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Loewe rinde homenaje a la artesanía con una exposición única

En línea con el sólido compromiso de la casa con la excelencia creativa, la firma de origen español, ahora perteneciente al grupo LVH, anunció el año pasado la creación del galardón internacional ‘LOEWE Craft Prize’, cuyo objetivo es presentar y celebrar el trabajo realizado por artesanos de excepcional talento que se dediquen a diferentes ámbitos dentro de la artesanía.

Con este premio, la Fundación Loewe pretende reconocer trabajos de artesanía que pongan de manifiesto una clara visión artística, meticulosidad en la ejecución, fidelidad a los materiales, capacidad de innovación y el sello inconfundible de su autor.

El pasado mes de febrero fueron seleccionados los 26 finalistas de esta primera edición por un comité de expertos de entre cerca de las 4.000 candidaturas de artesanos que representan un amplio abanico de disciplinas y procedentes de más de 75 países de los cinco continentes. La diversidad de las obras presentadas abarcaba una variedad de técnicas, medios y modos de expresión.

La Fundación Loewe presentará el próximo 10 de abril en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid la exposición LOEWE Craft Prize

La exposición, recogerá así los trabajos de estos 26 finalistas, procedentes de 20 nacionalidades distintas, y que representan diferentes disciplinas que van desde la cerámica, la madera, el cristal hasta el textil o el metal, entre otros, incluyendo la obra ganadora, que se desvelará el día de la inauguración. Abierta hasta el 10 de mayo en Madrid, viajará del 31 de mayo al 7 de junio a la Chamber Gallery de Nueva York, y a Tokyo, en el mes de noviembre.

Con el galardón LOEWE Craft Prize, la casa reitera su compromiso de siempre con la creatividad en todas sus formas y disciplinas. La cultura es un pilar de la marca. Reflexionar sobre el vínculo esencial de la moda con la vida contemporánea, un sólido énfasis en el arte, el diseño y la artesanía, ha sido la base de reconstrucción de la casa para Jonathan Anderson, actual director creativo de la firma. Desde su incorporación a las filas de esta mítica marca en el año 2014 ha cosechado grandes éxitos como el bolso “Puzzle”. Un modelo plegable que ha revolucionado el mercado y que reinterpreta los códigos artesanales de la marca pero, con una visión funcional y urbana.

La división de moda y marroquinería del gupo LVMH obtuvo un crecimiento orgánico en 2016 de un 4 por ciento. El beneficio de operaciones de repetición aumentó en el 10 por ciento y registró de manera específica crecimiento en las marcas Céline, Kenzo y Loewe.

Fotos: Loewe Company
Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

ENTREVISTA “¿Por qué hoy está más viva que antes de morir?” Esta es la pregunta que se formuló la periodista y escritora Susana Martínez Vidal al inicio de su conferencia Frida Kahlo: La Gran Visionaria el pasado jueves en una nueva edición de IED Moda Talks, organizada por el Istituto Europeo di Design de Madrid. La autora del libro Frida Kahlo: Fashion As The Art Of Being impartió este simposio por primera vez en Europa y habló de por qué su personalidad, su actitud, su obra pictórica y, sobre todo, sus aclamados estilismos han influenciado no solo al arte, sino también a la industria de la moda.

“A pesar de ser una mujer discapacitada, medio indígena, no perteneciente al show bussiness y nacida en un país emergente ha sido capaz de colarse en la lista de las mujeres más icónicas del siglo XX, junto a Jackie Kennedy o Maria Callas”, explica Susana M. Vidal, exdirectora de la revista Elle en España. Nacida en Coyoacán —aunque de padre alemán— la artista siempre abogó por recuperar las tradiciones autóctonas mexicanas, luchó por sus ideales políticos y sociales, combatió valientemente sus 32 operaciones quirúrgicas y se convirtió en “la primera fashionista del arte”. Desde entonces, muchos han sido los diseñadores, fotógrafos, cantantes y artistas que se han inspirado en ella en sus respectivas disciplinas. Y en pleno siglo XXI, su legado sigue vivo más que nunca. Hoy, hablamos con Susana Martínez Vidal sobre esta gran mujer.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cómo comenzó tu idilio con Frida?

En 2013, El Huffington Post me pidió escribir un artículo sobre la reciente inaugurada exposición Las Apariencias engañan. Los vestidos de Frida. Al ver sus trajes expuestos, empecé a tener flash backs en mi cabeza y recordé la cantidad de veces que había visto desfilar a Frida en mis más de 25 años de pasarelas internacionales. En el artículo no pude contar con las imágenes que lo demostraran debido a los derechos de autor y lo tuve que transmitir con mis palabras, pero dije “algún día un libro contará la verdadera influencia de Frida Kahlo en el mundo de la moda”. Fue como un reto que me lancé a mí misma para atreverme a dar el paso.

¿Y cuándo te atreviste a dar ese paso?

