la mano de la firma de automóviles Omoda— extenderá su programa a lo largo de cuatro jornadas, desde ayer lunes 7 y comenzando hoy los desfiles de la mano de Ángel Schlesser al jueves 10 de septiembre. Un calendario en el que, tras el desfile inaugural de los Jardines de Sabatini, se sucederán desfiles, conferencias, presentaciones y exposiciones, así como distintas activaciones inmersivas y en formato pop-up repartidas por la ciudad.

Todo ello de la mano de los más de 30 diseñadores, firmas e iniciativas confirmados para esta convocatoria que además celebrará el 40º aniversario de Devota&Lomba y el relanzamiento de Dolores Promesas, con una cápsula firmada por Juan Duyos.

MBFW Madrid, del 14 al 19 de septiembre

Prácticamente al relevo del cierre de Omoda Madrid es Moda, el lunes 14 de septiembre arrancará la 84ª edición de MBFW Madrid, que durante seis jornadas, hasta el sábado 19, desplegará las propuestas de sus firmas participantes para la temporada Primavera/Verano de 2027. Una convocatoria que llega marcada por su gran novedad: por primera vez desde 1996 —con la excepción de las ediciones de 2006 y 2007, celebradas en el Paseo de Coches del Retiro—, la pasarela se celebrará de manera íntegra fuera del recinto ferial de Ifema, desplegándose por el trazado urbano de la capital, dentro de la “almendra central” que delimita la M-30.

Con ese giro, la pasarela adopta un modelo distribuido por la ciudad, articulado en torno a tres sedes oficiales —el invernadero del Palacio de Cristal de Arganzuela, que acogerá la jornada inaugural; la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles; y el campus de Comunicación y Artes de la Universidad de Nebrija, en el paseo de San Francisco de Sales, nuevo epicentro del certamen—, a las que se sumarán distintas localizaciones emblemáticas como el Hotel Palace, la rosaleda del Parque del Oeste, los jardines del palacio de Vista Alegre o la Galería de las Colecciones Reales. Un total de hasta 33 desfiles —cifra que se contrae respecto a los 40 de la pasada edición de septiembre— entre los que destacan los regresos al calendario oficial de Adolfo Domínguez, Moisés Nieto, Álex Rivière y, muy especialmente, de Alvarno, la casa de Álvaro Castejón y Arnaud Maillard, que firmará su esperado regreso el viernes 18 desde la Galería de las Colecciones Reales; los debuts de Celia B y del andaluz Antonio del Canto; y la continuación de las celebraciones por el 10º aniversario de Palomo Spain.

En el capítulo de reconocimientos, la pasarela distinguirá al diseñador Hannibal Laguna como “Diseñador Nacional” y a la firma colombiana invitada Agua by Agua Bendita, de Catalina Álvarez y Mariana Hinestroza, como “Diseñador Internacional”; a lo que se suma el nuevo galardón “Fashion Game Changers Recognition”, con el que se reconocerá a la plataforma Latin American Fashion Awards, de Constanza Cavalli Etro y Silvia Argüello, en esta edición, trazando puentes al otro lado del charco. El circuito Ego, reservado a los diseñadores emergentes, volverá a poner el broche a la cita el sábado 19 —en esta ocasión con seis firmas, frente a las diez habituales—, desde el propio campus de la Universidad de Nebrija.

Como en ediciones anteriores, la pasarela volverá a abrir sus puertas al público general, con entradas ya a la venta en tres categorías —Runway Pass, desde 80 euros; Runway Pass Front Row, desde 100 euros; y Gold Pass, desde 510 euros por desfile—, disponibles únicamente para las presentaciones programadas en sus tres sedes oficiales.

Madrid – Posicionar a las empresas del calzado español como socias clave para la producción de productos de calzado, para terceros. Ese es el objetivo añadido para apuntalar las dinámicas del sector que se han marcado como objetivo estratégico desde la Federación de Industrias del Calzado Español (Fice), y para el que, en un movimiento decisivo, y pionero para la industria española, la patronal introducía una curada propuesta del “saber hacer” nacional, en la última edición de Première Vision Paris.

Encargándose de inaugurar, en lo que al menos a salones comerciales se refiere, esta “rentrée” de final del verano, el salón parisino celebraba su última edición durante las jornadas del pasado 1 al 3 de este mismo mes de septiembre. Tres días de celebraciones durante los cuales, y como datos generales de esta última edición reservada a las propuestas para la temporada Otoño/Invierno de 2027/2028, desde la organización de la feria, especializada no en la comercialización de colecciones, sino en soluciones de aprovisionamiento, en materia de materiales, componentes y fabricación, para las empresas de moda, cifran en cerca de unos 20 000 profesionales, procedentes de 130 países, los visitantes que terminaron por concentrarse en el Parc des Expositions Paris Nord Villepinte en el que tuvo lugar la feria. Un salón desde el que expusieron sus últimas propuestas y soluciones para la industria de la moda cerca de más de 900 expositores, entre ellos más de 120 nuevas incorporaciones que, por primera vez, se sumaban a las celebraciones de Première Vision Paris desde esta edición de septiembre de 2026.

Precisamente entre ese grupo de nuevas debutantes, se encontraba la patronal española del calzado Fice, que reunió a una selección de empresas nacionales desde su stand “Shoes from Spain”. Un expositor desde el que en esta ocasión, y a diferencia de lo que vienen siendo las técnicas habituales de promoción que llevan a cabo e impulsan desde la patronal con el objetivo de promocionar el calzado español fuera de las fronteras del país, no se presentaban soluciones finalistas ni colecciones de temporada. Una oferta expositiva que no encaja con el sentido de esta feria especializada en aprovisionamiento, y en la que Fice ha debutado así con un objetivo bien distinto al que persiguen desde los otros certámenes internacionales en los que favorecen la presencia de marcas españolas del calzado, pero igualmente claro: que el calzado español gane presencia en el mapa internacional del “sourcing”.

Así pues, “Fice acudió a esta feria con un planteamiento diferente al de los certámenes tradicionales de calzado”, puesto que en la feria parisina “no se trataba principalmente de presentar marcas al retail, sino de posicionar a España como partner de fabricación y desarrollo de producto para la industria internacional de la moda”, apuntan desde la patronal del calzado. En este sentido “España cuenta con una industria capaz de aportar mucho más que fabricación”, elevando esa capacidad productiva con “experiencia técnica, desarrollo de producto, proximidad al mercado europeo, flexibilidad, calidad, series adaptadas a las necesidades de las marcas y un enorme patrimonio de conocimiento y oficio”, ponen en valor desde Fice. Una organización empresarial sectorial desde la que, añaden, “queremos trabajar”, a partir de su implicación en certámenes internacionales como este, “para que la capacidad productiva del calzado español gane presencia en el mapa internacional del sourcing”, y para que “esté cada vez más presente en la mente de quienes crean y desarrollan las colecciones de las grandes marcas de moda”.

Reforzando la identidad de España como país productor de calzado

Ofreciendo una primera valoración de este paso de Fice, y de sus empresas adheridas, por Première Vision Paris, desde la patronal del calzado señalan el haber recibido una buena respuesta a su participación en la feria por parte del público visitante. Impresiones que ofrecen respaldadas por los diferentes contactos que han logrado establecer con diseñadores, compradores y responsables de compra los representantes de las diferentes empresas que han compartido ese espacio expositivo en el salón de “Shoes from Spain”. Un expositor desde el que incluso se realizaron demostraciones en directo de técnicas artesanales como la del cosido del Yute de Caravaca de la Cruz, con el apoyo de la Región de Murcia.

Esa exhibición de manera particular “permitió mostrar a los visitantes que detrás del producto existe una cultura productiva que sigue viva y que puede convivir perfectamente con diseño, innovación y fabricación contemporánea”, destacando así y justamente parte del valor añadido que España dispone como país productor de calzado. Unas capacidades y un “saber hacer” que es justamente “donde creemos que existe una oportunidad estratégica” para seguir impulsando y hacer crecer al sector. Y es que, analizan desde Fice, “el reto no es solo vender más marcas españolas, sino conseguir que España forme parte de las decisiones de desarrollo de producto de las principales firmas internacionales”, y en ese objetivo, “Première Vision puede ser uno de los lugares adecuados para hacerlo”. De ahí el que, tras este debut en el que “la respuesta ha sido prometedora” por parte de los visitantes, y tras despedirse de la feria “con una sensación especialmente positiva”, y que “nos anima a continuar” por esta vía, desde Fice adelanten que, al menos de entrada, esta ha supuesto “una primera experiencia” en el salón parisino, que “abre una nueva vía para la industria española del calzado”.

Con 20 expositores españoles

Completando el “pabellón nacional” en esta última edición de Première Vision Paris, han participado de la feria un total de 20 expositores, incluyendo el de “Shoes from Spain” promocionado por Fice. Patronal que de este modo ha terminado por exhibir el potencial y el valor de España como país productor de calzado, frente a las ofertas expositivas de compañías como Alicia Villodres Patterns Barcelona, Antex, AyB Hislabor, Bombardo, Completex ’09, Eustaquio Canto Cano, Gratacos, Juan Boluda, Miguel Alemany, Multipunt, Pyton Slu, QBD Fashion Feathers, Queija, Sidogras, Tejidos Robles, Tex Athenea, Textil A. Ortiz, Textil Santanderina y Textilin 1964.

Durante varias temporadas, el calzado masculino ha estado fuertemente dominado por las zapatillas de running voluminosas, las retro trainers y las sneakers técnicas. La temporada SS27 sugiere un deseo por algo más refinado y meditado.

Entre los diversos estilos de calzado presentados en los desfiles de Milán y París para SS27, el clásico zapato acordonado en sus múltiples versiones ha sido el gran protagonista. La razón principal es que la moda masculina está volviendo a un calzado con estructura, artesanía y un mayor sentido del vestir, al tiempo que convierte esos zapatos tradicionalmente formales en modelos más ligeros, suaves e informales.

Lo importante es que los diseñadores no se limitan a recuperar el zapato de vestir tradicional. Están reinventando el calzado acordonado para un armario contemporáneo, con pieles más suaves, punteras redondeadas o alargadas, suelas más ligeras, proporciones exageradas y materiales inesperados. A continuación, 10 estilos de vestir, náuticos e informales para hombre de las colecciones SS27.

Dior Homme SS27 por Jonathan Anderson

Un zapato Oxford de perfil estilizado en satén de seda blanco roto con efecto desgastado, bordes deshilachados, puntera ligeramente cuadrada y un adorno de mariquita bordada.

Thom Browne SS27

Un zapato derby wingtip full brogue de caña baja en charol blanco pulido sobre una entresuela de cuero color canela, combinado con un tacón de bloque grueso de altura media y la característica tira de grosgrain tricolor en el talón.

Louis Vuitton SS27 por Pharrell Williams

Un zapato de lona beis con bordes sin rematar, deshilachados y muy desgastados en el cuello y los refuerzos, con ojales metálicos sin cordones, una tira de cuero en el talón y un emblema “V” grabado en la lengüeta.

Dries Van Noten SS27 por Julian Klausner

Un zapato acordonado de perfil minimalista en pelo de becerro con estampado de guepardo y leopardo.

Auralee SS27 por Ryota Iwai

Un náutico de piel de becerro negra con puntera y costura de tipo mocasín y cordones tonales sin remaches.

Egonlab SS27 por Florentin Glémarec y Kévin Nompeix

Un náutico con diseño de mocasín con costura vista, cierre de cordones de cuero con dos ojales, pespunte perimetral en contraste blanco y suela de goma negra de perfil bajo.

Kiko Kostadinov SS27

Un zapato con una combinación de capas de malla negra texturizada y refuerzos estructurados de cuero azul oscuro de aspecto engomado, con un sistema de cordones integrado de nuevo desarrollo.

