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Diana, una amante de la moda que cambió los códigos reales

La princesa Diana de Gales sigue siendo, 20 años después de su muerte, un símbolo del buen vestir que revolucionó los códigos indumentarios de la familia real con la ayuda de grandes diseñadores. "Aprendió rápidamente a usar la moda como instrumento" para "transmitir mensajes y promover causas", explicó a la AFP Libby Thompson, comisaria de la exposición "Diana: Her Fashion Story", que puede verse en la que fue su residencia, el palacio londinense de Kensington.

Apodada "la tímida Di" antes de su boda con el príncipe Carlos, heredero del trono, en 1981, Diana salió de su caparazón al cobrar conciencia de que la ropa tenía un gran poder comunicativo. "La princesa aprendió a conseguir que su vestuario dijera lo que ella no podía decir, y colaboró estrechamente con diseñadoras como Catherine Walker para cuidar su personalidad a través de la ropa", estimó Sophie Goodwin, directora de moda de la revista Tatler, en declaraciones al diario The New York Times.

Diana dominaba el arte de llevar el vestido correcto en cada ocasión. Al visitar hospitales, vestía con colores luminosos para parecer cálida y accesible y en sus visitas al extranjero usaba prendas inspiradas en los colores nacionales, como el vestido blanco con topos rojos que lució en Japón en 1986.

Eligió no llevar guantes, como hacía y sigue haciendo su suegra, la reina Isabel II, "porque le gustaba entablar contacto con la gente", explicó Lynn. Las fotos de la princesa estrechando la mano a unos enfermos de sida en 1987 ayudaron a acabar con ciertos mitos que rodeaban a la enfermedad, como el del contagio por el mínimo contacto.

La mujer más fotografiada de su tiempo entendió las reglas del vestir de la realeza, pero no temía forzar sus límites. Así, usó vestidos negros de noche -un color que la Casa Real reserva para los momentos de duelo- y fue la primera en llevar pantalones en un acto vespertino.

Atrevimiento

Diana ayudó además a modernizar el vestuario de la realeza, con vestidos que causaron una honda impresión, como el de terciopelo azul que usó en una cena en la Casa Blanca en 1985.

Con este vestido, Diana bailó con el actor estadounidense John Travolta la canción "You Should Be Dancing", de la película "Saturday Night Fever", que él protagonizó. Apodado "el vestido Travolta", tiene su propia página en Wikipedia y fue vendido por 240.000 libras (318.000 dólares, 268.000 euros) en una subasta en 2013.

Diana, una amante de la moda que cambió los códigos reales

Después de divorciarse del príncipe Carlos en 1996, Diana volvió a cambiar de estilo, renunciando a los diseñadores británicos a los que había dado la prioridad en favor de casas de moda internacionales como Dior, Lacroix o Chanel, y empezó a usar vestidos más atrevidos, más escotados y por encima de la rodilla. "Durante muchos años, la princesa de Gales fue la gran y única obsesión del mundo de la moda y la adalid del glamour como lo conocemos", escribió Sarah Mower en el diario Daily Mail.

Su estilo fue muy imitado y todavía inspira a los diseñadores. Así, la marca ASOS lanzó en 2016 una colección basada en su estilo informal. En la era de las redes sociales, la princesa sigue vigente, y la cuenta Princess Diana Forever de Instagram, que tiene 160.000 seguidores, publica diariamente una foto suya con diferentes modelos, dándola a conocer a las nuevas generaciones. (AFP)

Fotos: Marcela Gutierrez / Notimex / AFP and Jacques Demarthon, Torsten Balckwood, Diego Zapata / AFP

La serie "The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story" sobre la muerte del célebre diseñador de modas italiano, con Penélope Cruz y Ricky Martin, quiere mostrar "la homofobia de la época", explicó su productor, Ryan Murphy.

Gianni Versace, interpretado por el sex symbol venezolano Edgar Ramírez ("La chica del tren", "Carlos", entre otras) había levantado un imperio de lujo. Fue asesinado en las escaleras de su exuberante residencia en Miami Beach en julio de 1997 a los 50 años de edad por Andrew Cunanan, por motivos que siguen siendo un misterio.

Cunanan se cobró la vida de al menos cinco personas, una detrás de otra, y se suicidó unos días después de asesinar al carismático diseñador. "Andrew Cunanan fue capaz de cruzar el país y elegir a sus víctimas, la mayoría homosexuales" sin que nada interfiriera en su plan "debido a la homofobia de la época", asegura el productor de la miniserie "American Crime Story", cuya primera temporada, que reconstruyó el juicio de O.J. Simpson, fue aclamada por la crítica y recibió numerosos premios.

Versace "había dado una entrevista con su pareja y por eso fue abatido" por el asesino en serie, dijo el coproductor, Brad Simpson, durante una conferencia de la cadena FX en el marco del seminario de la Asociación de Críticos de Televisión (TCA, siglas en inglés). El novio de Versace es interpretado en la serie por la estrella pop Ricky Martin, en tanto Penélope Cruz encarna a la hermana del diseñador.

"Gianni era muy compulsivo en su trabajo, casi obsesivo, pero era todo lo contrario en su vida. Comía una banana y lanzaba la cáscara al suelo, se daba una ducha y dejaba la toalla tirada", y Antonio D'Amico, su compañero, siempre estaba allí para cuidar de él, recuerda Ricky Martin. Su historia de amor "me toca de manera muy personal, estoy muy feliz de haber podido vivir esto", dijo el cantante puertorriqueño, también homosexual, visiblemente emocionado.