Quise regalarle un libro a la directora de moda de la revista Elle , con la que había trabajado durante mucho tiempo. Después de asistir a la exposición y escribir el artículo en El Huffington Post, veía que los libros sobre Frida Kahlo eran muy antiguos y no encontraba nada que me gustara. Muchas obras se centraban más en la artista, pero no en ella como mujer. Además, durante varios meses mi artículo fue el segundo más leído en la web, y fue como una señal de que tenía que lanzarme a escribir el libro. En el artículo escribí sin fotos porque no podía utilizarlas y me dije “yo tengo que contarlo bien documentado, investigado, con la parte psicológica de a qué se debe su influencia hoy en día”.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cómo describirías a Frida Kahlo?

Contradictoria y coherente, liberal y libertina, convulsa y coqueta, feminista y femenina, revolucionaria y familiar, amante esposa y adúltera irrefrenable, indígena y mestiza, devota del comunismo y atea declarada, madre frustrada y suicida recurrente, bisexual, alcohólica, discapacitada, mártir… y sobre todo artista universal.

¿Y en una frase?

Como dijo la Tate Modern, Frida es la artista femenina más famosa de la historia. Aunque también me gusta la frase que da título al libro. La mujer que entendió la moda como el arte de ser, no como el esfuerzo de aparentar.

En la conferencia comentabas 20 lecciones de moda que nos dejó Frida Kahlo, como por ejemplo “más es mejor”, “la belleza proviene del carácter” o “los defectos pueden ser bellos”. ¿Con cuál te quedas?

La verdad es que me quedaría con dos: “La feminidad y el feminismo son compatibles” y “La actitud es el principal accesorio de estilo”. Uno por su actualidad y otro por su relevancia. La antigua diseñadora de Valentino, Maria Grazia Chiuri, pasaba al frente de la casa Dior y lo hacía con una camiseta con la frase “We should all be feminists”, una creación que se ha convertido en un hit de ventas y que hasta Carlota Casiraghi la lleva. Nos encontramos en un momento en el que por fin la feminidad y el feminismo son compatibles, y tiene mucho que ver con Frida. Ella era muy reivindicativa, pero a su vez se arreglaba muchísimo. Y la otra lección —“La actitud es el principal accesorio de estilo”— me gusta por su contenido sencillo, pero relevante. Hija y nieta de fotógrafos, se sentía poderosa frente a un objetivo, posó como una modelo y reflejó la actitud desafiante que vemos en las revistas de moda. La actitud es el mejor complemento, es más importante que la marca, el dinero o incluso que lo que llevas puesto.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cuáles son los diseñadores que más se han visto influenciados por Frida?

Uno de los diseñadores que de manera más recurrente se ha inspirado en ella es Jean Paul Gaultier con sus corsés, y creo que lo seguirá haciendo porque hace poco estuvo en México. No obstante, Dolce & Gabbana, Valentino, Moschino, Alexander McQueen o Chanel —con sus cejas de efecto cristalizado en su desfile Otoño-Invierno 2012/2013— también. Actualmente existe un uso muy comercial de Frida. Es la llamada “fridomania”, pero la moda no es eso. La moda ha buceado tanto en su universo, que solo la gente que conoce el trabajo de la artista puede desvelar el homenaje. Es muy sutil.

¿Existe alguna Frida Kahlo hoy en día?

La verdad es que no encuentro muchos ejemplos, y mira que lo he intentado. Madonna sería una de ellas, ya que es una de sus mayores seguidores. De hecho, se estrenó en Instagram con una imagen de Frida, donde escribe: “mi artista favorita”. La verdad es que su filosofía le ha condicionado mucho. Ella ha seguido fielmente el lema “voy a hacer de mi vida lo que yo quiera”. Físicamente se ha esculpido a sí misma y se ha convertido en la persona excepcional que es ahora. Y en España podríamos pensar en Rosi de Palma, pues, como Frida, ha convertido su peculiaridad en su imagen de marca y ha sabido fomentar sus defectos. Aunque por ejemplo, Carine Roitfeld comenta que sus cejas son un homenaje a Frida Khalo.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Y por qué no hay más ejemplos?

Aunque siempre va a haber gente que crea en la rareza y la individualidad, normalmente se sigue apostando por modelos estéticos muy estáticos.

¿En México puedes llegar a ver su herencia estilística?

México es un país muy poderoso y a la vez muy pobre, hay una brecha social increíblemente fuerte. Hay una parte de gente de apariencia caucásica y otra gente más indígena o mestiza, pero no reflejan la herencia de Kahlo a la hora de vestir. Quizás puedes ver su gusto por la tradición en sitios como Oaxaca o en un museo, pero no existe un street style inspirado en ella. Puede que el mejor ejemplo de haber sabido renovar el estilo de Frida sea Danié Gómez-Ortigoza, Corresponsal en Miami de Glamour México y Latinoamérica, con sus trenzas con pañuelos. La llaman la “Floridian Frida”. No copia su estilo, pero sabe capturarlo y cada día adquiere un guiño diferente de ella.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cuál ha sido la mejor experiencia que te ha dejado Frida Kahlo: Fashion As The Art Of Being?

