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YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

Homenaje a los que hacen Historia como fue el caso de Yves Saint-Laurent. Grandes historias en el capítulo de la Moda y del Arte, o pequeñas historias como el recuerdo de un breve encuentro en París en el 2001, cuando aún era estudiante. Había tenido las palabras y la amabilidad que sólo los seres extraordinarios podían tener.

Ya han pasado quince años desde el último desfile de Yves Saint-Laurent en el Centro Pompidou y el cierre de la casa de alta costura que llevaba su nombre. En estos últimos quince años, el recuerdo del costurero ha sido conservado y mantenido gracias a las actividades de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.

Para salvar su patrimonio y promover su obra, dos museos le han sido dedicados en dos ciudades importantes para él. El primero abrirá el 3 de octubre en París y el segundo el 19 de octubre en Marrakech. Una presentación de sus proyectos tuvo lugar ayer en el Instituto Francés de la Moda (IFM).

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

París y Marrakech, sus dos ciudades de inspiración

« Cuando Yves Saint Laurent descubrió por primera vez Marrakech en 1966, estaba tan emocionado por la ciudad que decidió comprar inmediatamente una casa para poder volver regularmente. Es muy natural después de 50 años, construir un museo dedicado a su obra, inspirada en este país. En París, no hace falta explicar que es allí donde Yves Saint Laurent ha creado todo su trabajo y a construido su carrera”, decía Pierre Bergé, la pareja y confidente del costurero.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

El Museo Yves Saint Laurent París abrirá sus puertas en el número 5 de la avenida Marceau, en el hotel particular donde la casa de moda se había instalado desde hace más de 30 años y acogió la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent desde el 2004. El museo, que dispondrá de una superficie de exposición de 450 metros cuadrados, alternará espectáculos retrospectivos y exposiciones temáticas temporales. Más que un simple museo monográfico, la institución contará la historia de un periodo donde la alta costura formaba parte de un modo de vida que hoy ya no existe.

«La audacia observada en mi trabajo, se la debo a Marruecos»

Situado en la calle Yves Saint Laurent cerca del Jardín Majorelle, el Museo Yves Saint Laurent Marrakech ha sido concebido como un centro cultural. Con más de 4.000 metros cuadrados, el establecimiento incluye un espacio de exposición permanente, una galería de exposición temporal, una biblioteca, un auditórium, una librería y un café.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« En Marruecos, me he dado cuenta que la gama de colores que utilizaba era la de los azulejos, los zouacs (madera pintada), djellabas y caftanes. La audacia observada en mi trabajo, la debo a este país, a sus armonías energéticas, a sus combinaciones audaces, al fervor de su creatividad. Esta cultura se ha vuelta mía, no solo la he absorbido, la he cogido, transformado y adaptado”, puntualizaba el maestro.

Desde hace más de 40 años, Yves Saint Laurent ha creado continuamente un estilo que era realmente el suyo. Sus prendas pertenecían a la historia del siglo 20, acompañando la emancipación de las mujeres en todos los dominios de la vida. El abrigo con topos, el esmoquin, el pantalón y la chaqueta forman parte del armario de cada mujer.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« Yves Saint Laurent es también el último de los grandes costureros, nostálgico de un periodo marcado por el esplendor de la alta costura. Sus lujosos vestidos de noche muestran también su homenaje a la pintura, a la literatura, al teatro y a la moda. La apertura de estos dos museos dedicados a su trabajo dará una importancia particular a Yves Saint Laurent como uno de los grandes artistas de su época”, indica la Fundación Pierre Bergé-YSL.

“Siempre dije que los recuerdos debían ser transformados en proyectos y es lo que hicimos con esta Fundación. 2017 marca un nuevo capítulo con la apertura de estos dos museos. Así, la aventura que empezamos hace tanto tiempo atrás, cuando no sabíamos lo que nos reservaba el destino, sigue adelante”, comentó Bergé.

Fotos : cortesía de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent

Loewe participa en PHE17

La Fundación Loewe dedica su exposición en PhotoEspaña al fotógrafo americano Minor White, uno de los artistas americanos más importantes del siglo XX.

Esta muestra, titulada ‘Minor White: metáforas’ (y cuya comisaria es María Millán), marca la séptima participación de Loewe en PHotoEspaña. La casa trata de elevar el perfil internacional de una figura artística clave cuyo trabajo fue decisivo para dar forma estética a la fotografía de posguerra.

El director creativo de la firma, Jonathan Anderson, explica: ‘La modernidad de Minor White se ajusta de forma natural a la filosofía de la casa porque sus fotografías funcionan en varios niveles. En Loewe creemos en lo multivalente’.