Este "docudrama" que emitirá FX el próximo año es una adaptación de un libro escrito por la periodista Maureen Orth, que afirma que Versace era VIH positivo. Ryan Murphy recuerda que "en aquella época podías perderlo todo si eras VIH positivo". Buena parte de la serie fue rodada en la lujosa mansión del diseñador sobre la costa de Miami.

Otra parte de la grabación está todavía llevándose a cabo en el estudio de Fox en Los Ángeles, donde la mansión ha sido minuciosamente recreada, incluyendo las extravagantes pinturas de inspiración grecorromana. La serie de televisión ha recreado también los desfiles de moda con cientos de extras.

La tercera temporada de American Crime Story abordará el huracán Katrina y la lenta respuesta de las autoridades de Estados Unidos ante la catástrofe. (AFP)

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Profesionales o adictos a la moda, seguramente conocéis los grandes nombres que coronan las campañas publicitarias y series de moda de las revistas más famosas. Patrick Demarchelier, Mario Testino, Guy Bourdin, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Bruce Weber o Steven Meisel, todos han revelado la belleza de sus modelos y las marcas que representaban. Inmortalizar el instante, escribir la historia de las firmas con la imagen cargada de emociones, de deseo y a veces de paradojas es la misión de estos artistas.

He aquí una nueva lista, no exhaustiva y puramente subjetiva, de los 10 mejores fotógrafos de moda contemporáneos que debería conocer.

1) Terry Richardson

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Terrence, alias « Terry » Richardson nació en el 1965 en Nueva York. Después de haber formado parte de una banda de rock-punk durante cuatro años, decidió probar suerte en el sector de la fotografía de moda. Su primer trabajo fue para la diseñadora de moda londoniense, Katharine Hamnet. Más tarde, ofrecía su talento a Marc Jacobs , Aldo , Supreme , Sisley , Yves Saint Laurent y Tom Ford , entre otros. A lo largo de su carrera, Terry Richardson ha fotografiado varias campañas para las revistas Rolling Stone, GQ, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazar, i.D y Vice. También ha realizado una serie de retratos privados para el magnate italiano Renzo Rosso y es conocido por su temática “sexual” en situaciones mundanas y por haber retratado a famosos y políticos.

2) Juergen Teller

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Juergen Teller nació en Alemania en 1964. Es el responsable de algunas de las más famosas campañas publicitarias de los últimos años. Desde 1998, realiza campañas para Marc Jacobs con un estilo muy suyo en un universo único que realza las carnes exhibidas, las arrugas, cicatrices y juega con una luz bruta, sin tratamiento y lejos de los clichés de las bellezas retocadas con el Photoshop. Muy imitado en la actualidad, lo consideran en la profesión como “el que ha desmontado la moda”, o al menos su burbuja idealizada…

3) David Sims

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Ha empezado como asistente fotógrafo para Robert Erdmann y Normal Watson. Consagrado “Joven Fotógrafo del Año” en el Festival de Moda y de Fotografía de Hyères (Francia) en 1994, recibió el Premio al Mejor Fotógrafo un año más tarde. Colabora regularmente con Vogue París, Italia, USA, UK, W y con marcas como Zara, Alexander McQueen, Balenciaga, Marc Jacobs o Stella McCartney. Es partidario del movimiento, la elegancia y la discreción.

4) Ellen Van Unwerth

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Esta ex modelo ha dejado las pasarelas para pasar detrás del objetivo y hacer sus propias series de moda para el grupo Condé Nast, entre otros. Ha fotografiado The Great Pain para Vogue US en 1993 que transforma por completo a la ex top model de los 80, Christy Turlington y ese trabajo la hace muy mediática en todo el mundo. Le gusta multiplicar los tratamientos y las técnicas como los encuadres estrechos, los colores vivos o el ruido visible en sus fotos. Es una de las fotógrafas más solicitadas del momento.

5) Steven Klein

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Con 52 años, este fotógrafo americano es uno de más icónicos de nuestra época. Estudiante en pintura, más joven estaba fascinado por el estilo de Picasso y Bacon. Su trabajo se caracteriza por las poses sugestivas y expresiones marcadas de sus modelos. Colabora con i.D, Numero o W, entre otros. En 1985, ha fotografiado la campaña de Dior, más tarde Eva Mendes posaba delante de su cámara para Calvin Klein, y Madonna para Dolce & Gabbana. En 2010, Lady Gaga le pidió que hiciera su videoclip “Alejandro” y más recientemente, en 2012, el lanzamiento de su perfume “Fame”.

6) Inez & Vinoodh

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Inez Van Lamsweerd y Vinoodh Matadin. Un duo “maximalista” de Holanda que trabaja juntos desde los años 90, algo poco común en el mundo de la moda. Su trabajo, que combina el arte digital y la fotografía de moda, es muy solicitado por las revistas y las casas de moda como Balmain, Louis Vuitton o Saint-Laurent. Con audacia, Inez&Vinoodh ponen en escena a las tops mezclando elegancia con extremo, lo bello con los extraño y lo clásico con lo contemporáneo.