En el periodo de investigación del libro, quise contactar con Jean Paul Gaultier para incluir alguna cita, ya que es uno de los diseñadores que más se ha inspirado en Frida Kahlo. Durante meses intenté hablar con él, pero no hubo suerte. Un día, cuando iba paseando por la orilla de la playa de Tulum (Quintana Roo, México) con mi marido, me encontré con él. Iba con su pareja en bañador, pero tuve que abordarlo y hablarle del proyecto. Era ahora o nunca. Ya nos conocíamos por un premio que le entregamos cuando trabajaba en Elle y le encantó la idea del libro. Hay declaraciones gracias a este encuentro fortuito y mágico, que solo puede ocurrir en lugar como México.

Fotos: Alejandra López-Zaballa y Assouline

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

CDMX – Para muchos, la moda es un arte, una manera de expresarse con los demás y un canal de comunicación con el mundo, el reflejo de quienes somos, la muestra de nuestros gustos y estilo; así que, ¿esto que podría tener en común con la gastronomía? Pues para los ejecutivos de la moda y diseñadores… mucho.

En los últimos años hemos visto que el mundo de la moda se ha adentrado al mundo de la gastronomía para crear experiencias completas a sus consumidores. Ahora, no solo estarás comprando un producto de la más reciente colección de tu marca favorita, también lo estarás acompañando con un latte caliente con leche desnatada… o un pedazo de pastel de chocolate… o, para aquellos pendientes de su figura, una ensalada de frutos rojos.

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

¿Necesitas un descanso en tu día de compras?

Marcas y grupos de moda, como la española Bimba y Lola, o el estadounidense, Ralph Lauren, te podrán ofrecer algo más, un llamado: valor agregado. El pionero de esta tendencia ha sido Giorgio Armani, quien desde hace muchos años cuenta con el concepto Giorgio Armani Café el cual se encuentra en diferentes ciudades y capitales de moda el mundo. Dentro de éste, puedes encontrar desde un simple café con leche hasta una cena completa con valor de 250 euros aproximadamente. Sin duda una cena con mucho estilo.

Otro de los pioneros de este movimiento, es el grupo estadounidense Ralph Lauren, el cual abrió su primer restaurante en 1999 en la ciudad de Chicago. Al entrar por las grandes puertas de madera de sus restaurantes, los consumidores no pueden evitar sentirse en una tienda de la marca; grandes paredes de madera adornan el restaurante que se encuentra lleno de mesas redondas y grandes; la decoración incluye las características significativas de la marca: artículos de equitación, grandes sofás de piel café y pisos laminados. En el menú se puede encontrar una variedad de la clásica cocina americana.

¿Sin ganas de salir pero con antojo de algo glamuroso? El dúo predilecto español, las fundadoras de Bimba y Lola, María y Uxía Domínguez han encontrado una manera diferente de adentrarse al mundo de la gastronomía, su acercamiento es mucho más sencillo y es, en definitiva, mucho más moderno. Petra Mora es un sitio de e-commerce en España que se especializa en la repartición de comida gourmet a tu casa, o como en sitio lo dice: en tu casa… o en la que tú quieras.

Entre otros de los grupos de moda que se han inclinado por el mundo de la comida, se encuentran Chanel, Hermès, Bulgari y Gucci, con su famoso Café Gucci. De igual manera, recientemente el gigante de moda rápida, H&M, se unió al grupo de los aventureros en la gstronomia al abrir su primer restaurante de cómida saludable dentro de su megastore en Barcelona.

Sin duda el estilo y el buen gusto se expande a cualquier frontera, Ahora no sólo podremos adquirir nuestros productos favoritos dentro de las tiendas, también podremos comer dentro de ellas.

Fotos: Ralph Lauren

En Imágenes: : La exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”

“Un modista debe ser arquitecto para los planos, escultor para formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida”. Esta es la frase que We Crave tomó como punto de partida para concebir su nueva exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”. Con motivo del 80 cumpleaños de la Casa de Alta Costura Balenciaga y los 100 años de la apertura de su taller en San Sebastián, el estudio de diseño ubicado en el madrileño barrio de Justicia (Calle Conde de Xiquena, 12) ha querido dar su visión personal de la obra y el legado del diseñador vasco.

Un total de 16 profesionales del mundo de diseño han participado en esta original reinterpretación, donde arquitectura, ilustración y moda se unen con un objetivo común: rendir homenaje al “auténtico couturier”, como decía Coco Chanel. A pocos días de su inauguración, viajamos por las diferentes facetas de esta curiosa retrospectiva:

Tres disciplinas artísticas unidas en una misma exposición

Tal como explica Vanessa Redondo, Directora de We Crave, “los ilustradores, los arquitectos y sobre todo los diseñadores, tienen la sensibilidad para reinterpretar el resultado de su obra y realizar una propuesta que conjugue el legado del maestro con la actualidad”. Por esa razón, esta nueva retrospectiva que se podrá ver hasta el miércoles 5 de abril, rinde tributo al legado de Balenciaga desde tres perspectivas artísticas diferentes, siempre fieles al pensamiento y savoir faire del diseñador.