Loewe participa en PHE17

Es la primera exposición dedicada al artista en nuestro país.

Nacido en Minneapolis en 1908, White no trabajó como fotógrafo profesional hasta finales de la década de 1930, cuando se mudó a Portland, Oregón, y fue contratado para fotografiar edificios históricos. Después de servir en el ejército durante la guerra, en 1945 White se trasladó a Nueva York, donde trabajó como fotógrafo en el Museo de Arte Moderno y se hizo amigo de eminentes fotógrafos como Alfred Stieglitz.

La muestra, cuenta con 40 copias originales de White que llegan a Madrid gracias al préstamo de la galería Howard Greenberg y otras colecciones privadas. Producidas durante cuatro décadas, las imágenes reflejan desde paisajes urbanos, hasta simbólicos, y precisos estudios del cuerpo masculino y tomas abstractas de la naturaleza.

Sus fotografías revelan la visión y el experto tratamiento de Minor White a la hora de componer y utilizar la luz como medio para evocar un estado contemplativo. White reproducía su trabajo dentro de un rico espectro entre tonos negros y blancos, sirviéndose además de encuadres de primeros planos para expresar aquello que no se podía mostrar.

La exposición, se puede visitar hasta el 25 de Agosto de 2017 en la Galería que tiene la marca en la calle Gran Vía 8, de Madrid.

Photo Credits: Loewe Company. Reproducción con permiso del Minor White Archive, Princeton University Art Museum. © Legado de Princeton University. MINOR WHITE. Golden Gate Bridge. Minor WHITE. Drid Williams. Capital Reef. -
La moda española viste a los protagonista de la película La Promesa

Los creadores Miguel Becer y Juan Carlos Pajares, han participado en el equipo de vestuario (dirigido por Pierre-Yves Gayraud) de la película hollywoodiense que se estrenó el pasado viernes 2 de Junio y, cuya dirección ha corrido a cargo de Terry George.

La Promesa, protagonizada por Christian Bale, Óscar Isaac y Charlotte Lebon, es un drama romántico que relata los últimos días del Imperio Otomano y el genocidio de la población armenia llevado a cabo por Turquía durante la I Guerra Mundial y se centra en un triángulo amoroso entre los protagonistas. El “Made in Spain” también está muy presente en su rodaje ya que se ha hecho, entre otras localizaciones, en Segovia, Gerona, Canarias, Cádiz, Navarra, Toledo, Almería o Madrid.

En cuanto a los diseñadores, Miguel Becer creador de la marca ManéMané, empezó compaginando sus estudios universitarios en Madrid con cursos de estilismo y modelismo. Para su proyecto de fin de carrera creó la marca ManéMané y desde entonces, no ha dejado de cosechar éxitos. En 2015 fue el ganador del concurso Who’s On Next 2015, organizado por la revista Vogue España que premia el trabajo de jóevenes promesas y dos años después, además de seguir con la comercialización de su propia marca, participa en proyectos tan interesantes como la creación del vestuario de una película hollywoodiense.

Juan Carlos Pajares por su parte, también está considerado como uno de los talentos de la moda española y tiene su propia marca: JcPajares. Comenzó su formación de manera autodidacta y se graduó con honores por la Escuela Superior de Diseño de Madrid y por la prestigiosa Central Saint Martins de Londres, donde fue becado. Con su primera colección fue seleccionado para el LVMH Prize Young Fashion Designer 2015 por el online recruitment de la compañía y, además de haber formado parte del calendario de pasarelas tan importantes como Mercedes Benz Fashion Weeka, ahora colabora con la industria cinematográfica de Hollywood.

Photo Credits: JcPajares Company
El Financial Times elige a Ürbag.ws como una de las empresas con mayor crecimiento

El prestigioso diario económico Financial Times ha seleccionado a la compañía española, creada por dos emprendedores barceloneses, como una de las “FT 1000 Europe’s Fastest Growing Companies 2017”.

El galardón, reconoce a aquellas empresas que han conseguido un mayor crecimiento en el período 2012 a 2015 de acuerdo con los parámetros de calidad señalados por el periódico, tales como los ingresos obtenidos principalmente de manera orgánica, y las empresas completamente independientes, no subsidiarias. En este sentido, Ürbag.ws, ha conseguido un crecimiento de un 76 por ciento en tres años.

Una empresa con 6 años de vida y una facturación de 5 millones de euros en 2016.