7) David Lachapelle

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

David Lachapelle es conocido mundialmente por su talento excepcional de saber combinar una estética hiperrealista con profundos mensajes sociales. Empezó su carrera en los años 80, dónde exponía sus trabajos en las galerías de arte de Nueva York. Descubierto por Andy Warhol, obtenía su primer trabajo de fotógrafo en la revista Interview. Años más tare, su talento alimentaba las páginas de Vogue Francia e Italia, Vanity Fair, GQ, Rolling Stone y i.D. Los famosos más internacionales como David Beckham, Madonna, Beyoncé, Katy Perry, Lady Gaga, Kanye West o Angelina Jolie han posado para él. Varios grandes museos del mundo han expuesto sus obras: desde Mexico, pasando por Israel, Corea del Sur o Taïwan… Actualmente expone sus fotografías en el Museo de las Artes Decorativas de París en la exposición “Christian Dior: Couturier du Rêve” (del 5 de julio 2017 al 7 de enero 2018). Ha trabajado para Diesel Jeans, L’Oréal o Tod’s.

8) Mert & Marcus

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Mert Alas (turco) y Marcus Piggot (galés) se conocieron en Londres y trabajan juntos (además de ser pareja) desde el 1999. Se han abierto las puertas del mundo de la moda fotografiando a Beyoncé para Louis Vuitton en 2003, permitiéndoles multiplicar los contratos con las casas de lujo. Su estética pone el énfasis en los colores saturados y el hiperrealismo. Entre sus clientes, cuentan con Versace, Miu Miu, Gucci y publican a menudo sus fotos en Numero o Dazed & Confuzed.

9) John Rankin Wadell

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Este fotógrafo británico, que llaman Rankin, es el cofundador de la revista Dazed&Confused lanzada con Jefferson Hack en 1991. Nueve años más tarde, creó su propia cabecera, Rank. Es reconocido por sus trabajos de desnudos provocativos que han seducido a marcas como BMW, Calvin Klein o Citizen K.

10) Mario Sorrenti

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Fotógrafo de moda italiano (nacido en 1971 en Nápoles) y afincado en Nueva York. Empezó a trabajar en los 80 con una campaña dedicada a Kate Moss para “Obsession” de Calvin Klein. Colaboró con Prada y Saint-Laurent gracias a su arte único de poder poner en escena la feminidad. Mango, Chloé, Armani y Pirelli les han seguido el paso confiando en su genio. Apasionado desde su temprana edad por la anatomía humana, sus imágenes han sido expuestas en varias grandes ciudades del mundo.

Fotos : Mario Sorrenti, Terry Richardson x Tom Ford Eyewear, Juergen Teller x Celine SS2017, David Sims x Miu Miu, Ellen Van Unwerth x Kate Moss, Steven Klein x Vogue US, Inez&Vinoodh x Christy Turlington, Rankin x Cindy Crawford, Mario Sorrenti x Balmain.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

Chloé ha inaugurado su nuevo espacio durante la última haute-Couture Fashion Week de Paris, en el número 28 de la calle Baume en París, a escasos pasos de su sede situada en la avenida Percier. El conjunto de los archivos de este centro histórico, repartido en las cinco plantas que componen este edificio haussmaniano, se remonta al 1952, fecha de creación de la firma parisina.

Para celebrar su apertura, la nueva Maison Chloé organiza durante todo el verano, una exposición en homenaje al famoso fotógrafo de moda y publicista, Guy Bourdin.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

Él que más ha fotografiado a Chloé

Del 4 de julio al 3 de septiembre, la exposición “Femeninities-Guy Bourdin” propone una colección de 100 fotografías a la vez sutiles, femeninas, provocativas e inocentes que caracterizan al artista fallecido hace 26 años. De los años 50 a 80, captaba mejor que nadie la esencia de la marca a través de su objetivo.

La exposición relata la historia del patrimonio de Chloé y sus famosos diseñadores. Entre las personas que han marcado su historia se encuentran las mujeres británicas Stella McCartney, Phoebe Philo, Hannah MacGibbon y Clare Waight Keller. Ésta última ha sido sustituida en el pasado mes de abril por la francesa Natasha Ramsay-Levi.

Judith Clark, responsable de la exposición, explica: « La mayoría de las fotos de Guy Bourdin son como imágenes fijas, fotogramas de películas de ciné que hacen sentir que el vestido ha sido utilizado como un pilar, un accesorio formando parte de la historia. Es el único en haber fotografiado tantos vestidos”.

« Es importante en un mundo digital que hayan momentos y lugares donde se puede tocar y sentir Chloé, experimentar su espíritu”, añade Geoffroy de la Bourdonnaye, CEO de Chloé. “Queríamos dar una casa a Chloé”.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

La única intención de perturbar...

Transgresor en su época, Guy Bourdin (1928-1991) ponía ligereza y un toque de locura a la moda, como una complejidad a veces siniestra, con modelos que parecían haber sido electrocutadas o inertes como muñecas de cera. Exigente, maniaco e inconformista, para él, “los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes”.

En el círculo de los maestros fotógrafos del siglo XX, solemos recordar a Helmut Newton, Irving Penn y Richard Avedon. Sin embargo, falta Guy Bourdin en la lista. ¿Quizás por su carácter endemoniado o el rechazo de su Premio Nacional de la Fotografía Francesa en 1985, y haber proclamado: “¡Yo no formo parte de este sindicato!”?