Taakk SS27 por Takuya Morikawa

Un zapato acordonado plano de cuero deconstruido, de perfil ultrabajo, con la parte delantera acordonada extendida y fruncida.

Qasimi SS27

El zapato Ultra III Bloom en material ecológico blanco roto, con su característico empeine en forma de jaula moldeado por inyección, diseñado con un corte geométrico de nido de abeja y un sistema de cordones de ajuste rápido.

Saul Nash x Toworkfor SS27

Un zapato náutico con empeine de malla texturizada y ante y un característico sistema de cordones estilo cordón ajustable sobre una suela negra gruesa.

Crónica

Des Petits Hauts, Bérénice, Stella Forest y Not Shy han vuelto a recorrer los pasillos de Who’s Next, la feria parisina que clausuró ayer, lunes 7 de septiembre de 2026, mientras que Armor Lux y Von Dutch se han estrenado en esta edición. Seis marcas con perfiles diferentes que han explicado a FashionUnited lo que el reposicionamiento de Who’s Next aporta a su desarrollo comercial.

El primer día de Who’s Next estuvo marcado por una notable afluencia de público en el recinto de Paris Expo Porte de Versailles, Hall 1. Una afluencia que lejos de ser casual, refleja el buen resultado de las distintas iniciativas emprendidas por los organizadores, WSN, para reforzar el atractivo de un evento dedicado a las colecciones Primavera/Verano 2027.

“Sobre las 15 horas [del primer día] habíamos alcanzado casi los 8,500 visitantes”, estima Frédéric Maus, CEO de WSN, en declaraciones a FashionUnited. “Se espera que la edición completa ronde los 40,000 visitantes para 1,300 marcas expositoras”.

Un rendimiento que se explica, según él, por los esfuerzos realizados para optimizar el número de visitantes. “Hace tres años, creamos un departamento dedicado exclusivamente a los compradores, cuando normalmente son los expositores quienes invitan a los suyos”, explica. “En este marco, hemos desarrollado programas de hosted buyers (compradores prescriptores invitados)”.

A fin de completar la experiencia, WSN organiza ahora Retail Tours en París para que descubran boutiques o exposiciones. La idea es que tengan un recuerdo vinculado a Who's Next y que les anime a volver.

La proporción de compradores internacionales en Who’s Next ha pasado del 30 al 55 por ciento

Objetivo número uno: desarrollar la afluencia de visitantes internacionales. “En todas mis conversaciones con los expositores, surgía su necesidad de abrirse al mercado internacional”, reconoce Frédéric Maus. “No son cosas que se logren en cinco minutos, es un trabajo a largo plazo”.

Resultado: Who’s Next ha pasado de un público compuesto por un 70 por ciento de compradores franceses y un 30 por ciento de internacionales a una mayoría del 55 por ciento de compradores extranjeros.

Un logro obtenido gracias al apoyo financiero de la Union Française des Industries Mode & Habillement (UFIMH) y a la colaboración con Shoppe Object, una feria profesional dedicada al diseño, el hogar, los objetos y los regalos de lifestyle, que ha pasado de 70 expositores a más de cien en una sola edición. Según Frédéric Maus, el número de compradores que acuden específicamente por este universo casi se ha triplicado, con una mayoría de internacionales.

A esto se suma otro factor: la desaparición de grandes ferias europeas como Panorama Berlin, Bread & Butter o Premium, que atraían a numerosos visitantes internacionales.

Esta evolución se traduce en el regreso de marcas emblemáticas en la edición de septiembre de 2026

La otra vertiente de la estrategia ha consistido en ampliar la oferta de textil y accesorios a objetos de decoración y cosmética, para adaptarse a la evolución del modelo multimarca hacia el de las concept stores.

Paralelamente, WSN ha afinado su selección, de modo que la feria estaba sold out desde principios de julio. “El cálculo inmediato sería intentar tener aún más expositores”, añade el organizador. “Pero, a largo plazo, e incluso diría que a medio plazo, es un cálculo muy malo”.

Durante varios años, algunas marcas habían acabado por abandonar Who’s Next, al considerar que la feria les aportaba muy pocos clientes nuevos, especialmente a nivel internacional, en comparación con el trabajo realizado en sus propios showrooms. En el primer día de esta edición, varios expositores que han regresado ya afirman notar una afluencia de público más internacional y diversificada.

Des Petits Hauts vuelve en busca de nuevos multimarca

El regreso de Des Petits Hauts es elocuente. A pesar del desarrollo de su red de 93 sucursales en Francia y Europa, la marca sigue ligada al wholesale, su canal de distribución histórico. Actualmente cuenta con unos 550 minoristas multimarca, de los cuales el 60 por ciento se encuentra en el extranjero.

Sin embargo, tras la crisis del Covid, la firma ajustó sus inversiones y comenzó a medir más atentamente su retorno. “Nos encontrábamos siempre con los mismos clientes desde hacía veinte años”, señala Vanessa Sanchez, cofundadora de Des Petits Hauts. “Como los ya existentes podían ser recibidos en los showrooms de nuestros agentes, el interés económico de la feria se había reducido”.

Para la edición de septiembre de 2026, fue el director de wholesale quien animó a Des Petits Hauts a volver a intentarlo, argumentando que la feria “marcaba la pauta” de la temporada. “Todo el mundo se apropiaba de la colección, se sentía seguro, argumentaba, contraargumentaba”, señala la responsable. “Ese momento único permitía recoger las primeras impresiones de los compradores y probar la pertinencia de la oferta. Durante veinte años, al salir de Who's Next, podía darte mi cifra de negocio de wholesale y, con un margen de mil piezas, el número de unidades que iba a producir”.

El objetivo de esta nueva participación es precisamente captar nuevas cuentas, especialmente de una nueva generación de multimarca, pero también recordar a los minoristas que el desarrollo del retail no ha desviado a Des Petits Hauts del wholesale.

Este regreso, sin embargo, está sujeto a una lógica muy pragmática: en un contexto de consumo difícil, la marca condiciona una futura participación al retorno de la inversión generado por esta edición.

Bérénice apuesta por un público más internacional

Ausente de Who’s Next desde hace tres años y medio, Bérénice también ha firmado su regreso. La marca cuenta hoy con 300 distribuidores multimarca, frente a los 600 o 700 de su apogeo, a los que se suman once tiendas propias y una quincena de corners. Su facturación alcanza unos trece millones de euros, en comparación con los veinticinco de antes de la crisis del Covid.

La firma había ido abandonando progresivamente las ferias, cuya afluencia consideraba decreciente y su rentabilidad insuficiente, en favor de su showroom. Pero el boca a boca entre marcas sobre el renovado dinamismo de Who’s Next convenció a Aaron Krief, hijo del creador de la marca, Frédéric Krief, de volver a intentarlo.

Su objetivo es preciso: encontrar compradores a los que Bérénice no llega a través de sus canales habituales, especialmente a nivel internacional. Desde el primer día, Aaron Krief, que tomó las riendas de la marca hace un año, se muestra sorprendido: “A los franceses los veo en mi showroom. Aquí he conocido a muchos chinos, algo que nunca antes había ocurrido. También he visto a muchos libaneses, ingleses, españoles y, aun así, a algunos franceses”.

Esta nueva participación va acompañada de un trabajo de rebranding y un relanzamiento comercial en nuevos mercados. Así, Bérénice ha abierto recientemente un showroom en Estados Unidos y en Dubái. China podría ser el siguiente paso la próxima temporada.

Stella Forest busca ampliar su red comercial

Construida históricamente en torno al wholesale, la marca familiar Stella Forest trabaja con cuatro agentes comerciales en Francia y dispone de una red de unos 250 minoristas multimarca. Un modelo de distribución sobre el que Stella Forest se ha consolidado durante unos veinte años y que también despliega a nivel internacional a través de una red de agentes.

Hoy en día, produce unas 50,000 piezas para la temporada de invierno y hasta 80,000 para la de verano.

Varios de sus agentes habían pedido a la marca que volviera a la feria. Pero para su director, Geoffrey Boniface, el interés de una nueva participación dependía sobre todo de la capacidad de Who’s Next para ampliar su público. Antes de tomar su decisión, se informó y también constató que varias marcas habían decidido regresar.

Desde la primera mañana, considera que la situación ha cambiado. “Como los organizadores han trabajado para atraer a una clientela más amplia, he recibido a muchos españoles esta mañana. Además, Who’s Next nos permite reencontrarnos con nuestros clientes, descubrir tendencias y reunirnos con nuestros proveedores”.

El equipo directivo también ha acudido con el objetivo de completar su red comercial en las zonas donde desea expandirse.

Por otro lado, en un mercado en el que el número de tiendas multimarca se está contrayendo, Geoffrey Boniface cree que “con el tiempo, las tiendas multimarca tendrán que concentrarse más y apostar por cuatro o cinco marcas, en lugar de multiplicar las referencias, mientras trabajan más su merchandising”.

Not Shy reivindica el formato feria frente al showroom

Ausente de Who’s Next desde hace dos años, Not Shy, marca parisina creada en 1998 y especializada en el cachemir, está hoy presente en treinta países. Cuenta con más de 1,300 puntos de venta wholesale en todo el mundo, de los cuales más de 200 en Francia, y una veintena de tiendas propias en el país. Su red comercial se apoya en seis agentes en Francia y una treintena en total.

La marca había optado por priorizar su showroom parisino y su presencia en varias ferias internacionales (Italia, Dinamarca, Alemania o Corea).

Sin embargo, su regreso a Who’s Next se ha impuesto por la presión de su propio ecosistema comercial. “A petición popular, tanto clientes como agentes franceses e internacionales, así como los organizadores de la feria, me pidieron que volviera. Nos hemos echado de menos mutuamente”, constata Mercedeh Vafaï, directora de Not Shy.

Reconoce sobre todo en la feria una función que el showroom no logra reemplazar por completo: “Hay una especie de dinamismo en una feria que no se tiene en el showroom. Se ve a mucha más gente. Esta capacidad de multiplicar los encuentros le devuelve el interés al evento”.

Mercedeh Vafaï sigue convencida de la pertinencia del modelo multimarca a pesar de las dificultades que atraviesa este canal de distribución. Destaca el asesoramiento, el servicio y la relación con los clientes, funciones que, según ella, siguen distinguiendo a los minoristas independientes.

Armor Lux apuesta por el wholesale para completar su red territorial

Armor Lux constituye un caso algo diferente: la marca bretona participa por primera vez en Who’s Next, junto a Bermudes, otra marca del porfolio de Bonneterie d’Armor.

Armor Lux dispone de un centenar de puntos de venta en Francia, de los cuales aproximadamente tres cuartas partes son sucursales y una cuarta parte son tiendas afiliadas. Cuenta con unos 400 distribuidores multimarca en Francia y cerca de 300 a nivel internacional. Y fabrica entre 800,000 y 900,000 piezas al año en sus centros de producción.

Su presencia en la feria responde a una voluntad de redesarrollar el B2B. “Abrimos nuevas cuentas cada temporada”, subraya el dúo formado por Guillaume Thouvenot, director comercial, y Marco Petrucci, director de exportación, que busca encontrar distribuidores que aún no figuran en su cartera de clientes franceses.

“No podemos estar en todas partes con tiendas propias. Abrir diez tiendas en París no sería un problema. Pero inaugurar una tienda en una pequeña ciudad de provincias sería difícil de rentabilizar. En cambio, encontrar allí un muy buen socio es precisamente lo que buscamos aquí”, explican los responsables comerciales.

Esta ofensiva wholesale acompaña una evolución de la oferta. Sin abandonar sus básicos y su ADN marinero, Armor Lux lleva varias temporadas desarrollando colecciones más urbanas y casual, que se destacan en la feria.

El objetivo es mostrar una imagen más amplia de la marca y reforzar su presencia entre una clientela femenina, todavía minoritaria en su actividad de exportación: a nivel internacional, las ventas se realizan actualmente en un 80 por ciento en moda masculina y un 20 por ciento en femenina.