Ürbag.ws se dedica al diseño y fabricación de brand packaging y regalo promocional para grandes empresas donde la comunicación e identidad de marca es muy relevante y precisan de un socio capaz de aportar valor y transmitir con su propuesta los valores de la marca a los consumidores.

En palabras de los co-fundadores, Javier Mailan y Oriol Cardona: El reconocimiento del Financial Times es un premio a nuestra apuesta por la innovación en un sector muy tradicional. El éxito de Ürbag.ws se debe a dos cuestiones directamente relacionadas con esta filosofía innovadora. La primera, es que cubrimos dos segmentos Premium en los que hasta ahora ninguna empresa en España se había posicionado de manera conjunta: el packaging y el regalo promocional, controlando para nuestros clientes toda la cadena de fabricación de ambos segmentos. La segunda clave, se relaciona con el control y seguimiento de todos los pasos. Hemos conseguido poner a disposición de nuestros clientes un packaging y regalo promocional que da valor a la marca y que consigue transmitir sus valores y su storytelling a los consumidores más allá del producto que contienen o transportan”.

Esta diferenciación es muy relevante puesto que los clientes de esta joven empresa pertenecen fundamentalmente a los sectores Moda y Cosmética, que representan un 80 por cieno de su facturación, y entre los que se encuentran grupos y firmas de gran prestigio como Inditex, Cortefiel, Desigual, Converse, Festina, Neck & Neck, Pierre Fabre, Isdin, Cinfa...

El auge del comercio electrónico, clave de su crecimiento.

La apuesta de las grandes marcas por el packaging y el regalo promocional ha cobrado especial relevancia en la actualidad debido al auge del comercio electrónico. La necesidad de las firmas de aportar al consumidor online una experiencia de compra que transmita los valores de marca de la misma manera que la visita a una tienda a pie de calle, ha puesto en valor la necesidad de contar con un packaging personalizado al extremo y de alta calidad.

Según Cristina Mailan, Directora de Marketing: “El consumidor es omnicanal y compra online y offline. La manera en la que recibe los artículos influye directamente en el grado de conexión con la marca y por lo tanto, en su reincidencia de compra y en la recomendación a su círculo de contactos físico o digital. Por ello, hemos creado un departamento específico para atender las necesidades de este tipo de empresas con un posicionamiento de calidad y marca diferenciado, y que desarrollan una actividad online. Es una especialización que no existía antes en España y en la que Ürbag.ws ha sido pionera”, comenta.

Este y otros aspectos han hecho que, esta empresa de reciente creación, sea rentable desde el inicio, con un objetivo de facturación para este 2017, de más de 6 millones de euros.

Photo Credits: Ürbag Company
Loewe se instala en el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza

Por tercer verano consecutivo, la marca española abrirá una tienda pop-up de temporada en el MACE de Ibiza del 30 de junio hasta finales de agosto.

Loewe reafirma así su compromiso con las artes, y ejercerá como esponsor oficial del programa de verano del museo, ofreciendo además su apoyo para la exposición temporal de dibujos de la Guerlain Collection, recientemente cedida al Pompidou Centre de París.

La exclusiva selección de productos de la tienda se centrará en la colección especial que la marca ha creado bajo el nombre de Paula´s Ibiza, una colaboración con la icónica boutique conocida por sus exuberantes estampados inspirados en motivos de la naturaleza. La colección comprende tops, faldas y vestidos, así como bolsos, carteras, pañuelos, y también toallas y alpargatas. Como parte de la colaboración, los bolsos Puzzle y T Pouch han sido adornados con el motivo de un loro aplicado con la técnica de cuero intarsia de la casa. La tienda también ofrecerá los bolsos más aclamados de la marca, carteras y otros artículos y regalos en un amplio abanico de vibrantes colores, especialmente producidos para la boutique de verano.

En consonancia con la tienda pop-up, el vestíbulo del museo exhibirá una serie de piezas vintage de los años 80 cedidos por los archivos privados de Paula´s. La muestra traduce la alegre y desenfadada filosofía que caracteriza los originales diseños de esta tienda de culto. Además, con idea de celebrar el verano, el arte y la presencia de Loewe en el MACE, en julio tendrá lugar una fiesta con visitas guiadas especiales a las colecciones del museo.

Photo Credits: Loewe Company
La VI Jornada de Moda Sostenible llega a Madrid

El próximo día 25 de Mayo, Madrid acogerá por sexto ano consecutivo la VI Jornada de Moda Sostenible que tendrá lugar en el mítico Museo del Traje de la capital. Un evento único dentro del sector textil en el que cada año se dan cita los profesionales más destacados del mundo de la moda sostenible en España y Europa con el objetivo de compartir conocimiento sobre moda, negocio y sostenibilidad.