Amigo del fotógrafo Man Ray y del cineasta Lui Buñuel, presentaba una visión negra de la existencia y utilizaba su humor negro hasta en las páginas de Vogue durante más de 30 años.

Autodidacta, sus fotos se reconocen, a primera vista, por sus tonos híper saturados y sus composiciones inesperadas, sobre todo en las poses de sus modelos. Ne le gustaba ponerlas guapas, le gustaba perturbar la opinión, haciéndolas aparecer víctimas de accidentes, más allà de la estética y de la moraleja, con visiones indiscretas y fragmentarias.

Foto : Guy Bourdin © The Guy Bourdin Estate 2017- Chloé FW 1971- Chloé FW 1975- Vogue Paris 1979, Chloé SS 1979.

Sonia Delaunay, la diseñadora olvidada

Existen numerosos ejemplos de cómo la moda se ha inspirado directa o indirectamente de las Bellas Artes. Lo hizo Yves Saint Laurent con sus vestidos basados en la obra pictórica de Mondrian, Vincent van Gogh o Henri Matisse y, de una manera todavía más explícita, Viktor & Rolf con su colección de Otoño/Invierno 2015-2016 donde los lienzos e incluso los marcos se replegaban en forma de falda o vestido, creando una exposición con vida propia. Pero, ¿y al revés? ¿Puede un artista pasarse al diseño de moda? Ese es el caso de Sonia Delaunay (1885-1979), pintora y diseñadora francesa, nacida en Ucrania, cuya carrera polifacética pasó de la pintura, hasta el interiorismo y la moda.

Sonia Delaunay, la diseñadora olvidada

A pesar de su gran aportación al mundo plástico y textil, su figura en el mundo del arte y la moda ha pasado desapercibida en las últimas décadas. Es por eso que tanto Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición, como el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid han querido recuperar a este personaje y crear la primera retrospectiva de Delaunay en España. Hasta el 15 de octubre, el público podrá conocer de cerca su prolífico trabajo, donde no solo se ha querido poner en valor su papel como pintora de vanguardia, sino también la exitosa aplicación de su ideario artístico a la vida cotidiana.

Sonia Delaunay, la diseñadora olvidada

“Creo que a Sonia Delaunay se le penalizó por haberse dedicado a las artes aplicadas” o las artes “menores”, explica Marta Ruiz del Árbol, comisaria de Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda. Debido a su interés e implicación en el diseño o el textil, “se le ha visto como una diseñadora y no una pintora, ni parte de la historia del arte”, añade. Según comenta Ruiz del Árbol, “ahora tenemos una sensibilidad distinta y sabemos que un artista se puede dedicar a la pintura y a las artes aplicadas”, pero por aquel entonces, la historiografía defendía las Bellas Artes en su sentido más puro.

“Para Sonia Delaunay el arte estaba en todas partes, lo que le animó a no limitarse a las dos dimensiones del lienzo y llevar sus teorías a la calle”.

Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda

La moda, un cuadro viviente

Su utilización y combinación de los colores es muy particular, y fue su seña de identidad durante toda su carrera. Tanto en sus obras pictóricas, como en sus escenografías, sus diseños de prêt-à-porter y sus vestuario para ballets. Conjuntos de playa, sombrillas, bolsos, vestidos o abrigos de lana fueron algunos ejemplos de su paso por la industria, en la que plasmaba sus singulares estampados y figuras sobre el tejido.

Sonia Delaunay, la diseñadora olvidada

Todo comenzó con la confección de una colcha para su hijo Charles, en la que quiso seguir la tradición de las madres ucranianas, y cuya apariencia recuerda mucho al patchwork actual o al “cubismo”, según sus amigos. A partir de entonces, comenzó a dedicarse en mayor medida a la industria de la moda. Primero en Madrid —cuando dejó de recibir las rentas desde Rusia con el estallido de la Revolución bolchevique— con su firma propia Casa Sonia y su boutique ubicada muy cerca del Retiro, en la calle Columela, 2—; y después en París con Maison Sonia. En esta época, mientras que en España sus clientes pertenecían a la aristocracia y la alta burguesía, en París, se concentró en la sociedad intelectual del momento, ecléctica por antonomasia.

Desde muy pequeña, “demostró un interés por defender que para ella el arte es vida y la vida es arte”, afirma la comisaria. Para Sonia Delaunay el arte estaba en todas partes, lo que le animó a “no limitarse a las dos dimensiones del lienzo y llevar sus teorías a la calle”, señala Marta. Para la artista francesa, vestir a las mujeres era otro ejercicio artístico. “Convertirlas en pinturas vivas”, añade. No obstante, aunque se centrara en las “artes menores”, durante su carrera como modista, siempre siguió respetando su investigación en la teoría del color.