Von Dutch elige Who’s Next para acelerar su relanzamiento europeo

Von Dutch participa por primera vez en Who’s Next en el marco de una nueva fase de desarrollo en Europa.

Von Dutch pertenece hoy al grupo estadounidense WSG. La explotación de la marca se basa en un sistema de licencias por territorios y categorías de productos. En Europa, Textiss se encarga, entre otros, del desarrollo de varias categorías históricas de Von Dutch.

Paralelamente, DNAM, un grupo con sede en Los Ángeles y representado en Who’s Next por Elias Belhouane, sales account manager, explota varias categorías de productos. También debe hacerse cargo del e-commerce, la comunicación y las redes sociales de la marca en Francia y Europa.

La marca estadounidense, que se convirtió en un fenómeno mundial a principios de los años 2000, pretende reposicionarse ante una nueva generación fan de la tendencia Y2K. Mientras que en Francia su imagen sigue estando fuertemente asociada a los consumidores que vivieron su éxito anterior, la clientela estadounidense y británica es hoy mucho más joven y femenina, con edades comprendidas principalmente entre los 15 y los 25 años.

La estrategia pasa por el desarrollo del wholesale. La marca se distribuye actualmente en unos 300 puntos de venta en Francia. En el Reino Unido, se han iniciado las primeras pruebas con Urban Outfitters y JD Sports.

Su presencia en Who’s Next responde, por tanto, menos a la búsqueda de pedidos inmediatos que a una lógica de desarrollo de red y visibilidad. “Mi objetivo es reunirme con distribuidores, retomar el contacto con clientes de volumen medio o grande”, explica Elias Belhouane, quien afirma no esperar una “gratificación instantánea” de esta primera participación.

Próxima edición de Who’s Next: del 16 al 18 de enero de 2027, colecciones Otoño/Invierno 2027/2028.

Madrid – El Grupo H&M parece decidido a cerrar la aparente etapa de paulatino retroceso que venía protagonizando en España, en términos tanto operativos como comerciales, y anuncia la apertura en el país de una “oficina de producción”. Departamento que a partir de ahora comenzará a operar desde Barcelona, reforzando las capacidades de desarrollo de producto de la multinacional de la moda sueca.

Ligero, transpirable y flexible, Foot-Run nace del estudio del pie en crecimiento para ofrecer a los niños una experiencia de caminar más natural.

Septiembre marca el regreso al colegio, a las rutinas, a los juegos y a todas esas aventuras que forman parte del día a día de los más pequeños. Para acompañarlos en esta nueva etapa, GEOX presenta Foot-Run, su nueva propuesta Junior diseñada para ofrecer comodidad, libertad de movimiento y protección en cada paso.

Desarrollado en colaboración con la Asociación Italiana de Podólogos, Foot-Run nace a partir del estudio del pie en crecimiento y busca ofrecer una experiencia de caminar lo más natural posible, con una sensación similar a caminar descalzo, pero proporcionando la protección necesaria para el día a día.

Uno de sus principales elementos diferenciales es su diseño ergonómico inspirado en la forma del pie, que permite el libre movimiento de los dedos y favorece una pisada más natural. A ello se suma una suela extremadamente flexible y una construcción zero drop, que mantiene el talón y el antepié al mismo nivel.

Pensado para seguir el ritmo de los niños, Foot-Run combina además ligereza y transpirabilidad gracias a su confección en malla, convirtiéndose en una opción versátil para acompañar tanto las jornadas escolares como los momentos de juego y las actividades al aire libre.

La colección apuesta también por una estética deportiva y contemporánea. La estrella de la selección Back-to-School está disponible en azul marino con detalles en naranja intenso y en rosa con acentos negros, dos combinaciones que aportan energía y personalidad a los looks infantiles. La propuesta se completa con dos versiones adicionales: azul marino con detalles fucsia y verde militar con acentos en amarillo intenso.

GEOX continúa desarrollando soluciones que combinan bienestar, tecnología y confort diario, poniendo la investigación sobre el pie infantil al servicio de una de las etapas más activas de su crecimiento.

Porque volver al cole significa volver a moverse, jugar, descubrir y crecer. Y para acompañar cada una de esas experiencias, GEOX convierte cada paso en una nueva oportunidad para avanzar.

Madrid – En pleno arranque de la campaña de “la vuelta al cole” la polémica vuelve a ceñirse sobre la emblemática compañía española de grandes almacenes El Corte Inglés, en esta ocasión a cuenta de una prenda infantil con un, aparentemente, inocente mensaje: “Small ones are more juicy” (los pequeños son más jugosos). Unas palabras que, traducidas al español, y sumándose al público al que iba dirigida la prendas, han hecho levantar la ceja y encender las voces de alerta incluso dentro de la compañía española, desde donde ya han procedido a retirarla de su oferta comercial.

Lejos de la fantasía de los brillos y el front row, cualquier Fashion Week es, ante todo, un maratón para los equipos de relaciones públicas. Con la Semana de la Moda de Madrid arrancando esta tarde, muchos becarios y perfiles junior se preparan para afrontar su primer gran maratón de eventos. Entre las que se arrepienten de haber escogido stilettos a la primera hora y los VIP que hay que sacar a escondidas por las cocinas, Caroline Charles, fundadora de la agencia de prensa homónima con sede en París, habla la realidad del sector y comparte sus enseñanzas para los PR más jóvenes.

Piensa bien tu outfit

¿El mayor mito que rodea los primeros pasos en una agencia? Pensar que asistir a un desfile como parte del staff equivale a ir como invitado. La ilusión del “espectáculo” lleva a menudo a los perfiles júnior a arreglarse en exceso. “A menudo, las chicas se ponen tacones demasiado altos y al cabo de una hora tienen que cambiarse, porque en nuestra profesión nos movemos, no paramos quietos”, cuenta Caroline Charles. La profesión de relaciones públicas exige estar en constante movimiento. Un outfit profesional pero pensado para resistir es la primera regla de oro para que un evento sea un éxito.

La falta de implicación

El acceso al lugar del desfile ya es un filtro en sí mismo: “si no son capaces, no los llevamos a los desfiles”, explica Caroline. Por lo tanto, hay que demostrar la propia fiabilidad de antemano. Una vez allí, la prueba de fuego ya no es técnica, sino de comportamiento. Para una relaciones públicas, el error garrafal, especialmente notable en la nueva generación, es dar la impresión de “no estar implicado”. El caos de un evento exige una entrega total. Un becario pasivo, que espera órdenes sin ser consciente de la urgencia o del reto colectivo, se cierra al instante las puertas a una futura contratación.

El ADN de la profesión: reactividad y saber estar

Por el contrario, el asistente o becario que destaca no lo hace por grandes proezas, sino por una actitud precisa. El perfil destinado a llegar lejos posee ese “ADN” particular que se resume en dos conceptos: ser extremadamente reactivo y, al mismo tiempo, saber cuál es tu sitio. Se trata de comprender el propio papel en el engranaje general, de intervenir en el segundo en que el equipo lo necesita, sin sobreactuar ni estorbar.

El networking se hace en la puerta, observando

Suele decirse que un buen relaciones públicas es invisible el día D. Entonces, ¿cómo puede un perfil júnior aspirar a crearse una agenda de contactos sin parecer oportunista o puentear a sus superiores? La clave está en las tareas estratégicas, como la gestión de la entrada. Encargarse de la recepción y el seating es una escuela de observación formidable. Es la oportunidad perfecta para memorizar caras, asociar nombres con cargos y entender el mapa de invitados influyentes, sentando así las bases de una red profesional sin forzar nunca el contacto.

Saber improvisar

“En uno de mis primeros desfiles, en la agencia de Béatrice Keller para Versace, teníamos que localizar a los VIP con el equipo de seguridad para que todo saliera bien”, recuerda Caroline. La comunicadora confiesa también que ha tenido que sacar a invitados por las cocinas para facilitar las cosas. Porque cuando surge un imprevisto, lo que salva el evento es el ingenio combinado con la sangre fría, aunque haya que tomar decisiones poco ortodoxas. Un buen relaciones públicas siempre encuentra la salida de emergencia.

La compañía óptica española Mó ha presentado Doma, su nueva colección de gafas de sol y graduadas para Otoño, una propuesta inspirada en la estética del mundo ecuestre.

La colección parte del imaginario del caballo y la doma para trasladarlo, según explica la compañía, a monturas de líneas equilibradas y una paleta cálida. Doma recurre a materiales y acabados asociados a ese universo, como el cuero, el metal, los tonos tierra y los acabados pulidos.

La propuesta reúne modelos de sol y graduado para mujer, hombre y diseños unisex. La paleta cromática se apoya en tonos carey, burdeos, verdes, marrones, negros y grises, junto con detalles metálicos.

En graduado, la colección opta por monturas de inspiración clásica, con siluetas suaves, formas rectangulares y estructuras equilibradas, en versiones femeninas, masculinas y unisex. En sol, Mó apuesta por monturas de mayor volumen, con lentes oscuras y degradadas, tonos cálidos y acabados pulidos.

La marca amplía además la colección más allá de las gafas con una línea de accesorios. El catálogo incluye fundas, cinturones, lentilleros, travel cases y kits de cuidado, con tonos marrones, detalles metálicos y acabados inspirados en la marroquinería, con los que la compañía busca reforzar el carácter lifestyle de la propuesta.

Mó es la marca de gafas de Mo Global, grupo del sector óptico español presente en el mercado a través de la cadena Multiópticas. La compañía cuenta con más de 45 años de trayectoria, una red de más de 550 ópticas y más de 2.300 profesionales en el mundo, además de una división de audiología con más de 260 puntos de venta, llegando a vender más de un millón de unidades al año.

Sabato De Sarno ha sido nombrado nuevo director creativo de Icicle. "En este puesto, Sabato De Sarno supervisará la dirección artística de Icicle para las colecciones de prêt-à-porter femenino y masculino, los accesorios y el eyewear. Su primera colección para Icicle se presentará para Otoño/Invierno 2027-2028", ha explicado la firma a través de su cuenta de Instagram.

"Siempre me ha fascinado el diseño más allá del producto final: desde el origen de las materias primas hasta la artesanía que les da forma. Me sentí atraído por Icicle por la profunda sintonía entre sus principios y mi filosofía creativa. La armonía entre el hombre y la naturaleza es una idea que Icicle lleva explorando casi treinta años, y hoy la siento más actual que nunca. Agradezco al señor Ye (Ye Shouzeng, CEO y cofundador de la marca, ndr) su confianza al empezar a escribir este capítulo junto a todo el equipo", ha explicado Sabato De Sarno en la nota difundida en la red social.

Bénédicte Laloux, que desde 2013 ha desempeñado un papel fundamental en la configuración de la identidad creativa del prêt-à-porter femenino de Icicle y del Design Studio de París, continuará en su puesto de directora de diseño de la colección femenina de pasarela, trabajando bajo la dirección creativa de Sabato De Sarno.

De Sarno creció en Nápoles. Inició su carrera en Prada en 2005

"Desde la fundación de Icicle en 1997, nuestra ambición siempre ha sido reconectar a las personas con la naturaleza a través de una moda duradera. Creemos que esta visión solo puede materializarse uniendo el talento creativo de todo el mundo con las profundas raíces culturales y la fuerza industrial de Icicle en China. La llegada de Sabato marca un importante paso adelante en esta dirección", ha subrayado Ye Shouzeng, CEO y cofundador de la marca.

De Sarno creció en Nápoles. Inició su carrera en Prada en 2005, para luego pasar a Dolce & Gabbana, antes de llegar a Valentino en 2009, donde ocupó puestos de creciente responsabilidad hasta ser nombrado director de moda, con la tarea de supervisar las colecciones masculinas y femeninas. En 2023, se incorporó a Gucci como sucesor de Alessandro Michele.