Este evento organizado por la plataforma Slow Fashion Next se prolongará durante todo el día con el fin de buscar un año más generar un entorno de colaboración alrededor de la moda sostenible para seguir creando sinergias dentro del sector. Además, esta edición contará con una exposición que permanecerá en el Museo del Traje desde el 23 al 29 de mayo en el que se mostrarán iniciativas destacadas en moda sostenible “para que todos los asistentes al museo durante ese periodo puedan comprender el valor de esos proyectos y por qué son tan importantes para la evolución de la industria textil” explica Gema Gómez, fundadora de Slow Fashion Next.

A lo largo de la jornada se tratarán temas tan interesantes como el reciclaje químico, la economía circular, cómo crear una cadena de suministro textil sostenible, la necesidad de transparencia en la cadena de producción para poder evolucionar hacia una industria textil más justa, el cambio hacia un modelo de consumo más responsable, etc. Así se contará con intervenciones de profesionales del sector como Ria Kearney, consultora experta en Made By; Brenda Chávez, autora de El libro rojo del estilo y Tu consumo puede cambiar el mundo; Vera de Pont, una diseñadora multidisciplinar de Amsterdam y Mikel Feijoo, CEO de Skunkfunk, entre otros.

Dentro del programa de actividades destacará como novedad de este año la dinámica Tómate un café conmigo, donde los expertos y los profesionales se reunirán para tener conversaciones más directas con los asistentes a la jornada quienes así tendrán la posibilidad de preguntar todas aquellas dudas o cuestiones relativas a la moda sostenible, emprendimiento en moda, materiales, procesos textiles, etc.

En este sentido, durante todo el día se continuarán generando dinámicas para fomentar el networking activo entre todos los asistentes. Y es que tal y como explica Gómez, uno de los principales objetivos de esta jornada es generar ante todo un “ambiente de colaboración y cooperación entre todos, en el que no se diferencie el que empieza del que es más experto.” Siempre partiendo de la premisa de que todos los asistentes se reúnen principalmente buscando un objetivo común: la búsqueda de soluciones e iniciativas que aporten nuevas perspectivas para evolucionar hacia una industria textil cada vez más sostenible.

Otro de los aspectos destacados de la jornada será “la presentación oficial del directorio de moda sostenible que nace con más de cien empresas y que esperamos que siga creciendo en los próximos meses para acercar cada día más la moda sostenible al consumidor final” explica Gómez.

Con su sexta edición estas jornadas, constituyen ya un evento mítico en el sector de la moda sostenible en España. Unas jornadas que “desde el principio tuvieron como objetivo elevar el nivel de conocimiento de todos los asistentes en relación con la moda y la sostenibilidad aplicada al negocio, porque creemos profundamente que el sistema de producción y consumo de la moda debe cambiar, por ello, desde el inicio trajimos a los mejores profesionales de todos los sectores que conocemos para que ese conocimiento sobre sostenibilidad, ecología, químicos, salud etc. aplicados al sector textil, pudieran llegar a una audiencia cada vez más amplia” concluye Gómez.

Fotografía: Topher Lily

“Terrific Fashion”, la historia detrás del libro

El libro, editado por 24 ORE Cultura muestra lo más sorprendente y vanguardista de la moda contemporánea. En la publicación la periodista y editora de moda y diseño Cristina Morozzi presenta una selección de fotografías con modelos de Alexander McQueen, Givenchy, Moschino y Dries Van Noten entre otros.

Durante una charla con FashionUnited, Morozzi contó cómo nació este libro que resultó tan exitoso por mostrar un enfoque diferente de la moda.

La primera idea sobre mostrar objetos extravagantes surgió mientras Morozzi trabajaba para la publicación “L´eurpeo”. El editor en Jefe le pidió que escribiera para una nueva sección a la que llamaron “Follie” y dónde la idea era publicar imágenes de objetos de diseño poco convencionales. Tiempo después empezó a trabajar para “Milano Finanza” donde tenía a cargo mostrar cosas alejadas de lo estándar, a doble página. “Por ese entonces, tenía curiosidad por descubrir cosas que fueran más allá de lo común y durante años me encargue de recolectar fotos sobre objetos raros”, comentó Morozzi.