Sonia Delaunay, la diseñadora olvidada

El simultaneísmo en la moda

Junto a su marido Robert Delaunay, creó el simultaneísmo, un movimiento que defienden en la vanguardia parisiense y que se enfrentó a otras corrientes artísticas como son el cubismo o el futurismo. Fieles seguidores de la empírica ley del contraste simultáneo de los colores del químico francés Michel Eugéne Chevreul, querían que el color rigiera el cuadro o la prenda. Es decir, “dejar que el ojo mezclara los colores, y aprovechara esas vibraciones que crea su interrelación. Según como se superponen los colores, el ojo lo percibe de manera diferente”. A lo largo de la exposición, ver sus técnica de estampación o sus chales recuerdan a la iconografía de marcas tan conocidas en la actualidad como Missoni o Desigual. “Hay diseñadores que directamente le han rendido homenaje como Ferragamo en 2015, DSquared2, con motivo de la gran retrospectiva sobre Delaunay en París, o Nice Things en septiembre de 2017”, comenta Marta Ruiz del Árbol.

Fotos: Museo Thyssen-Bornemisza Madrid

Barcelona Fashion Film Festival: ¡Larga vida a los cortos de moda!

Barcelona es Barcelona. Y la veas como la veas, no deja de despertar emociones. En estas últimas décadas, ha ofrecido un abanico de temas vanguardistas al sector de la moda y a partir del próximo otoño, podrá seguir inspirando a los muchos que, de cerca o de lejos, la desean.

Los cineastas, productores, marcas y diseñadores emergentes de moda podrán disfrutar de un nuevo punto de enclave en la ciudad. El 5 de octubre abrirá el paso a la primera edición del “Movistar Barcelona Fashion Film Festival” (MBFFF), único festival de fashion films -o cortos de cine- en Barcelona, que promueve el séptimo arte como herramienta de comunicación 2.0 para las marcas de moda.

¿Una pieza clave para el sector?

El proyecto nació de la mano de tres alumnas de una escuela de moda de Barcelona: Eva Font, que ocupa el puesto de Directora y Responsable de Comunicación del festival, Alba Piris, Subdirectora y Directora Creativa y Andrea López, Responsable de producción.

“En este trabajo de fin de carrera, al principio, nadie confió en nosotras ya que creían que era una propuesta demasiado ambiciosa. Pero luchamos y, no solo nos ganamos la confianza de nuestros profesores, sino que, al terminar el grado, lo presentamos a la plataforma de Movistar Artsy. Y aquí estamos, llevando a cabo el proyecto, convirtiéndonos así en las organizadoras del único festival de fashion films de Barcelona”, explica Eva Font.

“El Festival era la pieza clave que le faltaba al sector de la moda en la ciudad condal. No tenía sentido que nuestra querida Barcelona, un referente internacional para la moda, no tuviera a día de hoy un festival de estas características. Así pues, creemos que este festival aporta a la ciudad un valor añadido y se posiciona entre los monstruos del sector como Nueva York, Londres o Berlín...”.

Un fashion film es un modo alternativo de entender la publicidad. Suele durar entre uno y quince minutos, lleva el spot más allá del anuncio y lo transforma en una historia que pretende llegar al público y crear unos lazos emocionales. De hecho, muchas firmas de moda se han sumado a este fenómeno como Chanel, Dior o Louis Vuitton y directores como Roman Polanski, David Lynch o Spike Jonze han seguido la corriente.

“Los fashion films son la evolución lógica de los making-of”, Eduardo de Aysa.

Eduardo de Aysa, el expiloto y comentarista de Formula 1, convertido en hombre de negocios del sector de moda y belleza, ha sido testigo de los primeros pasos de los fashion films en España.

El fundador de la agencia de modelos Traffic Models y de la productora Magna Productions, fue uno de los precursores en acercar la moda internacional a Barcelona. “Pensé que no hacía falta irse a Paris o Nueva York, aquí lo teníamos todo para hacer buenos trabajos de producción”.

“Empezamos a hacer fashion films dentro de las campañas de moda y belleza. Luego, Internet ha cogido fuerza como vehículo comercial y los primeros fashion films se hicieron con Gustavo Lopez Mañas y en esta época, nadie más los hacía.”

“Al principio, convencimos a clientes haciéndoselos gratis para que vean una herramienta distinta y el resultado que tiene. Lo propusimos a marcas como Andrés Sarda que, como les llevamos todo dentro de las campañas, incluimos también los fashion films. El cliente no creía que era un vehículo de impacto. Al ver el trabajo hecho, le encantó. Esta pequeña obra fue el puntazo de la marca. Le da más prestigio.”

Barcelona Fashion Film Festival: ¡Larga vida a los cortos de moda!

Transmitir un mensaje con posibilidades extras

Con esta (relativamente nueva) herramienta, Eduardo de Aysa observa una explosión de creatividad. “Los fashion films tratan de transmitir la esencia de la marca y acercarse a sus clientes. No deja de ser un reclamo, pero de otra forma. Más amable, elegante y artístico”, explica.

“En una campaña, las fotos pueden dar pinceladas de emociones, pero no pueden transmitir un mensaje global. Pueden enseñar el producto, pero según el enfoque no se podrá apreciar la totalidad de la prenda. Como diría el realizador Victor Claramunt, premiado en numerosos festivales internacionales, “En un fashion film, la ropa se convierte en un personaje más”. Un ambiente de vacaciones, el paisaje, son difíciles de plasmar en las fotos. Ya con solo dos o tres planos el fashion film transmite la esencia de la marca, el tipo de mujer a quien va dirigida, permite más amplitud de juego si quieres que sea más sensual, más sexy, más elegante, etc.”