En febrero de 2025, la maison florentina anunciaba la salida del director creativo De Sarno.

La firma británica de moda deportiva Castore acelera su estrategia de expansión internacional tras sellar una alianza estratégica con Albion 1879, compañía española especializada en la gestión y escalado de marcas premium. A través de este acuerdo, la empresa impulsará su red de distribución omnicanal en España, Portugal, Andorra y Gibraltar.

El fondo de inversión Regent Apparel Group ha nombrado a un nuevo director general. Guillaume de Blic se reincorpora a la empresa unos diez años después de haber dejado la entidad que agrupa las marcas de Dim (DBI, Dim Brands International), propiedad de Regent L.P.

Este nombramiento marca, por tanto, un regreso significativo para el directivo. El director general vuelve así a un entorno conocido y volverá a supervisar a los equipos de la división DBI, que agrupa marcas históricas de lencería y ropa interior como DIM, Playtex, Wonderbra, Lovable, Abanderado, Nur Die y Bellinda. “Estoy orgulloso y agradecido de unirme a Regent y entusiasmado con la oportunidad que me espera”, ha escrito en una publicación en la red LinkedIn.

Más allá de DBI, el nuevo directivo se pone al frente de un conjunto de entidades diversas. El grupo Regent Apparel Group posee, de hecho, marcas del mercado del lifestyle, el prêt-à-porter y el lujo accesible, entre las que se incluyen Petit Bateau, Bally, Escada, Club Monaco y La Senza.

El objetivo declarado por la nueva dirección es reunirse con los equipos globales y profundizar en la estrategia de cada marca para liberar el potencial de esta cartera. Sobre su nombramiento, el directivo ha declarado: “Comienza una nueva aventura, con grandes marcas, personas con talento y mucha ambición por lo que podemos construir juntos”.

Antes de llegar a Regent, Guillaume de Blic pasó 10 años en la marca francesa Lacoste, donde ocupaba el cargo de CEO para Europa, Oriente Medio y África desde 2022. El directivo había anunciado su marcha hace unos días en una publicación de LinkedIn, en la que declaraba: “Cuando pienso en esta trayectoria, lo que más siento es gratitud y orgullo por lo que hemos construido juntos, con una ambición común: hacer crecer a Lacoste y reforzar, día tras día, su atractivo y su alcance mundial”.

Este episodio de 1,99 Retail Podcast –el proyecto de Carlos Vila Expansión Director de Mango y Jordi Farré López CEO y fundador de Pangea Retail– aborda los desafíos actuales en la producción y sostenibilidad textil a través de una conversación con Antonio Barroso Vidal, experto con amplia trayectoria en la industria, Head of Sales de Portugal Home Made. Con una mirada técnica y pragmática, el episodio analiza cómo las marcas gestionan el suministro local frente al asiático y desmonta la narrativa verde dominante en el sector.

Barroso analiza el papel estratégico de Portugal como nodo de cercanía (nearshoring) especializado en prendas de algodón de alta calidad. Frente a la deslocalización asiática —insustituible para prendas técnicas o de nylon—, la industria portuguesa ofrece velocidad y menores emisiones. Además, contrasta los costes operativos locales, situando la confección de una camisa en unos 9 a 9,5 euros en Portugal frente a los 6,5 euros en regiones españolas como Córdoba.

Finalmente, el episodio profundiza en las complejidades técnicas del reciclaje de fibras y la evolución hacia la transparencia de costes, un modelo impulsado por el mercado escandinavo.

Puedes escuchar el episodio completo a continuación:

Fuente: 1,99 Retail Podcast vía YouTube

El directivo Miguel Gutiérrez Gómez ha dejado su cargo en el concepto de retail madrileño Wow para incorporarse a la firma española de moda deportiva Born Living Yoga como nuevo director de operaciones (COO), según ha anunciado el propio ejecutivo a través de su cuenta de LinkedIn.

Gutiérrez Gómez cierra así una etapa de tres años en Wow, el proyecto impulsado por Dimas Gimeno, expresidente de El Corte Inglés y en el que el directivo desempeñó un papel clave en el desarrollo conceptual y operativo del formato, una apuesta diferencial que hibrida la experiencia física con un marketplace digital concebido para dar cobijo a firmas nativas digitales

En su mensaje de despedida, el ejecutivo agradeció a Gimeno la oportunidad de “desarrollar Wow y conseguir que sea una realidad de presente y, sobre todo, de futuro”. Sobre su nueva etapa, la describió como “llena de nuevos retos y apasionantes posibilidades”.

Su salida se produce en un momento de transición para el proyecto, que arrastra pérdidas desde su apertura pero defiende una senda de mejora. Según las previsiones trasladadas por la compañía a finales de 2025, Wow esperaba cerrar ese ejercicio con una facturación en torno a 30 millones de euros y reducir sus pérdidas a entre siete y ocho millones, con el objetivo de alcanzar el punto de equilibrio en 2026. En esa hoja de ruta, el grupo ha puesto el foco fuera de España y ha descartado nuevas aperturas en el país más allá de Barcelona, y afronta además cambios en su cúpula tras registrar la marcha de su director financiero mientras acelera la búsqueda de nuevos inversores.

Born Living Yoga, con sede en Madrid, fue fundada en 2017 por Álvaro Roca y su madre, Arianne Puig. La compañía, especializada en prendas para la práctica de yoga y ropa deportiva, ha evolucionado desde un modelo centrado en el canal digital hacia una red de tiendas propias en España, sin abandonar su presencia en marketplaces internacionales y en puntos de venta multimarca.

La incorporación de Gutiérrez Gómez se enmarca en la fase de expansión de la marca, que en los últimos ejercicios ha reforzado su apuesta por el retail físico y por los mercados internacionales. El nuevo director de operaciones agradeció a Roca, cofundador y consejero delegado de la enseña, la confianza depositada para “hacer el proyecto de Born Living Yoga aún más grande”.

Madrid – Este miércoles, 9 de septiembre de 2026, la multinacional de la moda española el grupo Inditex presentará sus resultados registrados al cierre del primer semestre del año. Periodo en su caso comprendido entre el 1 de febrero al 31 de julio, de este 2026, sobre el que dará cuenta mientras se prepara en cualquier caso para abordar la segunda mitad del ejercicio. La etapa del año de mayor importancia, en términos económicos, para la compañía, y un ciclo que no han dudado en abrir sacando músculo, y evidenciando su cada vez más potente y sin límites poder de convocatoria.

La marca británica de denim Pepe Jeans, parte del grupo madrileño AWWG, ha lanzado la segunda entrega de su colección Otoño/Invierno 2026. Fundada en Londres en 1973, la firma presenta este lanzamiento como un regreso a sus orígenes, tomando la escena musical de la ciudad como punto de partida y dirigiéndose a una generación que valora la libertad de expresión. Este lanzamiento sigue a una primera entrega de la temporada, con la que Pepe Jeans despliega su colección Otoño/Invierno 2026 por fases.

La colección se presenta a través de una campaña del fotógrafo Charlie Gates, protagonizada por los modelos Zhenya Migovych y Julius Bussemaker. Pepe Jeans afirma que las imágenes se construyen en torno a esta idea de individualidad, con la energía de Londres como telón de fondo. Según la marca, cada pieza de la colección está estilizada para reflejar esa individualidad, fusionada a lo largo de la sesión de fotos con la propia energía de la ciudad.

Para mujer, la línea se articula en torno al denim, incluyendo vaqueros, faldas y vestidos en lavados que van desde el azul vintage hasta el índigo profundo, junto a una serie de piezas individuales destacadas. Los cortes van desde el slim y el recto hasta el boyfriend, complementados con camisas fluidas, vestidos holgados y camisetas que la marca vincula a un ritmo musical que recorre las siluetas.

La propuesta femenina se extiende también a las prendas de punto para los meses más fríos, con vestidos, cárdigans y chaquetas de punto acabados con botones metálicos y bordados en los bordes. Su paleta de temporada recorre el rojo baya, el gris piedra y el azul moody, suavizados con negro y beis.

El denim sigue siendo también el eje central de la colección masculina, articulada en torno a vaqueros y chaquetas y ampliada con capas más informales, como camisetas, polos y prendas de punto de corte relajado. Su paleta se mueve entre el marrón chocolate y el beis, hasta el azul Dulwich y el verde Richmond, colores que la marca vincula al legado de Londres.

El rosa palo y el rojo invernal se utilizan como tonos de contraste en toda la gama masculina, rompiendo la paleta base más sobria. Pepe Jeans presenta esta combinación como una forma de trasladar la narrativa londinense a las líneas de mujer y de hombre, unificando ambas colecciones bajo una única historia de color para la temporada.

Una selección de accesorios completa el lanzamiento, incluyendo bufandas, cinturones, gorras y gorros de lana, que la marca posiciona como piezas fáciles de superponer para la temporada. Las zapatillas deportivas para hombre y mujer aparecen en tonos otoñales, extendiendo la paleta de las prendas al calzado. Una selección de bolsos para mujer redondea la colección, añadiendo un toque final a las piezas de prêt-à-porter de toda la entrega.

Pepe Jeans presenta la colección Otoño/Invierno 2026 como algo más que una línea de temporada, describiéndola como una fusión de herencia, individualidad y una actitud moderna, en sintonía con la narrativa londinense que impregna todo el lanzamiento.

El grupo empresarial tailandés ha nombrado a Wallaya Chirathivat nueva presidenta, según ha anunciado el operador de grandes almacenes este lunes en la red social profesional LinkedIn. El nombramiento de la directiva, que forma parte del grupo desde hace 40 años, tiene como objetivo fortalecer la compañía para su próxima fase de crecimiento y seguir expandiendo su posición en Tailandia y en los mercados internacionales.

La trayectoria de la nueva presidenta incluye experiencia en los sectores del comercio minorista, el inmobiliario y la gestión empresarial, siempre dentro del grupo. En su nuevo cargo, se encargará de impulsar las prioridades clave de todo el grupo, fortalecer la colaboración entre las distintas divisiones de negocio y representar a Central Group ante organismos gubernamentales, organizaciones del sector privado, inversores, socios comerciales y redes internacionales, según el comunicado.

“Wallaya aporta un profundo conocimiento de nuestras áreas de negocio, una amplia experiencia en la dirección de grandes organizaciones y una trayectoria de éxito constante. Confío en que será una fuerza impulsora más en nuestro equipo directivo y que ayudará a guiar a Central Group hacia el futuro con confianza”, ha declarado Tos Chirathivat, presidente ejecutivo y CEO de Central Group.

La nueva presidenta también considera que su principal tarea es consolidar las fortalezas existentes del grupo y crear nuevas oportunidades de negocio. “La clave para nuestro próximo paso es aprovechar nuestras capacidades y crear más oportunidades juntos, para aportar valor a nuestros clientes, proveedores, empleados, socios y partes interesadas, guiados por nuestro propósito corporativo: Central of Life – el centro de la vida”.

Stone Island ha presentado un nuevo capítulo de su plataforma “La comunidad como forma de investigación”, un proyecto en curso que explora el diálogo entre el producto, la cultura y la comunidad global que da forma a la evolución de la marca, junto con su colección Otoño/Invierno 2026/2027.

La iniciativa reúne a personas de diferentes disciplinas creativas cuyas perspectivas y prácticas alimentan un intercambio continuo de ideas, y cada participante contribuye a lo que la marca describe como una investigación compartida sobre la innovación, la identidad y la cultura contemporánea.

La colección se construye en torno a lo que Stone Island denomina su concepto “laboratorio y vida” y se presenta a través de una serie de retratos que combinan la innovación de producto con la expresión individual. Según la marca, el proyecto muestra cómo su investigación se extiende más allá del laboratorio, adentrándose en las vidas, experiencias y comunidades que interactúan con ella.