En Imágenes: : La exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”

La moda y el legado del couturier en la moda contemporánea

“La mujer debe andar de forma natural y no sentirse insegura en su paso”. Cristóbal Balenciaga.

En Imágenes: : La exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”

Su técnica metódica y su perfeccionismo ayudaron a sentar las bases de la moda contemporánea, gracias a sus prodigiosos volúmenes y a un patronaje superlativo, que a día de hoy siguen vigentes. Habey, José Castro, Josué Martín Torralba, Leyre Valiente y Raquel Ferreiro han sido los diseñadores que han recreado una serie de vestidos y abrigos que beben de la obra de Cristóbal Balenciaga.

La arquitectura y Balenciaga

“La elegancia es eliminación”. Cristóbal Balenciaga

En Imágenes: : La exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”

Balenciaga fue considerado más que un diseñador, sus juegos de volúmenes y su dominio del patronaje le hizo valerse el apelativo del arquitecto de la moda. El estudio de diseño ha querido que Anabella Vivas, Ericka Ramírez, Irene Acevedo, Fabiana Paluszny, Valentina Caradonna y Víctor Sánchez Taffur realicen “un análisis geométrico y volumétrico de su obra", tomando como referencia su “desarrollo de volúmenes, la estructura de sus prendas y la complejidad de sus patrones”.

La ilustración y la mujer Balenciaga

“Una mujer no tiene que ser perfecta ni hermosa para vestir mis prendas. El vestido la volverá hermosa”. Cristóbal Balenciaga

En Imágenes: : La exposición “Decodé. Cristóbal Balenciaga”

Carmen García Huerta, María Herreros, Paula Sanz Caballero, Verónica Grech y Velwyn definen a través de la ilustración la visión de la mujer que tenía el modista. “Queremos conocer la visión de los ilustradores de la moda, saber cómo perciben a esas mujeres y cómo pueden expresar el estilo que las caracterizaba, por medio de diversas técnicas”, explican desde We Crave.

La exhibición tendrá lugar en la Galería We Crave ubicada en el número 12 de Conde de Xiquena, hasta el 05 de abril 2017.

Fotos: We Crave

CDMX - Los aficionados del couturier español, Cristóbal Balenciaga (1895-1972) y de sus diseños asombrosos tienen una nueva razón para regocijarse con su trabajo, con una nueva retrospectiva titulada “Balenciaga es el Nuevo Negro”, la cual abre sus puertas al público hoy en París, Francia. Situado en el Museo Bourdelle, la nueva exposición se centra en las prendas negras creadas por Balenciaga a lo largo de su carrera en París, desde 1937 hasta 1968. Se exhibirán cientos de diseños de los archivos de Balenciaga, la casa de moda de 100 años de antigüedad, que van desde vestidos de crepe drapeados hasta trajes perfectamente adaptados. FashionUnited te comparte algunas imágenes de la exposición a continuación.

Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”

Balenciaga es el Nuevo Negro está abierto del 8 de marzo al 16 de julio de 2017 en el Musée Bourdelle de París. Sin embargo, no es la única exposición de Balenciaga que se inaugurará este año, ya que el Victoria & Albert de Londres abrirá otra exposición sobre Balenciaga a finales de este año.

Fotos: Balenciaga es el Nuevo Negro ©Pierre Antoine.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

París abrirá en 2019 su primer museo permanente de la moda

París, cuna y capital de la moda, abrirá en 2019 su primer museo permanente dedicado a esta industria, con el mecenazgo de Chanel, una de sus firmas más emblemáticas.

El Palacio Galliera, que exhibe exposiciones temporales de moda desde 1977, dispondrá de una galería para exponer una colección permanente, montada a partir de los 200.000 objetos (prendas, accesorios, fotografías...) que componen los archivos de la institución, según un comunicado divulgado el lunes. Como mecenas exclusivo, Chanel contribuirá a financiar las obras, de un coste estimado en 5,7 millones de euros (6 millones de dólares), indicó la nota.

Estas salas llevarán el nombre de "Gabrielle Chanel", fundadora de la firma. La galería se ubicará en los espacios subterráneos del Palacio Galliera, en una superficie de 670 m2. Recorrerá la historia de la moda del siglo XVIII hasta hoy en día. "Gracias al valioso apoyo de Chanel, la historia de la moda, la excelencia de la alta costura francesa, el 'savoir faire' y la creación tendrán ahora un zócalo prestigioso", indicó en el comunicado Olivier Saillard director del Palacio Galliera. (AFP)

Foto: screenshot website Palais Galliera

Veinte años después de la muerte trágica de Lady Diana, una exposición en Londres muestra como la princesa de Gales sacudió los códigos indumentarios de la familia real británica y ascendió a símbolo de la moda.