24 ORE Cultura la convocó para editar sus libros y fue consultada para que hiciera sugerencias. “Recordé la gran cantidad de fotos sobre objetos que había recolectado en los últimos años. Así que les llevé un disco con mil fotos y quedaron impresionados”, contó. Así nació la idea del libro “Terrific Design”. Cuando se publicó, tuvo tanto éxito que le pidieron que hiciera la versión de moda con “Terrific Fashion”. “Eso me asustó un poco porque no tenía material y sólo seis meses para armar el libro, pero resultó ser un trabajo muy entretenido y a la gente le gustó mucho porque era algo diferente”, recordó.

Foto: www.museomaga.it

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Una fusión entre las bellas artes y las artes aplicadas. Eso podría ser la vocación de la escuela de la Bauhaus –cuyos términos etimológicos Bauen, en alemán, significa “construir” y Haus “casa”-siguen inspirando a los artistas, grafistas, plásticos y diseñadores de moda.

Hace unos meses, el Museo de las Artes Decorativas de París, exponía en la calle de Rivoli “L’Esprit du Bauhaus” (el Espíritu Bauhaus) a través de más de 900 obras, objetos, muebles, dibujos, textiles y creaciones de moda. Con solo 14 años de existencia (del 1919 a 1933), la Bauhaus no ha dejado de reproducirse.

La Herencia de la Bauhaus

Los muebles, como la famosa silla de Wassily, se impregnaban de códigos vanguardistas de la época, del expresionismo al arte popular. Los objetos, como la lámpara Wagenfeld concebida por Wilhelm Wagenfeld o la tetera de plata de Marianne Brandt, juntaban técnica y estética con la meta de construir un mejor entorno cotidiano para el ser humano.

Las pinturas de Paul Klee y Vassily Kandinsky defendían un “arte clásico moderno”, colorido y total, evocando el “constructivismo”. Para Olivier Gabet, director del museo parisino y comisariado de la exposición “L’Esprit du Bauhaus”, “la idea de Walter Gropius –el fundador de la escuela alemana de la Bauhaus-era que las prácticas artísticas se mezclen”.

« No confundir arte y gusto »

El historiador de arte francés, Eric de Chassey, originario de Tours, ha publicado recientemente un largo estudio sobre el arte abstracto y su influencia en el diseño contemporáneo. En su libro, el autor parece querer aclarar este “arte abstracto desordenado”, regido por los artistas cubistas del Dadaísmo y de la Bauhaus y ofrece reflexiones para evitar confundir arte y gusto.

Experimentación de la forma y de los colores

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

En la moda, numerosas marcas han utilizado la Bauhaus con sus líneas depuradas y funcionales, sus cortes geométricos y sus bloques de colores. Entre ellas se encuentran Jil Sander, Ralph Lauren, Hermès, Robert Clergerie, Sportmax, Michael Kors, Issey Miyake, Chanel, Longchamps, Marni, Essentiel, Paule Ka, Fendi o Pierre Hardy.

Y aunque todavía quedan piezas (objetos y otros) de la época, la productividad era limitada por culpa de la corta vida de la escuela “literalmente destruida por la Gestapo en 1932”, indicó Gabet al periódico belga La Libre. Los diseñadores de moda siempre han sido fieles seguidores de la Bauhaus, experimentando sus formas y colores en sus colecciones.

Rick Owens, Otoño/Invierno 2017-18

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Rick Owens ha presentado en París su última colección Otoño/Invierno 2017-18: verdadera oda a la arquitectura y a la experimentación de la Bauhaus alemana. Pantalones largos y flotantes, largos plumíferos de colores, acolchados extras puestos en la parte alta del busto y unos looks muy desestructurados cogen una nueva dimensión.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La puesta en escena del desfile recuerda al teatro. Como lo había dirigido en la escuela en la época Oskar Schlemmer. Los cuerpos femeninos están cubiertos por piezas que parecen protegerles. ¿De qué? Del frio y de todas las amenazas mecanicistas del siglo XXI.

https://vimeo.com/206572616

Louis Vuitton también coge elementos bauhausianos en su colección Primavera/Verano 2017, con una camiseta de espíritu Bauhaus dibujada por Stuart Tyson y con un precio de 385 euros.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Üterque elige un diseño Mid-Century y Bauhaus

Otro ejemplo reciente de la Bauhaus en la moda, la cadena de ropa y accesorios üterque ha adoptado el estilo en una de sus tiendas. La firma del grupo Inditex ha abierto a finales de abril un flagship store en Barcelona en el emblemático Paseo de Gracià.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La decoración interior se basa en el movimiento americano Mid-Century, que surgió en los años 50 e incorpora referencias de la Bauhaus. El ambiente es minimalista de color blanco, paredes y techos suspendidos para aligerar la tienda. El escultor peruano, Aldo Chaparro, ha participado en la decoración con la transformación de materiales prefabricados, como en el tiempo de la Bauhaus. Y para no perder sus raíces españolas, Üterque eligió una iluminación eco-eficiente que recrea la luz del Mediterráneo.