Participantes

La temporada se inaugura con el campeón del mundo de tenis de mesa Xu Xin, el DJ y vendedor de relojes Adrian Douzmanian, el cineasta Nick Love, la tres veces campeona de la WNBA, dos veces MVP de la WNBA, medallista de oro olímpica y cofundadora de Unrivaled, Brianna Stewart, y el fotógrafo y fundador de Hugan Books, Simjae.

A lo largo de la temporada se publicarán más retratos, con la participación de Fakemink, Skepta, 3House, Stephen Graham, Samir Bantal, Monika Sprüth y Jia Zhang-Ke.

Equipo creativo y formato

Los retratos han sido fotografiados por David Sims y estilizados por Max Pearmain, bajo la dirección creativa de Ferdinando Verderi. Cada imagen se presenta sobre el fondo blanco característico de Stone Island, un formato que la marca utiliza en toda la serie para centrar la atención en la relación entre quien lleva la prenda y la propia prenda.

Cada retrato se acompaña de una serie de preguntas seleccionadas por Hans Ulrich Obrist, junto con vídeos en los que los participantes responden a esas preguntas con sus propias palabras.

Piezas destacadas

Entre las piezas mostradas se encuentra una chaqueta con capucha de tela de nailon brillante que lleva Fakemink. Está teñida en prenda y luego acabada a mano con resinas cepilladas sobre la superficie antes de ser prensada en caliente para obtener un acabado brillante y aceitado. El tejido es un 74 por ciento reciclado.

Skepta lleva una chaqueta con capucha de nailon Oxford denso, una estructura que se utiliza más comúnmente en la camisería de algodón y que Stone Island ha reelaborado para añadirle resistencia y ligereza. Está teñida en prenda utilizando recetas específicas y un agente hidrófugo. El forro es un acolchado aislante PrimaLoft-TC que es un 70 por ciento reciclado.

La parka corta de 3House utiliza una tela ligera hecha de hilos de poliéster y poliamida japoneses con una sección transversal en forma de estrella. La prenda se tiñe a presión a 130 grados Celsius y luego se pinta a mano con dos tonos de pigmento mezclados con un componente de poliuretano. Stone Island afirma que el proceso hace que cada pieza sea única, y la parka está acabada con un tratamiento hidrófugo y un forro acolchado.

Stephen Graham lleva una chaqueta coach de la línea Ghost de la marca, hecha de piel de cordero con un acabado pulverizado para un aspecto técnico y engomado. La piel está unida a un tejido de lana y nailon para mayor comodidad y protección térmica. Las piezas Ghost son monocromáticas, e incluso la insignia de Stone Island aparece en una versión monocolor a juego para fundirse con la prenda.

Patagonia se ha sumado a la batalla legal contra la decisión de la administración Trump de reducir dos monumentos nacionales en Utah, alegando que la medida amenaza la protección de terrenos públicos, la soberanía tribal y zonas de importancia medioambiental y cultural. La marca de ropa outdoor anunció la demanda el dos de septiembre, con la que impugna la proclamación del presidente Donald Trump del pasado julio por la que se reduce el Monumento Nacional Bears Ears en aproximadamente un 91 por ciento, además de recortar significativamente el tamaño del Monumento Nacional Grand Staircase-Escalante.

Desde un gigantesco pastel de Dior hasta la tienda de Louis Vuitton con forma de barco, “The Louis”, en Shanghái, las experiencias de retail en las metrópolis de Asia Oriental son cada vez más espectaculares. Sin embargo, mientras las grandes casas de moda europeas crean sus propios universos temáticos y lugares de moda para hacerse fotos en ciudades como Shanghái y Seúl, en su mercado de origen parecen seguir apostando por transacciones exclusivas envueltas en una atmósfera atractiva.

La moda de segunda mano, que durante mucho tiempo ha sido un gesto militante o una simple ganga, se ha convertido hoy en un acto de compra habitual: muchos consumidores consultan ahora el mercado de ocasión antes que el de productos nuevos, y valoran una prenda en función de su valor de reventa. Como explica la experta Marjorie Biawa en el último cuaderno de tendencias de segunda mano de CrushOn: “Si queremos que el cliente compre, hay que ofrecerle lo que busca en el momento adecuado de la temporada. La ventaja del precio ya no es suficiente”.

Ahí es donde entran en juego las tendencias. El Otoño/Invierno 2026-2027 juega precisamente la carta del contraste: marrones cacao y caqui por un lado, ciruela eléctrico y verde azulado por otro; abrigos voluminosos y pantalones pitillo; tartán y lentejuelas. Una buena noticia para la segunda mano, ya que un stock heterogéneo por naturaleza encaja perfectamente con esta temporada. Se perfilan cuatro dinámicas para el aprovisionamiento y la venta.

Roman Noir: neovictoriano y preppy oscuro

¿Por qué funciona en la segunda mano?

El terreno es amplio y ya está consolidado. Blazers de uniforme con escudos, vestidos de encaje de los años 90, faldas escocesas y abrigos de cuello alto, mocasines y Dr. Martens... Hay un filón que reactivar más que crear. Para buscar en Laura Ashley el encaje y el cuello alto, las faldas escocesas de Pendleton y los tartanes Royal Stewart, los blazers de Marks & Spencer, Kookaï y Naf Naf de los años 90.

Countryside Chic: el armario de herencia impulsado por el stock disponible

Como una prolongación invernal del “Poet Core” visto en primavera, esta tendencia se inclina hacia el campo y los materiales cálidos: punto Fair Isle, tweed, pana, punto grueso de ochos, ante. El jersey de jacquard noruego se impone como la pieza clave, tanto para mujer como para hombre, junto al cárdigan grueso, la camisa de cuadros y el abrigo de lana.

¿Por qué funciona en la segunda mano?

Es la tendencia más naturalmente circular de la temporada. Se basa en piezas duraderas, ya presentes en grandes cantidades, cuyo valor percibido aumenta con el uso. Las faldas escocesas, las mantas de tartán y los jerséis escandinavos vintage suelen tener un mejor diseño que sus equivalentes nuevos. No hay nada que adaptar, la oferta existente impulsa la tendencia tal cual. Las referencias van desde Harris Tweed, Pendleton, Barbour y Dale of Norway hasta el punto grueso de Damart y Rodier de los años 80 y 90.

Seconde Peau: el cuero en total look

¿Por qué funciona en la segunda mano?

El cuero vintage es estructuralmente superior al nuevo de gama baja: plena flor, cortes pesados, una pátina imposible de reproducir. El desgaste deja de ser un defecto que ocultar para convertirse en el argumento de venta. Se pueden encontrar buenas piezas en Schott y Perfecto, Lewis Leathers, Belstaff, Chevignon, o en el cuero y el denim crudo de Levi’s y Diesel de los años 90 y 2000.

Clair-Obscur: el brillo que emerge de la oscuridad

¿Por qué funciona en la segunda mano?

Es el segmento mejor conservado de la oferta de segunda mano. Las prendas de noche se usan poco, a menudo se guardan con cuidado y rara vez se lavan. Un vestido de lentejuelas vintage está cosido a mano sobre una base pesada, con una densidad de bordado que ninguna producción actual ofrece a un precio comparable. El terciopelo y el satén intensos también se llevan de día, lo que amplía la ventana comercial mucho más allá de la Nochevieja. Para buscar en Christian Lacroix, Ungaro, Cavalli o Rabanne para la cota de malla.

Las tendencias, una palanca de aprovisionamiento para la segunda mano

La moda es cíclica, y el Otoño/Invierno 2026-2027 lo confirma una vez más: encajes neovictorianos, punto de herencia, cueros con pátina y materiales de noche ya existen, en grandes cantidades, en los stocks de segunda mano. Para los profesionales del sector, el reto no es perseguir la novedad, sino identificar, dentro de lo existente, las piezas que están en sintonía con el espíritu de la época. De hecho, la temporada premia el contraste, la textura y el color más que el total look pulido: terrenos en los que un stock heterogéneo lleva la delantera. Una selección basada en las tendencias refuerza la coherencia de la oferta, agiliza el merchandising y hace que la experiencia de compra sea más atractiva.

Madrid – A escasamente poco más de una semana de que arranque su próxima edición de septiembre, desde la dirección de la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFW Madrid) han dado la sorpresa, confirmando la incorporación como nuevo patrocinador oficial de El Corte Inglés. Grupo que no solamente se encargará de impulsar diferentes activaciones en favor de la moda española y del propio certamen, sino además de poner en marcha su nuevo galardón: el Premio El Corte Inglés al Mejor Modelo.

Según se han encargado de adelantar tanto de la dirección de MBFW Madrid como desde El Corte Inglés a través de sendos comunicados, oficiales, la pasarela madrileña y la emblemática compañía española de grandes almacenes han formalizado una alianza estratégica con el objetivo común de reforzar el apoyo al diseño español, aumentar la visibilidad nacional e internacional de la moda española, y generar nuevas “experiencias de alto impacto” en torno a la pasarela madrileña, que contribuyan a esa suma de objetivos. Una serie de propósitos a los que contribuirá, a partir de esta misma y próxima edición de MBFW Madrid, programada para los días del 14 al 19 de septiembre, El Corte Inglés como nuevo patrocinador oficial de la pasarela organizada por Ifema, con el apoyo y la financiación del Ayuntamiento de Madrid.

Defendido, sostienen ambas partes, desde su apuesta común por apoyar el talento local, impulsar el crecimiento de las firmas de moda española, y potenciar nuevas vías para acercar la creatividad nacional a una audiencia cada vez más amplia, a través de este acuerdo, El Corte Inglés se encargará de desarrollar diferentes activaciones, experiencias y “sinergias de alto nivel”, con el propósito de tanto reforzar el posicionamiento de MBFW Madrid como escaparate de la moda española, como de potenciar la visibilidad del certamen, a nivel tanto nacional como internacional. Objetivos y compromisos a cuyo favor el grupo de grandes almacenes sumará además la organización y celebración del Premio El Corte Inglés al Mejor Modelo de MBFW Madrid. Un nuevo galardón que pasa a incorporar la pasarela a partir de esta edición, como claro heredero del que hasta ahora había venido dando el Grupo L’Oréal Paris, y con el que la compañía de grandes almacenes y la pasarela reconocerán a aquel modelo que, y citamos, “más haya destacado por su proyección, presencia en la pasarela y capacidad para representar con excelencia cada colección”.

“Con esta alianza, Mercedes-Benz Fashion Week Madrid continúa fortaleciendo su ecosistema de colaboradores estratégicos”, en esta ocasión “sumando a una de las principales compañías de distribución y moda del país a su misión de impulsar el talento, fomentar la innovación y seguir consolidando la proyección de la moda española dentro y fuera de nuestras fronteras”, subrayan desde la organización de la propia pasarela madrileña. Desde una perspectiva a nivel ya de organización, “la incorporación de El Corte Inglés” a ese grupo de patrocinadores “supone un paso adelante en la evolución de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid como la principal plataforma de promoción de la moda de nuestro país, y uno de los grandes encuentros de referencia del calendario internacional”, y lo es como resultado de una “alianza estratégica que refuerza el compromiso de ambas entidades con el impulso del talento, la creatividad y el desarrollo de la moda española”.

La diseñadora de moda belga Julie Kegels ha ganado el LVMH Prize for Young Fashion Designers 2026, según informa WWD. El premio se entregó el viernes durante una ceremonia en la Fondation Louis Vuitton de París.

El premio principal consiste en una dotación económica de 400.000 euros, complementada con un año de mentoría por parte de expertos del conglomerado de lujo LVMH.

Kegels lanzó su firma de moda en 2024, poco después de graduarse en la Royal Academy of Fine Arts de Amberes. En abril, fue seleccionada como una de las nueve finalistas de la decimotercera edición del LVMH Prize for Young Fashion Designers.