De los atuendos sencillos de sus primeras apariciones en la prensa, a sus grandes vestidos de noche, la exposición "Diana: su vida a través de la moda", que abre el público este viernes, retrata la evolución del estilo de la princesa de Gales y la afirmación de su personalidad. "Ganó confianza a lo largo de su vida, asumiendo más y más el control de la manera en que se la representaba, comunicándose inteligentemente a través de sus vestidos", explicó Eleri Lynn, comisaria de la exposición en el palacio de Kensington, donde vivió 15 años.

Decidida a asumir plenamente su feminidad, la que fue una de las mujeres más fotografiadas del mundo modernizó el estilo de la Casa Real. Entre las prendas más celebradas, está el vestido largo de terciopelo azul oscuro de Victor Edelstein que llevó a una cena en la Casa Blanca ofrecida por el presidente Ronald Reagan en 1985, con el que bailó con el actor John Travolta al ritmo de la canción "You Should be Dancing".

Apodado "Travolta", el vestido se vendió en subasta por 250.000 libras (297.000 euros, 311.000 dólares) hace 3 años. Otra prenda reseñable es el vestido de seda que lleva en cenas privadas en el palacio de Buckingham en los años 1980, y en el que se pueden apreciar unas marcas de dedos pequeños de uno de sus hijos, Guillermo o Enrique.

La exposición sirve asimismo para constatar como la esposa del príncipe Carlos, una de las mujeres más fotografiadas de la historia, usó su indumentaria con fines diplomáticos. El "vestido del halcón dorado" es un ejemplo. Diana llevó esta prenda de la diseñadora Catherine Walker en una visita a Arabia Saudí en 1986. El vestido de seda color crema llevaba unos halcones dorados bordados, y este pájaro es un símbolo nacional saudita.

Pero fue la ruptura de los códigos reales para entregarse a un estilo más funcional lo que la permitió pasar de "princesa de Gales" a "princesa del pueblo", como la bautizó tras su muerte el entonces primer ministro Tony Blair. Diana reunió un "vestuario de trabajo" más informal, compuesto de trajes-chaqueta de Catherine Walker y otras prendas de sastrería con los que era frecuente verla en sus proyectos caritativos.

Estos trajes estaban diseñados para transmitir accesibilidad en actos de beneficencia, como sus reuniones con personas seropositivas o sus visitas a los niños en el hospital. Después de su separación del príncipe Carlos en 1992, Diana optó por la osadía y los vestidos más cortos y ceñidos, como el que lució en 1997 en una subasta de caridad, y que integra también la muestra.

La exposición se extiende del palacio a sus jardines, donde sus hijos anunciaron su intención de colocar una estatua de su madre, para conmemorar el 20º aniversario de su muerte, el 31 de agosto de 1997 en un accidente en la carretera bajo el puente de Alma de París, cuando era perseguida por paparazzi. (AFP)

Grecia acaba de reafirmar su mensaje de que la Acrópolis ni se vende ni se alquila, rechazando la solicitud de la firma Gucci de organizar un desfile de alta costura en junio en el monumento, informaron este miércoles los medios griegos.

El Consejo Central de Arqueología, KAS, escrupuloso vigilante del antiguo patrimonio griego, tomó esta decisión por unanimidad el martes. "La Acrópolis es un símbolo para toda la humanidad, que no puede ser objeto de transacciones comerciales", afirmó, citada por los medios de comunicación, la secretaria general del ministerio de Cultura, Maria Andreadakis-Vlazakis, justificando la negativa.

Gucci, firma emblemática del grupo de lujo Kering, se mostró sin embargo convincente. Su demanda comprendía al parecer una contribución de 2 millones de euros al programa de conservación de la Acrópolis, y prometía beneficios turísticos para el país, que atraviesa una grave crisis económica. "Estamos siempre abiertos al mecenazgo", pero la "difícil situación económica del país" no es un argumento para ceder el monumento, argumentó Andreadakis-Vlazakis.

Por su parte, la prensa se mostró menos correcta con este asunto. El diario Kathimerini calificó la petición de Gucci de "humillación" y sus argumentos financieros a favor del monumento de "cinismo abyecto". El templo del Partenón, que iba a ser el decorado principal del desfile, "forma parte del patrimonio cultural mundial, no solo por su belleza, sino, aún más importante, por ser el símbolo de la democracia", recordó en el editorial la publicación.

La explotación con fines comerciales de los lugares antiguos griegos sigue siendo inusual, salvo en algunas ocasiones por decisión del ministerio de Cultura. En el caso del cine, solo la directora grecocanadiense Nia Vardalos y el estadounidense Francis Ford Coppola han podido rodar en la Acrópolis en los últimos años.