Fotos : Lámpara de Wagenfeld (pinterest), Desfile de Issey Miyake 1995, Desfile de Rick Owens FW 2017/18, T-shirt Vuitton (sitio web Louis Vuitton), Üterque (cortesía Inditex).

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Protuberancias, armaduras, asimetría: la moda revolucionaria y conceptual de la japonesa Rei Kawakubo, fundadora de "Comme des Garçons", se exhibe en el Museo Metropolitano de Nueva York, que rinde homenaje a su casi medio siglo de trabajo.

Al reunir cerca de 140 piezas para su exposición "Art of the In-Between" (El arte de lo intermedio), el Met busca dar una idea de este universo único sobre el cual Kawakubo dijo un día: "para que algo sea bello, no es necesario que sea lindo". Desde 1969, esta mujer grácil de cerquillo severo rechaza "los valores establecidos, las convenciones y lo que es generalmente aceptado como la norma", según las notas de la exposición del Met.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

El mundo de "Comme des Garçons" es el de la asimetría, del desequilibrio, de la omnipresencia de la forma, donde la vestimenta acapara toda la mirada. Armaduras, trenzas, flecos, moños, nudos, bucles, paños, pliegues; Rei Kawakubo utiliza múltiples recursos para transformar la apariencia de la mujer, a veces alejándose mucho de los cánones de la moda. Para Thomas Campbell, el director del Met, "sus creaciones se asemejan muchas veces a esculturas".

Mujer de pocas palabras, casi inaccesible a la prensa, la modista de 74 años no se expresa casi nunca en público y se niega a analizar sus creaciones, reivindicando "la ausencia de intención". Presente el lunes en el preestreno de la exposición que se abre al público este jueves y culmina el 4 de septiembre, prefirió no hablar con los periodistas.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Espíritu punk

Bajo el liderazgo del conservador Andrew Bolton, el Costume Institute, espacio de moda del Met, eligió no obstante esta línea directriz del intermedio, que corresponde a la voluntad de Kawakubo de encontrar un espacio entre las definiciones, alejado de las convenciones, para escaparse.

"Vestimentas/No vestimentas", "Abstracción/Representación", "Vida/Pérdida" son algunos de los títulos de las nueve secciones articuladas en torno al tema del intermedio. Para ilustrar el intermedio "Diseño/No diseño", el curador retuvo por ejemplo una combinación de formas reforzadas que podría recordar a un luchador de sumo, en un material que aparenta ser un papel marrón de bricolaje. Para "Ausencias/Presencias", son vestidos rojos que parecen fajar un cuerpo irreconocible, cuyas excrecencias producen un perturbador efecto de deformidad.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Rei Kawakubo confunde las pistas, borra los puntos de referencia hasta proponer otra realidad, una visión alternativa que se aleja de aquella, objetiva, del cuerpo de la mujer. "Temporada tras temporada, colección tras colección, Kawakubo cambia nuestra mirada actualizando la noción de belleza", estimó Andrew Bolton en la presentación de la exposición. Su primer desfile en París, en 1981, contrapié radical al glamur tan presente en la época, tuvo una acogida muy crítica.

En una entrevista con la revista "System", Kawakubo dijo adorar "el espíritu punk" porque "está a contracorriente", y la diseñadora consideró entonces que la palabra nacida en los años 70 podía aplicarse a todas sus colecciones. Para que la atención se dirija únicamente a las vestimentas, el Met eligió una decoración toda en blanco, con paredes redondeadas que a veces esconden, a veces revelan. Otra originalidad: algunas piezas fueron colocadas en altura, y solo pueden observarse levantando la cabeza.

En más de 70 años de vida, el Costume Institute solo consagró otra vez una exposición a un diseñador en vida: Yves Saint-Laurent en 1983. "Para mí, no había ninguna duda de que la moda de Rei tenía su lugar en un museo de arte", explicó Bolton. La obra de Kawakubo "torna superfluo el debate sobre la separación entre el arte y la moda", concluyó. (AFP)

Fotos: FashionUnited

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Para cualquiera que pueda argumentar que la moda es trivial o espumosa, su peso en la literatura no puede ser subestimado. Acabo de asistir al Festival Literario Franco-Irlandés, donde periodistas de Vogue y Elle discutieron con novelistas y guionistas la importancia de la ropa en la narración. La ropa realza la caracterización, nos pone en los zapatos de los extranjeros, permite que habitemos paisajes extranjeros. Hablando a su poder, Mark Twain dijo: "La ropa hace al hombre, las personas desnudas tienen poca o ninguna influencia en la sociedad." En esta lectura vamos a contar los siete momentos más influyentes en que la ficción y la moda se han colisionado juntas.