El Karl Lagerfeld Special Jury Prize fue para Lii, la firma del diseñador chino Zane Li. El galardón fue entregado por la actriz, productora de cine y cantante india Priyanka Chopra, quien también es imagen de Dior. Este premio está dotado con 200.000 euros, además de un año de asesoramiento en áreas como desarrollo sostenible, comunicación, derechos de autor y asuntos legales corporativos, marketing, producción y gestión financiera.

El Savoir-Faire Prize fue para Yoshita 1967, la firma del diseñador keniano Anil Padia. Este premio también incluye una dotación de 200.000 euros y un año de mentoría. El premio fue entregado por la embajadora de Louis Vuitton, Urassaya ‘Yaya’ Sperbund, quien también formó parte del jurado.

Otros finalistas

Además de Kegels, Lii y Yoshita 1967, los otros finalistas fueron Petra Fagerström de Suecia, De Pino del diseñador francés Gabriel Figueiredo, Ponte del diseñador británico Harry Pontefract, The Vxlley del diseñador español Daniel del Valle Fernández, Institution del diseñador georgiano Galib Gassanoff y la diseñadora estadounidense Colleen Allen.

Los grandes almacenes del Reino Unido se enfrentan a un entorno de consumo marcado por una oferta online ilimitada y un gasto discrecional prudente. Como resultado, ha surgido un doble desafío para los retailers, que deben esforzarse tanto por mantener sus tiendas abiertas como por dar a los clientes una razón para visitarlas. En este contexto, el modelo tradicional de grandes almacenes ya no es suficiente. Ahora, la presencia física debe ir acompañada de un propósito contemporáneo.

Madrid – Ya sea por el aumento del valor de los productos, o por su crecimiento en volumen, los niveles de stock y de existencias almacenadas de las compañías dedicadas a la actividad comercial en España registraron en junio su tasa más alta desde 2023. Unos niveles por tanto en máximos, pero que bien podrían responder al aprovisionamiento habitual de cara a la estratégica campaña de verano, si tenemos en cuenta el aumento de las ventas minoristas, en tanto volumen como sobre todo en facturación, que se registró durante el mismo mes.

Madrid – La campaña de rebajas de Primavera/Verano, y la de verano en general, parece llamada a seguir el tono cada vez más irrelevante con el que ha pasado ya a contar dentro del calendario la otrora estratégica campaña de rebajas de Invierno. Un cambio en las dinámicas de compra de los consumidores, que todo apunta a estar terminando de afianzarse en este 2026.

La trazabilidad en la industria de la moda está dejando de ser una ventaja competitiva para convertirse en un requisito de acceso al mercado. Esta es la principal conclusión del informe anual que acaba de publicar Oeko-Tex. Las nuevas exigencias legales en la UE, Estados Unidos y Canadá obligan cada vez más a las empresas a demostrar el origen de sus productos y materias primas, así como sus métodos de producción. Aquellas compañías capaces de documentar su cadena de suministro, desde la materia prima hasta el producto final, están mejor preparadas para afrontar controles aduaneros, auditorías regulatorias y restricciones comerciales.

Ha transcurrido ya un año desde el fallecimiento de Giorgio Armani, pero su huella en la moda italiana y en el estilo internacional permanece imborrable. Sin embargo, para Italia no solo ha sido un diseñador que engrandeció el ready-to-wear, el made in Italy y el deporte (no hay que olvidar que desde 2008 Armani es el patrocinador del equipo de baloncesto Olimpia), sino también un filántropo que realizó importantes donaciones durante los oscuros meses de la Covid, que demostró la importancia fundamental del compromiso, la abnegación e incluso la meticulosidad para alcanzar resultados excepcionales.

Giorgio Armani fue amado y apreciado por el fashion system y el público general

En cada lugar de Italia donde el diseñador de origen placentino tuvo una casa, desde Milán hasta Pantelaria, pasando por Forte dei Marmi, sigue siendo recordado con cariño. Su vida concluyó con un gesto de afecto hacia la localidad versiliana donde solía pasar temporadas de descanso y donde poseía una hermosa casa: el 27 de agosto de 2025, Giorgio Armani anunció que había llegado a un acuerdo para la adquisición de La Capannina di Franceschi srl de Forte dei Marmi, el legendario local fundado en 1929 por Achille Franceschi y que desde 1977 era propiedad y estaba gestionado por Gherardo y Carla Guidi. La Capannina reabrirá para la temporada de verano de 2027.

Precisamente a mediados de agosto se han conmemorado los 41 años del fallecimiento de Sergio Galeotti, arquitecto y diseñador italiano que, junto a Armani, fundó en 1975 una de las marcas que ha hecho y sigue haciendo historia en la moda. A él, en particular, se le dedicó la compra de la Capannina, el local donde floreció su amistad.

"A Sergio lo conocí al final de un día de playa, en el famoso local La Capannina. Era un chico frágil pero cautivador, como buen toscano de Pietrasanta", contaba Giorgio Armani en su libro "Per amore", editado por Rizzoli.

Ambos se conocieron en 1966: "me crucé con Sergio en el coche, me gustó enseguida su sonrisa toscana y nos hicimos amigos al instante", ha recordado el diseñador en una entrevista concedida a Aldo Cazzullo y Paola Pollo en el Corriere della Sera. Fue él quien le dio el impulso que necesitaba para comenzar su aventura en el mundo de la moda: "me dijo: tienes un potencial importante. Sergio había visto mi ropa, se había dado cuenta de que podía llegar más lejos. Por aquel entonces, el mundo de la moda en Milán estaba dirigido por gente algo mayor. Yo era joven, tenía otros estímulos".

Nacido en Pietrasanta el 26 de julio de 1945, Galeotti falleció en Milán el 14 de agosto de 1985.

En Pantelaria, donde tenía una residencia, Armani fue igualmente muy querido. Siempre dispuesto a saludar a quien se le acercara y a firmar autógrafos a turistas y lugareños.

Ya está en las librerías la nueva biografía autorizada de Giorgio Armani

Para recordar la grandeza de Armani, Marsilio Editori ha publicado recientemente un libro, titulado "Giorgio secondo Armani, La vita oltre il successo" y escrito por Roberta Filippini.

"Los recuerdos y reflexiones que Giorgio Armani había decidido confiar a la autora, la periodista Roberta Filippini, con el consentimiento de sus seres queridos, se plasman en este libro", se lee en una nota.

Es un relato que parte de una familia italiana de provincias, atraviesa las vicisitudes de la guerra y la posguerra, y llega a Milán, donde el joven Giorgio Armani encuentra su camino con suerte y esfuerzo, consolidándose en la moda con ideas nuevas, un largo aprendizaje, y la ayuda y el afecto de quienes ven en él algo especial.

Al confiar a la autora sus sensaciones y descubrimientos íntimos, sus convicciones y decisiones profesionales, Armani no se esconde tras su enorme éxito. La imagen del gran diseñador se va forjando entre encuentros, amor y dolor, y decisiones valientes. El creativo y el empresario se funden en una experiencia única, hecha de voluntad y compromiso, de alegrías y reconocimientos, pero también de lamentos y renuncias. "Las palabras de Armani y los numerosos testimonios no solo narran una formidable historia de estilo e innovación, sino también una extraordinaria personalidad humana cuyo valor queda como legado para todos", explica la nota.

La autora, Roberta Filippini, periodista, trabajó durante mucho tiempo para Ansa, donde fue responsable del área de moda.

Cientos de creaciones que marcaron estilo del difunto diseñador Pierre Cardin llenarán su palacio veneciano a finales de este mes en un nuevo museo que celebra la vanguardista visión del futurista de la moda.

Un baile de disfraces el jueves por la noche en la que fue la residencia veneciana de Cardin durante casi 40 años, el Palazzo Bragadin, servirá para dar el pistoletazo de salida a la inauguración del museo, prevista para el 13 de septiembre.

Cardin, el modisto francés de origen italiano que falleció en diciembre de 2020 a los 98 años, fue un pilar de la moda de los vibrantes años sesenta con sus diseños unisex y de estética espacial que crearon ondas de choque en la cultura juvenil, desde los bulevares de París hasta Carnaby Street en Londres.

Los minivestidos de punto con atrevidos estampados geométricos, aberturas inesperadas y una predilección por los tejidos sintéticos cimentaron la reputación de Cardin como un modernista en sintonía con el espíritu de la época de la década.

Cardin utilizaba su palacio en Venecia, que compró en 1981, como un refugio y un lugar para recargar su imaginación, ha declarado su sobrino, Rodrigo Basilicati-Cardin, director general de la firma, cuyo taller creativo permanece en París.

“Pensé: ‘Esta fue su casa, ¿qué mejor lugar?’. Hay un espacio de casi 1,000 metros cuadrados, con una altura de techos importante, ¿qué mejor escenario para exponer al menos cien conjuntos?”, ha comentado durante una visita al espacio expositivo.

Hoy en día, Cardin es recordado en gran medida por su pionera estrategia empresarial de licenciar su nombre en todo el mundo para miles de productos, desde sábanas hasta contestadores automáticos, una estrategia que le hizo rico, pero que restó algo de brillo a su otrora codiciada marca.

Actualmente, la empresa tiene unos 130 productos bajo licencia.

El museo busca recordar al público la innovadora sensibilidad para el diseño del modisto, que trabajó para Elsa Schiaparelli y Christian Dior en París antes de lanzar su propia línea en 1950.

Cardin buscó democratizar la moda con el lanzamiento de una línea de prêt-à-porter en 1959 —un concepto revolucionario para la época que le supuso la expulsión temporal del órgano rector de la Alta Costura francesa—, pero que fue rápidamente copiada por sus rivales.

Alrededor de 130 conjuntos llenan las suntuosas salas del palacio, abarcando desde 1951 hasta 2018: aquí una túnica de punto verde esmeralda con cinturón y espectaculares aberturas en los costados de 1971, allá un vestido de noche de terciopelo negro de 1991 adornado con una rosa de tafetán de gran tamaño en las caderas.

Un minivestido sin mangas de 1963 en seda plateada con estampado de nido de abeja luce un lazo en el cuello a modo de collar, mientras que un vestido de 1993 en calabaza y negro presenta espectaculares pliegues que fluyen desde el cuerpo.

Basilicati-Cardin ha explicado que para su tío, el cuerpo era secundario a lo que sostenía: la escultura de la prenda.

“Toda su vida se basó en las estructuras; todas sus prendas son arquitectónicas, nada puramente fluido”, ha afirmado.

“Consideraba sus vestidos como esculturas”.

En el fondo, Cardin era un minimalista.

“Él siempre decía: ‘Quiero que reconozcan mi vestido a 10 metros de distancia’”, ha contado.

“Pocas ideas, dos como máximo, preferiblemente de distinto tipo —una de forma, otra de color— y ya está. Un mínimo de conceptos”.

Un giro del destino

El baile de disfraces del jueves llega justo 75 años después de un legendario baile en un palacio cercano que ayudó a lanzar la carrera de Cardin.

Apodada el “Baile del Siglo”, a la fiesta de 1951 organizada por el coleccionista de arte y miembro de la alta sociedad Charles de Beistegui asistió la flor y nata de la sociedad, incluyendo a Orson Welles, el Aga Khan III y el fotógrafo Cecil Beaton, que tomó muchas fotografías.

Justo después de que Cardin dejara Dior, el gran modisto encargó a su antiguo asistente la creación de unos 30 trajes para un próximo baile en Venecia que él mismo no tenía tiempo de hacer, un giro del destino que ayudó a impulsar la reputación del joven diseñador.

“Hay que imaginar a mi tío, cuatro meses después de abrir su maison, encontrándose con un encargo para crear 30 trajes importantes. En aquel momento solo tenía seis trabajadores, seis costureras, y produjo estos 30 trajes, incluidos los de Salvador Dalí y sus amigos”, ha relatado su sobrino.