O el caso de las fotografías de la cantante Jennifer López que, como lo recuerda el rotativo griego, fueron autorizadas en 2008 en la Acrópolis por el entonces ministro de Cultura, ignorando la opinión del KAS. La Acrópolis, el monumento mas visitado de Grecia, que reagrupa los templos del Partenón, de Atenea Niké y de Erectón, adquirió su actual fisonomía en el siglo V a.c., la edad de oro de la democracia ateniense, bajo el impulso del gran dirigente Pericles. (AFP)

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Ciudad de México - Es el comienzo de un nuevo año, donde todos ya estamos ansiosos por ver nuevas oportunidades, inspiraciones y diseños que se harán en la moda este año. Sin embargo, no hay nada como ser capaz de ver la moda en la vida real, poder experimentar el proceso creativo poder adentrarnos en el diseño de cerca y en persona. Las exposiciones de moda son una excelente manera de explorar las raíces de algunas de las principales casas de moda, las tendencias de la moda y los movimientos que han llegado a dar forma y definir la historia de la industria, por lo que FashionUnited ha redondeado a las diez principales exposiciones de moda de 2017.

Hubert De Givenchy - A Audrey con Amor

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: The Gemeentemuseum, La Haya, Holanda

El couturier francés Hubert De Givenchy, fundador de la casa de moda Givenchy, se dice ser uno de los diseñadores principales del vigésimo siglo. Junto con Christian Dior y Cristóbal Balenciaga, ha dejado su huella en la historia de la alta costura. Esta gran retrospectiva de su obra, titulada Hubert de Givenchy - A Audrey con Amor se creó junto con el propio diseñador y ofrece a los visitantes una visión única de su carrera, desde la apertura de su casa de moda en 1952, hasta su jubilación en 1995, centrándose en algunos de los diseños preferidos personales de Givenchy. Por si fuera poco, la exposición también se centra en su amistad con la icónica actriz Audrey Hepburn, al igual que algunos de los diseños llevados por Hepburn, bocetos, fotografías y atuendos usados por ella en algunas de sus películas.

Hubert de Givenchy - To Audrey with Love from Gemeentemuseum on Vimeo.

Cuando: Del 26 de Noviembre al Marzo 26, 2017.

Fotografía: Exhibición: “To Audrey with Love”, Don-Alvin Adegeest, FashionUnited

Al Desnudo: La breve historia de la ropa interior

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: El Museo Victoria & Albert, Londres, Reino Unido

Si te has preguntado alguna vez sobre la historia de la ropa interior, o la evolución del sujetador, entonces esta es la exposición para ti. El Victoria & Albert Museum es actualmente la sede de la exposición más grande de diseño de ropa interior jamás antes vista, donde muestra más de 200 piezas. Titulada Al Desnudo: La breve historia de la ropa interior, la exposición destaca los cambios en el diseño, los temas y la innovación en la ropa interior desde el siglo XVIII hasta la actualidad. Incluye piezas raras hechas a medida, como las "estancias" usadas por una mujer trabajadora en Inglaterra en el siglo XVIII, hasta lencería de Stella McCartney, Rigby & Peller y Paul Smith. Además, la exposición tiene como objetivo explorar la relación entre la moda y la lencería, mirando nuestra noción de cuerpo ideal, sexo y moralidad.

Cuándo: Del 16 de abril de 2016 al 12 de marzo de 2017

Foto: Cortesía de Victoria and Albert Museum

Peter Lindbergh - Una Visión Diferente de la Fotografía de Moda

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Kunsthal, Rotterdam, Holanda.

El fotógrafo de moda Peter Lindbergh es quizás uno de los artistas más célebres de la industria. Se le ha acreditado el lanzamiento de las carreras de las supermodelas de los años 90, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington y su trabajo aún continúa siendo reconocido en toda la industria. A diferencia de otros fotógrafos de moda que utilizan la moda, el glamour y el sexo para crear sus fantasías, el objetivo principal de Lindbergh siempre ha sido capturar la esencia pura y cruda de sus temas con las prendas reales actuando como su idea principal. Esto, combinado con su pasión por la narración de cuentos, los paisajes y la danza, es el foco de su exposición internacional Una Visión Diferente en la Fotografía de Moda, es una retrospectiva creada por Thierry Maxime-Loriot, que incluye fotos, bocetos, notas personales y otros artefactos de los archivos personales de Lindbergh.

Cuándo: 10 de septiembre de 2016 hasta el 12 de febrero de 2017

Fotografía: Adelanto a Prensa en Kunsthal, © Simon Trel Photography http://www.simontrel.com/, FashionUnited

Balenciaga: Formando la Moda

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: El Victoria & Albert Museum, Londres, Reino Unido

El V & A está previsto para albergar otra importante exposición de moda este año, que celebra el trabajo del couturier Cristóbal Balenciaga. La retrospectiva marca la primera exposición del Reino Unido sobre la obra del diseñador y coincide con el centenario de la apertura de la primera tienda de Balenciaga en San Sebastián y el 80 aniversario de la apertura de su famoso salón en Paris. La exposición examinará de cerca la artesanía y la habilidad que hicieron que las creaciones del diseñador fueran tan únicas, mientras se explora cómo sus diseños formaron creaciones futuras. Incluirá más de 100 prendas y 20 sombreros fabricados por el couturier, así como bocetos nunca antes vistos, películas, fotografías y muestras de tela.