Sin embargo, De Aysa insiste en que la foto es perfectamente complementaria y que ambos medios no son competencia. “La foto sigue siendo la madre del cordero”. Pero con el uso de internet y canales como Youtube y otras redes sociales, el espectro para poder acceder a los fashion films se ha multiplicado por mil.

En cuanto al presupuesto, el productor -que ocupa el puesto de comisionado de este nuevo festival- asegura que ahora se puede hacer un fashion film “medianamente decente” con unos 6.000 a 10.000 euros y con muchas horas de dedicación y montaje por parte del realizador.

“Tenemos más de cien fashion films en candidaturas. Los visionaré todos para ver su calidad. Yo soy muy exigente y el presupuesto no debe impedir ser creativo. Uno que tiene una idea brillante y no tiene los medios, le puedo ayudar. Las películas deben tener una buena localización y una buena modelo. El resto es el guion, la luz, la música y preparar bien los planos para que el conjunto tenga magia. El gran error que cometen muchos realizadores, es que no preparan bien todo esto antes del rodaje. Yo con mis equipos, les exijo que lo hagan.”

Otro elemento a tener en cuenta: la música. “Es ella que va a provocar el consumidor. Si la música no acompaña bien el producto, el mensaje se disuelve”.

“Ir puliendo diamantes brutos. De eso se trata mi trabajo”.

Años antes, se había intentado crear un evento similar que se quedó en estado embrionario. “Las cosas necesitan su momento. Ahora el canal ya está abierto, la gente consume y hemos conseguido un patrocinador como Movistar. Ahora los jóvenes que estudian audiovisuales tienen una vía para poder enseñar su trabajo”.

A Eduardo de Aysa, le gusta descubrir a talentos, por las ideas brillantes que tienen -aunque su ficha técnica no sea buena- e ir puliendo estos diamantes brutos. “De eso se trata mi trabajo. No miro su pasaporte, ahora estamos en una era global y miro los talentos de todas partes. Sin embargo, creo que España es una potencia creativa de verdad, por eso han abierto tantas escuelas de moda y de audiovisuales”.

“Nuestras pelis están ganando premios en la Jolla en América, en Sudáfrica, Berlín, en todo el mundo y directores nacionales como Victor Claramunt o Manuel Portillo por ejemplo, merecen el reconocimiento de su talento. Hay realizadores que han empezado a hacer fashion films conmigo y ahora les contactan para hacer películas, es un motivo de orgullo.”

Entre sus numerosos trabajos, Eduardo de Aysa se siente muy orgulloso del relanzamiento de Revlon a nivel mundial a finales del 2014 con la campaña “Love is On”. El spot se difundió en una pantalla gigante de Times Square y en dos días tenía dos millones de visitas en internet.

Barcelona Fashion Film Festival: ¡Larga vida a los cortos de moda!

“Hemos de mantener los fashion films como algo fresco, ligero y espontáneo”, Vladimir Martí.

Para el fotógrafo de moda, Vladimir Martí, nacido en Buenos Aires y educado en Suiza, los fashion films son la continuidad del trabajo fotográfico. “Es una prolongación de la vida de las fotos con movimiento y música. Además, gracias a la técnica actual, se pueden realizar muy buenos fashion films de una forma mucho más espontánea y con mucho menos presupuesto. Lo que me gusta de los fashion films es poder realizarlos con pocos medios, que se note que son “caseros”, sino caemos en el anuncio publicitario.”

Si la publicidad se mantiene como una gran máquina dentro de la industria de la moda, Vladimir Martí cree que habría que mantener los fashion films como algo fresco, ligero, espontáneo y sobre todo muy creativo con el fin de tocar nuevos públicos como los amantes del arte en general o incluso, por qué no, gente ajena al sector de la moda.

Fotos: Pull&Bear 2017 Colección con Marc Marquez, de Federico Urdaneta/ Andrés Sarda, cartel de “Unique”, de Victor Claramunt, 2016/ Instyle Germany, “Pool Side”, de Vladimir Martí / Cortesía: Magna Productions.

Videos: “Amen” Hawkers 2015, de Manuel Portillo / « Breaking the Rules », BibiLou SS2015, de Victor Claramunt / Cortesía: Magna Productions.

La diseñadora francesa Agnès b. abrirá el año que viene en París una fundación para exponer su colección de arte contemporáneo, informó el viernes su firma.

Amante del arte, galerista y mecenas, Agnès b. ha constituido una colección de unas 5.000 obras, entre fotografías, pinturas, esculturas, etc.

La diseñadora, de 75 años y cuyo verdadero nombre es Agnès Troublé, "desea que el público tenga acceso y pueda disfrutar" de su colección, según la firma de prêt-à-porter.

La fundación será instalada "en un barrio popular de París", según la marca, que no comunicó el lugar exacto a la espera de que finalicen las negociaciones.

Agnès b es distribuida en casi 300 tiendas y departamentos comerciales en el mundo, de los cuales 141 se hallan en Japón. Emplea a 2.000 personas. (AFP)

Dior, 70 años de alta costura

París acoge la mayor exposición jamás realizada de la firma francesa Dior, cuyos 70 años de historia están intrínsicamente ligados a su fundador, Christian Dior, para quien la base de la alta costura era el arte.