7. Giacomo Leopardi

En el poema de Giacomo Leopardi titulado "El diálogo entre la moda y la muerte", explora la transición de la moda y la compara con nuestra propia mortalidad: "Moda: ¿No me reconoces? Muerte: Debes saber que tengo mala vista, y estoy sin gafas. "Moda: Soy Moda, tu hermana ... ¿No recuerdas que ambos nacimos de Decay? Ambos ganamos igualmente por el cambio incesante y la destrucción de las cosas aquí abajo, aunque lo hagas de una manera, y yo en otra.”

La moda es retratada como un factor sombrío ayudando y ayudando a nuestra desaparición, y aunque escrito en 1824, el sentimiento es extrañamente aplicable tanto al medio ambiente de moda de hoy en día en el que ocurren catástrofes como el Rana Plaza y nuestra industria de lujo en la que los diseñadores como Alexander McQueen, cuyo trabajo se celebra por su danza oscura y hermosa con la muerte, sucumbe al suicidio a los 40 años.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Orlando First Edition, The Hogarth Press 1928 Fuente: www.smith.edu/libraries, y Burberry, septiembre de 2016

6. Virginia Woolf

"La ropa tiene oficios y usos más importantes que simplemente para mantenernos calientes; Ellos cambian nuestra visión del mundo y la visión del mundo de nosotros ", escribió Virginia Woolf en Orlando, la historia de 1928 de un noble que pasa a través del tiempo, se mueve sin esfuerzo entre géneros, vestida con pieles y cordones, sin nunca envejecer. La versión cinematográfica de 1992 invitó al andrógino favorito de la moda, Tilda Swinton, a ocupar el papel principal y al genio de Quentin Crisp para interpretar a la Reina Isabel I. La novela de Woolf fue un éxito contemporáneo a pesar del tema inusual para una escritora pero su apelación permanece preparando el escenario para el inconformismo de género de hoy. De Bloomsbury a Burberry, Christopher Bailey hizo referencia a Orlando en su show femenino de septiembre de 2016.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Fuente Wikimedia Biblioteca del Congreso, Fotógrafo, Napoleón Sarony, 1882

5. Oscar Wilde

Oscar Wilde, un favorito perenne de los diseñadores de moda, fue la influencia central en la colección de ropa para hombre de otoño de 2017 de Alexander McQueen. Las palabras de Wilde, "La moda es una forma de fealdad tan intolerable que tenemos que cambiarla cada seis meses" presagian el consumidor de los medios de comunicación social, quienes ansían la novedad como nunca antes. Como editor de la revista de moda, El Mundo de la Mujer , predijo en 1887 que el vestido de ambos sexos sería asimilado con mujeres que abrazaran el estilo masculino. Sus sombreros de ala ancha, largos mechones y terciopelos suntuosos, atraían tanta atención como sus novelas y obras de teatro, pero eran su atracción del deseo masculino, innombrable en ese momento, lo que hizo que aterrizara en la cárcel de Reading. Sin embargo, nunca perdió el estilo: "Si uno se comporta mal, uno debe comportarse mal en un vestido que lo convierta." Palabras para vivir.

4. Margaret Mitchell

En la novela de Margaret Mitchell de 1936 Gone With The Wind , el estilo de vida de Scarlett O'Hara en el Confederate South, está amenazado por la inminente libertad de los esclavos de su plantación. Pero nuestras simpatías se encuentran con esta pobre niña rica, cuando se ve obligada a aplastar sus escasos recursos y conjurar un vestido de ... cortinas. ¿De qué otra manera enredará a su héroe, y el dinero que trae consigo? ¿Quién no ha retrocedido lejos de su armario en una noche de sábado y deseó que tal inspiración estuviera a mano? Cuando ella se vuelve hacia su sirviente y le dice: "Váyase al ático y consiga mi caja de patrones. Mamá ... voy a tener un vestido nuevo", podríamos cerrarnos a su sentido de demanda, pero en estos tiempos de moda rápida, no podemos criticar su creatividad y hambre.