Cuándo: 27 de mayo de 2017 al 18 de febrero de 2018

Foto: Cortesía de Victoria and Albert Museum

Rei Kawakubo / Comme des Garçons - Instituto del Traje

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: The MET, Iris y B.Gerald Canton Exhibition Hall, Nueva York, EE.UU.

La exposición del Instituto Costume de primavera de 2017 se centrará en el trabajo de Rei Kawakubo y Comme des Garçons. La exposición explorará la fascinación de Kawakubo con lo intersticial - el espacio entre las fronteras - y contará con 120 diseños de womenswear para Comme des Garçons. Las prendas se remontan hasta el primer desfile de Kawakubo en París en 1981 hasta su colección más reciente y se organizarán temáticamente en lugar de cronológicamente. Con el fin de mejorar el estado "intermedio", los maniquíes utilizados en la exposición se mostrarán a nivel de los ojos, sin barreras físicas, con el fin de romper la distancia percibida habitualmente entre visitante y objeto.

Cuándo: 4 de mayo de 2017 a 4 de septiembre de 2017

Foto: Rei Kawakubo para Comme des Garçons (Japonés, fundado en 1969), "Body Meets Dress - Dress Meets Body ", Primavera / Verano 1997. Cortesía de El Museo Metropolitano de Arte, © Paolo Roversi

Marilyn - Quiero ser amado por ti

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Hotel de Caumont, D'Art Center, de Aix-en-Provence, Francia

Marilyn Monroe es quizás una de las actrices más fotografiadas en la historia del cine. Ha sido fotografiada por algunos de los más célebres fotógrafos de su época: André de Dienes, Milton Greene, Philippe Halsmann, Eve Arnold, Cecil Beaton, Sam Shaw, Ed Feingersh, George Barris y Bert Stern, cosa que contribuyo a hacerla un ícono internacionalmente conocido. La exposición, llamada Marilyn, explora la relación que la actriz tenía con la fotografía y el papel que desempeñó en la creación de su icónica imagen. Con más de sesenta fotografías, la exposición sigue su carrera de modelo pin-up, a una actriz, a la legendaria estrella y cómo su excepcional naturaleza fotogénica contribuyó a su ascenso a la fama.

Cuándo: 22 de octubre de 2016 al 1 de mayo de 2017

Foto: por Milton H. Greene © 2016 Joshua Greene - www.archiveimages.com

El mundo de Anna Sui

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Fashion and Textile Museum, Londres, Reino Unido

Anna Sui es una de las diseñadoras de moda más emblemáticas de Estados Unidos. Su rock and roll de firma, y su estilo romántico es conocido por ser capaz de reinventar la cultura pop tiempo tras tiempo, manteniéndose relevante con cada nueva generación. La exposición El mundo de Anna Sui sigue su ascenso a la fama, comenzando con su primera pasarela en 1991 hasta nuestros días y explora cómo sus diseños han moldeado el curso de la historia de la moda. Esto marca la primera vez que un diseñador estadounidense ha sido el foco de una exposición retrospectiva en el Reino Unido. La exhibición cuenta con más de 100 looks del archivo de Anna Sui, mostrando una lista de Surfers y School Girls, a los Hippies, Mods y Punks.

Cuándo: 26 de mayo de 2017 al 1 de octubre de 2016

Foto: Anna Sui, 2011 © Anna Sui; El mundo de Anna Sui, portada del libro 2017

La Casa de Dior: 70 años de Alta Costura

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: La Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia

En honor al septuagésimo aniversario de Dior, la casa de moda francesa se ha unido a la Galería Nacional de Victoria para acoger una exposición retrospectiva única. Titulada Casa de Dior: setenta años de alta costura , la exposición cuenta con más de 140 prendas diseñadas por Christian Dior Couture entre 1947 y 2017, lo que la convierte en la mayor retrospectiva de Dior en Australia. La exhibición explora la historia de Dior, examinando piezas clave de los siete diseñadores que han jugado un papel fundamental en la configuración de la identidad de la casa de moda: Christian Dior, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri. La exposición también se centra en las primeras influencias de Christian Dior, los códigos de diseño, al igual que ofrece una visión de sus talleres de trabajo, así como el papel de los accesorios.

Cuándo: 27 de agosto de 2017 a 7 de noviembre de 2017

Foto: Dior SS17, Catwalkpictures.com

Diana: Su Historia de Moda

Dónde: Kensington Palace, Londres, Reino Unido

A pesar de que han pasado casi 20 años desde su muerte, el estilo de la princesa Diana sigue viviendo y será homenajeado en una exposición especial en el Palacio de Kensington. Titulada Diana: Su historia de la moda , la exposición sigue la evolución del estilo de la princesa Diana, empezando por los clásicos y románticos trajes de sus primeras apariciones públicas, hasta el aire elegante, glamuroso y sofisticado que exudó más tarde en la vida. La exposición está destinada a mostrar una serie de sus trajes favoritos, incluidos los vestidos de noche usados en los compromisos en la década de 1980, hasta los trajes de Catherine Walker conocidos como "vestuario de trabajo" de la princesa Diana en la década de 1990. También está dispuesta a examinar su relación con sus diseñadores favoritos en ese momento.

Cuándo: Abre 24 de febrero 2017

Museo Yves Saint Laurent

Las 10 exhibiciones de moda que tienes que ver este 2017

Dónde: Museo Yves Saint Laurent, Marrakech, Marruecos y París, Francia

No uno, sino dos museos dedicados a la obra del difunto Yves Saint Laurents, abrirán sus puertas este año. Situados en París y Marrakech, los museos están dispuestos a ofrecer a los visitantes una mirada más cercana a la vida y la carrera de la amada couturier. Este último de los dos museos tiene un significado especial, ya que se dice que la propia ciudad tiene un profundo efecto en la vida del couturier. Juntos, la Fundación Pierre Bergé - Yves Saint Laurent y la Fundación Jardin Majorelle abrirán el museo Yves Saint Laurent Marrakech este otoño, que contendrá una selección de la obra del diseñador. El edificio del museo fue diseñado por la firma de arquitectura francesa Studio KO, y está situado junto al Jardin Majorelle, que el diseñador salvó de la destrucción, junto con su único compañero de vida Pierre Berge, en la década de 1980.

Cuándo: Otoño de 2017

Foto: Cortesía del Studio KO, Musee Yves Saint Laurent, Marrakech

Foto de Portada: Peter Lindbergh Press Preview en el Kunsthal, © Simon Trel Photography, FashionUnited.

Pierre Cardin inaugurará la 080 Barcelona Fashion con la obra musical "Dorian Gray"

La 19ª edición del 080 Barcelona Fashion contará con el apadrinamiento de lujo de la mano del diseñador francés Pierre Cardin, que presentará su producción “Dorian Gray. La belleza no tiene piedad”, en la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya (TNC), en la velada inaugural de la semana de la moda catalana, que se celebra del 30 de enero al 3 de febrero.

Tras el éxito de la entrena en La Fenice de Venecia, el prestigioso diseñador francés presentará en el TNC su obra, un espectáculo musical que reflexiona sobre el inexorable paso del tiempo a partir de la obra de Oscar Wilde.

La presentación tendrá lugar el lunes 30 de enero, en la jornada de apertura del 080 Barcelona Fashion y contará con la presencia del prestigioso creador, que es productor y responsable de vestuario. En el marco del acto, la organización del 080 en nombre del gobierno de la Generalitat, rendirá un homenaje a la trayectoria profesional del diseñador.

Una edición con el foco puesto en la moda y el teatro

Este espectáculo centrará la inauguración de gala del 080 Barcelona Fashion, una edición que quiere potenciar las sinergias entre el mundo de la moda y el teatro, y estrechar vínculos con otras manifestaciones culturales.

A través del texto y la música, esta obra de Daniele Martini habla de la belleza y las obsesiones de un icono perfectamente actual. La narración empieza en el momento en que Dorian ha cumplido ya treinta y ocho años y ya es un hombre maduro. Aunque su aspecto ha permanecido inmutable con el paso del tiempo, su alma, atrapada en el cuadro que tiene escondido hace años, muestra signos monstruosos e inconfundibles de hechos inconfesables. Cada una de estas marcas tiene una historia, una emoción, que Dorian revive conforme reflexiona sobre la vida, a partir de afrontar su propia belleza.

En aproximadamente una hora y media, las quince arias de la partitura se engarzarán en un torrente de interpretación y de intensos planos de luz. La acción estética se desarrollará en un contexto escenográfico abstracto y sólido, en sinergia con la aportación de los vídeos que transportan la acción escénica de la perspectiva del protagonista a una dimensión fantástica.

La dirección artística y las escenas del espectáculo están firmadas por Rodrigo Basilicati, la nueva producción, bajo la dirección original de Wayne Fowkes y de Emanuele Gamba y el vestuario de Pierre Cardin. El intérprete del legendario personaje novelesco de Wilde será Federico Marignetti, acompañado en escena por Thibault Servière. Completan el reparto artístico Daniele Falangone responsable de arreglos y sonido, Sara Caliumi, diseñadora de vídeos y Paolo Bonapace, diseñador de iluminación.

Foto: desfile Pierre Cardin "70 years of creation" en la Academia de las Bellas Artes de París