Organizando los últimos detalles el jueves para la inminente inauguración del museo se encontraba Renee Taponier, de 79 años, que empezó a trabajar con Pierre Cardin a los 14 años.

“Le echo de menos”, ha declarado Taponier a AFP.

“Verá, él me formó. Construyó toda mi vida”.

En sus más de 60 años en la empresa, Taponier ha cosido, trabajado en ventas y ayudado a organizar desfiles, entre muchas otras tareas.

“Era un hombre que exigía mucho, pero que también nos daba mucho”.

Pekín ha instado este jueves a Francia a abandonar su recién aprobada ley contra el ultra-fast fashion, calificando la nueva medida, dirigida a las principales plataformas de comercio electrónico asiáticas como Shein y Temu, de "claramente discriminatoria".

HOKA, una división de Deckers Brands, ha presentado la Clifton UTL, una reinterpretación street-ready de una de sus siluetas de running más icónicas, en colaboración con la empresaria y curadora vintage neoyorquina Emma Rogue. La zapatilla está disponible desde hoy en HOKA.com, en las tiendas de HOKA y en distribuidores seleccionados de todo el mundo.

Una colaboración entre rendimiento y vintage

Fundadora de las tiendas vintage ROGUE, Emma Rogue es conocida en la escena de la moda neoyorquina por su ojo analítico y por una selección de prendas guiada por las historias que cuentan. Su mundo, a caballo entre el estilo, la comunidad y el movimiento constante, la ha convertido, según HOKA, en la socia ideal para presentar la Clifton UTL a un nuevo público.

Rogue ha descrito sus días como impredecibles, divididos entre la gestión de tres tiendas, la selección de prendas vintage y los desplazamientos por la ciudad entre reuniones y eventos. Según la curadora, la Clifton UTL permite afrontar el día sin tener que elegir entre comodidad y estilo.

Del running a la ciudad

La Clifton UTL reinterpreta en clave lifestyle la línea Clifton de HOKA, manteniendo el confort característico de la marca en un diseño que combina tanto con vaqueros y camisetas vintage como con looks más técnicos y prendas de sastrería, pensado para acompañar durante todo el día, desde primera hora de la mañana hasta bien entrada la noche.

Rogue es también el rostro de la campaña global del modelo, que interpreta el movimiento como una forma de expresión personal a través de imágenes dinámicas que siguen a la zapatilla durante un día en la ciudad, entre carreras para coger el metro, pasos decididos sobre el asfalto, paradas en galerías de arte y la vida nocturna.

La visión del diseño

Chris Hui, Director de Diseño, Lifestyle de HOKA, ha explicado que el objetivo al crear la Clifton UTL era partir de una de las siluetas de running más queridas de la marca y reimaginarla en clave lifestyle, para un confort sin concesiones combinado con un diseño versátil.

El proyecto Canarias Islas de Moda —impulsado por Proexca, la empresa pública del Gobierno de Canarias encargada de la internacionalización y la diversificación de la economía de las islas, junto a los cabildos insulares— y la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid compartieron ayer desde Forbes House Madrid los detalles de una colaboración pensada para proyectar la moda, el talento y la identidad del archipiélago fuera de sus fronteras.

Moda, artesanía, gastronomía y música se darán la mano en un programa concebido para proyectar la identidad de las islas "no solo de forma creativa, sino también como una oportunidad de negocio", según explicó Alfonso Cabello, viceconsejero de la Presidencia del Gobierno de Canarias y presidente de Proexca, durante su intervención, enmarcando el evento en un proyecto transversal orientado a diversificar la economía de las islas.

"Llevamos años profesionalizando el sector" como parte de un proyecto más trasversal que busca diversificar la economía de las islas. "Canarias es mucho más que sol, playa y gente enrollada", señaló.

El jueves 17 de septiembre, la Universidad Nebrija –una de las muchas ubicaciones en las que MBFW Madrid celebrará los distintos shows durante esta edición– acogerá así una puesta en escena que reunirá a nueve firmas vinculadas a los diferentes programas de moda de los cabildos insulares. Desde La Palma participarán Alex Menorca y Diazar Atelier; desde Lanzarote, Angie Vázquez; desde Gran Canaria, Aurelia Gil, Chacho SVNRS y BAN; y desde Tenerife, Marco & María, Roselinde y Viperinas, con una puesta en escena junto a la cantante Daniela Garsal y una experiencia gastronómica de la mano de Restaurante Gofio, preparada junto al director creativo de la pasarela de Canarias, Rubén Gómez.

Por su parte, Asier Labarga, director de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, destacó la colaboración con Canarias Isla de Moda, una alianza que continúa ampliándose con nuevos formatos tras la participación de las firmas canarias en las ferias comerciales Momad y Bisutex, mostrando además voluntad de dar continuidad a una colaboración abierta a nuevas vías de desarrollo.

Pero la presencia canaria en Madrid no termina ahí, esta se amplía, además, con la participación días antes de cuatro firmas de Gran Canaria —Aurelia Gil, Ogadenia Couture, Pedro Palmas y Gonzales— en OMODA Madrid es Moda, el próximo 10 de septiembre. La iniciativa, impulsada por Gran Canaria Moda Cálida junto a la Asociación Creadores de Moda de España (ACME), acercará sus propuestas nupciales y de lencería a medios, compradores, prescriptores y otros profesionales del sector.

Dos citas que, desde plataformas y programas diferentes, comparten una misma vocación de ampliar la presencia de las firmas canarias en Madrid, acercarlas a nuevos profesionales del sector y generar oportunidades de negocio fuera de las islas.

Esta apuesta por la internacionalización de la moda canaria se enmarca en el Plan Sectorial de Moda impulsado por Proexca, la empresa pública del Gobierno de Canarias, que, junto a los cabildos insulares y con el apoyo de fondos europeos, viene respaldando la proyección exterior del sector.

Madrid – Inditex se mantiene firme en su clara y decidida apuesta por Oysho, entendida como una de sus principales y potenciales palancas para su próxima etapa de crecimiento, e impulsa su presencia en España con la apertura de una nueva “flagship store” de la cadena en Vigo. Tienda que abría sus puertas al público este jueves, 3 de septiembre de 2026, en pleno corazón de la ciudad gallega, estrenando la renovada imagen y el nuevo concepto de tienda de la firma de moda deportiva para mujeres del grupo.

Análisis

La marca estadounidense de ropa deportiva Lululemon Athletica Inc. (Lululemon) ha registrado una caída del -4 por ciento en sus ingresos netos, hasta los 2.400 millones de dólares, correspondientes al segundo trimestre de 2026, que concluyó el 2 de agosto de 2026. En términos de dólar constante, los ingresos netos retrocedieron un -5 por ciento.

Madrid – El Consejo Intertextil Español (CIE) sigue monitorizando de cerca la evolución de los precios energéticos, con el foco actualmente puesto de manera especial sobre el precio del gas natural, habida cuenta de su impacto directo sobre buena parte de las operativas de las empresas del sector. Unos grupos industriales sobre los que advierte de la pérdida de competitividad y de viabilidad económica a la que se enfrentan como resultado de este encarecimiento de la energía, que amenaza con iniciar una nueva escalada de precios en toda la cadena de valor.

La marca de moda británica AllSaints ha presentado una nueva identidad de marca bajo la dirección creativa del diseñador londinense Aaron Esh, junto con el lanzamiento de su colección Otoño/Invierno 2026.

Esta iniciativa es la primera gran expresión creativa de Esh tras su nombramiento como director creativo en octubre de 2025. Esh supervisa el diseño, las campañas, la expresión digital y el tono general de la marca en sus líneas masculina y femenina.

Para la colección FW26, Esh ha colaborado con la estilista Katy England para reinterpretar el armario esencial de AllSaints, que incluye cazadoras de motorista, prendas vaqueras, botas, camisetas y artículos de piel. Inspirándose en prendas vintage y en el archivo de la marca, la colección actualiza siluetas conocidas a través de cambios en el corte, el ajuste, los materiales, los acabados y las proporciones.

Sobre la colección, Esh ha comentado: “Rediseñar una identidad de marca nunca consistió en crear algo nuevo. Se trataba de tomar lo mejor de lo que ya existía y presentarlo de una manera diferente”.

Este reposicionamiento también va más allá del producto, con la introducción de un nuevo logotipo y sistema gráfico, mientras que el Ramskull de la marca se ha rediseñado como una firma renovada.

Además, AllSaints también ha lanzado AllSaints World, una plataforma editorial sobre moda, música, fotografía y cultura. Sus primeros proyectos incluyen The Ram, un fanzine de edición limitada que se lanzará durante la Fashion Week de Londres, junto con eventos musicales y culturales.

La campaña, fotografiada por Alasdair McLellan, presenta a 17 londinenses y modelos de diferentes edades y orígenes, reforzando el enfoque de la marca en la individualidad y la cultura londinense.

Arket ha presentado su campaña Otoño/Invierno 2026, “Noticing Everyday Beauty”, protagonizada por las modelos Iselin Steiro y Badhiel Lony Nyang. La campaña gira en torno a las texturas, los colores y los ritmos de la temporada, y explora una forma más sosegada de observar los detalles y los momentos cotidianos.

Equilibrio entre energía y comodidad

La campaña, fotografiada por Dudi Hasson, Adrian Levander y Daphne Terrasson, desvela las directrices de diseño de las colecciones de otoño e invierno, en las que la energía y la comodidad se equilibran. Esto se refleja en la ropa, los objetos y la comida.

En las imágenes, los exuberantes paisajes naturales contrastan con las texturas de las prendas de punto de lana, el shearling, el cuero y los tejidos camiseros de tacto crujiente, creando un diálogo visual entre la naturaleza y la vida cotidiana. En una serie de cortometrajes, Steiro y Nyang comparten sus reflexiones personales sobre la belleza: Steiro la encuentra en la naturaleza y en el reconocimiento de lo que ya existe, mientras que Nyang asocia la belleza con la amabilidad, la conexión y la comunidad.

Las piezas clave de la temporada

La colección presenta versiones renovadas de prendas de abrigo icónicas como el pea coat y el trench coat, vaqueros con un corte impecable y prendas de punto de lana que van desde finas capas base hasta modelos más gruesos de cachemira, además de básicos refinados para el día a día.

Además, la colección incluye abrigos de shearling de cordero, sastrería de lana, lujosas prendas de ocasión, sofisticados zapatos de tacón, camisetas de punto de algodón y delicados tops sin mangas: piezas que Arket posiciona como imprescindibles en el armario de la próxima temporada.

El grupo de lujo Kering continúa reforzando sus centros de excelencia con el nombramiento de Marilyne Trebus como nueva directora de Producto, con efecto inmediato desde este martes, según ha informado WWD. En su nuevo cargo, reportará a Carlo Mocci, director de Clientela, quien asumió sus funciones el pasado mayo y se ha incorporado al comité ejecutivo del grupo.

Una experiencia consolidada en el sector del lujo

Marilyne Trebus se incorpora a Kering tras su paso por la firma estadounidense Coach, donde ocupaba los cargos de directora de merchandising y directora general de lifestyle. Ha trabajado durante casi 12 años en esta casa especializada en marroquinería, donde ha desempeñado diversas funciones estratégicas. Licenciada por la ESCP Business School, comenzó su carrera en 2003 como compradora de retail en Celine en Nueva York. Su trayectoria la llevó después a Valentino en Nueva York y Milán, y más tarde a Chloé en París, donde trabajó como directora de marketing y merchandising para el prêt-à-porter.