Unos 300 vestidos de alta costura, confeccionados entre 1947 hasta la fecha, 1.000 documentos y un centenar de obras de arte se exhibirán a partir del miércoles en el Museo de Artes Decorativos. Nacido en el seno de una familia francesa de industriales, Christian Dior (1905-1957) fue un hombre de una gran cultura, que ejerció de galerista antes de convertirse en uno de los diseñadores más celebrados de la moda. "No fue alguien que se interesara por el arte una vez hecha su fortuna, Dior partió del arte para ir hacia la alta costura", recordó Olivier Gabet, director del museo y comisario de la exposición junto a la historiadora Florence Müller.

Amigo de numerosos artistas como Jean Cocteau, Max Jacob y Picasso, abrió una galería en París con un grupo de socios, defendiendo el "arte moderno y contemporáneo más vanguardista", subrayó Gabet. "Fue él quien presentó por primera vez en una galería a gente como Alberto Giacometti y Salvador Dalí".

Dior, 70 años de alta costura

El New Look

En la muestra, hasta el 7 de enero, se ensalza como no podría ser de otra manera el "New Look", el estilo que Dior concibió en 1947, después de la Segunda Guerra Mundial, dando a la mujer un "nuevo aire", con cinturas ajustadas, faldas largas y anchas y hombros suaves. El "New Look" no solo influyó en los diseñadores contemporáneos a Dior sino que sigue inspirando a los creadores actuales, así como a los seis directores artísticos que le sucedieron hasta ahora a la cabeza de la firma de alta costura.

Dior, 70 años de alta costura

Saint Laurent, el sucesor

Tras la muerte de Christian Dior, a los 52 años, el joven Yves Saint Laurent tomó las riendas. Su primera colección, "Trapecio", le valió el apodo de "Pequeño príncipe de la moda". También fue determinante su colección "beatnik", inspirada en los motoristas con sus chaquetas de cuero, que chocaron a las clientas de la época.

Dior, 70 años de alta costura

Marc Bohan: "Slim Look"

Aunque estuvo 29 años - un récord - al frente de la dirección artística de Dior, el francés Marc Bohan parece haber caído un poco en el olvido. "La extravagancia de sus sucesores borró un poco su periodo, pero tuvo mucho éxito" en la época, dijo Müller. Con Bohan, las faldas se hicieron más cortas y fue el inventor del "Slim Look", una silueta adolescente y menuda, muy en sintonía con los años 1960. Entre sus clientas, destacó por ejemplo Grace Kelly.

Dior, 70 años de alta costura

Ferré y Galliano, la exuberancia

Bajo la batuta del italiano Gianfranco Ferré, la firma volvió a sus orígenes, con elegantes vestidos finamente bordados, plumas, flores... John Galliano irrumpió en el mundo de la alta costura con su excentricidad a la inglesa, pero también fue fiel al fundador de Dior, con "esa visión de la feminidad muy exacerbada: la cintura estrecha, las caderas amplias, el pecho puesto de relieve", según la comisaria.

Raf Simons, ¿minimalista?

El belga Raf Simons tenía fama de ser minimalista, pero "esta exposición es la ocasión de darse cuenta de que no lo era", según Müller. "Puede dar la sensación de que es muy simple, pero de cerca se puede observar la complejidad del trabajo", subrayó, mostrando por ejemplo un bordado en tres dimensiones y un vestido confeccionado enteramente con pequeñas plumas.

Dior, 70 años de alta costura

Maria Grazia Chiuri, la "prima donna"

Nombrada en 2016, la italiana Maria Grazia Chiuri es la primera mujer a la cabeza de la creación artística de Dior. Los vestidos expuestos muestran una visión delicada de la feminidad, por ejemplo con bordados recubiertos de tul. "Esta exposición no habla solo de la firma Dior. Habla de cada época y de sus mujeres, eso es lo que me fascina", comentó la directora artística.

Por Anne-Laure Mondesert, AFP
Photos: Alain Jocard, AFP

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En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo de Encaje y Moda de Calais, Francia, ha abierto una retrospectiva sobre Hubert de Givenchy, curada por el mismo diseñador de moda de 90 años. La exposición contará con looks y siluetas legendarias usadas por Audrey Hepburn, la ex Primera Dama Jackie Kennedy y la Duquesa de Windsor, Wallis Simpson.

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La exposición forma parte del programa cultural 2017 del museo y cuenta con ochenta trajes y accesorios procedentes de coleccionistas privados, los archivos de la Casa de Givenchy y colecciones de museos, así como piezas Givenchy realizadas por el Museo de Moda.

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Todo en la exposición, que estará disponible para ver el 31 de diciembre, ha sido escogido y comisariado por el propio Givenchy, para mostrar toda la carrera del couturier y los "encuentros" que marcaron su vida y plasmaron sus diseños.

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Hay una parte de la exposición dedicada especialmente a las protagonistas principales que llevaron sus colecciones, incluyendo la actriz Audrey Hepburn, con una serie de vitrinas dedicadas a ella, mostrando los vestidos usados por la estrella en dos de sus papeles más grandes: ‘Breakfast at Tiffany’s y How to Steal a Million.

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Museo de Encaje y Moda inaugura la exposición Givenchy

También hay vestidos usados por sus otras famosas clientas en exhibición, incluyendo el vestido bordado de Jackie Kennedy y el abrigo de ópera usados para la primera visita presidencial de su marido a Francia y el traje de la Duquesa de Windsor usado para el funeral de su marido, así como las piezas usadas por la condesa Isabel de Bor, la Duquesa de Cadaval, y la Marquesa de Llanzol.