3. Bret Easton Ellis

Este pasaje del bestseller de Bret Easton Ellis, American Psycho , que gira en torno a una discusión de la banda U2 entre el narrador, el adulto típico y promedio vestido de asesino en serie, y una cita, nos invita a reflexionar sobre la apasionada relación de el yuppie de los años 80, con la moda italiana:

“ "El lleva Armani", grita, señalando al bajista. "Eso no es Armani", le grito. “- Es Emporio.” "No," grita ella. “Armani. Los grises están demasiado apagados y los taupes y las marinas también ... Las solapas con alas definidas, los cuadros sutiles, los lunares y las rayas son Armani, no Emporio.” Grito, extremadamente irritada porque ella no sepa esto, no puede diferenciar, coloco ambas manos cubriendo ambas orejas. Hay una diferencia.”

Bueno, ella esta claramente informada. Imagina no saber diferenciar en la línea difusa entre Armani y Emporio.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany's. Captura de pantalla del trailer

2. Truman Capote

La novela de Truman Capote en 1958 Desayuno en Tiffany’s lanzó a la querida Holly Golightly en el mundo de la moda. Aunque la industria pudiera creer que ella era el producto del taller de Hubert de Givenchy, el diseñador encargado de equipar a la actriz Audrey Hepburn para la versión cinematográfica, su trabajo ya estaba más o menos hecho, como podemos ver por las líneas de Capote:

"Era una tarde cálida, casi verano, y llevaba un delgado vestido negro, sandalias negras, un collar de perlas. A pesar de su elegante delgadez, tenía salud con aires de solo cereal para el desayuno, una limpieza de jabón y limón, un rugido rosado oscurecido en las mejillas ". El encanto urbano y nocturno de Golightly ha sido una referencia para los diseñadores desde entonces y ha consolidado nuestro apego al" pequeño vestido negro ".

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Miss Havisham: Wikimedia Por Harry Furniss de la edición de la biblioteca de Great Expectations, creada el 31 de diciembre de 1909.

1. Charles Dickens

El último "matrimonio" de la moda y la ficción nos lleva de nuevo a donde empezamos: Moda = decadencia = muerte. Me refiero a la gran dama de los clásicos victorianos, el momento fantasmagórico; Amarga, esquelética y encerrada en su habitación junto a su torta de bodas podrida, la señorita Havisham de Charles Dickens de Great Expectations . Los pasajes que la describen en llamas representan posiblemente la imagen más visualmente emocionante para penetrar en la mente de muchas niñas impresionables, ciertamente más poderosas que cualquier otro ejemplo moderno de efectos especiales de Hollywood, pero son las palabras usadas para describir el primer encuentro de Pip con ella, que han inspirado a diseñadores por décadas. Es fácil ver por qué:

"Estaba vestida con materiales ricos - satines, encajes y sedas - todo de blanco. Sus zapatos eran blancos. Y tenía un largo velo blanco que colgaba de su cabello, y tenía flores de novia en el pelo, pero tenía el pelo blanco. Algunas joyas brillantes brillaban en su cuello y en sus manos, y algunas otras joyas brillaban sobre la mesa. Vestidos, menos espléndidos que el vestido que llevaba, y los troncos medio llenos estaban dispersos. No había terminado de vestirse, puesto que no llevaba más que un zapato; el otro estaba sobre la mesa, cerca de su mano; su velo estaba medio arreglado, su reloj y su cadena no estaban puestos y un poco de encaje para su pecho yacía con esas baratijas Y con su pañuelo, y guantes, y algunas flores, y un libro de oraciones, todos confusamente amontonados alrededor del espejo.

No fue en los primeros momentos que vi todas estas cosas, aunque vi más de ellas en los primeros momentos que se podría suponer. Pero, vi que todo lo que en mi opinión debía ser blanco, había sido blanco hacía mucho tiempo, y había perdido su brillo, y estaba descolorido y amarillo. Vi que la novia dentro del vestido de novia se había marchitado como el vestido, y como las flores, y no había brillo más que el brillo de sus ojos hundidos. Vi que el vestido había sido puesto sobre la figura redondeada de una mujer joven, y que la figura sobre la que ahora colgaba suelta se había encogido hasta la piel y los huesos.”

Imagen de cabecera de Wikimedia Oscar Wilde: Fotógrafo desconocido, celebrado en British Library, 1875-1905 y Alexander McQueen Menswear Fall 2017

Por la editora invitada: Jackie Mallon, que está en la facultad de enseñanza de varios programas de moda de Nueva York y es el autor de Silk for the Feed Dogs, una novela ambientada en la industria de la moda internacional.