La estrategia “Reconkering” en acción

La misión principal de la nueva directora se enmarca en la estrategia interna del grupo, bautizada como “Reconkering”. Según un comunicado del grupo recogido por WWD, su función consistirá en “colaborar con las casas y ofrecer capacidades más especializadas en marketing, producto, omnicanalidad, comercio y crecimiento de la clientela”. Por lo tanto, colaborará estrechamente con las diferentes marcas de la cartera del grupo, que incluye a Gucci, Saint Laurent, Balenciaga, Bottega Veneta, Brioni y McQueen. El objetivo es consolidar el merchandising, la estrategia de precios, la planificación comercial integrada y el desarrollo de producto, poniendo el foco en métodos de trabajo más ágiles y centrados en el consumidor.

Una reorganización estratégica impulsada por la dirección

Bajo la dirección de su nuevo director general, Luca de Meo, Kering había anunciado en marzo de 2026 la creación de dos centros de excelencia, centrados en la industria y el cliente. Esta iniciativa tiene como objetivo optimizar la eficiencia operativa y apoyar el crecimiento sostenible de las casas. Esta reorganización global ha dado lugar a varios fichajes clave, entre ellos los de Stéphane Noël como director industrial, Fedele Usai como director de marketing y Daniele Zito como director comercial. El director general destacó entonces esta ambición: “Con estos nuevos centros de excelencia, clarificamos la organización, conectamos a los equipos y garantizamos la eficiencia a escala de Grupo para dar a nuestras Casas los medios para ir más rápido y más lejos”.

Calvin Klein ha presentado hoy el segundo capítulo de su campaña vaquera “Feel the Fit” para Otoño 2026, protagonizada por la aclamada actriz nominada a un premio Tony, Sadie Sink. La campaña gira en torno a la confianza que se siente cuando un par de vaqueros simplemente sientan bien, y Sadie aporta su propio estilo y actitud fresca a los icónicos vaqueros de Calvin Klein.

“El denim ha formado parte de mi armario toda mi vida, así que esta colaboración con Calvin Klein me ha parecido algo natural”, ha declarado Sadie Sink. “La idea que hay detrás de ‘Feel the Fit’ me atrae mucho. El par de vaqueros adecuado cambia tu forma de sentir y moverte desde el momento en que te los pones. Con cada look he podido mostrar una faceta diferente de mí misma, sin dejar de ser yo misma al cien por cien”.

La campaña, dirigida por Aidan Zamiri, sigue a Sadie a través de una serie de escenas cotidianas en las que el acto de ponerse sus vaqueros Calvin Klein desencadena algo. Mientras a su alrededor suceden cosas inesperadas, Sadie se mueve con confianza entre ellas, una clara demostración de cómo los vaqueros adecuados pueden cambiarlo todo. Una potente banda sonora intensifica la acción y confiere a cada plano esa energía característica de Calvin Klein.

Para Otoño 2026, Calvin Klein ha lanzado una serie de cortes de vaqueros para que todo el mundo pueda encontrar fácilmente su pantalón perfecto. El icónico 90s Straight Jean regresa con nuevos lavados, perfecto para un look de otoño informal pero cuidado. El Low Rise Baggy Jean presenta un corte bajo y holgado que da un toque relajado a cualquier conjunto. Por su parte, el High Rise Loose Jean crea una silueta estilizada y favorecedora en tonos oscuros e intensos. Cada corte aparece en la campaña y tiene su propio carácter, pero siempre es reconociblemente Calvin Klein.

La campaña se ha lanzado a nivel mundial el uno de septiembre y puede verse en las tiendas de Calvin Klein, en calvinklein.com, en las redes sociales y en destacados espacios publicitarios urbanos.

Con “Feel the Fit”, Calvin Klein continúa su tradición de asociar a talentos destacados de la cultura actual con su icónico denim, fusionando así la perspectiva de una nueva generación con el estilo sensual y minimalista característico de la marca.

El último capítulo se desvelará próximamente.

Cuando FashionUnited le preguntó al diseñador Kęstutis (Kestas) Rimdžius qué creía que faltaba en la escena de la moda lituana, su respuesta fue inmediata. No se trata de talento, creatividad o habilidad, sino de una plataforma más grande para mostrar de lo que son capaces los diseñadores locales. “Como somos un país pequeño, a veces siento que nos falta reconocimiento internacional”, ha declarado a FashionUnited.

Esta es una de las razones por las que Kestas, un nombre muy conocido en Lituania que lleva 25 años en la industria, participará en la segunda edición de la Vilnius Fashion Week (VFW), a pesar de haber desfilado en las Fashion Weeks de París y Riga. Tras un paréntesis de 25 años, el evento regresó en 2025, y es también el motivo por el que sus organizadores (Elle Lituania y Elle Baltic) aspiran a que trascienda las fronteras del país.

“Nos gustaría poner a Vilna en el mapa internacional de la moda”, ha comentado Berta Čaikauskaitė, directora de comunicación de la Vilnius Fashion Week, a FashionUnited. Con el objetivo de atraer una mayor cobertura mediática internacional, la VFW se ha fijado metas ambiciosas para su evento anual. “Tenemos que ser audaces y ambiciosos si queremos crecer”.

El evento, que se celebrará del 28 de agosto al siete de septiembre, tendrá como eje central la Elle Iconic Night en el Gran Patio del Palacio de los Grandes Duques, donde diez diseñadores lituanos presentarán colecciones cuidadosamente seleccionadas, desde cápsulas exclusivas para la ocasión hasta propuestas de temporada. Kestas será uno de ellos, participando por segundo año consecutivo, al igual que Agnė Kuzmickaitė, una experimentada diseñadora de escenografía y vestuario que dirige su propia firma homónima.

Por qué la VFW se centra en la visibilidad: un mercado nacional de 2,8 millones no es suficiente

Ampliando el evento del año pasado en cuanto a programa, diseñadores participantes y número de asistentes, tanto los organizadores de la VFW como los creadores coinciden en la importancia del alcance global. “Las marcas lituanas no pueden depender únicamente de nuestro mercado nacional”, afirma Kestas. Con una población actual estimada en aproximadamente 2,8 millones de habitantes, el país es sencillamente demasiado pequeño para sostener el crecimiento de una marca consolidada como la suya o la de Agnė. Por eso seguirá desfilando en el extranjero y en su ciudad natal, ya que quiere contribuir a dar reconocimiento internacional a la capital del país en lugar de buscarlo fuera.

“Las Fashion Weeks de Riga, París y Vilna tienen cada una su propia energía y atmósfera, y disfruto desfilando en todas ellas. Pero es importante tener un mercado fuerte donde resides, presentar en tu propia Fashion Week y conectar con compradores y clientes locales”. Agnė, que ya ha presentado sus colecciones en las Fashion Weeks de Londres, Berlín y París, comparte una opinión similar. “Tener nuestra propia Fashion Week es muy importante”, comenta mientras muestra fotografías de las próximas piezas que va a presentar. “Los diseñadores necesitan una plataforma como la semana de la moda para conectar con un público más amplio”. Además de desfilar en la VFW en septiembre, Agnė también organizará su propio desfile en octubre, donde podrá escenificar todo el espectáculo de acuerdo con su visión.

El coste de desfilar en las semanas de la moda internacionales

Sin embargo, el precio de la visibilidad no es precisamente bajo, como bien saben Kestas y Agnė. Cuando Kestas tenía todo listo para su debut en la Paris Fashion Week el pasado marzo, un imprevisto en los transportes impidió que sus modelos, el equipo de peluquería y maquillaje, e incluso parte de su colección, pudieran viajar según lo previsto. Si a esto se le suma un cambio de ubicación, el panorama parecía desolador. Pero en lugar de cancelar su debut, consiguió reorganizar y volver a contratar todo lo necesario para su desfile, con un coste adicional considerable. “No quieres saber cuánto dinero me gasté”, dice. “Pero al final logramos sacarlo todo adelante”. Aunque temía que, debido a los cambios, solo asistieran sus amigos y clientes fieles de Lituania, finalmente acudieron compradores y editores internacionales, y el desfile fue un éxito.

“Ojalá hubiera más transparencia en los aspectos financieros de organizar un desfile en una Fashion Week”, subraya Agnė. Aunque atraer una clientela más amplia va de la mano del crecimiento, se pregunta cómo se supone que se financia ese crecimiento. “Conseguir el respaldo financiero adecuado” es una de “las partes más difíciles de dirigir una marca de moda en Lituania”, afirma. Agnė admite que estaría dispuesta a trabajar con un socio o inversor para ayudar a su marca a escalar internacionalmente, pero no a costa de su independencia creativa.

Conocida por sus diseños extravagantes pero actuales, Agnė encontró un éxito comercial inesperado al principio de su carrera gracias al motivo de mariposa que ahora es su seña de identidad, y que empezó a estampar en camisetas y bodies para bebé a principios de la década de 2010. Desde entonces, se ha convertido en una parte central de su marca, dando lugar a una colaboración de ropa de cama que vendió 600,000 piezas, superando con creces sus expectativas y abriéndole las puertas a categorías en las que nunca había planeado entrar. Ahora, cuando diseña sus colecciones, Agnė se esfuerza por encontrar un equilibrio entre lo creativo y lo comercial. “A veces quiero crear diseños más artísticos o vanguardistas, pero tengo que equilibrarlo con lo que mis clientes quieren y esperan de mí”, comenta, y añade que está deseando ser un ejemplo para la nueva generación de diseñadores de moda lituanos a través de su trabajo.

La VFW en medio de un cambio generacional en el diseño de moda lituano

En los 25 años transcurridos desde el paréntesis de la Vilnius Fashion Week, la escena de la moda en Lituania ha cambiado. En medio de lo que Kestas describe como “un cambio generacional”, cuando él empezó a trabajar en la industria, era habitual que los diseñadores tuvieran una formación clásica, y muchos trabajaban como diseñadores de vestuario, incluida Agnė. “Los diseñadores emergentes de hoy están más impulsados por las tendencias y el streetwear”, señala, y añade que parecen poner menos énfasis en la construcción técnica o el estilo individual. Agnė llega a una conclusión similar, afirmando que cree que muchos de los diseñadores lituanos que han aparecido y desaparecido a lo largo de los años han tenido dificultades para mantener su relevancia cultural porque se volvieron “demasiado tendenciosos”.

No solo ha cambiado la escena creativa de la moda lituana; la dinámica social también se ha transformado. Kestas cuenta que en el pasado había un mayor sentimiento de competencia entre los diseñadores del país, y algunos no dudaban en menospreciar a los demás. Pero en los últimos años, esa rivalidad ha dado paso a la camaradería y el apoyo mutuo, por lo que eventos como la VFW son importantes para él como defensor de la moda local. “Es agradable ver a tantos diseñadores apoyándose y animándose unos a otros ahora”, afirma.

Mientras la industria de la moda lituana en su conjunto sigue definiendo qué y dónde quiere estar, Agnė ofrece una perspectiva sobre dónde ha aterrizado. Creció cuando el país aún estaba bajo el dominio soviético y recuerda ver anuncios de televisión una vez que Lituania recuperó la independencia, absorbiendo sin querer el mensaje sobre lo que significaba el éxito comercial. Anuncios grandilocuentes, pulidos, muy estilizados y llamativos que mostraban por qué necesitabas un determinado producto importado en tu vida. Un mensaje que, en parte, todavía está descifrando a día de hoy.

El equilibrio entre creatividad y viabilidad comercial en la moda lituana

Parte de su manera de hacerlo es buscar inspiración en sus raíces y su herencia. Las colecciones recientes de Agnė reflejan su experiencia como diseñadora de vestuario e incluyen referencias al traje nacional lituano, incorporadas en tocados, vestidos y pañuelos. Una visión que una generación anterior de diseñadores practicaba como arte, porque el arte era el único registro disponible, y que ahora regresa como identidad.

Esa es, quizás, la verdadera ambición detrás de la segunda edición de la Vilnius Fashion Week: no solo poner a los diseñadores lituanos en el punto de mira de los editores internacionales, sino dar a una generación que todavía está definiendo el éxito en sus propios términos un escenario propio para hacerlo.