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Hablando en la apertura con The Guardian, el diseñador elogió a sus clientes, dijo: "Eran mis amigas. El vestido perfecto puede hacer que muchas cosas sucedan en la vida de una mujer. Puede traer felicidad. Es tan agradable dar la felicidad a tus amigos. "

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Otras piezas claves incluyen la blusa "Bettina" de su primera colección en febrero de 1952, con mangas puff y broderie anglaise, varios vestidos de baile con bordados de encaje, vestido y chaqueta de satén rojo y un traje de pantalón bordado.

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Los atuendos se exhiben junto a muestras de textiles de alta costura, el archivo de fragancias Givenchy, y fotografías, para dar una idea de la carrera de Givenchy y sus inspiraciones.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo del Encaje y de Moda se encuentra dentro de una fábrica de encajes del siglo XIX y exhibe couturiers y renombrados jóvenes diseñadores como Cristóbal Balenciaga, Anne Valérie Hash, Iris Van Herpen y On Aura Tout Vu dentro de sus galerías contemporáneas dedicadas al diseño en textiles y moda .

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

La exposición Hubert de Givenchy se desarrolla en el Museo de Encaje y Moda de Calais hasta el 31 de diciembre de 2017.

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Imágenes: Cortesía por el Museo de Encaje y Moda.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

Homenaje a los que hacen Historia como fue el caso de Yves Saint-Laurent. Grandes historias en el capítulo de la Moda y del Arte, o pequeñas historias como el recuerdo de un breve encuentro en París en el 2001, cuando aún era estudiante. Había tenido las palabras y la amabilidad que sólo los seres extraordinarios podían tener.

Ya han pasado quince años desde el último desfile de Yves Saint-Laurent en el Centro Pompidou y el cierre de la casa de alta costura que llevaba su nombre. En estos últimos quince años, el recuerdo del costurero ha sido conservado y mantenido gracias a las actividades de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.

Para salvar su patrimonio y promover su obra, dos museos le han sido dedicados en dos ciudades importantes para él. El primero abrirá el 3 de octubre en París y el segundo el 19 de octubre en Marrakech. Una presentación de sus proyectos tuvo lugar ayer en el Instituto Francés de la Moda (IFM).

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

París y Marrakech, sus dos ciudades de inspiración

« Cuando Yves Saint Laurent descubrió por primera vez Marrakech en 1966, estaba tan emocionado por la ciudad que decidió comprar inmediatamente una casa para poder volver regularmente. Es muy natural después de 50 años, construir un museo dedicado a su obra, inspirada en este país. En París, no hace falta explicar que es allí donde Yves Saint Laurent ha creado todo su trabajo y a construido su carrera”, decía Pierre Bergé, la pareja y confidente del costurero.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

El Museo Yves Saint Laurent París abrirá sus puertas en el número 5 de la avenida Marceau, en el hotel particular donde la casa de moda se había instalado desde hace más de 30 años y acogió la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent desde el 2004. El museo, que dispondrá de una superficie de exposición de 450 metros cuadrados, alternará espectáculos retrospectivos y exposiciones temáticas temporales. Más que un simple museo monográfico, la institución contará la historia de un periodo donde la alta costura formaba parte de un modo de vida que hoy ya no existe.

«La audacia observada en mi trabajo, se la debo a Marruecos»

Situado en la calle Yves Saint Laurent cerca del Jardín Majorelle, el Museo Yves Saint Laurent Marrakech ha sido concebido como un centro cultural. Con más de 4.000 metros cuadrados, el establecimiento incluye un espacio de exposición permanente, una galería de exposición temporal, una biblioteca, un auditórium, una librería y un café.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« En Marruecos, me he dado cuenta que la gama de colores que utilizaba era la de los azulejos, los zouacs (madera pintada), djellabas y caftanes. La audacia observada en mi trabajo, la debo a este país, a sus armonías energéticas, a sus combinaciones audaces, al fervor de su creatividad. Esta cultura se ha vuelta mía, no solo la he absorbido, la he cogido, transformado y adaptado”, puntualizaba el maestro.

Desde hace más de 40 años, Yves Saint Laurent ha creado continuamente un estilo que era realmente el suyo. Sus prendas pertenecían a la historia del siglo 20, acompañando la emancipación de las mujeres en todos los dominios de la vida. El abrigo con topos, el esmoquin, el pantalón y la chaqueta forman parte del armario de cada mujer.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« Yves Saint Laurent es también el último de los grandes costureros, nostálgico de un periodo marcado por el esplendor de la alta costura. Sus lujosos vestidos de noche muestran también su homenaje a la pintura, a la literatura, al teatro y a la moda. La apertura de estos dos museos dedicados a su trabajo dará una importancia particular a Yves Saint Laurent como uno de los grandes artistas de su época”, indica la Fundación Pierre Bergé-YSL.

“Siempre dije que los recuerdos debían ser transformados en proyectos y es lo que hicimos con esta Fundación. 2017 marca un nuevo capítulo con la apertura de estos dos museos. Así, la aventura que empezamos hace tanto tiempo atrás, cuando no sabíamos lo que nos reservaba el destino, sigue adelante”, comentó Bergé.

Fotos : cortesía de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent